超写实素描怎么画？

学习写实素描，不得不提到素描的本质。关于素描的本质问题在很多书籍上都有表达，虽然说法不尽一致，但万变不离其宗---形体，空间。对于写实素描来说，我们所做的一切努力都是为了表现客观对象的形体和空间，（同时也注入了艺术家的审美情感），形体和空间的意识贯穿于作画过程的始终。大凡比较优秀的写实素描作品，作者无不在形体和空间上倾注了大量的心血。拿意大利文艺复兴时期的画家来说，在形体和空间的表现上个个都是高手，甚至对它们的研究提升到科学的高度，在他们的素描作品中虽然着笔不多，但是仅以线条就已经表现出了形体空间以及艺术家本人的情感，线条的粗细、轻重、缓急和不同走向无不暗示了形体和空间。由于绘画具有主体性，不同艺术创作主体对客体的感受不同，对形体空间的理解不同，从而对形体空间的处理上体现了不同的方法但他们的目的殊途同归。在中国的写实派画家中，普遍都有着硬朗的素描功夫，并且大部分时间都致力于对素描形体空间的研究，靳尚谊先生是典型的代表，从他大量的素描作品中可以看出靳先生所倾注的心血，在他看来形体和空间就是素描的灵魂。所以笔者认为，在写实素描写生中一定要抓住灵魂性的东西，本质性的东西，脱离本质的任何现象都是毫无存在价值的。不认识、不理解事物的本质，也就不可能真正理解现象，反而会被现象所迷惑，从而产生某种盲目性。 在写实素描写生中，首先充斥绘画主体眼睛的是存在一定空间中的客观形体，继而才是对客体的感受，绘画主体的情感是物化在对对象形体空间的表现中的，对于写实素描来说，它处于从属地位，形体空间才是本质的东西。形体和空间直接或间接地也体现在了其他造型艺术中，这就决定了写实素描写生的基础性，素描造型能力是在写生中训练出来的。正如王华祥所说：“对于写实的训练，素描可以确切地告诉学习绘画的人：如果你喜欢绘画，那么你一定要先练练素描，如果你喜欢写实绘画，那么你一定要先学习素描。”（1）素描具有独立的语言，它本身就是一种绘画形式，有其独立的审美价值。 12：素描中的美-----作品反映出的“真” 素描是一种绘画形式，所以也就具备了独立的审美价值，必然要提升到美的层面上去欣赏它。在绘画中如果只注重画面的形式，而不考虑所表达的内容，虽然在一定程度上能够吸引欣赏者的眼球，但这只是暂时的，这种形式上的美是肤浅的，做作的，因为它没有体现出艺术中的“真”，艺术中的“真”并不等于生活真实，而是通过艺术家的创造性劳动，通过提炼和加工，使生活真实升华为艺术真实，也就是化“真”为美。我们在画一片花瓣时，只看到它的外观和颜色，而不倾注个人的真实感受，画出的花瓣虽然很逼真、漂亮但它是匠气的，僵死的，没有生命力的。当我们真正投入的去研就它，感受它，我们会发现其本质的东西，即客观对象的“真”这样出现在我们画面上的花是有生命力的，饱含水分的，是美的。在一幅写实素描肖像中，如果我们看到的仅仅是毫无表情的纤巧与矫伪自命为高雅的姿态，那么这种作品是谈不上美的。在一幅真正美的素描中，我们可以感受到作者所融入的情感，可以了解到对象的生活阅历和身份，更甚者可以感觉到模特跳动的脉搏和当时的心里活动以及精神状态，这样的作品是成功的，是美的，它展现给我们的是一个活生生的人物形象，它不仅流露出作者的真实感受同时也体现了画面内容的“真”，达到了内容与形式的统一。法国著名雕塑家罗丹讲过：“没有一件艺术作品单靠线条或色调的匀称，仅仅为了视觉满足的作品，能够打动人的”。（2） “人们以为素描本身就是一种美，殊不知它的美全靠着它所传达的“真理”与“情操”。人们赞美那些艺术家，因为他们苦心勾描轮廓，把他的人物安插得十分巧妙，人们对着并非从自然中研究出来的姿势出神，称之为“艺术的”，只因为这些姿势可以令人回想起意大利模特儿所装出来的娇媚。人们所谓“美的素描”，其实只是娱乐庸众的矫饰的技巧。素描之于艺术有如风格之于文学。凡是装腔作势，搔首弄姿以眩人的风格，必是最坏的；只有使读者完全沉浸到文中所讨论的问题中去，激动他们的感情而忘记文字的风格，才是上品。