如何评价阿道夫·蒂姆森的香味？

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“这就是血战。它没有开始，没有结束，没有希望，没有道义，没有仁慈，没有怜悯，也没有骑士精神。

……这场战争没有胜利者。它只有牺牲者。无数的牺牲者。”

——摘自<TheUnityofRings>

从二战结束到现在，一些日本人对日本曾经在战争中犯下的罪行和应该承担的责任一直讳莫若深，或者顾左右而言他，或者拼命地给历史翻案。在经历过战争的老一辈人逐渐死去之后，他们的后代、以及他们后代的后代，其实都不知道什么叫战争。战后的和平宪法给日本带来了半个世纪的发展与和平，也为日本再度走上错误的道路设置了不可逾越的障碍。然而，战争之后多数人所选择的遗忘——遗忘那些不光彩的过去，只是还怀念自己受到的创伤——在日本离开军国主义道路的同时，这些也使后代的认知走向了另一个方向。对年轻人而言，他们的战争知识是从军事杂志、从历史小说、从电视的新闻画面、从战争**上得到的，要么就是从老一辈人对战争创伤的纪念中得到；这种认知日积月累，产生出一种纯粹的受害者意识，另外就是对战争的浪漫想象。

人们一直在不停地重复他们对战争的这两种认知，这股潮流随着时间的发展而变得越来越壮大。在如此的背景下，《三个阿道夫》于1983年初开始连载，至1985年收笔。它并没有刊登在漫画杂志上，而是在著名的时事新闻杂志<周刊文春>上连载；这部作品已经超脱了一般漫画的范畴，面对的也不是普通的漫画读者。虽然获得了第10回讲谈社漫画奖，但它在日本的知名度却不高，这倒多半不是因为它对战争的绝对批判态度；恰恰相反，也有很多动漫作品同样以“批判战争”为主导思想，其中不乏拥有广泛人气并在商业化上取得巨大成功的例子。就连<高达Seed>这种就是一帮资产阶级的**少爷们吃饱了撑的、在那无病呻吟的东西，都要在表面披上一张“反战啦反战啦”“大家不要互相伤害啊”的皮；诚然，和《三个阿道夫》比起来，它只是极肤浅的一个例子而已。

在确实涉及二战题材的作品中，吉卜力的<萤火虫之墓>和北条司的<那年夏天很笛子>可说是概括了其中一方面的认识。诚然，日本民众在二战期间，尤其在二战末期受到了惨痛的损害，纪念这些创伤是应该的，但那些一味强调自己的伤口、并把这伤口夸大成战争全部的作品，是否也是在自觉不自觉地躲在自己的疮疤之后，以此逃避道德的责任和反思？——无知扭曲了人们对战争的印象，然后，在逃避之后接踵而来的就是对战争过分浪漫的美化。松本零士的<战场漫画短篇集>，选择了几十个二战期间的小场景讲述普通士兵的故事；平心而论，这确实不是一部军国主义的作品，事实上松本在他漫画里的不少地方也骂军部和政府发动战争，让无辜的人白白丧失生命。然而要命的是，松本零士本来就是一个极端浪漫主义的人，于是，他看二战的视野就完全缩小到了“帅气”的武器装备、以及去装模作样地感叹互相争战的人们——不管其立场如何——在战争中表现出来的“勇敢”、“热血”、“青春”……

松本零士和宫崎骏（如宫老爷子的“猪头军”），和手冢治虫一样都是老一辈的漫画家。但比起1928年出生的手冢，松本小10岁，宫崎小13岁：这是最关键的问题。战争结束的时候，松本和宫崎分别才七岁和四岁，根本不懂事，对战争的记忆决不可能有手冢那样刻骨铭心。他们的浪漫主义用在宇宙或异世界里是非常好的，但用在二战的战场上，就只能说是极不适合了。把战争浪漫主义化，松本只是一个代表；到了<星界>系列和<礼武战奇谭>，更是任何一个有理性和良知的人都应该坚决唾弃的：前者的种族主义和专制思想简直令人作呕，至于后者，这种完全沦落成渣滓的东西甚至已经不用再提它了。虽然以日俄战争为背景，但它绝对称不上“为军国主义张目”什么的，纯粹就是极度愚蠢无知而已。像<沉默的舰队>这样的漫画，老实说就连上面提的那些垃圾作品都不如，而且还造成了严重的负面影响。

