求舒伯特艺术歌曲《死神与少女》的和声分析~！！急需急需~！最好能给我一份钢琴谱子~！谢谢哈~！！！

舒伯特艺术歌曲《死神与少女》的死亡哲学 作者：石广军 《广播歌选》 2009年第10期舒伯特(Frenz Schubert)是奥地利作曲家，浪漫主义艺术歌曲的创始人。在其短暂的一生中创作了大量的音乐作品，而最具有代表性的应该是他在德国艺术歌曲创作上的成就。他的一生创作了600多首艺术歌曲，被誉为“艺术歌曲之王”。分析他的艺术歌曲，我们不难看出他的卓越的旋律写作能力。他的艺术歌曲曲调朴素自然，和声新颖，注重刻画人物性格，充满戏剧性，有着很强的浪漫主义色彩。而最值得一提的是他把钢琴伴奏提高到与歌唱同等重要的地位，并在钢琴与歌唱之间建立均衡的关系①(p-605)。如我们熟知的《魔王》，《水上吟》，《幻影》等等，在这方面都有充分的体现。舒伯特艺术歌曲的歌词部分大都取材于不同诗人的诗歌作品。在他的艺术歌曲作品中，歌德的诗歌就有59首。还有比如根据威廉缪勒的诗歌写成的《美丽的磨坊女》，《冬之旅》等等。他的音乐体裁大多是一个人的爱情和恋爱痛苦为中心主题的，从中我们可感受到社会给人们造成的苦难，在他的作品中，突出的体现了失望与希望、黑暗与光明，痛苦与幸福的游离。同时，他把音乐看成是声乐重压下的一种安慰，是在现实生活中所不能实现的理想——自由，人类的尊严，精神的姜的寄托②(p—166)。不难理解，他的作品具有很强的哲学性和人文价值观的体现。歌曲《死神与少女》很好的探讨了他对“生”与“死”态度。同时我们也能通过本作品，看到作曲家本人在思想意识上对黑暗与光明的徘徊。但是，对于徘徊的结果，他一定是很乐观的，他一定坚信一点，那就是光明一定会战胜黑暗，即使是死亡，也要死的安详、幸福。艺术歌曲《死神与少女》是根据诗人克劳迪乌斯(Matthias Claudius)的诗作，创作于1817年，作曲家那年年仅20岁。歌曲的篇幅不长，但是意义却非常深刻，尤其是与舒伯特音乐与诗歌的巧妙的结合，更使歌曲显得短小而精悍。这部作品通过描写“少女”与“死神”的对话，探讨了对“生”与“死”态度。需要强调的是，对于人类来说，死亡毕竟是黑暗的，不详的。从人性上说对死亡的恐惧是与生俱来的，对生的渴望是人的本性；从一个人的正常逻辑思维上看，对于生与死，人们更看重生，毕竟，死亡对任何人来说都不是件好事，西方人也是同样。但是东西方社会对死亡的观念与理解却有很大的差异。在东方人的世界观中，通常把生看的过重，从而从内心深处对死亡产生恐惧，认为死亡是恐怖的阴霾的。而西方社会则不同，西方人会过多的关注主观的东西，比如情感，信仰，人本的东西③等等。此外，西方社会文化与东方也大不相同，西方的思想和文大都学都来源于圣经这本现在属于西方的经典，所以从哲学的角度看，东方社会与西方社会的死亡哲学是迥异的。在西方人眼里，“死亡是睡眠的兄弟”，由此不难看出，西方世界对死亡的态度是平和的，安详的。这种西方世界对死亡的哲学观在歌曲《死神与少女》中就有很好的体现。作品没有着重突出死亡的恐怖，更多的是在描述死亡的安详与宁静。一、少女的主题歌曲伊始，钢琴在d小调上奏出前奏，缓慢而凝重，听者似乎稀听到了死神的步伐，但钢琴营造出的气氛却并不阴霾也不恐怖，而是一种安详与温暖的气氛。在和声上，作曲家没有运用不和谐的和声，而是运用柱式和声仅仅在主、属、下属和声之间做平稳的运动，虽然略显阴暗，但不失和谐与安静。这样的安静被突如其来的少女的惊叫所打破。“快走开!你这可怕的死神。我还年轻，不要抓住我!!”此时的音乐虽然变的急迫，但是无论是旋律还是和声依然没有什么不和谐的因素。少女的主题旋律很简单，但调性明确，与情绪结合紧密，旋律线条的上下波动直接的发反映了主人公的情绪波动与变化，旋律的节奏也相对简单，但是有张有弛，松紧得当，在刻画人物性格上也起到了重要的作用。在钢琴伴奏上，虽然节奏相对于前奏略显密集，但是依然采用的柱式和声。在旋律的写作上，为了突出少女的慌张，采用了级进的手法，在突出了主人公的慌张心里之后，马上又做了级进的下行，并平稳的结束在了七音(属和弦)，突出了少女由慌张到平和的心里转变过程，并为死神主题的进入(主和弦的进入)做好了准备。