复古浪漫夏日治愈田园风油画影单？

复古浪漫

夏日治愈田园风油画影单

复古唯美|少女心|法式浪漫

贩卖夏日的美好，治愈田园风影单来啦~

还没有计划出游的集美可以先看看**，治愈一下炎炎夏日烦躁的心情哦！

1爱是永恒

每一帧都唯美的可以当壁纸。

主要描述了十九世纪末，正当青春年华的女主范伦婷爱上了朱勒斯，两人决定组建美好的家庭生活，却遇上了世界大战的爆发 女主经历了人生的起起伏伏，悲欢离合，生离死别，从年轻少女、**到年迈的寡妇三个角色，最后去世。

2日出时让悲伤终结

如诗似画的氛围使得影片显得非常唯美。

讲述的也是一段古老套路的情感：老师带着年幼的女儿生活，却无法终止对亡妻的思念；学生拜师学艺并与其师女儿产生了爱情。

3秘密花园

在那座花园里有个美丽的故事mary带着天使般眼神找到花园，在悲伤的哭泣中找回了爱；科林冲破了从阴暗的房间来到花园，终于走进了魂牵梦绕的花园，在蹒跚和摸索中找到了勇气；狄肯带着温顺的小鸟寻找花园，在精心培育浇灌下播种出一园锦簇。

4贝拉的奇幻花园

植物和人生一样,在等待着可以绽放的地方。

女主开始有点自闭，从小满脑袋奇幻想法,立志成为童书作家。和邻居争执被房东逼迁，得到邻居的厨师帮助，以照料花园为条件，过程中收获友情爱情。

5薄荷苏打水

讲一个12岁女孩跟她那15岁姐姐在1963年秋天开始发生的故事。这一年，姐妹俩刚刚跟父亲从海边避暑回来，跟已经离婚的母亲在巴黎共同生活。开学之后，姐姐面对她的第一次真正恋爱，跟年长的男人也有了亲吻的经历，友情也因为价值观的矛盾而生变。

6爱在午夜降临前

三部曲。两位主人公或行走在静谧的村落，或悠然坐在露台和餐桌前，不断的讨论着文学、爱情、生活、两性等话题。然而与前两部不同的是，随着他们终于走到一起，爱情的浪漫也开始被生活的日常琐碎和彼此相处的实用性取代，吵架拌嘴也随之而来。

7托斯卡纳艳阳下

治愈疗伤系**，很暖心，浪漫又纯真。

既是一个美国女作家在意大利落脚、疗伤、重获新生的故事，又是一个致敬费里尼的故事。

史上最好看的画

　史上最好看的画，每天都有数百万幅画作，但只有少数画作会在我们的灵魂中产生印象，但也有的画作是震惊世界的，比方说蒙拉丽莎的微笑大家应该都有听过，以下史上最好看的画。

史上最好看的画1

　 10、惠斯勒的母亲

　它最初被称为灰色和黑色的安排：艺术家的母亲。这是美国出生的画家詹姆斯麦克尼尔惠斯勒于1871年绘制的一幅油画。它被认为是美国以外的美国人画的世界上最有名的画作之一。

　 9、戴珍珠耳环的女孩

　它被许多人称为“荷兰蒙娜丽莎”和“北方的蒙娜丽莎”。它于1665年由荷兰艺术家约翰内斯·维米尔绘制，这是一幅油画，展示了一个头巾和珍珠耳环的女孩。这幅画中的女孩被认为是维米尔的长女玛丽亚。她创建时大约十二或十三岁。

　 8、三位音乐家

　乍一看，三位音乐家看起来像拼贴画，但实际上我是一幅油画。它是由西班牙艺术家Pablo Picasso在1921年绘制的。Pablo Picasso实际上画了两幅相似的画作，他们都互相称为三位音乐家。

　 7、记忆的持久性

　它是由西班牙艺术家萨尔瓦多·达利于1931年绘制的。它被认为是最好的艺术品之一，或者你可以说是全球最有名的画作之一。这幅画的基本思想是让人们思考他们的生活方式以及他们花时间的方式。