把视野再稍微放广一些吧。在我们的印象里，所有涉及到战争的动漫作品中，有哪一部不是带着浪漫主义的色彩去看的？为数极少。在宇宙里纷飞的五彩光束和板野马戏团、一个接一个爆炸开来的绚丽火球、把战争简化成男主角抱着心爱的女人一路打过去最后干掉Boss的幼稚的RPG式进程——我并不是说这些不应当存在，用浪漫主义的视角去描写战争也不是只在动漫的领域才有，只要不涉及现实政治，这当然没什么问题；只是，我们在端着咖啡“欣赏”战争、享受美感的同时，能不能在心底里留住一点美感以外的东西，想到在华丽的艺术手法背后，每一个爆炸的火球其实都意味着多少生命的丧失，和多少家庭的悲剧……？

所以我们直到今天还记得那少数几部用现实的沉重笔调描绘战争的作品，尽管它们的商业性可能比不上某些垃圾之作。我们记得<太阳之牙达格拉姆>、《装甲骑兵波特姆斯》，记得《金星战记》，记得高达的那三部8字头OVA；它们都是一提到就足以令人肃然起敬的作品，而更在它们之上，我们应该记住《三个阿道夫》。我愿意借用当年美国报纸对<辛德勒的名单>的一句评论：这不是一部可以让你一边吃爆米花一边看的漫画。《三个阿道夫》当初被编辑要求“画出一部气势磅礴、波澜万丈的史诗剧”，而手冢把它变成了一部真正的史诗。

——在漫画的最后两章，二战已经结束了三十年。从日耳曼人对犹太人的屠杀，到犹太人和阿拉伯人之间无休止的血腥复仇，历史一次次地重复，一次次完成那令人叹息的循环。手冢在画到二战结束的时候没有收笔，而是把结尾放在以色列-巴勒斯坦，那至今还在上演着同样循环的土地上，这使得漫画有了一种超越性的广阔视野和切身的现实感。如果一个人、一个民族只因自己曾经遭受过屠杀和践踏，于是就把这种屠杀和践踏报复式地还于加害者、甚至另一个无辜的民族身上的话，那他和自己所憎恨的加害者又有什么区别？——当看到全书最后的时候，眼前那幅画面仅有寥寥几笔，却能令人铭记终身：残垣枯树，排排墓碑。这一连串的复仇和战争，带来了什么？最后还能剩下什么？遗憾的是，即使到今天，我们也无法作出回答。

当面对日本在二战中的种种暴行时，手冢治虫毫不隐瞒。漫画平实又深刻地记载着那个时代的一切：军国主义统治下的高压政策、狂热的民众、野蛮的军队、战争、屠杀。而对发动战争的那些人，他则执以最尖锐的批判武器，把他们的画皮刺得体无完肤。希特勒的死被手冢描写得极尽讽刺：用刀的，必死于刀下。而当他的死影响到半个地球之外的考夫曼的时候，甚至已经激烈得不能称之为讽刺了——那简直是最残酷、最悲哀的现实。应该知道，虽然第三个阿道夫的这份出生证明文件作为线索从头串到尾，但漫画的主旨并不是像惊险故事一样描写双方争夺文件的过程：这部漫画于1985年5月30日结束连载，而且在连载中手冢因病住院，所以后半部在单行本出版时有大幅度的加笔——89年手冢就去世了。作为手冢所有作品中政治倾向性最强的一部，《三个阿道夫》从此也在历史的天平上将自身化为沉重的砝码，压在读者的心里，也压在天平上和战争绝对对立的那一端。