与舒伯特另外一首描写死亡的艺术歌曲《魔王》中的孩子主题相比，在人物对死亡恐惧的描绘上，少女的主题少了的确少了很多，虽然主题短小，但对主人公从恐惧、挣扎到平和的情绪转变描写的恰型好处，与作品整体的情绪比较，主人公的对死亡的恐惧与挣扎显得微不足道了!二、死神的主题把你的手给我，美丽的姑娘。我是你的朋友，不要害怕，你将在我的怀中安睡。在旋律上，死神的主题并不丰富，而主要突出了深沉与平稳，在和声上，依然采用的是柱式和声的主、属 下属和声之间做平稳的运动，但在主题进行的中间部分是巧妙的转到了F大调，这时的音乐进行的色彩已经不再阴暗，而是更显得安详与温暖，虽然在最后又离调到d小调，但是在结尾借助于升高d小调的三音#F而巧妙的转到了D大调，并由钢琴一直演奏到结束。这种写作技法，更是在音乐色彩上突出了故事发展的逻辑性。对死神的描述与《魔王》中的死神也有非常大的迥异之处，死神已经不再阴险，狡诈与可怕，而是犹如慈父般的慈祥与深沉。死神的声音虽深沉但不凝重，也不失温暖与慈爱，给人的只是一种宿命感与宿命感，少女先前所有的“挣扎”似乎都显得微不足道，而最终将在死神的怀中“安睡”。由此我们不难看出，这也正是“死亡是睡眠的兄弟”的西方哲学观点的体现。三、钢琴伴奏、前奏与尾声在钢琴伴奏方面，简单和谐，整体的和声进行与节奏运动统一。与舒伯特的其他艺术歌曲的伴奏相比，《死神与少女》的钢琴伴奏可谓是相当的简单了，但这种简单也恰恰做到了很好的与歌唱相应和，从而更好的反映作曲家的思想意图。前面说到了，在歌曲伊始，钢琴在d小调上奏出前奏，缓慢而凝重，听者似乎稀听到了死神的步伐，但钢琴营造出的气氛却并不阴霾也不恐怖，而是一种安详与温暖的气氛。在和声上，作曲家没有运用不和谐的和声，而是运用柱式和声仅仅在主、属、下属和声之间做平稳的运动，虽然略显阴暗，但不失和谐与安静。我们再看尾声，与前奏相比，钢琴写作几乎没有变化，唯一的不同就是在尾声中作曲家将所有的F改成了#F，随之将调性由d小调改成了D大调。在色彩上，突出和延续了少女死亡的安详，在情节发展逻辑和上也使作品更合理。整体上来看，钢琴伴奏，前奏与尾声与作品结合紧密，已经不单纯是起到伴奏的作用，而是作品的重要组成部分，与声乐部分是并驾齐驱的。纵观整个作品，我们仿佛看到了少女由对死神的恐惧与抵制，到逐渐接受并在死神的怀抱中安详入睡的画面，总体上看，虽然有恐与挣扎，但是主人公的死亡不是在恐惧中死去的，而是在死神慈祥，温暖的感召下依偎在他的怀中“安然”的“睡”去的。同时由让我们感觉到，主人公的死去是一种幸福，是一种“安详”的美。舒伯特短暂的一生正逢梅特捏当政可以说他的一生都是在这样的专制压迫之下度过的。虽然作曲家一生勤奋好学，对音乐创作兢兢业业，但作品在当时却很少被人们所接受。感情上的坎坷，思想上的压抑，地位上的微不足道经济的窘迫，作曲家的一生都是在失望与希望，黑暗与光明，痛苦与幸福、生与死之间徘徊②(p-166)。从宏观的哲学角度上看，最终死亡战胜生存也折射了作曲家所生活的年代的无奈与批判，同时也反映了作曲家对自己的生存状态的无奈与不满。同时，死亡在作曲家眼里变得并不可怕，而是安宁与祥和的体现，这也在另一个层面表达了他对光明与美好的渴望。浪漫主人公的典型特点：苦闷，失落。但是，舒伯特内心深处却是热爱生活，热爱自然，热爱人类的，在他的音乐作品中也能反映出他对生活得信心和勇气。作曲家运用音乐语言对《死神与少女》中生与死的探讨也婉转的表露出了他对生活得热爱和对美好生活得憧憬。虽然作品通篇都在描述死亡，但整体的色彩是安详的，温暖的。再看这首作品，我们已经不再单纯的看到音乐，语言，而是上升到哲学领域来审视作曲家的人生态度与价值观，那就是——即使是死亡，也是安逸的美丽的幸福的!死亡并不可怕，只是一种归宿而已。克劳迪乌斯在诗歌中的“未尽之意”就在于此!而舒伯特用他的音乐直接的传达了给我们。参考文献：1　西方音乐史[美]格劳特，帕利斯卡著，人民音乐出版社、1996年2　声乐艺术史尚家骧 华乐出版社2003年5月3　西方死亡哲学　段德智 北京大学出版社　2006年10月