以素描为装点的艺术家想使人称誉他的风格的文人，正如穿了军装在街上高视阔步而不肯上战场的兵士，与整天摩擦着犁铧而不去耕田的农夫一样。真正美的素描与风格是令人为它所表现的内容所吸引，而无暇称颂它们本身。人们叹赏拉斐尔的素描，那是应该的，但足以叹赏的并非素描本身，并非几条巧妙地勾勒的均衡的线条，而是它所包含的意义，是拉斐尔眼里所看到的，手中所表现出的柔美的精神，是从心底流出的对于自然的爱。我们应该叹赏米开朗琪罗的素描，但也并不是叹赏几条线的本身，并不是他的大胆的省略与解剖，而是这巨人的悲号与失望的热情。”（3） 在素描写生中用朴素的眼光去观察客观对象，以朴素的感觉去描绘它的真实，让我们真实的感受注入其中，使之与客观对象的真实相交融，达到主观与客观的统一，这样作品流露出的情感才是真实的，感人的，这样的作品才能上升到美的层面。 第二章：素描写生中应注意的几点问题 21：要注重整体意识的培养 整体意识贯穿于作画过程的始终，从起稿到深入直到作品的完成，都处于主导地位。对形体的整体特征、整体效果、整体美、整体气质、趣味、意境，气韵等的感受能力、判断能力、把握能力和表现能力，体现出画家的一种整体意识素质。整体有两层含义，即观念上的整体和操作上的整体（整体方法或步骤）。这两者是相辅相成的，缺一不可，观念上的整体是操作上整体的前提和先导，而后者则是前者的深化和验证，是前者实现的基础。 一幅作品的成败，整体意识起到了决定性的作用。我们在观察客观物象的时候，首先看到的是对象整体的形状和整体感觉，在深入的过程中要整体进行，不要死盯着局部画，否则画面会出现灰、花等毛病，甚至支离破碎，这样的作品是谈不上美感的。这种整体意识是非常重要的，任何技法的训练和学习都应以整体意识的强化为前提，否则技法很可能变成死板的、琐碎的、缺乏感情色彩和乏味的东西。把握好整体首先要处理好整体和局部的关系，整体由局部构成，整体离不开局部，局部受整体的制约，它们是辨证统一关系。在没有整体特征的情况下，局部特征即使再准确也会失去存在的意义，局部特征失调，也会影响整体形象。任何形象的根本特征首先来自它的整体和全貌，局部特征只是处于从属的地位。比如在画一幅肖像素描时，我们首先要注意模特头部的基本形，是偏长的，是偏短的，还是偏圆的以及方的等，这样在我们脑海中就有了模特整体的特征，进而把握住模特的局部特征，逐渐在深入中充实整体特征。如果把握不住整体特征，即使局部再象模特也是毫无意义，因为我们要的是整体特征的贴切，而不是只要一只眼睛或一个鼻子等，正如安格尔所说：“塑造人物不要只抠细部，要同时兼顾全局，正如人们所正确指出的画的是整体。”（4）拿一幅色彩作品来说，我们要的是整体的色彩效果和气氛，而不是局部的某一块颜色，没有整体色调的色彩作品，哪怕局部颜色再漂亮也毫无价值可言，显然这样的作品是失败的。对于一幅绘画作品来说，我们首先要注意局部的刻画和整体效果的完美统一，不能顾此失彼，尤其不能只顾局部效果的表现而忽略整体效果的完美。例如有的素描其背景画得十分充分、完整、细致，而主体形象却显得软弱无力或不够充分，若减弱背景的刻画，效果会更好一些。又如，有的素描把人物的服装画得很具体，质感也很强，人物面部形象却不够深入，缺乏分量，若减弱服装的刻画程度，效果也会更好。这些问题的产生主要是缺乏整体意识的缘故。 掌握科学的观察方法，提高观察能力，可以改善整体意识，但整体意识的养成和加强还有赖于艺术修养和审美能力的提高。由于观察的正确、深刻，画者能把客观形象画得准确、细致，但这不一定意味着画者的整体意识一定很强。整体意识并非只靠单纯的直观和一丝不苟的平铺直叙的表现所能取得和体现的。 在素描学习的高级阶段，画者的整体意识在作画之前以及作画的始终都应处于主导地位。素描的内容、形式、效果、风格等等，应在整体意识的支配下热情奔放地呈现于画面之上。这时画者所追求的已不再是简单的客观再现，而是感觉上的准确与生动。对于造型艺术来说，感觉上的准确与生动是艺术表现的最佳境界。 22：造型不等于照抄客观对象的形 造型并不是照抄客观对象的形。