《三个阿道夫》在日本的舞台就是作者少年时代（和漫画描写的时期相同）曾经生活过、对之非常熟悉的神户。他画出的一切都那样真实，从民风民俗、街头招贴到交通地理，大多数地方在现实中都还能找到原形。在峠草平不懈追寻和斗争的过程中，手冢的影象渐渐和他重合，他把自己在战争期间的所见所闻、所思所感全部加诸于草平身上，两人合力创造了这样一部伟大的名作，在短短的七本小书里记载了两个帝国的兴衰。手冢勇敢地回过头去直视曾经走过的那个时代，告诉他的读者：我们应该反省。——反省什么？还是那个永远的疑问：为什么德国和日本会变成这样？背后的根源是什么？——那是对某个野心家的个人崇拜、为了宣传被生造出来的那种“爱国心”、对一种极端理念的信仰。世人皆相信只有自己为正义，但有谁有权为了自己的正义能够生存而去剥夺他人的生命和自由？……

所以，峠草平才在漫画的最后说道：“我希望读者能想一想，正义到底是什么”；所以，在书中那段最悲哀的故事里，手冢亦借本多芳男之口说了一句至关重要的话。

“非得轻视或憎恨他人才叫爱国吗？我可不敢领教。”

1945年初，美军飞机开始对日本本土的大规模轰炸。在轰炸的主要目标之一——大阪——的工厂里，手冢治虫正在那里被“勤劳动员”当学生工。战争末期的那段日子改变了他的一生。什么叫战争？什么是生命？他体会得比后代所有的漫画家都深刻：那是切身切实的体会。看看手冢笔下遭到轰炸的珍珠港和大阪吧，这就是手冢眼中的战争：残酷、恐怖、充满死亡气息，完全和所谓的浪漫无缘——他对轰炸的描写和叙述，没有亲历过的人凭想象绝对写不出。他的很多同学都在防空洞里被炸死了，战争结束前夕，手冢一个人从大阪徒步赶回家时，在漫长的道路两旁看到的是人间地狱……不，是超过地狱的“世界末日”的情景。那种情景此后永远留在他的心中，在多少部漫画中表现出来，有时表现为对生命的歌颂，有时表现为对战争的控诉和对死亡的反思。

其实，最根本的问题，正如田中芳树笔下的杨威利所言：

“在人类社会的历史上，可以分成两种思想潮流。一说真理比生命更重要，一说没有比生命更有价值的东西。当人类要发动战争时，他们会以前者为借口，但当他们要结束战争时，又会拿后者作理由。千百年来，都是一直如此重复着……我只是想，流了这么多血，也该能得到什么等值的东西了吧？”

在被火鸟带走之前，手冢治虫为我们留下了这个伟大的故事。对那段历史而言，最有权回头叙述的，并不是峠草平，而是手冢治虫本人。把这个故事交由神来讲述，实在是再合适不过了；也只有如他这般深远的视野、慈悲的心灵，才能最彻底地把历史的精髓表达出来。漫画选择的舞台很小，但却包含了战争中的一切：从当年零式在空中的呼啸“宛若象征了日后日本的命运”，直至在终战诏书响起的那一刻，笼罩在日本上空的阵阵啜泣和随之而来的虚脱感与肃杀的沉静。——那个时代就是这样，我们的历史就是这样。在战争的废墟上，掩埋了死者，生者还得继续生存，新的生命也从失去生机的母体中诞生；一切生生死死，轮回不息，构成天道的巨大循环。

如果一个人此前只看过手冢治虫的少年向漫画，他初看《三个阿道夫》时一定会被这种严肃写实的画风吓一跳。画成年向漫画的时候，手冢已经没必要去迎合孩子的欣赏趣味了，于是他就可以把手里的画笔发挥到极致；漫画的线条简洁醇厚、除了两三个特例之外，人物的画风也不再有戏剧化的过度夸张。到了晚年，他的画功居然精进如斯：作品中出现的百来个角色，包括那些只露一次脸就再也不出现的小配角，全都刻画得活灵活现，深深印在读者的脑海之中。对漫画所要表达的主题来说，这写实的画面是必不可少的外壳，而画面也反过来烘托出剧情的千回百转柳暗花明。一个漫画家能有这样的水准，可说是已臻于极境，再没有谁能与之相比。