路德维希·冯·贝多芬 [编辑本段] 公元1770～公元1827 全世界最伟大的作曲家路德维希·冯·贝多芬（Beethoven Ludwig Van）享有“伟大的乐圣”之称 1770年生于德国波恩市，祖籍佛兰德。其祖父及父亲均供职于科隆选候。酗酒之父强逼他长时间地练习键盘乐器，望子成为莫扎特式的神童。十一岁辍学。十三岁任宫廷乐队（指挥为内费）习管键琴手，十四岁任宫廷第二管风琴师，十八岁任歌剧乐队的中提琴演奏员。 他从小就表现出了音乐天赋，他的处女作是在1783年发表的。他年轻时访问过维也纳，在那儿结识了莫扎特，不过他们的交往如过眼烟云，转瞬即逝。1792年，贝多芬返回维也纳，在一段时期里求教于海顿（享有“交响乐之父”之称的德国作曲家）——当时维也纳首屈一指的作曲家（“音乐神童”莫扎特在此年去逝）。贝多芬在维也纳——当时世界音乐之都度过余生。 贝多芬作为钢琴家所具有的娴熟技巧给所有的人都留下了深刻的印象。他不仅是一名成功的演奏家，也是一位优秀的教师。他不久就成为一名多产的作曲家。他的作品颇受欢迎，二十五六岁时就能轻而易举地把作品卖给出版商。 贝多芬将近而立之年时就有了失聪的先兆，这位年轻的作曲家为此不祥之兆而感到惴惴不安，这是可想而知的。一时间他竟想到了自杀。 1802年到1815年间有时被称为是贝多芬创作生活的中期。在这期间，他的失聪症在不断加剧，从此便深居简出。他那日渐严重的失聪症使人们形成了他是一个厌世者的错误印象。他曾同好几个妙龄少女有过海誓山盟，但最终却似乎都在不幸中结束。他终生未娶。 贝多芬不断地谱写出大量的音乐作品。但是随着时光的流逝，他对当时音乐观众所喜闻乐听的音乐的关注日渐减少。但是他却在不断地获得成功。 贝多芬快到50岁时已经完全耳聋。结果他不再登台演出，甚至变得更加孤独怪癖。他并不象先前那样多产，而且作品也给人以诘屈聱牙之感。那时他主要是为自己和一些理想的未来观众而作曲。据说，他曾对一位批评家说，他的作品“不是为你而是为未来的一代而创作的”。 如果说这位超乎时空的最富有天才的作曲家饱尝了失聪的辛酸，不如说那就是对命运的一种最无情的嘲弄；如果说贝多芬不顾失聪的痛苦，以一种超人的毅力继续保证了作品的质量，那么这就是一种鼓舞人心的、近乎令人难以置信的功绩。但是事实比想象的还要出人意料：实际上贝多芬在完全失聪的岁月里，谱写出的乐章超出了他早期作品的水准。一般认为他在晚年的岁月里创作的作品是他一生中最伟大的杰作。他1827年在维也纳去逝，终年57岁。 贝多芬创作了大量作品，其中包括九部交响曲，32部钢琴奏鸣曲，五部钢琴协奏曲，十部钢琴小提琴奏鸣曲，一系列弦乐四重奏曲，声乐曲，剧乐曲，以及许多其他乐曲。但是和他众多的乐曲的数量相比，更重要的是其质量。他的作品把完美的想象和奔放的感情有机地融为一体。贝多芬用自己的演奏扣动了人们的心弦，他们再也不认为器乐是一种次要的艺术。 贝多芬是一位颇具有创造性的作曲家，他给音乐带来的变化中有许多已经产生了流芳百世的效果。他扩大了管弦乐队的规模，增加了交响曲的长度，扩大了它们的领域。他证明了钢琴具有极其广泛的用途，为使它成为第一流的乐器做出了贡献。贝多芬代表了音乐从古典式向浪漫式的转变。他的作品给许多富有浪漫色彩的乐曲带来启迪。 贝多芬对许多后来的作曲家都有很大的影响，其中包括各种风格不同的人，如勃拉姆斯、瓦格纳、舒伯特和柴柯夫斯基。他还为柏辽兹、古斯塔夫、马勒、斯特劳斯等许多人开辟了道路。 贝多芬在本册中的名次看来显然应排在任何其他作曲家之首。虽然约翰·塞巴斯蒂安·巴赫几乎和他同享盛名，但是贝多芬的乐曲比巴赫的乐曲拥有范围更广、数目更多的听众，而且贝多芬做出的众多革新比巴赫的作品对后来的音乐发展具有更为深刻的影响。 一般说来，用语言表达政治思想和道德思想能比用音乐表达得更容易、更清晰，因此文学是一个比音乐更具有影响的艺术领域。就是根据这个道理，虽然贝多芬是音乐史上最杰出的人物，但还是比莎士比亚排得低些。