水彩基础：水彩的配色宝典，教你如何色彩搭配，经典实用！

色彩搭配

色彩对于设计、绘画等行业

是非常重要的，也是入门的必修课

首先我们先了解一下

色调的理论知识

01

三 原 色

绘画色彩中

最基本的颜色为三种

红(品红)、黄（柠檬黄）、蓝（湖蓝）

称之为原色

这三种原色颜色纯正、鲜明、强烈

而且这三种原色本身是调不出的

但它们可以调配出多种色相的色彩

注意: 光的三原色和颜料的三原色是不同的，现在给大家讲的是颜料的三原色！

颜料中的原色之间按一定比例混合可以调配出各种不同的色彩，而颜料中的其它颜色则无法调配出原色来。当然，为了方便我们目前市面上有很丰富的颜色成品，作画时应该充分利用现成的颜料，这样可以节省调色时间。但其中的原理都还是必须要知道的。

02

间 色

三原色中任何的两种原色作等量混合调出的颜色，叫间色，亦称第二次色。（红+蓝=紫色、黄+红=橙色、黄+蓝=绿色）

童鞋们注意啦！！如果两个原色在混合时的分量不等话，又可以产生其他种种的颜色哦。如黄和红混合，**成分多则的中络黄、但珞黄等的黄橙色等其他颜色。童鞋们也可以用颜色调来练习下，熟练准确的调色也会为你的色彩加不少分的哦。

03

复 色

任何两种间色（或一个原色与一个间色）混合调出的颜色则称复色，亦称再间色或第三次色。（黑色的深灰黑色，所以任何一种颜色与黑色混合得到都是复色。即凡是复色都有红、黄、蓝三原色的成分。）

04

色相

色相: 是指色彩的相貌，是色彩最显著的特征，是不同波长的色彩被感觉的结果。光谱上的红、橙、黄、绿、青、蓝、紫就是七种不同的基本色相。

05

明度

明度: 是指色彩的明暗、深浅程度的差别，它取决于反射光的强弱。它包括两个含义：一是指一种颜色本身的明与暗，二是指不同色相之间存在着明与暗的差别。

06

纯度

纯度: 指色彩色素的纯净和浑浊的程度，也称色彩的饱和度。纯正的颜色无黑白或其他颜色颜色混入。纯度低颜色，给人灰暗、淡雅或柔和之感。纯度高颜色，给人鲜明、突出、有力，但是感觉单调刺眼，而混合太杂则容易感觉脏，色调灰暗。（在此提醒童鞋们在画色彩的时候在画纸上不要铺垫太多的颜色，这样画面会显得厚重和脏。而是要果断，拿准了再下笔。）

07

同类色

同类色: 是同一色相中不同倾向的系列颜色。如**中可分为柠檬黄、中黄、橘黄、土黄等，都称之为同类色

08

对比色

对比色: 是人的视觉感官所产生的一种生理现象，是视网膜对色彩的平衡作用。

指在24色相环上相距120度到180 度之间的两种颜色，会给人强烈的排斥感若混合在一起,会调出浑浊的颜色如:红与绿,蓝与橙,黄与紫互为对比色。

09

互补色

互补色: 色相环中相隔180度的颜色,如:红与绿,蓝与橙,黄与紫互为补色。补色相减 ( 如颜料配色时，将两种补色颜料涂在白纸的同一点上 ) 时，就成为黑色;补色并列时，会引起强烈对比的色觉，会感到红的更红、绿的更绿，如将补色的饱和度减弱，即能趋向调和。

10

颜色与情绪

···

大自然的各种色彩

使人产生各种感觉

并可陶冶人的情操

不同的颜色使人产生不同的情绪

从而引起人的心境发生变化

下面来感受一下吧

↓↓↓

红色: 代表了：愤怒，激情，狂暴，欲望，激情，能量，速度，力量，电力，热烈，爱，侵略，危险，火，血，战争，暴力

橘色: 代表了：幽默，能量，平衡，温暖，热情，充满活力，广阔，耀眼

紫色: 色情，皇室，贵族，灵性，仪式，神秘，智慧，启迪，残酷，傲慢，哀悼，力量，敏感，亲密

**: 代表了：智慧，知识，放松，快乐，幸福，乐观，理想主义，想象力，希望，阳光，夏天，不诚实，怯懦，背叛，嫉妒，贪婪，欺骗，疾病，灾害

绿色: 治愈，舒缓，持之以恒，坚韧不拔，自我意识，骄傲，自然，环境，健康，好运，复兴，青春，活力，春天，慷慨，富饶，嫉妒，缺乏经验，羡慕

蓝色: 信仰，灵性，满足，忠诚，安宁，稳定，和谐，团结，信任，自信，保守，安全，整洁，秩序，天空，水，冷，科技，沮丧

粉色: 爱，纯真，健康，快乐，满足，浪漫，迷人，滑稽，柔软，细腻，女性化

10

配色&**

色彩搭配影响着各行各业

经典**对于配色也是要求非常严的

场景配色不只是呈现在肉眼下

还可透过这些配色烘托**所呈现的气氛

以及角色的内心世界

场景配色这个部分

多交由**摄影师

以及美术指导们来负责

也偏属于**后期制作阶段

**《天使爱美丽》中的对应色卡

是一种典型的红色配绿色对应效果

通常两种对比的色彩象征冲突行为

透过外在的互补色彩呈现出角色内心

正处于矛盾或身心交瘁的状态

·经典**的场景配色·

↓↓↓

暖色调

···

冷色调

···

11

服装&配色

来自@光影环球时尚设计

服装色彩搭配案例赏析

设计来自生活

艺术之间相通

设计师们经常从名画中

获取灵感获取它的配色

As A Muse By Hélène Durand

···

11

室内&配色

▲莫奈《睡莲与日本式小桥》

这幅画主要以蓝、绿色为主

比较清新明快

把这个配色组合运用到家装中

↓↓↓

整个室内配色效果

就很文艺小清新范

对比色

▲梵高《星夜》

冷静的蓝色调

占据了画面的大部分

同时又和温暖的星光色彩交相辉映

对比色互相呼应，融为一体

运用在家里，效果会怎样呢

明亮风格

▲洛德·莱顿《缠毛线》

整个画面

以温暖的**为主

搭配少许蓝色，和较多橙色

红色等暖色系色调

让母女俩配合缠毛线的场景

显得更加自然有爱

暗沉风格

▲惠斯勒《灰与黑的协奏曲：画家母亲肖像》

画面被大面积

黑色和灰色所占据

呈现出神秘的色彩

以上来源于网络

最后

在炎炎夏日里

送大家

夏日的配色方案

清爽自然舒服

来自大自然的配色灵感

可以拿去搭配到各种场景里哦

快收藏吧

(●∀●)