表现在画面上的造型，是在尊重客观对象的基础上，画家根据自己的感受提炼加工创造出来的形象，它的精准是艺术化了的视觉上的舒服，是一种更高层次的美，是一种艺术化了的形象。由于绘画具有主体性，所以不同的绘画主体对对象的感受是不同的，所以表现出的形象在感觉上是有差异的。我们在画对象大的基本形和感受时，要切记徐悲鸿先生提出的“宁过勿不及”这一观点。例如，对象是胖的我们可以画的更胖一些，对象是倾斜的我们可以画的更倾斜一些，这样我们才能把对象大的感觉画足，画到位。所以在画模特形象的时候作出适当的夸张是有必要的，首先是在尊重对象的基础上，目的是画出我们心中的形象。 23：正确看待深入 深入的过程是逐渐完善客观物象的过程，充分表达出对对象感受的过程，它是一个反复调整的过程。它不是一个终结的点，而是一个接近接近再接近的过程。深入首先要整体着眼，然后局部刻画，我们要把对象带给我们的感受画足画到位。它不是照抄对象，往画面上一遍遍的加调子，这样的画面很容易画的越来越黑（这是初学者经常犯的错误，但是好多画了很多年画的人不理解深入是怎么回事也会出现同样的情况）。正确的深入应该是找对比，找变化，完善客观对象，之所以它不是一个终结的点，是因为光线始终在变，对象的状态始终在变，同时绘画主体的感觉也在变，所以不可能真正把一幅画画完，只是在保持整体的前提下相对的完整。例如，我们画一幅写实素描头像，深入时我们要把对象的形体空间做的越来越充分，形象越来越完善，把明暗层次拉开，亮部和暗部的灰颜色变化找出来（尤其是亮部灰颜色的变化），亮部的高光区分开，脸上横向和纵向的灰颜色变化找充分（当然要根据时间的长短来处理画面）。在另一层面上我们还要把模特脸的局部之间的质感区别开，把模特的感觉画的越来越贴切（做到这一点一定要仔细的观察模特，注意每一个小细节的变化，例如眼皮的弧度，眼角、嘴角、鼻孔等），只有这样才能画出一幅生动的全因素素描。同时深入的过程又是一个反复调整的过程。当然培养这种深入的能力也是一个过程，它需要时间和量的积累。 在另一个层面，从哲学的角度看，笔者认为深入的过程是辩证法中矛盾规律和否定之否定规律相结合的过程，是这两种规律促使主体进行深入的，由于我在这方面知识的欠缺，所以只能浅层解释它们的作用。例如当我们在画面上画第一笔的时候，就已经打破了整张白纸的和谐，这就促使我们去解决这个矛盾，我们所做的是要给这张纸创造另一种和谐，这种和谐就是一幅完成的画，我们是不断的制造着矛盾，促使我们不断地去解决它。在刚开始画的形我们认为它是对的，但随着时间的推移和绘画主体感觉的变化，会发现刚开始画的形象不太符合自己的感觉，这就促使我们去调整它，然后随着时间的推移有要在一定程度上去调整它，让它符合自己的感觉，这样在深入过程中就经历了从自我肯定到自我否定，又到否定之否定。矛盾规律和否定之否定规律体现了深入的完整只是相对的完整，深入是一个接近接近再接近的过程，是一个反复调整的过程，而不是一个终结的点。 24：正确理解写实素描的“细” 素描画的细不细不等于调子涂的细不细，他的精到和细致在于绘画主体对客体的对比关系做的到位不到位，形象刻画得贴切不贴切，感受表达的充分不充分。在我大学期间，很多学生认为调子排的匀一些，磨的光滑一些就是细，这样就大错特错了，因为只看到了表面，没有把握住一幅好画本质的东西，如果我们这样欣赏一幅素描作品的话，那么眼光和普通人是没有区别的。我们应该用艺术家的眼光来欣赏作品，去发现作品本质的东西，有品位有讲究的东西。一幅刻画得比较精到的素描作品是对比关系和感受做得比较充分的作品，包括灰颜色的丰富性，质感的对比，虚实强弱的对比等等。这和调子上的细不细是没有本质上的关系的，调子涂的再细，如果没有这些对比关系也只是照抄对象的乱涂。基于这一点，笔者认为眼光的提高是有必要的，对于一个搞艺术的人来说，要想画出好作品，必须要会欣赏好的作品，要知道它好在哪里，为什么好，哪些东西是美的，哪些东西是有讲究的等，归根结底是要知道什么样的画是一幅好画，否则就算我们画出好东西我们也不会注意到它，反而会被我们无知的盖掉或去除。 