　 6、呐喊

　它于1893年由爱德华·蒙克绘制。他是当时最有名的画家之一。他只在纸板上使用油和蜡笔画，以画出他最著名的作品。它基本上描绘了大自然的尖叫。这幅画展示了对景观的表现和痛苦的表达。橙色的天空可以在背景中看到。

　 5、亚当的创造

　亚当的创造由米开朗基罗在1508年至1512年间绘制。它被放置在梵蒂冈城西斯廷教堂的天花板上。这幅画基本上描绘了“创世记”中的圣经创作叙事。它展示了上帝如何赋予第一个人亚当生命。

　 4、格尔尼卡

　这幅画的灵感来自对西班牙格尔尼卡的轰炸。在西班牙内战期间，巴勃罗·毕加索在1937年完成了世界上最有名的一幅名为格尔尼卡的画作之一。西班牙政府委托这幅画作为战争的苦难，但后来它成为和平的象征。

　 3、最后的晚餐

　它是15世纪最有名的画作之一，由莱昂纳多达芬奇绘制而成。它没有被放置在任何博物馆中，而是覆盖位于米兰的Santa Maria Delle Grazie餐厅的后墙。这幅画主要描绘了耶稣的最后的晚餐和他的门徒。

　 2、繁星之夜

　繁星之夜也是世界上最有名的画作之一,它由文森特·梵高绘制。虽然他画了许多画作，但这一幅画被认为是一部杰作，这幅画自1941年起被放置在纽约市现代艺术博物馆，它已被Lillie P、 Bliss Bequest收购。

　 1、蒙娜丽莎的微笑

　蒙娜丽莎是世界上最有名的画作之一。这是一幅由意大利艺术家列奥纳多达芬奇绘制的女性肖像。它是最有名的艺术作品之一。蒙娜丽莎是世界上写得最多，访问量最大，最受欢迎的着名画作。

史上最好看的画2

　 世界上最美的肖像油画

　 1、《蒙拉丽莎》作者达·芬奇

　《蒙拉丽莎》这幅经典油画可谓是享誉全球，如今收藏在卢浮宫，作者是天才艺术家达·芬奇。肖像中的女性是皮货商年仅24岁的妻子，作者成功的塑造了一位贵妇形象，画中的蒙拉丽莎嘴角有一抹似有若无的微笑，眉眼间透露出愉悦，但是这个微笑非常的微妙，不经意间可能会被忽略，所以后人也称这个是最神秘微笑。

　 2、《戴珍珠耳环的少女》作者约翰内斯·维米尔

　《戴珍珠耳环的少女》是荷兰画家约翰内斯·维米尔的作品，画中的少女是他的长女玛利亚，这幅画是经典的传世名画，画中的少女戴着黄、蓝的头巾，一身棕色衣服，气质脱俗，给人一种恬静从容的感觉，但是又让人感到有些伤感，画家将细腻的感情刻画得栩栩如生，令人佩服。

　 3、《入睡的维纳斯》作者乔尔乔内

　《入睡的维纳斯》是意大利画家乔尔内尔最成功的油画，说是肖像画可能有些不准确，但是画中的维纳斯在一片自然风景中入睡，观赏的人都不敢大声说话，怕惊扰了这位沉睡者，维纳斯的身体线条优美柔和，与大自然合二为一，当人们看到这幅画时，没有什么肉体上的冲击，有的只是一片静谧美好。

　 4、《海伦娜·费尔曼》作者鲁本斯

　《海伦娜·费尔曼》是由鲁本斯所创作的，现在收藏在伦敦的国立美术馆，油画中的色彩美艳美丽，更衬托出画中人的美丽，这幅肖像画的线条非常流畅，一位贵妇人的形象近在眼前，丰腴的身材，白皙的面容，将贵妇形象展现的淋漓尽致，鲁本斯如果为世界上最性感的女人作画，一定也是美极了。

史上最好看的画3

　 世界上最经典的画赏析

　 《蒙娜·丽莎》——达·芬奇

　这幅肖像花了达、芬奇四年的时间，当他完成这幅肖像之后，不愿把它交给佐贡多(富商,蒙娜、丽莎的丈夫）或其他任何人。当他受到法国国王的邀请时，便带着这幅肖像离开意大利去了法国。达、芬奇是在法国去世的，这就是为什么《蒙娜、丽莎》这幅画在法国的缘故。 多少世纪来，人们一直在谈论她那神秘的微笑，她的微笑的确神秘：它似乎在变化。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时象是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。 在一幅画中，光线的变化不能象在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜、丽莎的脸上，微暗的阴影时陷时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。