比较全面的资料

有没有学到一些有用的知识呢？

喜欢的话请收藏转发吧~

插画都有哪些风格？常见的插画风格都有哪些种类？

插画风格大概可以分为以下几种:

1日韩风

特点:日本最典型的的就是“赛璐璐”风格,画风唯美,人物体型纤细,男女变化不大。但同时二者又略有区别,例如日本风格更加休闲与生活化,而韩国风格更倾向于华丽和浪漫,与写实风格基本相似。

2欧美风

特点:欧美风插画以写实居多,强调真是的纹理和质感,刻画细腻。喜欢将表情夸张化,让角色看起来更生动,更有活力。

3中式古风

特点:与上述两种美术风格的插画相比,中式风格原画也有着自身的鲜明特点,内敛含蓄却充满张力。尽管中国风原画也或多或少地受到欧美、日韩原画的影响,但深厚的古典艺术、高雅和神秘依旧是其特色。

4Q版插画

特点:Q版插画风格最突出,主要以人物和动物为主,人物可爱夸张或搞怪,人体比例矮短,虽然线条简单,色块分明,但人物特点鲜明。

5扁平化风格插画

特点:主要由色块构成,造型几何化,外轮廓光滑,几乎没有轮廓线视觉表现多样化,可亲和,也可严谨。符合现代屏幕媒介和当代审美趋势而流行的风格。

6诙谐幽默风格插画

特点:比较常见的是采用夸张的手法造型,这一点在欧美风格中非常常见。常见于新闻杂志插画,有幽默、讽刺的韵味蕴含在画面中,多于政治、社会和文化等议题有关。色彩的选择上也是比较夸张化,让人一眼看过去就忍俊不禁。

7写实主义插画

特点:最常见的风格,是什么样,就画什么样,就是画得像。把那些最需要表达的东西表达清楚。

每日一画|零基础入门水彩教程——荷花

工具:阿诗185克中粗

日本吉祥颜彩

_瓿筛

_吒

绘前提示:这节课练习重点是湿画法中的晕染法。每一片花瓣都用晕染方法,把颜色由深到浅,由厚重到轻薄,由鲜艳到渐灰,做出丰富的变化,让颜色比较单一的荷花呈现出多层次的效果。在晕染过程中,注意要用清水推开厚重的颜色,所以要准备两个笔洗,其中一个笔洗专门蘸取清水;相信在画完荷花后,大家一定会对晕染法有更深层次的认识,学会这种方法,对水彩画的提高会很有帮助。

色标:

Step1_萌硐鹌で崆岵烈槐榍Ρ氏,尽量把线擦淡,只要自己能看清楚就好;以一朵花为例,用晕染法,清水打湿一片花瓣,调和红梅,从花瓣尖部铺色,自然晕染到花瓣根部,如果觉得尖部不够重,可以趁湿继续加入红梅,花瓣的颜色要有变化,从尖部的红梅色逐渐过渡到根部的绿色,这里用了若叶,只要加入一点就好,同时在若叶里加入一点群青和红梅,让颜色变灰;

Step2_旅婵及凑找陨戏椒,画其他花瓣,画的时候最好按照一定的顺序,我习惯按照花瓣的主次来画,视觉中心的靠近眼睛的,可视为主要花瓣,反之则是次要花瓣;

Step3_亢蟮幕ò暾逖丈涞,我在颜色晕染时,加入了一点群青,让颜色变冷;

Step4接着画其他次要位置的花瓣,大家在颜色晕染时可以加入主观色彩倾向,比如我加入了一点群青,或者若叶,总之颜色纯度要低,但是不要画脏,缝隙的暗部要加重,还要注意花瓣内外侧颜色要有所区分,外侧要暖一些,而内侧要偏冷;

Step5等颜色干透后,完成最后的花瓣,这三片花瓣是处于主要位置的,所以颜色要鲜艳些,比如花瓣尖部的红梅可以厚重些;

Step6_下面画花茎,调和若叶与群青,以若叶为主,从花朵下方开始画,颜色要冷(多群青),逐渐往下晕染,颜色变绿些,到了根部可以扫出去,颜色更加通透;

Step7_然ňパ丈赏负,用上一步的颜色,再多加入一点群青,点出花茎上的小刺,注意颜色变化,越往下,小刺的颜色也要随花茎颜色变淡些。

重点解析:荷花花瓣相对比较大,为了避免空洞,我们要再画上花瓣脉络,观察荷花花瓣会发现花瓣较厚,且内侧与外侧有所不同,而花瓣脉络在外侧更为明显,我们通过画脉络,还可以更为清晰的分清楚花瓣内侧与外侧。荷花花瓣脉络主要集中在花瓣尖部,逐渐过渡到根部,而根部的脉络,几乎很难用肉眼看清楚,所以我们画时,按照这样的规律,从尖部开始下笔,颜色逐渐变淡,最后消失,线条要细而流畅;远处的(次要位置)的花瓣,可以把脉络画的更为清淡,甚至可以不画,通过这样的方式,又一次加强了花瓣的前后虚实关系。

本教程选自水彩基础教程《小清新水彩手绘插画从入门到精通》

插画有哪些风格

一般可分为:日韩风,欧美风,中式古风,Q版插画,扁平化风格,诙谐幽默风格,写实主义。

商业插画风格:

1扁平风格,特点:简约,轻快,整洁,绘制简单,

2渐变风格,特点:色彩亮丽,画面简洁3MBE风格,特点:圆润,可爱,呆萌,简洁,4矢量插画,特点:线条感,色彩碰撞鲜艳,

525D风格插画风格,特点:立体,空间感,创意,

6涂鸦白描风格,特点:线性插画,抽象,想象力,

7森系风格,特点:水彩透叠,唯美,小清新,淡雅,

8治愈系风格,特点:画风柔和,温暖,氛围感强,

9水彩风格,10绘本风格,

11暗黑风格,特点:博击现实,暗色调,变形扭曲。

写完 给新手的水彩画笔选购指南 后，我一直想再写一篇关于水彩颜料的选购指南，但迟迟不能下笔，因为水彩颜料实在复杂的多，想要说清楚难的多。我研究水彩颜料要比研究水彩画笔多了好几倍的精力。

在这篇写给水彩新手的文章里，我希望将我在这几个月里看的上百个视频和文章的精华写出来，当然还附上我的直接使用经验。希望能够帮助刚入坑水彩的小伙伴少走一些弯路，少花一些时间、精力和金钱在选购水彩颜料上，把节省出来的时间用于提高画技上。

现在市面上流行的水彩颜料大约有以下几个牌子：国产马力、樱花、温莎牛顿、鲁本斯（国产）、卢卡斯、梵高、伦勃朗、美捷乐、白夜、新韩、日下部、美丽蓝蜂鸟、申内利尔、Daniel Smith（简称DS）、荷尔拜因、史明克、MG、吉祥颜彩、凤凰颜彩、吴竹颜彩、nicker等，其实还有不少小众的牌子就不一一列举了。

以上的颜料没有哪个是一枝独秀的，说明他们各有特点各有受众群。每个画师都有自己喜欢用的牌子。

水彩颜料最便宜的几十元一盒，一般都在百元上下，上乘的要几千元不止。该怎么选，看哪些参数都是很有讲究的。

当然，不差钱的可以把这些颜料都买回家。我在B站上看到有仓鼠症的UP主把市面上流行的颜料都买了，而且都是买的该牌子的全色。所有的颜料除了画过色卡，几乎都没用过。这些颜料估计几十辈子都用不完，实在有些浪费。

所以到底是要画画，还是成为囤画材控，想清楚了再下手哦！

下面我将从水彩的分类、颜料特性、主要流行品牌的特点、我的水彩颜料介绍和推荐给新手的水彩颜料指南六个部分来说明。

整篇文章有些长，嫌麻烦的可以只看第一部分和最后一部分。不过假如你有耐心一一看完，对水彩颜料就会有一个更加全面的了解哦！

1 价格区间划分

以24配色的固体水彩配置为例，我将市面上的主流的水彩划分为三档：

低档级别颜料

第一档是廉价入门级，价格区间在几十元到130元之间，主要牌子有国产马力、日本的泰伦斯樱花、台湾的雄狮和国产温莎牛顿。

为什么是130元，因为那个是我买樱花24色固彩的价格。说实在的樱花这盒水彩真的卖贵了，我感觉100元以下还差不多，性能比几十块的好不了多少。但不知道怎么搞的大家都是从樱花入坑的，大概是他们市场宣传做的好，主打为入门级水彩颜料。

其实，这些颜料给小朋友随便涂涂画画可以，想要认真画水彩就不要选了这级别的了。

中档级别颜料

这级别的颜料就更多些，比如荷兰的梵高和伦勃朗、英国的温莎牛顿学院级歌文、国产鲁本斯、俄罗斯的白夜、韩国的美捷乐，日本的日下部等等，价格在150到400以下，大部分在两三百的样子。

建议初学者就在这档的颜料里选就好了，不要迷信什么入门级樱花了。

高档级别颜料

从400多元到上千元不等，主流的有德国的史明克、日本的荷尔拜因、美国的Daniel Smith和MG、法国的申内利尔，和意大利的美丽蓝蜂鸟。

史明克的学院级24色固彩某宝是420元左右，性价比还可以，初学者也可以试试。其他的水彩真是不便宜。

MG艺术家级的管彩15ml是六十元以上一个，算下24色就要超过1500元，加上各种笔、作为耗材的纸以及其他画具的费用，再加上提高画技需要长年累月的磨练，长期投入真是一笔不大不小的开销啊！

（入画坑后，你才知道颜料除了水彩、还有彩铅、马克笔、油画等各种材质）

哼，画画对穷人真是十分不友好！ 当然，有钱的还是随意，尽量在能力范围内买高档些的颜料、纸和笔，特别是纸！ 好的画材可以帮助你减轻初学画时受打击的力度。

2  透明水彩、半透明水彩和不透明水彩

我们一般说水彩主要是指透明水彩，颜料加水之后呈现透明的特性，通过加水多少来控制颜色的深浅（明度）。

除了透明的水彩，还有半透明的颜彩也比较受欢迎，用来画古风较多。半透明水彩的颜色鲜艳，同时具有透明水彩的一些特性。

但是由于是半透明的，颗粒比较大，三个颜色以上混在一起就容易变脏。不过古风我自己没尝试过，不多做评价。

不透明的水彩就像水粉一样具有遮盖性（水粉更廉价粗糙），一般多运用于风景画，颜色非常靓丽。动画的背景色很多是用不透明水彩来刻画的。宫崎骏动画场景用的就是nicker牌的不透明水彩，类似以下的效果：

对比下透明的水彩画，感觉是不是完全不一样呢？白纸在透明水彩的覆盖下还能透出白色的底来。

市面上大部分的牌子主打透明的水彩，还有一些牌子也有不透明水彩，买的时候不要选错了。

3 学院级别和艺术家级别

大部分的牌子都分学院级别和艺术家级别两种，学院级别就是学生用来练习的，价格比艺术家级别便宜一些。

从性能方面说学院级的肯定要比艺术家级的差些。不过一些具体的参数到这里还没介绍，就不展开说明。从结果上来说，艺术家级别的表现力和保存性会更好。

另外，有些牌子学院级和艺术家级的名字还不一样。比如温莎牛顿的学院级叫歌文，艺术家级是进口温莎牛顿艺术家级；美捷乐金装是艺术家级，银装是学院级，不熟悉的人也容易搞错。