第三章：向真正的艺术家迈进 31：从质变到量变，从必然到自由 艺术的道路是无止境的。素描作为一种独立的绘画形式来说，对它的研究和学习也是一个长期的过程，但是做学生的时间又是短暂的，所以一定要珍惜学生时代，踏踏实实的去研究素描，大量的进行素描写生，这对我们以后的创作大有益处（当然不同艺术追求的人另当别论）。要正确对待绘画过程的不同时期和不同时期出现的问题，例如在刚接触人体素描的时候感觉难度很大，经过一定量的训练就会发现自己的进步，这个过程进步的空间很大，不过要达到另一个高度就很难了，可能还会出现徘徊期，这个时期可能会很长，也可能很痛苦，这个时候一定要静下心来，正确审视自己，要坚信有量的积累一定会有新的突破。初次接触人体素描时，可能感觉驾御不了画面，总是被对象牵着走，这是一种正常的现象，不过经过眼光的提高和整体意识的加强以及量的积累，就会逐渐地变被动为主动，能够驾御画面，达到一种自由的状态。 32：激发个性，形成自己的风格 每个人都有各自不同的性格、特点，或者称作个性。个性的形成既有天赋的因素，也有环境的影响，受教育的程度，个人的经历等客观的因素。对于艺术，个性往往能体现各个人对美的理解和追求，如强烈、柔和、优美、粗犷、朴素、富丽、繁缛等等。艺术样式或格调反映了作者本身的个性特征，换句话说，个性能决定一个人对艺术样式的选择，这是一。其二，由此也就产生了相应的表现方法，对于绘画来说，就是各种绘画技法的选择乃至创造。所谓绘画技法，即造型、色彩构图等一切描绘手段。样式与格调是绘画手段造成的感觉，如果说后者为实的话，则前者为虚，一虚一实构成了绘画作品的全貌，当然不能说这个面貌是由个性直接决定的，因为要变成一个美术家需要有一个相当长的学艺过程，但在整个学习过程中某个人喜欢强烈的效果，某个人喜欢柔和的效果，各取所爱，就会出现不同的画面效果，有时出于种种原因，个人的喜爱也可能转变或转移，变与不变都有个性的作用，这就是我们所说的个性和作品面貌的关系。 艺术需要多种多样，这是由生活的丰富性和人们的要求所决定的，对于绘画，千姿百态的画面正是吸引观众的重要因素。所以个性和艺术创作有着紧密的内在联系，一般来说艺术创作的风格取决于个性，但是个性不等于风格，艺术个性是形成艺术风格的萌芽，艺术风格的成熟需要经历艰苦、曲折，甚至是漫长的历程，初学者往往对风格缺乏深刻的认识，误以为画面中的个性表现就是风格，这种浅薄的认识往往会导致浮夸，是学习的大敌。 随着对画面控制能力的提高，每个人都会发现自己作品中潜在的个性因素，从而萌发追求自己艺术风格的意识。广义地说，风格是每个人认识事物和反映事物的总和，由于个性上的差别，会产生不同的格调，也会产生各自的风格，但是有了风格的作品不见得都是好作品，因为风格本身是有雅俗之分的。所以风格被认为是艺术家成熟的标志，所谓成熟，必须有较高的审美修养和艺术造诣，没有这样的基础就形成不了真正的风格，因此所有学画的人不能全都成为有风格的画家，在整个画坛中，成了画家却没有形成自己特有的风格是常有的事。由此可见风格又是艺术家成就的标志。 在学习素描的过程中，要认识到过程的长期性和曲折性，在深刻掌握程式化的基础上，同时也要激发自己的个性，认清艺术个性与艺术风格的关系。努力提高自己的审美修养和艺术造诣，形成自己真正的风格，想真正的艺术家迈进。 结束语： “拳不离手，曲不离口”，这是先辈艺术家长期艺术实践获得成功的经验之说。学素描，是艺术门类之一，所有艺术门类都具有较强的技术性。要学好一门艺术光靠口头上说说是不行的，必须长期下苦功去学习，去磨练，否则是难学出名堂的。学素描同样要付出辛勤劳动的代价，才可能达到熟练的地步。所以我们要刻苦努力，多练多画，积累实践，不断提高专业水平。总而言之，素描是一门造型艺术的基础学科，有其严密的系统的学习内容和一套严格的作画方法，我们务必认真对待。把握好素描的本质和素描中的美，正确对待素描写生中的各种问题，练好本领，为美术创作打下牢固的专业基础，使自己的艺术道路走的更加久远。