在比较贝多芬和米开朗基罗时，我深受这样事实的影响：大多数人听音乐远比看画和雕像所花的时间多。因此我认为一般说来音乐作曲家比画家和雕塑家具有更大的影响，如果两者在各自的领域里都享有同样的盛名。总而言之，大体上把贝多芬排在莎士比亚和米开朗基罗之间看来是再合适不过了。 贝多芬的交响曲以表现革命斗争的英雄为中心，他把英雄的主题放在他交响曲创作中的首位。从贝多芬的《第三交响曲》、《第五交响曲》、《第六交响曲》、《第七交响曲》、《第九交响曲》中，我们都可以看出这些作品从各个不同的侧面描绘了英雄的活动与思想、英雄与革命斗争、英雄与大自然、英雄与人民、英雄与胜利、英雄与他的内心世界等等，这些富于英雄性的音调，把英雄塑在人民中间，表现了他们为实现正义的事业而战斗，甚至牺牲自己，直到赢得斗争的胜利。 贝多芬的交响曲创作多采用扩充的奏鸣曲形式，他的创作构思宽广、宏伟，思想深邃，形象对比鲜明，丰富多样，在曲式的处理上都达到了作品整体上的高度统一，在创作之中把原交响曲中的第三乐章小步舞曲改为谐谑曲，把歌剧中对人世间矛盾冲突通过斗争取得胜利的戏剧性表现手法运用到交响曲中，在《第九交响曲》中甚至加入了合唱，扩大了交响曲的表现能力与氛围。另外，在交响曲的创作中，贝多芬在配器方面作了大胆的创新，确立单簧管在乐队中的地位，在《第九交响曲》中使用四支长号等等，形成了一个新颖的风格，开始了一个新的领域，用这种创新的音乐形式充分表达了他的内心世界，反映了当时社会的进步思潮，将欧洲古典乐派的音乐发展到了最高峰，开创了19世纪欧洲浪漫主义音乐之先河。 一八二七年，贝多芬去世时，众多的朋友和崇拜者前来吊唁。贝多芬被安葬在魏林格墓地(Waehringer Friedhof)。文学巨匠格里尔帕策曾经在悼词中说 “贝多芬把他的一切献给了众人，从他们那里却一无所获，於是他就远离了众人。”能够让贝多芬瞑目九泉的是，舒伯特一八二八年也被安葬在此，与他相伴。人们为了纪念舒伯特这位年轻的天才音乐家，在魏林格墓地的旁边修建了一座舒伯特花园(Schubertpark)。如今，这座魏林格大街上的舒伯特花园是众多游客流连的地方。 地址：W ringer Stra呈, 1180 Wien 一八八八年，两位音乐大师的棺木被一起移到中央陵园。如今，贝多芬被埋葬在中央陵园名人墓地32A的第29号墓穴中。 地址：Zentralfriedhof, Simmeringer Hauptstra呈 234, 1110 Wien 一八八零年，崇拜贝多芬的人们还为其建造了一座纪念碑。从此，这个地方更名为贝多芬广场。贝多芬塑像的周围围绕著九个小天使，象徵音乐大师不朽的九部交响曲。 地址：Beethovenplatz, 1010 Wien 主要作品： [编辑本段] 交响曲： 贝多芬 C大调第一交响曲 贝多芬 D大调第二交响曲 贝多芬 bE大调第三交响曲（英雄） 贝多芬 bB 大调第四交响曲 贝多芬 c小调第五交响曲（命运） 贝多芬 F大调第六交响曲（田园） 贝多芬 A大调第七交响曲 贝多芬 F大调第八交响曲 贝多芬 d小调第九交响曲（合唱） 协奏曲： 贝多芬 D大调小提琴协奏曲 贝多芬 C大调第一钢琴协奏曲 贝多芬 c小调第三钢琴协奏曲 贝多芬 bE大调第五钢琴协奏曲(皇帝) 序曲： 贝多芬 《科里奥兰》序曲 贝多芬 《莱奥诺拉》序曲 贝多芬 《菲岱里奥》序曲 贝多芬 《爱格蒙特》序曲 其他： 贝多芬 G大调小提琴浪漫曲 贝多芬 F大调小提琴浪漫曲 贝多芬 钢琴奏鸣曲《悲怆》 贝多芬 钢琴奏鸣曲《月光》 贝多芬 钢琴奏鸣曲《热情》 贝多芬 钢琴奏鸣曲《黎明》 贝多芬 钢琴奏鸣曲《田园》 贝多芬 钢琴奏鸣曲《暴风雨》 贝多芬 钢琴曲《致爱丽斯》 贝多芬 土耳其进行曲 相关文学作品，影视作品： 1，《约翰克里斯多夫》 2，《名人转》（罗曼罗兰） 3，《复制贝多芬》