据说对于新手使用手感而言，很难分别出两者的差别。这样的话，选好一些的牌子的学院级别的就足够用来练手了。

4 管彩和固彩

我们小时候上美术课用的是马力牌的管状颜料，所以刚开始学水彩第一次接触固体水彩时觉得很新鲜。颜料一小颗一小颗的，就像糖一样，很漂亮还非常经用。

画画时直接拿湿笔沾取，我刚开始就怕弄脏了，每次画好都要把表面的其他颜色擦掉。其实固彩是高度浓缩的颜料，就算表面弄脏了也不会影响下面的颜色使用。

大部分的牌子都有管状和固体两种形态，大部分主打固彩。我想这是因为固彩比管彩更加方便携带和使用，受众更广吧。不过MG只有管彩、DS有管彩没有固彩只有水彩棒。

另外，虽然管彩和固彩使用的颜料一样，但因为制作工艺不同，性质会有稍许的不同。比如荷尔拜因的管状颜料没有固彩的扩散性好。DS的管彩挤出来后容易干掉不好沾取。确定要买哪个牌子之后，管彩和固彩的特点最好先查一下。

初学者总是从画小画开始，所以 16K 以下（大约 A4 纸大小）用固彩就可以搞定了。 画幅较大才会需要用到管状颜料更方便些。

以上是挑选水彩颜料需要注意的几个基本点，关注好了，大方向上就不会挑错。

接下来，我们来细说下水彩颜料的一些特性。在挑选水彩颜料的时候，我曾经眯着眼睛在B站上看了许许多多的品牌水彩颜料测试的视频，不断地做比较筛选，也真是感谢一些土豪UP主的无私奉献。

总结下，通过UP主的动态展示，我们可以看到颜料以下几个特质：

1 饱和度，也就是颜色的鲜艳程度。

2 透明度，有些颜料颗粒大粉质重，透明度就显得低。

3 扩散性，也就是湿画法的效果。先在纸上铺一层水，水未干时将颜料画上去。扩散性好的颜料遇水就四散开来。这种画法一般适用于渲染背景氛围。

4 水痕，是湿画法的反过来。先在纸上画上颜料，然后马上滴上清水，颜料遇水会被冲散开来，形成漂亮的水花，制造特殊的肌理效果。

5 混色，不同价格颜料的差异会在这一项体现很明显。混色也是水彩需要呈现的重要效果。

水彩在纸面体现的效果基本可以从以上测试中看到。 我觉得对于新手画简单的小画，比较重要的是饱和度、透明度和混色。 至于扩散性和水痕，虽然做测试的时候很好看，但一般新手用不上。

除非，你一开始就决定了要画大面积晕染（需要扩散和混色）和水痕的效果，就以下这类图。

然后下面是我买了几个颜料的分装后，自己做测试的结果，大家随意看看，仅供参考。

可以看到价格便宜的颜料混色的效果比较差。特别是樱花呈现出脏脏的一块，没有清透感。而史明克大师的水痕比较重，对新手比较难控制。

PS 这样的测试不能完全严格反应颜料的状况，因为要控制的变量太多，环境、水分、时间、纸张等。

感谢很有耐心地看到这里的小伙伴。接下来要说一些更加专业的词汇。其实也没有那么玄乎，就是你买的水彩颜料官方说明书上的标识，以下以史明克大师为例：）

1 颜料等级。颜料色素一般是从金属、有机物或合成而来。越是难提取的颜色，等级越高，价格也越高。史明克的颜料等级用画圈的阿拉伯数字代表。

2 透明度：由方块表示，分为透明、半透明、半不透明、不透明。

3 染色度：由三角形表示。水彩在未干时可以试着清除，染色度越高越容易浸染入纸张，就越难擦。

4 耐光性：耐光性由星星表示，星星越多代表颜料越稳定，耐光性越好。对艺术家而言，当然希望自己的作品能长久保存，选择稳定的耐光性好的颜料。

5 色素组成：有些廉价的颜料的颜色不是提取的单一色素，而是合成的。可想而知，合成的颜料稳定性、混色效果就比较差。越好的牌子，单一色素颜料就越多。

6 英文名字和编号：我们现在接触的大部分优质的颜料都是国外的，那么就建议关注它们官方的英文名称，因为翻译过来的中文很容易有误差或不一致。另外，英文名字也可以从一个侧面反映颜料的特性。比如很多颜料带上金属或有机物的名字，或带hue字样就代表是合成颜料。每一种颜料对应的英文名字和编号都是唯一的，所以不管去到世界哪里都可以认出它来。

我是重点研究过史明克，但我想其他牌子颜料的标识也应该大同小异吧。 等自己的画技日趋成熟，就可以根据这些性质挑选专属自己的配色方案了，形成独一无二的风格。

MG ：反正听到用的人都说好，每个颜色都喜欢。但具体好在哪里，我没太大印象，囧！我感觉可能是一款各方面性综合性能都比较顶尖的。

美丽蓝蜂鸟 ：有一个画花卉的画师极力推荐的，特点是扩散性非常好（应该可能是最好的），颜色亮丽清透，暖色系和蓝色系很很漂亮。

DS ：应该和MG一样整体性能很好，然后有几款很有名的矿物色，大意是将宝石直接磨成粉，真土豪！呈现的效果就是富有变幻的沉淀色。当然，新手一定是不好控制的。

申内利尔 ：颜色比较亮丽，其他不清楚了，用的人也少。

荷尔拜因 ：看网上有人说它小清新，有人说它艳丽。我想大概介于中间吧，看和什么比。然后其他综合性能又比较好的一款颜料。

史明克 ：传说中的高级灰，德国人做的东西和他们的个性一样就是比较沉稳淡雅不会过。

美捷乐 ：据说应该是最靓丽的，比以鲜艳著称的梵高还要靓丽。

温莎牛顿 ：英国人做的小清新，颜色淡雅。学院级歌文系列适合新手。

梵高 ：网上的好评是很多的，价格适中，颜色亮丽，综合来讲是很适合新手的一款。

白夜 ：看到好多学生党第一盒颜料都是白夜，优点就是块头大、廉价、颜色亮丽，缺点就是做工粗糙。

鲁本斯 ：国产的小骄傲，新出的一代颜色清新靓丽，各方面都还不错，新手可以试试。

卢卡斯和伦勃朗 : 比较老牌的颜料，现在用的人不多，综合性能应该还可以。

我感觉颜料可见的比较明显的差别的就是颜色小清新淡雅还是活泼靓丽，各有各适合的风格。

颜色鲜艳靓丽的梵高、韩国美捷乐适合画夸张的漫画、人物插画、美食插画；淡雅的温莎牛顿适合文艺的风格；如果画写实风，还是用一些欧美老牌的水彩颜料，比如史明克；画大幅作品需要大面积晕染等，则考验颜料综合能力的，最好选用好一些的颜料，如美丽蓝蜂鸟、MG等。