　　水粉画是建立在素描的基础上的。如果想画出素描的效果就需要在使用的颜色上注意以白色和黑色为主色。素描是绘画的基础，水粉画属于后学的色彩。先学好基础再学色彩。

　　在素描的练习过程中，素描必须着重光线、物体的关系，笔触的描绘手法，将自己眼睛所观察到的形体，具体而微的呈现出来。所以，素描需培养观察力。另外，素描也可以解释为「存在」与「绘画」之间一切的努力，亦即所谓「绘画之描写力」。例如，描绘桌上的静物，除了可以发现静物上不同的色彩外，亦可发现放在桌上的安全感，和背景间的协调性，这些存在的形、色、线条、明暗，质感，量感、存在感、空间、动态……等等复杂的因素，互相交织，构成一个美的秩序。

　　绘画就是要将那些自然的秩序，导换成美的、入画的秩序，这也是素描的意义和目的。素描是绘画的基础,是最能体现人的绘画水平的画种。学会了素描，对物体的结构、明暗有一定了解，就可以画水粉了，两者不同的是，一个用黑白表现，一个用彩色表现。

学习素描，不是一件容易的事情，需要耐心，毅力，和正确的方法。在这里，我们来讲一下如何通过素描四叶草的绘画教程，让大家更好的学习素描。

首先，你需要准备好画纸，铅笔，橡皮，和一些基本的素描知识。素描是一个非常基础的绘画技术，需要先掌握一些基础知识，如线条，阴影，透视等。

接着，我们来学习素描四叶草的绘画教程。首先，画一个正方形，再在正方形中心画一个小圆，作为四叶草的中心点。然后，分别从中心点开始画出四条相互垂直的线条。接下来，你需要在每条线的两侧，画出叶子的轮廓，每个叶子的形状都要类似，最后在细节上加上纹理和阴影。

以上是素描四叶草的绘画教程，它的难度并不高，非常适合初学者。通过练习素描四叶草，你将会更加熟练掌握素描的基本技巧，也会感受到素描所带来的乐趣。

总之，学习素描需要有耐心和毅力，好的绘画教材和教程也是很重要的。通过不断的学习和练习，相信你也可以成为一名出色的素描画家。

素描广义上的素描，涵指一切单色的绘画。

狭义上的素描，专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。美术是表现事物的一种手段。美术的基础是造型，艺术造型是人按照自然方式进行的复杂劳动，是一项需要长期训练才能形成的特殊技能。艺术造型不只是塑造孤立静止的物体形态，更重要的是表现物体中各种形式的有机关系。掌握艺术造型的方法，需要恢复人的自然思维方式和操作方式，需要研究自然物体的形式特点和认识它的变化规律及条件。素描是解决这些造型问题的最佳途径，这在艺术造型的实践中得到了完全证明，因此，素描被称为“造型艺术的基础”。

由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。(艺术家杂志，论素描--萧如松)

素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。(艺术视觉百科全书)

轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。

素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。(大不列颠百科全书)

在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。

素描是一种用线与面的表现方式来表达的每一个物体在光照下都有亮灰暗三部分从最深到最亮依次是:明暗交界线,暗部,反光,灰部,亮部在作画时,亮部要尽量避免脏,暗部要尽量避免闷(即由于线条太多而没有空隙与反光)。

素描是其他艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)，另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。

速写

一绘画术语。用简练的线条在短时间内扼要地画出人和物体的动态或静态形象。一般用于创作的素材。

二一种篇幅短小、文笔简练生动，扼要描写生活中有意义的事物或人物的情况的文体。也指用概括有力的笔墨描写人物或生活场景的表现手法。

顾名思义是一种快速的写生方法。速写的英文是sketch①，有草图的意思。画速写的工具很多，如钢笔、铅笔、碳铅笔、木炭条、毛笔等等。速写同素描一样，不但是造型艺术的基础，也是一种独立的艺术形式。这种独立形式的确立，是欧洲18世纪以后的事情，在这以前，速写只是画家创作的准备阶段和记录手段。

对于初学者来说，速写是一项训练造型综合能力的方法，是我们在素描中所提倡的整体意识的应用和发展。速写的这种综合性，主要受限于速写作画时间的短暂，这种短暂又受限于速写对象的活动特点。因为速写是以运动中的物体为主要描写对象，画者在没有充足的时间进行分析和思考的情况下，必然以一种简约的综合方式来表现。因此对于初学者来说，速写是一种学习用简化形式综合表现运动物体造型的绘画基础课程。

对于绘画创作者来说，速写是感受生活、记录感受的方式。速写使这些感受和想象形象化、具体化。速写是由造型训练走向造型创作的必然途径。

注：其实速写应该归为素描的一种，速写是中国人发明的，所以请大家认清速写的真正含义！可参照古典大师的一些速写集②，大师的速写近乎于素描！所以艺术中并没有真正意义上的速写！！！

注释:

①又作[literarysketch]草图

②linedrawing线条画,白描

希望他能对你有所启发!草图相信大家看过很多国外高手绘画的草图，他们以线条优美流畅取胜！其实，草图画的好不好最主要的看线条的曲直度。

大多数人之所画不好其实也就是线条不流畅，重复笔画太多，线条不直，或不圆滑的弯曲度。一般画着画着线条就开始粗了。就不自然了，这些最主要的问题！还有的就是透视不准确！！这一点在画草图的是候是一大忌讳！！但往往是犯之又犯，加上前面所说的问题草图画不好是自然的事了。看看老外的。（老外注重理论的实际应用，透视是画图的一个关键，所以在练习时很注意透视问题）当透视能解决好后开始着重线条的练习。

透视的准确和线条的流畅是认定好于不好的评判标准！还有一点就是对体积感的把握程度。（不得不承认老外作的好啊！）以上是让大家对画草图有个正确的认识。怎样才能画好呢？下面我来一一讲解