　　摘 要肖邦是一个只有当外界触动他的神经和情绪时才去认识外界的作曲家，他讲的是自己，写的是自白。他的忧郁和感伤散发着一种迷人的气息，因为这一切都是在生活中体验过和真实感受到的。本文就着重分析肖邦的两首圆舞曲。从他的两首圆舞曲中窥视其圆舞曲的风格。

关键词肖邦；圆舞曲；风格

对于肖邦，无需介绍，无需陈述，有钢琴的地方，就有肖邦的音乐。本文重点以肖邦的b小调作品69之2和升c小调作品64之2作为浅析对象。肖邦的b小调作品69之2是在他离开波兰前创作的，升c小调作品64之2是肖邦在他的全盛时期创作完成的。先说肖邦的b小调作品69之2吧。

b小调作品69之2作于1829年。这是肖邦19岁时的作品，因还不熟悉巴黎社交界，曲中弥漫着思乡的情绪。是一首三部附有中段的回旋曲式，第一主题极为感伤，第二主题为B大调，转为明朗。最后回到第一主题到结束。这首曲子的难度不大，速度也不很快。但是要有一定的弹奏技巧和弹奏者对曲子的理解。极为感伤的第一主题：（见谱例）

肖邦的这首曲子用了b旋律小调，用了t-d-d-t的柱式和声织体。旋律线是波浪式的，不断的重复一个动机。在弹奏这个乐段的时候不是每个音符都像谱面上那样完全对齐的，就谱例来说：右手的旋律是要带着一种很复杂的感情来弹奏的，要有波浪起伏的感觉，要把曲子的感情把握好。这主要是表现作者当时内心的思乡的情绪。

接下来是一个短小的中段小插部。是整曲的过渡。（见谱例）

过后又回到了第一段重复了两遍后转入了它的关系大小调B大调。这段是比较欢快的乐段，它由T-D-T的柱式和声织体构成。从调性上与第一段形成了鲜明的对比。好像作者在回忆自己在家乡自由快乐的生活。接下来就是第一段和插部的再现。最后在b小调的主和声伴奏下一句下行乐句中结束了全曲。（见谱例）

我们再来看#c小调圆舞曲,作品64之2。本曲节奏近似马祖卡舞曲，是圆舞曲抒情诗。关于此曲还有一段故事：1846年，肖邦和乔治·桑在诺罕庄园里一起度过了最后一个残秋。十一月，他们分开了。促使他们分离有两个原因，一个是：这年六月，乔治·桑公开了她和肖邦的秘密关系，这使得肖邦十分难堪。另一个是：乔治·桑的孩子们长大了。儿子和女儿对母亲和肖邦的关系越来越不能容忍，最终乔治·桑被迫离开了肖邦。这年十一月，肖邦来到了巴黎，心情十分忧郁，身体也越来越坏，但为了生活，他还要带病教学生弹琴，第二年春天，他的身体稍微好一些，想起和乔治·桑在一起的这些年，他很有感触，于是，写下了这首《#C小调圆舞曲》。

乐曲为三段体式，无序奏。一开始便是流露着一丝忧伤的第一段主旋律，仍然具有肖邦那轻柔、飘逸的性格特征，可见作者对美好生活仍有一线憧憬。第二段为急速的连动，似滚珠落玉般晶莹剔透。但这不是肖邦以往作品中那种华丽的风格，而是充满着一种无奈的旋律，仿佛是作者在倾诉他孤寂的晚年生活。中段转为降D大调，多少明朗了些，但是很快又出现郁闷的气氛。在回旋连动过后，反复开头的主旋律，最后全曲在焦躁不安中结束了。乐曲没有前奏，一开始，就呈现略带忧伤的主题。在这后面是一段下行半音阶。接着反复了一遍。然后又是反复，而且越来越快、越来越机械地转入毫无表情的PP。第二段从八度大跳开始，一个动机用模进手法，级进形式，为后面旋律的发展做好铺垫，模进后的旋律起伏很大，让人感觉好似心潮在起伏翻滚，从感情上与前面形成鲜明的对比，一段起伏很大的旋律之后又恢复到模进形式的动机，这是两个乐句从旋律线、感情上、技巧上形成对比：（见谱例）

第三段乐曲转降D大调，这时，出现了一段抒情的慢板。好似是对以往和乔治·桑在一起幸福的日子的回忆。

在它之后，第二段再现，转回到#C小调上，再接忧郁的第一段，最后，又现第二段在焦躁不安的情绪下结束全曲。《#C小调圆舞曲》还被改编成管弦乐曲为舞蹈伴奏，著名的芭蕾音乐《仙女们》运用了它。

参考文献

[1]苑丁著 钢琴教学法[M]中国文联出版社2003

[2]吉·德·布塔莱斯著 姜德山译钢琴诗人肖邦[M]中国广播电视出版社1999

[3]斯门江卡著 梁全炳 姚曼华译如何·演奏·肖邦[M]中国文联出版社2003

[4]傅玉详 详云著伟大的浪漫主义音乐家—肖邦[M]农村读物出版社2004

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浪漫主义时期的作曲家及音乐

勃拉姆斯

约翰奈斯·勃拉姆斯，德国作曲家。

勃拉姆斯是德国音乐史上最后一个有重大影响的古典作曲家，被视为19

世纪浪漫主义音乐时期的“复古”者。他是创作与演奏并重的作曲家。但他没有进过音乐学校，靠他自己的勤奋好学、他的卓越才能和对自己所献身的事业重要性和必要性的觉悟。他的成熟的作品证明了他掌握着登峰造极的艺术技巧和才华。他的作品兼有古典手法和浪漫精神，极少采用标题，交响作品中模仿贝多芬的气势宏大，然而笔法工细，情绪变化多端，时有牧歌气息的流露，仍带有自己特点。