说了这么多，还是推荐大家在决定买正装前到某宝购买分装，或者购买官方出的点状试用卡亲自体验效果。每个人喜好不同，各自挑选合适的吧！

分装一般是人为地将管状颜料挤到分装的盒子出售。价格比正装一大罐便宜很多，可以用来试色，或者特别贵的颜料直接可以买大一些的分装用。水彩颜料是比较耐用的，有些分装看着虽小，但也能画上很久。

下面来说说我使用过的几盒颜料。大半年时间里我入的颜料不多，分别是樱花固彩24色，国产温莎24色管状，梵高40色分装和史明克大师级12色，还有3个小分装基本快用完了。

这两盒颜料我大约用了2-3个月，也画了不少画。不过樱花粉质太重没有透明感。几十块的国产温莎其实效果还可以，不过放一段时间后好多颜色都脱胶了，所以都已经弃用。

现在常用的就是梵高和史明克。梵高颜色亮一些，当我需要画一些小插图的时用。史明克大师我买了全块的12色，加上自配了几个半块够用。史明克混出来的绿色和紫色都非常漂亮，用来画写实的小幅风景画。

未来等画技提高一些，我打算再自己配一套MG的管状颜料，不过估计要等蛮久以后了。

选择颜料和选择画笔一样，要知己知彼，合适最重要。 作为新手来说一开始不同牌子颜料的一些细微差异很难感受出来。如果我给新手推荐的颜料的话：

1 价格：资金有限的新手选择中档即可，比如梵高、歌文，性价比都很高；土豪新手请随意，只要不选择有难以控制的特性的颜料即可。

2 固彩or管彩：新手首选固彩，等画大幅时再用管彩会比较方便。

3 配色：我不建议买太多颜色，24色正好。颜色多的话，第一不利于锻炼调色，第二记不住画画时挑花眼，而且其实你也分不清楚同色系的一些细微差别。

4 还有一般新手从临摹画师作品开始，假如画师用的牌子价格你可以接受，那么也可以同款入。

所以，对新手而言一般用200-300元左右购置一两套24色固彩的颜料，每周都画也足够用上一年半载。

最后，最最重要的是多画多看不同的风格作品，在练习中一方面不断熟悉画材，一方面寻找自己喜欢的画风。

当你用一盒颜料画上几十幅画之后，对它的特点就非常熟悉，再去用其他颜料就能深刻体会不同之处，选择新颜料起来也就更加有针对性了哦。

以上对于水彩颜料的介绍，希望能对你有所帮助，祝大家都越画越好，笔芯！

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写给新手的选购水彩画笔心得（干货）和我走过的歪路

　　意境是中国传统美学思想的重要范畴，绘画是通过塑造直观的�具体的艺术形象构成意境，为了克服造型艺术由于瞬间性和静态感而带来的局限，画家往往通过富有启导性和象征性的艺术语言和表现手法显示时间的流程和空间的拓展。水彩画是光色的艺术，且色是光的衍生，在水彩画中应该更好地利用光，在绘画平面上创造自然、绚丽变幻的效果。扩展水彩画技法表现领域，丰富画面的表现效果，增强水彩画的艺术表现力，营造意境空间。在绘画中依据画面的需要，有意识地选择与组合光，通过对这种语言的有效运用从而达到营造意境的目的。

一、设计不同的光源色营造意境

同一物体遇到不同光源将呈现不同的色彩,不同光源的物体必然受其影响而出现不同的色彩,光源色是统一画面色调的重要因素。色调往往给人以鲜明的第一印象，起着关键性作用。色调在情调的渲染和情感的表达方面能够迅速地触及人们的心灵，使人受到感染。

色调的冷暖表达不同的意蕴,画家常会选择不同的色温来作为光线色彩，不同色温的光源色笼罩下的物体也就会呈现出不同的色调，从而使人感觉到不同的情调，如透纳的画是优美的、浪漫的，他一生所致力、追求的是光、雾、蒸汽、太阳、火光、水和反光……这些东西在他的画面上统统交织成甜蜜、美好和幸福的肉身与痛苦深刻的灵魂，运动着组成团块和升腾着的焰火，呈现出近乎抽象画的韵律感。明亮的**常常是他描绘光的主色调，如《1834年10月16日国会大厦火灾》，透纳选用橙**为光源色，通过其特殊的技法创造出了一个发光体，与天空的淡蓝形成了对比，使欣赏者能强烈地感觉到那熊熊的大火把河面和天空都照亮了。整个画面是绚丽、热烈的。

大自然中光的情态可以说是多姿多彩，随着时辰和季节的转换，光确定了万物的造型色温和气氛。为使景物沐浴在恰当的光线中，必须懂得如何用光创造出特有的情调，并将其传达给观众。光源色的选择是确定画面气氛的重要一环，笔者认为光源色不一定是本色或发光体的效果的准确记录，而是作者根据画面的需要和所要表达的情绪设计好光源色（即确定主色调），这样才能使作品引起观众的共鸣。

二、设计不同强度的光营造意境

按照审美感知选择性的原理，在美的创造特别是艺术美的创造中，将主体的感知稳定地引向对象，使无意注意转化成为有意注意，使无关的感知尽可能被抑制下去，与特定对象有关的感知高度兴奋起来，在大脑皮层的相应区域的优势兴奋中心，从而获得充分的感受。**之所以有特写镜头，绘画雕塑之所以有突出部分，舞台之所以采用追光，都是为了调动观众的注意力，引导观众进行选择。