1先找一些透视书籍来认真学学，这一步非常重要！（线画的直透视错误等于零啊！）要深刻的理解透视的3大原理和基本方！

[同时训练空间想象力]线画得不好不要紧，但透视一定要准！切记啊！

只要认了真的不出一个星期你就会对物体的透视基本了如指掌。

2你觉的差不多了那就开始进级训练。不要看着物体画用默画的方式进行当然不是画简单的几何体了，如画画汽车的三视图，建筑物，人物的动作表情等看看你的能力吧！

3如上面的训练你都完成的比较好了那恭喜你你以是60%的高手了。（为什么这样说，因为你以具备一个设计人员基本素质了也是最重要的素质之一。）

4要把线画的准确到位首先练习画直线。执笔方法用画素描的方法去画，线不要画的太短要以较快的速度完成！看看你画的线吧！不行就多练练到画直为至！一般不须要很长时间，同时画几何较复杂的物体练练（等于在练透视和感觉）

5画曲线，是一大难点，但认真练习决没问题。先练习画圆，用4点定位法和8点定位法来画，圆是由（圆弧=曲线）组成的，画好圆后画半弧=画曲线嘛！圆都画的好那么曲线自然画的好了。（画多了感觉就有了，那么画任意曲线也就不成问题了！

6草图就是直线与曲线和透视的三者结合。要画的快，准，好，那么以上步骤是必须的！！！（老外画的好也是这样来的）所以我们不要怕！

7以上的你都一一做好了，那么你已经挤如高手行列了90%你如果对物体的质感把握很好的话那么97%还有3%呢？因为没有100%的高手（不可能作到真正的完美）四点定位法是在一个圆上分出4个平分点（0度，90度，180度，270度，360=0度）然后用直线沿4点切出来，连起来后是不圆的，在在切线的中点大慨位置沿内线在切出来，看看圆些了吧！（原理与3D的多边形成型法是一样的）[主要练你的手感，练多了就对了。

8就是丁8个平分点而已（要精确些，建议开始用8点，较好后用4点）素描最基本的执笔法是用手把笔横握与写字的方法相反。优点是平衡度高速度快（画素描起稿时和铺调子时用的方法）缺点是补易深入刻画。线画的直与平衡读是直接关系。这与打拳不一样因为在现实中没有人会用慢的方法去代替快的方法！（你的想法与我开始练是样的）在画画中执笔法只有2种（横握，直握）至于其他的方法都是在这基础上稍有变化而以。就象画超写实进入刻画阶段那样（大母指和食指紧握笔身的前2/1处用幺指按着纸张一样，这种画法最大的优点是可以画出很细微的局部。缺点是不可能画出大面积的和线条很长的画来）所以用来刻画局部！每种方法有优缺点，但为了画草图而不是画好写实的和好精细的用我说的吧，决不和让大家走弯路！（有些老外用左手画，那是与他门的语言有关，英文的写法不限左右手写起来都顺手，但中文左手写起来级不顺手，但我相信大家没有用左手写字的吧！总的来说是这样的，当然有时还是要活学活用，一定要会举一反三

　　汉斯·荷尔拜因（Hans Holbein，约1497—1543）文艺复兴时期德国著名画家（彩色画家、肖像画家）。他的肖像画品种繁多，有速写肖像，黑色铅笔肖像，彩色粉笔肖像，还有精致的油画肖像。其中他所画的彩色素描是去掉单色的明暗以色彩的明暗和线条来塑造形象、表现空间、而色彩则是通过丰富多彩的颜色来表现物像。在他的画法中画纸的底色起着重要的作用，用以流畅、简洁、精细的线条来表现画面的变化。

　　1、使用彩色粉笔画法：在有颜色或无颜色的纸上用手涂抹而造成丰富的色彩层次变化和大面积涂抹背景，渲染等。

　　2、使用彩色铅笔、炭笔钩线、点面、叠加、过渡以及大面积刻画。

　　3、使用钢笔钩边以及精细的轮廓。

　　荷尔拜因一生勤于创作，肖像画、宗教画、版画作品皆很丰富，艺术风格以精细绵密、清逸淡雅见工，在写实传真力求形似这一点上极有成就，因此被称为“高贵的画家”。他的艺术中的世俗精神比丢勒还要强烈。他在吸收意大利美术成果方面也比同时代的其他画家更大胆，且更有成效。他的艺术具有“理想化”的特色，可以说，他把德意志的写实性融化在理想化的境界之中了。虽然他精细写实，但色块的节奏悠扬不迫，也是活泼生动的，没有焦躁和狂暴的感觉。这样，荷尔拜因的艺术常常为上流社会所爱好。