私以为，放眼日本漫画，《三个阿道夫》可称为第二伟大的名作，也是手冢治虫一生中第二伟大的作品。在所有漫画中，它仅次于<火鸟>，如果把一部漫画比作一个人，那《三个阿道夫》就是所有人中间最伟大的一个（而《火鸟》是神）。这部漫画不应该被忽视、忘却，它应该让所有人都知道；人们都应该听听手冢的反思，自己也思考一下作者想要通过漫画告诉我们的话，——同时，也抬眼看一看，那灵魂折射在存在层面上的耀眼闪光。

本漫画的日文原名叫《アドルフに告ぐ》（AufrufanAdolf），手冢在最后两章中以两种不同的方式呼应了这个主题。若使用第35章出现的海报标题，则可将此名译作《昭告阿道夫》；但事实上，当看到最后一章中的那部小说时就能明白，这一名字还是简单地译作《告诉阿道夫》最好。但不知出于何种缘由，台湾中译本的译者最后却用《三个阿道夫》做了全篇的标题：也许是出于商业上的考虑，觉得这个名字更通俗，容易为多数读者所接受？虽然就结果论而言，只要这种改动能使更多的人去看这部漫画，那就是好的，不过同时必须承认，这个译名确实偏离了原意，也稍稍削弱了漫画中前后呼应的巧妙手法。

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《仙女》

布格罗集女性人体美于这一幅画中，罗丹曾这样赞美：人体，尤其是心灵的镜子，最大的美就在于此，我们在人体中崇仰的不仅是如此美丽的外表，而是那使人体透明发亮的内在的光芒。”布格罗以古典主义的美学观念，运用古典艺术技巧，精致地描绘了理想的美人，她们非人间所有，因此人们称她们为仙女。

注：希望中文学校家长绘画的课程设计是由三部分组成：艺术欣赏，艺术评论和艺术实践。 这三维构架又是围绕着素描，水彩和国画写意这三个绘画技法，切入展开，感悟实践，以求次第升华。 这一期的“素描赏析-门采尔” 是我们学员艺术评论作业的一部分。 学员们分组讨论，自选命题，对画家的生平事迹，社会背景，艺术风格，影响成就进行汇总编辑，互动演讲。 大家反应良好，收效甚佳。 这一期的主讲人有：白晶，孙燕，王川， 王天池，赵丰，李湘，段伟莺，马景怡。 在此真心感谢每一位学员的积极配合，倾情付出。- 讲师：燕语洲

阿道夫·门采尔（Adolf von Menzel）, 是德国19世纪著名的现实主义艺术大师，著名的素描大师，欧洲历史画家、风俗画家。他生于1815年，逝世于1905年，享年90岁。从13岁开始学绘画，从艺生涯近80年，他的生命与艺术几乎贯穿了整个19世纪。门采尔一生共创作了一万五千多幅速写，七千多张素描，数量非常惊人。门采尔选取的绘画题材十分广泛，反映了各阶层人物的生活，真实而深刻地表现了他所处的时代。

门采尔身材矮小，性格孤僻，一辈子没有结婚，这种性格却使他能执着一生追求艺术，发展自己独立的艺术风格。门采尔毕生奋斗的箴言是：“我们的命运只是攀登，达到高峰乃是下一代的事业”。

门采尔出生在德国东部布莱斯的一个印刷作坊的家庭，他是石版工之子。父亲一心想培养儿子做一名教授，但是从小就显露出非凡的艺术天才的门采尔终于在三岁的时候使父亲对他的前途重新审视。父亲开了一家印刷作坊一面养家，一面培养门采尔的绘画才能。门采尔不负父亲所望，十二岁就办过素描展览。

在门采尔十五岁那年为了更好地拓展事业，也为了他能有机会接受学院派教育，父亲决定举家迁往新兴的首都柏林。但是刚刚在柏林安顿下来两年，门采尔的父亲骤然身故。门采尔毅然挑起全家的生活重担，照顾母亲和两个弟妹。他继承了父亲的作坊，很快就在同行中出类拔萃，并为歌德的诗歌制定了石版画组图，这是门采尔在艺术上的首次成功。