不同强度的光能产生不同强度的对比，通过对比和阴影变化来渲染空间的环境氛围，加强画面的空间感。当空间中光线幽暗或空间处于阴影当中时，处于其中的人会感到空间收缩、紧张和压抑，反之，当空间中光线较强时，处于其中的人会感到舒畅、开敞和放松。如果介入空间的光线是点状和线状的话，那么光影的变化、交织将不仅能够赋予空间层次感，也会使空间变得丰富、活跃甚至具有神秘感。在水彩画中明暗、光影的各种组合就能表现出物与物的距离，人与物的距离。通常人们认为离眼睛越近，其明度越高，背景的东西总是很昏暗的，其实相反，前景既是最暗的也是最亮的。也就是说，光影的强烈对比才把轮廓显示得更分明。反之，背景的光影对比则消失了许多，以至整体消失在明亮的灰色里。强烈的光影对比勾勒出物体的轮廓，这就是“实”，色彩对比减弱，明暗反差较小，这就形成了“虚”，通过虚实的对比营造画面的意境氛围。

明暗虚实对比是艺术创作中常用的手段，通过对视觉心理学的研究，已证实亮部比暗部、饱和色比中性色、暖色块比冷色块更容易吸引人们的目光。在创作中，画家常运用光影对画面进行经营设置，来渲染画面的氛围，使欣赏者产生遐想。光影大师伦勃朗最擅长用强烈的明暗对比方法来渲染画面氛围。如《夜巡》,在画中他运用了聚光的效果突出刻画了两位在说话的军官，其余的人都被安排在中景和后景。把精美的细节和模糊不清的整体有机地结合在一起。画面中形成了强烈的明暗对比，给观众强烈醒目又和谐统一的印象，非常具有戏剧性，构成诗意般的动人境界。水彩画是光的艺术，通过光的运用使画面产生虚实对比，通过对比来营造意境。如透纳的《红色的瑞吉》,表现的是大自然的湖光山色。作者巧妙地运用对比手法，尤其是画面中山与水的交界部分，采用了随意自如的用笔，色彩微妙，远景的天空和云彩处理得灵逸洒脱，大面积的红紫色远山含蓄、朦胧。整个画面大实大虚、大明大暗、大冷大暖，有着朦胧、和谐 、梦幻的层次变化。如《格里松山的雪崩》是一幅惊险的画面，雪崩从天而降，势不可挡。画面中心明亮的雪崩与前景被折断了的大树根浓重的暗部形成了强烈的对比，显得鲜明突出，更增加了险境气氛。画家用急速的笔触使崩塌下来的雪块产生动态感，表现了大自然运动的生命和壮丽。又如《夕照》，夕阳投射在江面上的一道光影与前景浓重的桌椅形成一种强烈的视觉对比，让人联想到江畔的黄昏，抒情而惬意。就像诗词里描写的美景一样：“一道残阳铺水中，半江瑟瑟半江红”，传达出无尽的意境美。强烈的光影给人以明快强烈的感觉，而柔和的弱对比则给人以朦胧神秘感。这样的例子还有很多，这都是画家在客观的基础上充分运用了对比的方法对自然的表现。作品的艺术内容决定一定的形式，光影对比强弱的选择应该根据具体内容来确定，对于黄土高原雄壮巍峨的阳刚之美，以实为主的强烈对比画法就比较贴切，而面对江南水乡雨雾的那种朦胧、轻灵秀美时，以虚为主的弱对比则更适合。对光影的设计安排使形式与内容达到了完美统一。

三、设计不同方向的光营造意境

光具有线性特征，方向属性突出。依据画面物象受光方向，一般可以分为顺光、逆光、侧光、顶光、底光、散射光等。顺光，从画面前方入射的光，一般有突出物象或加强纵深的作用；侧光，是从画面侧面入射的光，物象影调明显，若很好地利用侧光光影构建画面，能较理想地表现物象的质感、体积，丰富画面层次，增强空间深度；逆光，从画面后方入射的光，往往置物象大部于阴暗中，同时能较明确清晰地勾勒出物象的线条轮廓；顶光，从画面上方入射的光，物象之投影在下；底光，从画面下方入射的光；散射光是一种较柔和的光，无明确方向性。光源的方向在显现一件物体的外轮廓和形状方面至为重要。改变光源的角度通常会使一件平平常常的东西充满魅力。

在绘画中用光的方向影响着画面的构图和气氛的营造。比如表现日出和日落，有许多画家喜欢用逆光，这样的方式可以使画面产生纵向的景深感。如克劳德・洛兰的作品《港》,帆船优美的线条与古典的建筑在日落余辉下投下长长的影子，与水面的反光相互辉映，呈现出完美的动人画面。侧光使人物或物体的体积感更强，更具有立体效果。如伦勃朗常用强烈的侧顶光来塑造人物，运用侧光在脸部形成的明暗对比来刻画人物的表情与特征。

不同方向的照明可以使阴影的特征不同，阴影对画面氛围的营造极为重要。改变光源的位置或增减光源的强度即刻会对画面的气氛产生极大影响。如胡一川的《开镣》这幅大型油画，人物造型朴素而概括，色彩单纯而热烈，构图严谨而完整，人物的组合关系层次分明。特别是画面洋溢着一种喜悦的气氛，地面上的光源是这幅作品的一大特点。前景左边的解放军战士，手提马灯，从下而上地照亮了地板与人物，特别是画面的中央下方，突出了一个巨大而冰冷的铁镣，它被画家安排在画面的这个位置，是想揭露反动势力的阴冷和残酷。翻身解放本来是一件喜悦和值得庆贺的事情，但狱中革命者的遭遇和所受到的磨难又使人产生悲戚和沉重的感觉。画家所用的光，非常恰当地解决了这个问题。局部的光亮投射在中心人物身上，使画面中暖色调暗示着自由和解放的到来，左侧背景的高墙则渲染了监狱中的恐怖与黑暗。