　　荷尔拜因精于细节，画风格细腻，注重性格和细节刻画，观察深入，毫无戏剧性的渲染。他的素描简练，善于线条的运用和处理。在英国画坛上他的肖像画有广泛的影响，在肖像上发挥了他最卓越的才能。尤其是那些被人称颂不绝的肖像上所有的环境细节，如墙上和桌上挂放着的杂物等等，荷尔拜因所运用的笔触之细腻精密，即使用放大镜去辨别，形象也清晰无比：铺在桌上的阿拉伯图案毛毡,板壁上的帐册、桌上的文具、剪刀、钟表、装有金币的圆盒、玻璃花瓶以及在瓶颈上的石竹花……件件都刻画得细致入微。他还细密地画出板壁上部架子上存放的书籍、记事册、文件盒、钥匙、戥子等；墙架上与基什手上的信函仔细看去，几乎能看清上面的每一个字母。有的是利用上面的文字或题签，在补充说明画中人的身份和地位。

浪漫主义绘画特点：重中古

古典主义的核心是回到古代罗马，一切以古罗马为典范，浪漫主义则要求在被视为野蛮的中世纪的荒诞中寻求创作的灵感，发挥自己的想象能力。代表作品如德拉克洛瓦的《但丁与维吉尔》、《十字军攻陷君士坦丁堡》，中世纪传奇大多与骑士游侠有关，再加上当时资本主义正向海外扩张势力。在“本土”，过去宁静的生活已被机器生产所破坏，因而浪漫主义在向往中世纪的同时，也渴望和追求着一种具有传奇色彩的异国情调。

浪漫主义绘画特点：重自然

古典主义以宫廷为描写的对象，即使是真正的自然也要加以人工的雕琢以适应上层社会的审美趣味，交谈必须使用经过修饰 的语言。浪漫主义者则重视自然，这包括两层意思：一是真正地回到没有经过人矫饰、改造过的大自然中去。二是摆脱羁绊得到真正的自由。只有自由才能打碎封建的枷锁，反之，只有打碎封建的枷锁才能得到自由。

浪漫主义绘画特点：重感情

古典主义讲求共性，认为共性、理性即真理、即美，提倡在统一的道德标准下冷静地对待一切，抑制自己的感情和个性。浪漫主义认为应该大力肯定人的感情和个性，敢爱敢恨，强调“感情高于理智”，“信仰高于理性”。浪漫主义的作品热情澎湃，人物有着鲜明的个性。

浪漫主义绘画特点：重形式

浪漫主义的形式在于用多种形式表达内容。浪漫主义从开放中注意形式，以表达感情的奔放，达到“美”。浪漫主义的形式与审美相联系。

浪漫主义绘画特点：重对比

重对比是浪漫主义重要的美学原则。艺术的真实基于现实的真实，为此必须选择，不过不是选择“美”而是选择有特点的东西。

一、静物写生的步骤

A 打轮廓

从本质上讲，打轮廓的过程就是运用几何化归纳法，去观察、分析客观物象的过程。具体地认识和把握物象外在的形体特征和内在的形体结构，以及物象特别是组成物象在画面的结构形式。当我们准确地把握了物象外在的形体特征、形体结构和画面的结构形成，也就为进一步表现物象的透视、比例、明暗色调，体积空间等奠定了基础。

通过几何化归纳与结构分析，准确把握物象的形体结构、形体特征和透视缩形，为明暗色调的概括与体积塑造奠定基础。

打轮廓应注意三点，即观察、构图、落幅。

A、观察

面对一组静物要多角度观察，同一组静物在不同角度，不同光线，不同组合关系条件下，往往给人以不同的感觉。通过多角度的观察，往往会发现新的审美情趣，获得新的感觉，带来新的构图形式和表现形式的联想，激发我们的表现欲望和表现力。因此，要多角度地观察，要选择最能表达自己新鲜感受的角度位置进行构图。写生角度位置的选择，也是画面构思与构图的组成部分。

B、构图

根据确定的写生角度，在小纸片上试作几幅“小构图”。在“小构图”上，将写生物象抽象为几何基本形，注意研究形的组合关系，如形体的大小、曲直的对比、明暗的分布、疏密的节奏等关系，使画面在变化与统一中，给人以美感，并用最基本的骨架将画面结构和形式特征表现出来，选择最能表达自己新鲜感受的“小构图”定稿落实。

C、落幅

①、所谓“落幅”是指在对客观物象的观察比较中，将“小构图”所确定的画面结构和形式特征在正式的画面上表现出来，如果说观察，构图是打轮廓的准备，落幅则是打轮廓的具体落实。

②、打轮廓要抓整体、抓大形、抓大关系。在这里，几何化归纳法起着决定性的作用。

首先把握成组静物的整体关系，通过整体观察比较，找准成组静物整体轮廓的“高”点(即突点，转折点)用直线“切”出成组静物外轮廓的基本形，确立画面构图的基本结构或形式特征，并为具体物象的空间位置、比例关系的确立奠定基础。