然而，这样的工作不能满足他对艺术的追求。为了深造，18岁的门采尔考入了柏林美术学院，但仅仅学习了六个月就被学校以“缺乏天资，不可造就”为理由劝退了。这样的挫折并没有打消门采尔对绘画的热情，他无论走到哪里都带着笔和纸，大街小巷，处处可以看到他作画的身影。他被人称做“绘画狂热症”病人。他却自嘲地说：“希望此病是绝症”。

19岁的门采尔参加了青年艺术家协会，四年后他被吸收为成人艺术家协会会员。门采尔24岁受雇为腓特烈大帝作画，创作腓特烈大帝生平系列油画。正是这组400多幅画作使门采尔在当时的德国家喻户晓。

1853年门采尔加入王室艺术学院，1855年首赴巴黎参观世界博览会，期间拜访了居斯塔夫·库尔贝的画室，此后又2次到访巴黎。1856年成为艺术学院教授，但是并不实际执教。同年完成油画《腓特烈大帝及随从在霍克齐战役中》，在艺术学院展出，后来移至法国的1867年巴黎世界博览会展出，好评如潮，获得嘉奖。

1861年门采尔接受终生唯一一项国家官方委托，为威廉一世加冕礼绘制标准像。此后成为王室庆典的常客，国事活动也成为绘画主题。1873年筹建中的国家艺术画廊买下《腓特烈大帝在无忧宫的圆桌会议》，随后又多次收购了门采尔的其他作品。1872至1875年间，门采尔创作了现实主义名作《轧铁工厂》。1884年首度举办大型个人展览，1885年展览移至巴黎，与此同时柏林举行庆祝画家70寿辰的各种活动。

门采尔70岁时被聘为柏林大学名誉校长，71岁时被俄国彼得堡美术学院品味荣誉院士。83岁时被封为骑士，从此他的名字中间多了一个贵族姓氏“冯”-Von  虽然门采尔的许多作品毁于战争，但还是有一万多幅被保留至今。他的作品种类和题材都很广泛，既有描绘宫廷皇室和达官贵人的奢华生活，也有表现工人平民的困苦遭遇，作品多层面地表现了德国社会生活风俗，为同时代的欧洲画坛所罕见，是现实主义绘画的杰出代表。90岁去世时德国皇宫为他举行只有元帅将军才能享有的盛大葬礼。法国印象派Edgar Degas 仰慕他，认为他是活着的大师。

时代背景/风格流派

19世纪后半叶，德国完成了从封建社会向资本主义的过渡，由农业国而变成一个发达的工业国。19世纪德国的美术发展与工业革命有着密切的联系。19世纪30年代，德国开始了工业革命，这个时候德国绘画艺术中浪漫主义流派占主导地位。随着经济与科学技术的发展，人们日益重视社会现实生活，促使现实主义艺术进入了一个繁荣发展新时期。艺术家由主要服务于教会和贵族逐渐转变为比较亲近生活的自由题材。自18世纪末至1840年，28个德国城市成立了艺术协会，艺术家的思想十分活跃。

这一时期法国大革命和工业革命对社会的影响比比皆是： 社会上，大量的社会冲突不停发生，不断的冲击传统政治文化； 思想上：达尔文的进化论； 马克思的社会主义；奥古斯特·孔德认为人性中的感性是推动社会发展的动力；人性中的才智是推动社会发展的工具。因而理想社会应该是人人都有实证思想，企业家或科学家当主管，科学用来指导生活，没有战争，很有秩序的工业。艺术上，受到科学与工业革命的刺激，开始朝向写实主义发展, 捕捉现实生活的各种情境与人物。

在德国，19世纪30年代，德国开始了工业革命。随着经济与科学技术的发展，人们日益重视社会现实生活，于是在19世纪40年代出现了德国现实主义美术的复兴，19世纪50年代至19世纪70年代经历了繁荣期，产生了不少颇有影响的艺术家现实主义绘画大师, 门采儿是其中之一。