　而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达、芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的”神秘的微笑”。 关于这幅画有一个故事。达、芬奇在为蒙娜、丽莎绘画时，请了位乐师在她旁边弹奏，以便她能象个模特儿那样耐心平静地坐着。她眼中的神情告诉我们她正在倾听。而现在，如果我们看她那双美丽的手，并把它们与她的脸联在一起考虑，我们会觉得那神情更诚挚。她的右手轻轻地放在左手上，中指根本没有任何依托，我们感到它正和着音乐的节奏轻轻地打着拍子。 当我们看着这幅如此逼真的肖像画背后的景色，我们会为那不真实的背景吃惊。山峰、道路、小桥、流水都在一种梦幻般、飘拂不定的气氛里出现，仿佛以此证明蒙娜、丽莎的思绪沉浸在一个梦的世界里。

　 《最后的晚餐》——达·芬奇

　在庆祝逾越节的前夜耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。 餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。 在餐桌上耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。 意大利伟大的艺术家列奥纳多、达、芬奇的《最后的晚餐》，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。这幅画，是他直接画在米兰一座修道院的餐墙上的 沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。

　他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。 大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。 在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。我们知道他就是那个叛徒，犹大、伊斯卡里奥特。 犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。 即使他没有拿着那只钱袋，我们也能通过达、芬奇的绘画方式，辨别出这个罪恶的敌人犹大。 犹大的侧面阴影旁是圣、彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣、约翰靠去。彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。 圣、约翰的头朝彼得垂着。

　在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。 从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。 小雅各的另一边，圣、菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：”你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。 围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。 巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。 右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。 他们所看到的这一切，均发生在这幅伟大的作品之中，但每次当我们欣赏它时，都会从门徒的感情与性格中获得新的含义。

　 《向日葵》——梵高

　梵高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。 画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。

　 《第一步》——梵高

　这作品是梵高临摹自米勒的同名作品。画面是一个农村的耕地，背面是农民的房屋。画的右方一位农妇扶着小女儿帮助她学步。左方女婴的农民父亲蹲在地上张开双手鼓励她向前走。 这虽然是梵高临摹米勒的作品，但是整幅画都显露出梵高个人的风格。画面用色鲜明，多用蓝，黄和绿色。这些高明度及属于自然界的颜色，让人感受到活跃的生命力。他让画中的人和物框上厚实的黑色线条，这明显是受到日本艺术的影响，亦让画面增加实在的感觉。 另外，他亦以弯曲旋转的笔触绘画树、灌木和农作物。这是他成熟画作中常用的手法，也令这画增加生气勃然的气息。整幅农村景象让人感到农民的实在生命，平凡但跃动又充满亲情。

　 《创造亚当》——米开朗基罗

　米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名,当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓,后又中断。1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务,他当时的心情是悲愤的,不料此壁画后来成为他生平最大杰作。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右,是美术史上最大的壁画之一。 米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画,均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事,分别名为《神分光暗》,《创造日,月,草木》,《神水分陆》,《创造亚当》,《创造夏娃》,《诱惑与逐出乐园》,《挪亚献祭》,《洪水》,《挪亚醉酒》。 这幅巨型壁画历时4年多才完成,由于长期仰面艰苦作画,他颈项僵直,书信都要置头顶仰视、其中以《创造亚当》最为出色,画中亚当的形象体态健壮,气魄宏伟,具有强烈的意志与力量,显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工,予同时代人深刻的启示。

　 《梦》——毕加索

　1927年,47岁的毕加索与长着一头金发,体态丰美的17岁少女初次相遇,从此,这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。又过17年,64岁的毕加索给她的生日贺信中说:"对我来说,今天是你17岁生日,虽然你已度过了两倍的岁月。在这个世界上,与你相遇才是我生命的开始。">这幅画作于1932年,可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。