就水彩画而言,现代意义上的构图是指构组画面的各视觉元素在一定材质平面上的位置�性状。如光落实在画面上时的上下、左右、大小、圆缺、侧正、轻重、亮暗等及其由此衍生出的疏、密、呼应、均衡等形式状态。水彩画对光线的研究基本上是沿着油画研究色彩的道路进行的，即从明暗法到冷暖法，不同方向的光源使画面产生的投影不同，明暗的分布就会不一样，画面的冷暖比例也就不同，那么画面就会形成不同的氛围，或浓重或明亮。如怀斯的作品《女朋友》中光线透过窗户斜照在画中人物的身上，窗棂的影子在人物身上形成有趣的投影，浓重的暗部与处于强光下的人体形成强烈的对比，使画面的人物处于视觉中心，非常具有冲击力。笔者认为这是画家苦心经营的结果，通过对光与影的有序组织，画面的意境得以展现出来。

水彩语言的个性特征是形成作品信息容量的重要因素，也是水彩作品产生艺术魅力和艺术活力的重要原因。水彩是光色艺术，我们可以看到那些优秀的水彩大师对光的运用都有其独到之处，如透纳的绚烂，所以他的画充满动感；怀斯的理智，所以他的画充满了宁静与忧郁。光作为色的媒介，在绘画中准确地运用光，对光进行有意识的设计，作画过程中的随意性就会减少。光具有象征的意义，如生命、光明、理想等等；光可以表现时间：昼、夜、晨、昏。通过对光的设计运用融入作者的理想与观念，可以有效地增强作品的外延。那么融入了作者真挚感情的作品，自然会传达其意境。在水彩画中，光是通过色彩来体现的，对光的设计即是对色彩的选择与搭配。既然说是设计，那么就不是对物象的被动描摹，而是有作者的主观意识的体现。在对光的设计中，作者要考虑光色与光的投射方式、光与影的对比关系、光与影的比例及构图关系，这是对作者观念的全面阐释，这样的作品才有生命力。从对纯自然的光的描绘到具有一定指向性的光的设计，探索光作为一种绘画语言的更强的表现力。正因为如此，选择通过探讨光的设计，改变画面的构成形式以充分表达对意境的追求。在水彩画中对光的设计运用就是为了最大限度地展现时空境象而采取的表现手法，这些手法一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限，另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地，使作品中有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内涵。

达・芬奇说过：“请看亮光，并思量它的美吧！眨眨眼睛再看它，你就会见到本来并不在那里的东西，而原来在那里的，已不知去向。”光就像魔术师一样创造出意想不到的境界，影子则让这境界出神入化，当尝试着用不同的光影效果去表现同一个主题的时候，会有许多收获，会更深刻领悟到光影在绘画中的分量。

参考文献：

[1]克里斯托夫・欣克水彩画里的色与光[M]董冀平，译，中国青年出版社，1999

[2]艺术概论/中国艺术教育大系[M]文化艺术出版社，2006

[3]李广元色彩艺术学[M]黑龙江美术出版社，2000

[4]保尔・杰克逊水彩画技法光感的表现[M]丁伟，译江苏美术出版社，2002

[5]何政广世界名画家全集：透纳・英国水彩画大师[M]河北教育出版社，2001

作者单位：广东嘉应学院美术学院

（责任编辑：鞠向玲）

现代油画是“抽象化”设计风格，在表述如何运用浪漫派技巧开展现代油画写作以前，大家先了解一下“浪漫派”水彩画的艺术风格。与古典主义相对性的是追求完美个性化释放、重视个人情感的浪漫派，浪漫派抵制古典主义那类僵硬、广泛的“肯定美”，从主要表现客观性目标转为揭露人的内心和自身，浪漫派的第二大特点是追求完美奇特，浪漫派艺术大师觉得认可的传统文化被给予过多人力的印痕，进而愿意主要表现对它们来讲生疏而独特的异域风情。

美术绘画是主题最充实的媒介，浪漫派艺术大师也大多数根据美术绘画展现自我，在其中意大利美术家戈雅是浪漫主义绘画的先行者，根据之上简单的描述以后，能够发觉“浪漫派”设计风格的水彩画与“抽象化立体派”设计风格的现代油画在具体表现上面有类似的地区，由于抽象化的立体派现代油画也同样是追求完美个性化释放与追求完美奇特，例如“立体派”当代艺术家毕加索的画作；唯一不同的是“浪漫派”水彩画重视形美，“立体派”的现代油画是不考虑美术作品的现象了，浪漫派画派十九世纪前半，尤其是以二十年代到三十年代，不只盛行于法国的，也盛行全欧洲地区。

这一画派解决了那时候学院派和现代主义的牵绊，偏重于充分发挥艺术大师自身的遐想和造就，写作主题源自日常生活，欧洲中世纪传奇和文学著作，有一定的进步性。经典作品有籍里柯的《梅杜萨之筏》、德拉克洛瓦的《自由***民》。界面颜色热情，画笔豪放，颇具运动风格。浪漫派以毫无疑问、赞颂人的精神使用价值，争得个性化释放和人民权利为观念标准。在美术绘画上认为有个性化、有特点的描述和感情的表述。构图法转变丰富多彩，色彩的对比明显，画笔豪放顺畅，使图像具备明显的感情色彩和激动人心的艺术魅力。

油画创作是一个非常艰难的项目工程，自然不管是一切艺术创作全是非常困难的。但是作为一个艺术家，要实现真正意义上的写作，是必须投入绝大多数的时间精力的。一切教画者都有师古代人、师教师、师别人的全过程，这也是教画者最开始历经的全过程。写作水彩画，必须先提前准备一些相对应专用工具，如下所示:画架，画桌，画凳，画伞，画笔工具，画刀，色浆水彩画这些，找到自己写作的地址，一般角色全是在室内，景色户外，寻找心爱的写作地址，就能够逐渐写作啦。

　　水彩画是绘画中最简便的一种画法。由于水彩画的设备比较简单，购买起来比较便宜，易于普及，所以中小学中的图画课多采用水彩画。许多画家开始学画时也是从水彩画入手的。由于工具轻便，户外写生容易携带。对于瞬间即逝的黄昏、晨雾、风雨烟云尤其适于表现。