③、是通过整体观察比较，画出具体物象的轮廓。要运用几何形归纳法分析和把握具体物象的形体特征、形体，以及形体比例和透视关系，在这一过程中，既要注意物象自身各种关系的比较，更要注意物象与物象之间的比较。进而用轻松自如的直线，概括表现物象的形体结构与特征、形体比例关系和透视缩形状态。注意用线的变化，使物象形体在打轮廓阶段就表达出体积与空间的概念，为形体的塑造奠定基础。

打好轮廓，准确把握成组静物的整体轮廓。运用几何化归纳法，画出对象的形体特征、结构、比例和透视。

（1）、画大色调

如果说第一步是画“形”的轮廓，这一步即是画“色”的轮廓，画“色”的轮廓所要强调的是“整体”和“大体”。

（2）、整体

通过对成组静物的整体观察比较，注重把握画面整体的大色调关系。具体地讲，即是将包括衬布(背景)在内的所有物象，按照黑、白、灰的大关系的进行“排队”注意把握物象之间明暗色调的比例关系，并依据比例关系画出大体的明暗色调，使画面的形体处于相应的色调空间和色调气氛之中。

（3）、大体

依据不同物象的形体结构和体积特征，画出明暗两大部分的明暗色调大关系。要注意将不同物象的暗部色调进行比较，以保持画面整体的黑、白、灰的色调大关系。

画大色调，一是强调画面得整体、概括、不要深入、不要画局部、不要过细；二是强调画出明暗色调的相对关系，要留有余地切不可一次画到“位”。

画大色调在整体比较中画出大色调。注意把握物象之间黑、白灰的大关系和物象自身明暗两大部的大关系。

B、深入刻画

所谓“深入”就要抛弃表面的东西，抓住物象的本质，即紧紧抓住明暗色调与结构、形体的联系，从物象的形体结构出发去认识明暗色调的变化，运用明暗色调去刻画、充实、塑造形体。

从最能表现物体主要结构部位的明暗交界线画起，要把握明暗交界部位的体面关系和空间变化。应向前“拉”出来的东西，要实，要予以加强和深入刻画；应该向纵深“推”进去的东西，要予以概括和减弱。要注意成组物之间的比较，要整体，不要“孤军深入”。

要注意分析中间色调的微妙而丰富的变化，在表现中间色调的同时，把握好黑、白、灰的大关系。为此，必须理解着画。不要盲目地画，孤立地画，要画得简略约概括，不要重复涂抹）。

质感等细节的表现，有利于充实形体的塑造，对细节的表现一定要从整体出发，有主有次，有虚有实，有的要深入刻画，充分表现；有的则要削弱以至舍弃。总之，细节的表现要服从整体，切勿喧宾夺主。

在深入刻画的过程中时时要注意整体关系，特别是“大整体”关系。这是指成组物体之间的空间关系，物体边缘的透视缩形与背景之间的虚实关系。要把握住色调气氛和动笔之时的“新鲜感”。

C、调整统一

调整的目的，在于使形体的刻画和表现更集中，更概括，使画面的整体效果更生动，因此，我们必须回到画面的整体上来，回到开始作画时的“新鲜感”上去。

调整，即要注重整体，注重主体，对主体和关键的部位，含糊的要明确肯定，松散的要果断加强，以求更生动。对影响整体的“细节”及烦琐的灰色，要果断地减弱或删除，以求更集中，更概括。除此之外，对于形体结构，比例，透视等方面的错误，也要予以调整修改调整统一 注重整体，注重主体，通过调整使形体的刻画与表现更集中、概括、生动，恢复对开始作画时的“新鲜感”。

学素描需要准备的工具：

1、铅笔：铅笔是学素描最基本的工具了，学素描的铅笔与平常使用的有所不同，平常一般会用到HB、2B考试铅笔，而学素描要用到HB、4B、2B的铅笔，多买几支备用。

2、美工刀：素描铅笔是需要削的，但素描铅笔会斜横着画画，所以不能用铅笔刨削，要用美工刀，铅笔头不能削太尖；美工刀非常锋利，使用时要格外当心。

3、专业素描纸：学素描要用专业的素描纸，选择素描纸时，主要看纹理要清晰，要能留得住铅笔墨粉；平常普通的A4太光滑，不适合于练习素描，但一些皱纹纸，可用于练习。

4、橡皮：在学素描时，难免会画错，这就得用到橡皮；素描用橡皮一般用绘图专用的4B橡皮，既能很快地擦掉，并且不留痕迹。有的带着香味的橡皮最好不用。

5、画板和铁夹：在学素描前，必须将素描纸固定在画板上，画板一般采用复合板材制作，画板要求很平，素描纸用铁夹子夹在画板上。