　 《大宫女》——安格尔

　安格尔在等待去罗马留学的这段时间，曾接受过今属比利时的列日城的一幅订件，为那里画一幅《第一执政波拿巴肖像》，此时正值1803年，即路易十六被处死之后，拿破仑又发动旨在推翻督政府的雾月十八日政变的重要时期。这位第一执政官要实行全国的军事独裁统治，人民无不切齿痛恨。安格尔却应允去完成这样一幅肖像画。1806年，他又画了《拿破仑一世在皇座上》，这后一件作品已是赤裸裸地为庆贺这个军事独裁称帝而创作的歌颂性作品。安格尔不问政治，却在这两幅画上宣告了自己的立场。当作品于同年在巴黎沙龙展出时，受到了舆论界的冷嘲热讽。 在罗马的安格尔获知这幅画的反应后，心情非常沉重，曾愤慨地表示： “人们总以为，沙龙是鼓励绘画的地方，其实不，它给绘画提供的是一条可悲的道路。”

　1813年，他与玛德莱娜·夏佩尔**结婚，总算使他得到一些慰藉。他说道：“夏佩尔是自我牺牲精神的典范，她成为我生活中的安慰。”这时，他除了画神话题材之外，还画了几幅裸体题材的大画，准备送往巴黎再度露面。这一幅《大宫女》（这时法国的贵族上层对具有强烈的东方情调的土耳其内宫生活极感兴趣，一些画家为满足贵族这种视觉需要刻意去描绘土耳其闺房的*艳生活。安格尔先后画过好几幅土耳其宫女的形象。《大宫女》这一画题是为区别他的另一幅油画《宫女》）就是这时期他描绘裸题材的代表作之一。 这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。人们说，作为达维特的学生，安格尔走得太远了。他们讽刺说：“安格尔先生画活人，就象几何学家画固体一样。为使其预算好的线条赋予素描以立体感，他什么事都做了！他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小，就象普洛克鲁斯特床上的俘虏（Procrustes; 传说中的古希腊强盗，缚其俘虏于铁床上，如身长过榻则断其足，如不及则强伸之使与榻等）一样随意伸缩。

　有时他感到沮丧，便不再去加强这种可诅咒的立体感，开始使轮廓完善。这就叫舍本求末，用刀鞘代替宝剑来决斗。” 评论家德·凯拉特里说得较为中肯些，他曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得就更中肯：“他可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了。” 这幅《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的**，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。”

　安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性，但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。从历史的角度去认识，我们觉得安格尔具有他的探索勇气，尽管他所画的这个人物是有着很大的虚构性。 此画约于1814年完成，为91×162厘米。现藏巴黎卢浮宫。

　 《圣母子》——拉斐尔

　画中，我们看到圣母子坐在凳子上，背后是一片温柔和景色。这天，风和日丽，我们可以看到远处的山峦融进浅蓝色的天空。 右边的几簇矮树丛，把我们的目光引向了山上的那座小教堂。这使我们想到年轻的母亲与她的婴儿属于宗教的世界。母亲与孩子头上环绕的两道光环，是他们圣洁的标志。拉斐尔无需用这种标志来展现他所要表达的东西。他把年轻的母亲绘得那样甜蜜，梦幻般的脸画得如此温柔，当我们看着她时，我们想到的只能是圣母。 她那双大大的眼睛根本没看任何东西，因为它们追随着她的思绪。她正在沉思，似乎没有注意到婴儿耶稣把他的小脚放在她那只搁在膝盖的手上。她的另一只手抱着婴儿。 当我们把她的双手与脸放在一起理解的时候，我们感到她似乎已经忘记了婴儿的存在，她在想着耶稣与他的未来前程。 与他的母亲相比，小耶稣画得比他那个年龄的男孩大是自然的。拉斐尔创作这个孩子的肖像的方式，确立了耶稣在画中的`重要位置。 看圣母子的脸，我们可以发现，那柔和的轮廓、大大的眼睛、挺拔的鼻子和小嘴，与希腊杰出的雕塑家普拉克西特利斯创作的维纳斯头像有着惊人的相似，这是因为，拉斐尔是文艺复兴时期的一位艺术家，他一直在对古代艺术进行研究。但也有不同，拉斐尔把圣母的脸画得更加温柔，他把古代女神的神态画得更精致、更柔和，赋予了一件古代异教徒的艺术作品以新的基督的含义。 拉斐尔赋予了古代美以新的生命。在他的画中，古代艺术获得了再生，并发展成一种新的不同的完美形式，拉斐尔的成就，代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。