在看门采尔的生平和他的画时， 我们会注意到他早期的画主要是反映历史的，后来的画很多是反映普通人的生活。和法国现实主义画家米勒有所不同， 门采尔的取材包括了许多工人的形象。这些形象反映了德国工业的兴起和工人阶级的真实生活。在那个时代，德国完成了统一并转向工业社会， 产业工人数量激增，成为了那个社会主体之一。

闪釆尔除了表现贵族，资产阶级和小资产阶级等中上层社会，还把自己的关注放在工人平民身上，让人们看到了十九世纪的德国一个较为完整的画面。一般画家在生活上和思想上可能更倾向于贵族，资产阶级和小资产阶级，而门采尔却在这方面独树一枝，开辟了比别人更广阔的题材，创造了许多暂新的形象，无愧于现实主义大家的称号。

好的现实主义作品，看似简单，其实极难，其背后存在着大量的综合概括的工作。它不是简单地模仿，而是得去粗取精，去伪存真，通过艰苦的劳动把最具有代表性的东西找寻出来，把一个时代真实地凝聚在画面之中，而欣赏者则会感觉似曾相识，从内心深处产生共鸣。

画的意思直白，好像一眼能看清，但又感觉有东西深藏背后，耐人寻味，可以给出不同的解读。人物表情能把你一下子抓住，特别是那神态，就像坐在你身边。从他的表情能看到什么？或许是疲惫，困乏，无助，忧郁？这是特别具有现实主义的一幅画，真实的像一张摄影，更是那个时代的缩影。看了这幅画，画中人物的表情令人难以忘记。当有人说到十九世纪的德国，你很容易联想到这个工人的表情。那时期的德国正在迅速工业化，资本主义急剧膨胀。工人们创造了大量财富，但他们的主要生活除了劳动还是劳动。这个工人的神情就是这样日复一日年复一年的劳动所塑造出来的，就像半个世纪后卓别林**《摩登时代》所表现的一样。

这幅画的构图：自然，平衡稳定，却又十分生动。画中人的脸向左，光源从他左边射来，五官的表现极为分明，肩膀，头，脸，手臂和手的表现都很细致，层次感强，炭笔运用到位，有一种摄影式的真实性。画家对人物的观察深入独到，造型严谨，线条生动。人的神情姿态，真实， 极具神韵。他用炭条画出来，由浅入深， 层次丰富，画风平易近人。这张工人的表情，却很少看到，它能给人留下极其深刻的印象，能够真正打动人的内心。

这是门采尔最著名的作品之一。在这里，他开创性地采用了德国现代产业工人为创作主题， 通过描绘工厂中的恶劣环境以及工人们艰苦紧张的劳动， 盥洗，餐饮等情景来表现德国资本主义飞速发展的真实状况。场面巨大，真切、生动。据说为了创作这幅画，他到波兰南部的钢铁厂写生。他甚至对道具都做了精确的测量，从不同的角度进行研究，对工人的动作反复地写生，直到满意为止。他为此曾画了150多张速描。画中描绘了很多的工人，有熊熊的炉火，铁柱、链条、传送带、交错的齿轮，由近及远，形成巨大的全景式的场面。身形或面部能看得清有二十人左右，远处的人黑压压的，模糊虚化，给人以想象的空间。

炼钢炉的火光是画的主要光源，也是画面的焦点，火光映亮了在左侧的人，和右侧阴影中的人相对照。人的各种身形姿态在火光的投射下出现，人头攒动， 生动逼真。动作凝固在画面上，却在欣赏者的想象中跳动。人物的形体，姿态，表情，肌肉的线条，衣衫的皱褶，表现各异。有人紧张地劳动，有人盥洗，有人在饮食，无不有声有色，丰富多彩。穿着长皮围裙的工人有的推着轮车，有的操着夹子或炉叉，围绕在喷着火焰的赤热熔炉边上，能让人感觉到炉火的温度和劳动的喧嚣。火光有投射，反射和散射的效果使画中明暗关系表现地极为自然和鲜活。