勃拉姆斯的音乐既反映出他德国北部故乡的朴实无华，又反映出维也纳的妩媚动人。在他的最大型作品《德意志安魂曲》中表现出了这两个方面。他出自对人类善良的信念和对德国人民的爱，紧紧依靠德国古典音乐大师——自巴赫、莫扎特、贝多芬到舒伯特和舒曼的传统，创作出足以同十九世纪末德国音乐中开始出现的一些颓废现象相对抗的包罗万象的作品来。这正是他创作的主要历史功绩所在。在德国音乐中，人们常把勃拉姆斯同巴赫、贝多芬姓名的第一个字母总称为“三B”原因概在于此。 勃拉姆斯继承贝多芬交响乐的传统，以深刻的人道主义和热烈的爱国主义精神出发，着力表现时代精神风貌和斗争生活，作品成为贝多芬之后西欧交响音乐的杰出典范。难怪人们把他的《第一交响曲》誉为“贝多芬第十交响曲”。勃拉姆斯自己也曾记叙说：“在我背后不断地听到巨人（指贝多芬）的脚步声。”勃拉姆斯写作交响曲并不追求色彩和光辉的表现，但他的乐队表现却格外精致而富有表情。在继承古典乐派交响乐的结构形式的同时，勃拉姆斯又赋予作品浪漫主义的色彩和气质。作品结构严谨，情思蕴藉，规模庞大。他还将德国古典作曲家严密的复调技术和动机发展手法运用到交响曲的创作中。重要作品还有《D大调小提琴协奏曲》，《匈牙利舞曲》第五、第六，管弦乐《学院典礼序曲》及乐作品《摇篮曲》等优秀曲目。

代表作： C小调第一号交响曲；

其他管弦乐作品：降B大调第二号钢琴协奏曲；D大调小提琴协奏曲； 声乐作品：

《德意志安魂曲》

《德意志安魂曲》：与前人的安魂曲作品相比。无论在内容或在音乐上，勃拉姆斯的《德意志安魂曲》都开创一个全新的意境，更富于人性。这一作品是勃拉姆斯最伟大的声乐作品，标志着他的音乐创作达到了一个顶峰，也使他在整个欧洲赢得了极高的声誉。《德意志安魂曲》把合唱、独唱与管弦乐完美的结合在了一起，其创作灵感来源于亨德尔的复调音乐传统。

乔治·比才——法国的自然主义者：法国作曲家

代表作：管弦乐作品：阿莱城姑娘，组曲第一号，组曲第二号

歌剧： 《卡门》

《卡门》 ：歌剧的序曲为A大调，四二拍子，回旋曲式。整部序曲建立在具有尖锐对比的形象之上，以华丽、紧凑、引人入胜的音乐来表现这部歌剧的主要内容。序曲中集中了歌剧内最主要的一些旋律，而且使用明暗对比的效果将歌剧的内容充分地表现了出来 （片段1、片段2），主题选自歌剧最后一幕中斗牛士上场时的音乐。 本剧的序曲是音乐会上经常单独演奏的曲目。

第一幕中换班的士兵到来时，一群孩子在前面模仿着士兵的步伐开路。孩子们在轻快的2/4拍子,d小调上,唱着笛鼓进行曲《我们和士兵在一起》（片段3）。在这一幕塑造了吉卜赛姑娘卡门热情、奔放、富于魅力的形象。主人公卡门的著名咏叹调《爱情像一只自由的小鸟》是十分深入人心的旋律，行板、d小调转F大调、2/4拍子,充分表现出卡门豪爽、奔放而富有神秘魅力的形象（片段4和片段5）。 卡门被逮捕后，龙骑兵中尉苏尼哈亲自审问她，可她却漫不经心地哼起了一支小调（片段6），此曲形象地表现出卡门放荡不羁的性格。还是这一幕中，卡门在引诱唐·豪塞时，又唱出另一个著名的咏叹调，为快板、3/8 拍子，是一首西班牙舞蹈节奏的迷人曲子,旋律热情而又有几分野气 （片段7）， 进一步刻画了卡门性格中的直率和泼辣。

第一幕与第二幕之间的间奏曲也十分有名， 选自第二幕中 唐·豪塞的咏叹调《阿尔卡拉龙骑兵》,大管以中庸的快板奏出洒脱而富活力的主旋律（片段8）。

第二幕中还有一段吉普赛风格的音乐， 表现的是两个吉普赛女郎在酒店跳舞时纵情欢乐的场面（片段9），跳跃性的节奏和隐约的人声烘托出酒店里喧闹的气氛。

第二幕与第三幕之间的间奏曲是一段轻柔、优美的旋律,长笛与竖琴交相辉映，饱含脉脉的温情（片段10）。

第三幕中著名的 《斗牛士之歌》，是埃斯卡米里奥为感谢欢迎和崇拜他的民众而唱的一首歌曲。这首节奏有力、声音雄壮的凯旋进行曲，成功地塑造了这位百战百胜的勇敢斗牛士的高大形象（片段11）。