　　水彩画是一种用水溶化颜色的透明色在纸上作画，它能够渗化，重叠形成物体，由于用笔蘸水色在纸上挥毫，长于潇洒自如，生动清新、爽快自然的特有风格。透明是水彩画的一大特点，可以用亮色盖在暗的色底上，由于它没有覆盖力，能不断增加色调的丰富性，同时亮部必须留出来，和用纸的白色作为亮部的色底，纸的底色起到色调的合成作用。

　　彩画是现代绘画中一项重要的表现媒介。

　　水彩画以其独有透明清澈的特质，不以厚涂而却能追求空闲、质、量和绘画上幻化的语言和节奏，使其能问鼎、深入现代画的领域中。

　　现代水彩画早已打破了西洋画史上固有的插图草稿，附属性表现的观念。以当代世界水彩画的实例，绝对能与旧时代日子中的画作出了鲜明的对照，发觉现代水彩画，吸收了早期荷兰、英国的传统技法精华，德国人精辟的描写，冷静的设计性，欧洲的浪漫风格，美国的现实观感和美式写实，中国人正以其深厚的传统文化，哲学观念、生活体验，揉和科学精神与自然，内在的观照，作逐步的探寻．认清白我，酝酿着水彩画的新方向。

　　第二次世界大战以来，绘画运动复兴，时代启发了思想、潮流、艺术再创造，而拒绝局限与因循中西艺术家活用了新旧的素材物料去创造有生命的、有个性的现代艺术。

　　寻求艺术是最高目的，达致水彩画的高尚境界，和精湛的功力，定必须仰赖於结实的技术与基础。我们历年创作与研究的经验论文，侧重技法的研讨，是苦心求取艺术表现的「实在化」，而没有运用自如的水彩技法，是无法在水彩艺术上自圆其说的。我们重视艺术、重视学理，但同样地要注视画技所蕴含重大的能量，和表达的深广度。

　　我们欣赏作品，不能否认被其华美完整的画面所吸引，但其色调、笔触、卓绝成熟之结构，绝不会影响作品的深度和严肃性。如果一张画的技术是恰到好处的，那技术就是艺术的一部份，与内容融合为一体，成为感人的作品，其技术自有其崇高的价值，不会逊色，因此运用书技之先，必先考虑以思想，以艺术支持，发自诚意，技、艺之配合应如影随形。

　　我不赞同水彩画只能停在艺术的表面之说。艺术的高低不是取决於素材的类别，而是关系於其艺术修养的广狭，优劣，也仰赖表现的方法，角度的差异而分野。现代水彩画也因此而获致自由自在的多样性，或含启发性、发展性。

　　我们敬慕十九世纪的泰纳、二十世纪塞尚的水彩，也欣赏其他巨匠。他们水彩画的成就是实在的，在这时代中，如果我们期求有所进展和显着的超越，在艺术的寻求中，技术上盲目的奋发，僵化於理论的巢臼中，同是危险的病症。

　　研究现代水彩画，是一项重要课题，水彩显着的各种特性和运用可以剖释详论，其使劣点、及与艺术的关连性，表现的程度可能性。了解中国现代水彩画艺术不同的形态与发展，去了解画法所负担的重大任务，在有其术良心的人手中，画法是绝对的学术性，而且是一个艺术内涵底问题、成败的关键。好的画法更是伟大作品诞生的先决条件。

　　以二十世纪为分野，现代水彩画之所以异於近代，或更古老年代的水彩画，其一是内容与形式的剧变，其二是画法的突破而产生广泛的进展。内容与技法密切的配合和革新，才产生成功的绘画创作，扩大而成有力的潮流和画派。现代水彩画适应时代的需求，画时代的产物，表达现代人的精神，排除不适合应用的见解和迟钝的表现方法，使艺术的血脉流通，成为新的生命、新艺术。往日的水彩艺术多表现於宁静的境界，单一、含蓄的画法，单调的式样与缓慢的步调之中，或者更多的因袭而缺少强烈的个人感受。

　　个人创建是被重视和富有价值性的，十九世纪柯特曼(Cotman)，加尔丁(Girtin)，尤其是泰纳(Turner)洞察水彩的弱点，把线与淡彩的束缚解除，使水彩走入色彩、气氛，能自由抒发的新境地．成为水彩发展史的转捩点。二十世纪塞尚认为自然不只是表面的，而有它的深度，他有影响后世极深的表现法则;他在水彩画上的留白，表现了白色本身机能上的感觉，和他的分面笔触，是实在的，是高度的表现而带着深刻的推理，给予后世水彩画许多启发性。

　　水彩书之前途和它的价值观，是系於个人的基本观念、自信和决心。水彩媒介是受时间、面积、乾湿控制、叠色次数之难题而异於其他素材，虽然它较难表达「量」和「触觉感」，有较多的偶然性，然而能克服困难弱点，认清其优点，发挥它长处的画家甚多，如克利、诺尔德、费宁格、格罗兹、夏加尔、杜菲的作品，证明水彩画该有深厚的发展性。

　　今日的水彩画，是观念影响表现方法，也是素材的广泛应用而扩阔了观念的界限，譬如说，从前对於「水渍」，是水彩画技术上的大毛病，现代水彩则反过来利用这种缺点，而成为画中表现的特点，如喷渍与转印中的奥地利画家克拉马斯梅耶的作品，和中国青年画家陈秋瑾的画就是这种例子，产生了新的美感。韩舞麟以昼刀和极少的水份来画石头和花草。梁丹卉用前人认为过多的水份来画湿松的花果和静物。顾重光以极尖细之国画笔来「描」蔬菜水彩画，也利用喷笔处理层次。Carl JPlackman的水彩素描观念成份重於数世纪前素描的纪录性功用，而显示较多的艺术性。

　　水彩画应保有其透明性，及水与色彩的优良关系，这是水彩之所以称为水彩的原因与本色。「画」水彩画和「玩弄」水彩是两回事，两种我都采纳，因只会「画」，必然趋於严谨而不多样，只会「玩弄」则失去绘画的意义。不会「玩弄」水彩，难以发扬，艺术之路，应当反问自己而予以协调改进。

　　最后，艺术工作者要以科学实验者的精神，有恒地本其诚意，从尝试挫折中找出力向，承继传统的优点，创造新的未来。