在画面上方，外面光线从车间天窗透射进来几束形成画的第二光源，并融入背景，它与炉火的炙烤形成对照，使画面有了更多层次的明暗变化。可以想像若无火光，车间内将是怎样的阴暗 。画家无伦是有意还是无意，欣赏者却能从画面感觉到一种极大的压抑，这是对那个时代工人生活的概括： 艰苦劳作，疲惫不堪， 挣扎。

有一天，一位青年画家碰到了德国著名画家门采尔，他当即向门采尔请教说：“尊敬的先生，有一个问题一直困扰着我，你能给我解决的方案吗？”

门采尔说：“什么问题？”

青年人说：“我常常能一天画一幅画，可卖出它却总要一年的时间。”

门采尔微微一笑说：“年轻人，你可以换着试一下。你把一天画出的画用一年时间去画，看能不能把一年的卖画时间缩短为一天。”说完，门采尔就走了。

年轻人回去之后，开始的一段时间，还总是不能把画画的速度慢下来。后来，他迫使自己耐心构思、揣摩，而且闲暇之余苦练基本功，力求每一笔下去都能传神，如果有一笔是败笔，就毁掉重画。

之后，他发现他的画风和画技有了明显提高。他试着把几年以来画出的几幅满意的作品拿出去卖，意想不到的结果出现了，人们纷纷称赞他的画，并且有人愿意花很高的价钱把它买下来。不久，这个青年人成了当地很有名的画家。

年轻的时候，门釆尔的画风不被所在学校接受，他因此离开了学校。然而，他坚持走自己的路，最后登上了艺术的顶峰。从我自己几个周的绘画学习中，也体会到走自己的路至关重要，即使是业余爱好也一样。 艺术的境界是寻求个性和心灵的自由。

开始画的时候，我特别受限于临摹的对象，看别人画的比较放松，反而画出了韵味，效果就大不一样。自已初学，要从束缚中摆脱出来，找到自己喜欢和善长的方向和方法，才能真正如鱼得水。我注意到每个同学都有自己的特色。上次画有关家的画，我画船入港湾，画了半天，总觉差得远，后来老师过来加了寥寥几笔，就活了起来，有了中国水墨画写意的韵味，这也正是我心中所想要的。自己要画就追求自己喜欢的风格。我喜欢粗犷的，雄浑的，写意的，这样画适合于自己的性格。画如其人才能画好。

虽是业余爱好，但也可以是创作。艺术创作应该是创出原来没有的。 把已有的元素重新组合或用不同的形式表现出来也是创作。 作品水平的高低，取决于个人的技巧，对传统的发扬， 但更要看它的创造性。你可以临摹一个作品到完美的程度，甚至可以弥补原作的瑕疵，但无论怎样好都无法和原作的艺术价值相比美。但是，若在临摹的基础上加以改变，增加了新的元素和结构，那就是具有了不同程度的创造，就具有了新的生命力。这也是我在这个课堂上学到的。

以前自己没画过，不会欣赏素描，很少去看一张素描。现在看一张素描，会不经意地多看几眼，会有更多的揣摩和联想。每一种艺术类型都有自己独特的表现方式。素描用线条，笔触，通过明暗表现质感，立体感。黑白和彩色各有千秋。在这个课堂上，我们学会了去掉框框套套，不拘泥于一种形式，搞出创意，得看最终效果。

人们对艺术的欣赏有共同性，是因为人类的文化和思想感情有共同性, 这是基础。但作品同时还会给人留出许多想象的空间，让仁者见仁智者见智，让不同的人给出不同的解读。一个人对艺术的欣赏离不开他的生活经历和文化背景，这是欣赏者思想感情的人文基础。我上面的解读自然有着我自己的思想烙印。

曾读过点艺术史的书，但自已不画是不可能真懂的，这也是我来上课的初衷。要想知道梨子的滋味，就得亲口尝一尝。 才上了几堂课，做了一点点尝试，感觉增加的不光是知识和技能，更是悟性，收获远超预期，也深感知行合一的重要。