第四幕的结尾，正象柴科夫斯基所说的那样： “当我看这最后一场时，总是不能止住泪水，一方面是观众看见斗牛士时的狂呼，另一方面却是两个主人公最终死亡的可怕悲剧结尾，这两个人不幸的命运使他们历尽辛酸之后还是走向了不可避免的结局。” 剧中还有一段脍炙人口的西班牙风格舞曲“阿拉贡”， 也是音乐会上经常单独演出的曲目（片段12）。

威尔第——意大利歌剧的辉煌（歌剧之王） 居塞比·威尔第是意大利杰出的歌剧作曲家，他一生创作了27部歌剧，其中一些已被列入世界著名歌剧之列，在世界各国上演。他被誉为歌剧之王。

代表作：歌剧：阿伊达（Aida)，弄臣(Rigoletto) 《茶花女》(La Traviata)

游吟诗人(Il travatore) 法斯塔夫

其他声乐作品：安魂弥撒（Requiem Mass)

《茶花女》 ：

《茶花女》是威尔第的「通俗三部曲」的最后一部（其余两部是《弄臣》及《游唱诗人》），它所获意大利人的欢迎也是不亚于《游唱诗人》。

这是根据1852年法国的作家小仲马而写成。这部歌剧充满着优美的咏叹调，其出现密度之高，使得和比才的《卡门》一样，成为美歌集一般，即使不太明白剧情，但绝对不会感到有「冷场」，所以，它也是很好的欣赏入门的歌剧．

威尔第的三幕歌剧《茶花女》于1853年在威尼斯进行首演，虽然由于各种社会原因而遭到失败，但它很快就得到了全世界的赞誉，被认为是一部具有出色艺术效果的巨著，并由此成为各国歌剧院中最受欢迎的作品之一。难怪《茶花女》的原作者小仲马要说："五十年后， 也许谁也记不起我的小说《茶花女》了，但威尔第却使它成为不朽。" 《茶花女》的意大利名称为Traviata，原意为"一个堕落的女人"（或"失足者"），一般均译作"茶花女"。歌剧描写了十九世纪上半叶巴黎社交场上一个具有多重性格的人物--薇奥列塔。她名噪一时，才华出众，过着骄奢*逸的妓女生活，却并没有追求名利的世俗作风，是一个受迫害的妇女形象。虽然她赢得了阿尔弗雷德·阿芒的爱情，但她为了挽回一个所谓"体面家庭"的"荣誉"，决然放弃了自己的爱情，使自己成为上流社会的牺牲品。

剧情：薇奥莱塔原是周旋于巴黎上流社会的名妓，为青年阿尔弗莱德真挚的爱情所感，毅然抛弃纸醉金迷的生活，来到巴黎近郊与阿尔弗莱德共同酿造爱情的蜜。但是，阿尔弗莱德的父亲乔治欧激烈反对，强要她承诺与他的儿子断绝来往。为了顾全阿尔弗莱德的家庭和幸福，她决心牺牲自己的爱情，忍受着内心的极大痛苦，重返风月场。阿尔弗莱德误以为她变了心，盛怒之下，在公开场合羞辱了她。薇奥莱塔信守对乔治欧的诺言，未向自己的情人道破真情，但患有肺病的身体承受不了这一致命打击，就此卧床不起。不久，乔治欧良心发现，把全部真情对儿子言明。但当阿尔弗莱德回到薇奥莱塔身边，她已经奄奄一息了，疾病和不公正的社会夺去了她的爱情和生命。 音乐以细微的心理描写、诚挚优美的歌调和感人肺腑的悲剧力量，集中体现了中期威尔第歌剧创作的基本特点。序曲采用第二幕中的爱情主题和下行的悲怆动机，对全剧作了提纲挈领的概括。第一幕的《饮酒歌》，是以单二部曲式为基础的分节歌，轻快的舞曲节奏，明朗的大调色彩，以及贯穿全曲的大六度跳进的动机，表现阿尔弗莱德借酒抒发他对真诚爱情的渴望和赞美，洋溢着青春的活力。薇奥莱塔的咏叹调，则表现女主人公复杂微妙的心理矛盾。前半部分表现她初次感受到爱情时内心的波动，音调诚挚、直率；后半部分表现她对爱情的大胆追述和渴望，大跳的音调反映了她内心抑制不住的喜悦。终场的二重唱，是一个感人的音乐场面，第一段中近乎口语式的急切语调，是这一对久经磨难的情人终又重逢时狂喜而激动心情的描写；第二段的分节歌洋溢着浪漫曲的抒情气质，抒发他们对爱情和幸福的向往。但后来，与阿尔弗莱德热情奔放的旋律交织一起的微奥莱塔声部中，出现了半音滑行的痛苦呻吟的音调，并逐渐发展扩大，最后占据了主导地位。威尔第应用这种对比手法，刻划了垂死的薇奥莱塔对爱情至死不渝的追求，揭示了歌剧深刻的悲剧主题，具有震撼人心的戏剧力量。

《奥赛罗》：

达到威尔第一生创作的高峰，成为真正的音乐喜剧。《奥赛罗》是继《阿依达》所作的结构突破， 而且充分发挥管弦乐队在歌剧中的作用，没有通常的曲线直接开始于风暴场景

帕格尼尼（1782~1840）：意大利小提琴家、作曲家。

曲目：1二十四首无伴奏小提琴随想曲。2第一、二号小提琴协奏曲。3摩西幻想曲。4《心中类乱》主题变奏曲。 5小提琴与吉他的奏鸣曲

普契尼（1858~1924）： 意大利歌剧作曲家。

推荐曲目：1歌剧《波西米亚人 》。2歌剧《托斯卡 》。3歌剧《蝴蝶夫人 》。4歌剧《曼侬蕾丝考》。5歌剧《西方少女》。6歌剧《杜兰朵 》。7歌剧《强尼史基基》。

小约翰·史特劳斯（1825~1899）： 奥国作曲家。

推荐曲目：1圆舞曲：《蓝色多瑙河》、《南国玫块》、《维也纳森林的故事》、《醇酒、女人与歌》、《艺术家的生涯》、《皇帝》、《一千零一夜》。2波卡舞曲：《拨奏》、《雷鸣与闪电》、《闲聊》、《狩猎》、《爆炸》。3《蝙蝠》序曲、《喜普赛男爵》序曲、《威尼斯之夜》序曲。4轻歌剧《蝙蝠》。

通常我们讲到斯特劳斯都是说斯特劳斯家族，其成员有，老约翰-斯特劳斯，代表作《拉德斯基进行曲》，小约翰-斯特劳斯，爱德华-斯特劳斯和约瑟夫-斯特劳斯。

德彪西（1862~1918）： 法国作曲家。

推荐曲目：1钢琴作品：《贝加马斯克》组曲（包括著名的《月光 》）、《版画》（三曲）、《映象》（二卷，各三曲）、《儿童天地》（六曲，包含著名的《黑娃娃的步态舞》）、《前奏曲》（二卷，共二十四曲）、《梦》、《二首华丽曲》、《欢乐岛》、《为钢琴》。2管弦乐曲：《海》、《牧神的午后前奏曲》、《三首夜曲》、《神圣舞曲与世俗舞曲》、（竖琴与管弦乐）。3室内乐；《G小调弦乐四重奏》、《小提琴奏鸣曲》、《大提琴奏鸣曲》、《长笛、中提琴与竖琴奏鸣曲》。

瓦格纳 威尔第和比才的比较

把他们三个并在一起是因为他们都在歌剧方面有着很大的成就，其次他们各自代表着一种派别。

在音乐界，风格并不是大一统的，浪漫主义中还分早期浪漫主义，民族浪漫主义，民族浪漫主义中还分意大利浪漫主义，法兰西浪漫主义。。。。。而这三只，正好代表着德国歌剧，意大利歌剧和法兰西歌剧三种风格。

瓦格纳在作品创作中非常重视器乐伴奏的效果，这正是德意志民族特色 威尔第则突出人声演唱的地位，具有意大利民族特色 比才强调语言节奏的作用，体现了法兰西民族特色 当然，要弄清这三种风格光是几句话是无法理顺的，大家可以节选三只代表歌剧中的经典片段（瓦格纳《罗恩格林》第三幕前奏曲，威尔第《茶花女》饮酒歌，比才《卡门》爱情

瓦格纳试图通过重视管弦乐团的发展将和声的活动充分变现出来进而把她转化成多种多样的戏剧效果（长喘一口气，缩句，就是说用管弦乐团的演奏表现和声活动从而体现戏剧效果）。威尔第则直接用人声来表达情感，所以他的作品通常都是热情洋溢（虽然他基本上都是写悲剧）。而比才则是将演奏和歌唱融合，用一种明快的节奏来体现戏剧效果（话说LZ在听《爱情是一只自由鸟》的时候总是有种翩翩起舞的冲动，掩面。。。）

总结成一句话，威尔第的写实风格，瓦格纳的交响戏剧，比才的抒情色彩并不是三者独立的，它们相互影响，相互交融。

瓦格纳与勃拉姆斯

倘若把具有强烈表情效果的浪漫主义音乐分成相互对立的两派，那么一派是强调表情的广度，该派代表人物有柏辽兹，李斯特，瓦格纳，我们称之为瓦格纳派。 另一派则强调的是表情的深度，代表人物有德国早期浪漫主义大师（舒曼，门德尔松。。。）以及勃拉姆斯，我们称之为勃拉姆斯派。

对于表情的广度和表情的深度，我们可以简单的用亨德尔和巴赫的区别来帮助理解。 事实上，上面所讲到的各音乐家之间的风格的差异只是为了更好的了解而做出的对比，并没有把他们放在对立的两面，而这两只却引起了音乐爱好者甚至于媒体的旷日持久的争论，真正做到了在拔高自己的同时，不忘狠狠地踩对方两脚。