很多地方读到门采尔，都会看到这样的文字描写他： He is brilliant historical painter, whose patriotic works satisfied the public taste, and has engendered by Prussia’s continual expansion throughout the 19th century In later times Menzel was most admired for small paintings and drawings dating from about 1840 onward Menzel’s unorthodox vision and painting subjects are departures from conventions, as well as innovative excursions into industrial subjects, such as in Rolling Mill (1875) Menzel presaged later developments of the Impressionist movement in France in his refined feeling for the effects of light and his use of open brushstrokes

他的一生不乏传奇，虽生于贫寒，却终于富贵。一个其貌不扬，身高只有4’6”的人，凭借着一生的执着和对绘画的痴狂，终成为世界绘画史上的超级巨人。他的绘画数量之多，题材之广，在那个时代，甚至现今，都是无人堪比。

他早期成名得利于服务政治和权贵。 在他数以万计的作品里，有他早期400幅是直接为当时的普鲁士国王（Emperor Frederick the Great）量身定制的。 普鲁士国王在当时被视为欧洲“开明专制”君主的代表人物。他力主领土扩张，对文化艺术和技术发展尤为推崇。19世纪的德意志启蒙运动 “The Enlightment”也因他而扬名于世。

那个时期相机摄影还属“科幻未来”，这样的情况下，门采尔的绘画，如同历史绘本，史诗般生动真实地记录下了当时的重大事件。 从《Flute concert of Frederick II in Sanssouci》 到《The Round Table》 都是当时与普鲁士国王有关的题材。虽属于propagandistic art，画面却无神话粉饰之感。相反的，画面人物真实自然，呼之欲出。

门采尔是当时德国第一个关注并表现工业革命题材的画家。代表作如《Rolling Mill》。虽然他的历史题材的画作广为人知，他后期生活题材的小画（genre painting）也备受后人推崇。 其中一幅《Living Room with artist’s sister 》被誉为早期印象派的代表作。

Michael Fried写的《Menzel's Realism: Art and Embodiment in Nineteenth-Century Berlin》 一书里，Fried argues persuasively that Menzel possessed a unique and masterful talent and that his works rank him as one of the most significant realist painters of the period。

To Fried, Menzel's magnificence as a modern European artist arises from two accomplishments: firstly, what Fried calls the process of embodiment in his art; secondly, Menzel's exploration of the everyday in his works, particularly in his drawings "Embodiment," which might otherwise be described as empathy, is a process whereby Menzel projected himself imaginatively onto the canvas or page, offering figures, objects, and scenes that give a powerful physical sense to the viewer Within this process, both artist and viewer place themselves bodily within the art, and are able to hear, see, and/or feel objects contained therein Several senses are aroused in this painting, and reveal Menzel's efforts to awaken more than just the visual attention of the viewerWe read our image into all phenomena every work of art reveals itself to us as a person harmoniously feeling himself into a kindred object

The other important aspect of Menzel's art, his exploration of the everyday, also receives high praise from Fried "It may be," argues Fried, "that Menzel's relation to the everyday represents the deepest stratum of his art; I know of nothing like it in the work of any other nineteenth-century painter, which alone would be a reason for regarding Menzel as a unique figure in the culture of his time Menzel's exploration of the everyday, in the ordinary objects captured in his art, seems to Fried to be quintessentially modern, in the sense that Menzel did not attempt to derive meaning from these objects, but simply presented them as aspects of modern human life he found aesthetically interesting and which he invested with "vital feeling"

门采尔是一个承前启后的人，从早期的romanticism到晚期的impressionism，他的影响无处不在。 他的绘画题材上至达官显贵，下至布衣百姓，都如出一辙，生动真实，活灵活现。 他的作品不单单被权贵推崇，亦深受百姓爱戴。 他的70岁生日是一国的盛典，他的陨逝也是举国的哀思。 结束此文，我想引一句 from German novelist Theodor Fontane “ indeed, who is Menzel Menzel is many things, if not everything, he is in any case a great Noah’s ark, animal and human being”。