　 《吹笛少年》——马奈

　马奈早年受过学院派的六年教育,后又研究许多历代大师的作品,他的画既有传统绘画坚实的造型,又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩,可以说他是一个承上启下的重要画家、他的作品(尤其是肖像画)很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用几乎没有影子的平面人物画法，表现人物的实在，从这里我们可以看到马奈的才气和自负感。此画明显带有日本浮世绘版画的影响。 注：马奈这一名字出典于拉丁文题铭 Manet et manebit,意思是：“他活着并将活下去。”

　 《打阳伞的女人》——莫奈

　这件作品是莫内早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。 整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。 虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。

　 《自缢者之家》——塞尚

　1872年末，塞尚离开了蓬图瓦兹对岸的旅馆，到了奥维尔村。通过在蓬图瓦兹与毕沙罗、基约曼一起人事创作，塞尚在作画中，充分地运用了学到的印象派手法，在色彩方面比以前明亮了，画面富有生气，笔触较为细腻。不过，仍然保留着结实、粗犷这些原有的特征。 在这幅作品中，右侧高大的屋脊与左侧房屋之间，是急剧下降的道路。在中景方面，只能看到村中房子的屋脊。这景是奥维尔村明亮的旱田与天空。前景中的屋脊与建筑物、道路，显现得坚固有力，给以厚重的感觉。在这里看不到在印象派作品中常有的那些平坦的原野。前景中巨大的物体阻碍了向远处的眺望，在平和、稳定的风景中，犹如打进了一个大楔子。用这样的构图、以及选择《自缢者之家》这样的主题，不能不使人联想到塞尚本人的内心活动与其精神状态。

　 《泉》——安格尔

　年轻的裸拿着壶罐让水倒出来，其肌肉因安格尔美丽柔缓的曲线而更具魅力。色彩运用非常柔和而富于变化。表现清高绝俗和庄严肃穆的美。这幅《泉》早在安格尔在佛罗伦萨期间就开始酝酿，事阁三十多年以后才最终完成。

　 《日出·印象》——莫奈

　《日出·印象》描绘的是勒阿弗尔港一个多雾的早晨，晨曦笼罩下的海水呈现出橙**或淡紫色，天空被各种色块渲染，再现强烈的大气反光中形成的表面的色彩。这种对绘画语言本身的探索为后世许多画家所接受，从而形成了以印象派为起源的大潮流，艺术踏上了迈入现代的旅程。

　 《伏尔加河上纤夫》——列宾

　列宾(1844-1930),是俄国19世纪后期的俄国批判现实主义绘画主要的代表之一,《伏尔加河上纤夫》是他的成名之作。还在学生时代,彼得堡涅瓦河上纤夫的沉重劳动引起了列宾的同情,从那时候开始,他就想描绘一幅表现纤夫的作品,以提示下层劳动人民的痛苦生活和社会的不平。1870年夏季,列宾与同班同学华西里耶夫(他后来也画过有关纤夫的画)去伏尔加河旅行写生,典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。 画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者,他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性,他们生活在社会的最底层,但这是一支在苦难中练成坚韧不拔,互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。 因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。

　 《亚威农少女》——毕加索

　过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。立体主义则是以全新的方式展现事物，他们从几个角度去观察，把正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。在《亚威农少女》中，五个裸的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的。

请问朝鲜画主要有哪些特点

朝鲜画的特点是笔力挺拔,色彩艳丽,风格清雅。这些特征以鲜明简洁的传统画法为依据为集中反映所描绘物象的特征,朝鲜画里突出和省略的手法得到发展,绘画技法也多种多样。

譬如,朝鲜画把线条广泛用作独特的表现手法。即使用一个线条也能精细地描绘出事物的现象和动态,深刻地表现出人物的心理状态。

在色彩方面以事物的本色为主,也是朝鲜画的一个特点。已底色为主要色彩,使光度的色彩和明暗与之相协调,把景物刻画得更有真实感。

朝鲜画在使用材料方面也有一定的特点,彩色材料用的是矿质和植物性水性颜料,底子材料用的是适宜表现柔和,细腻,鲜明的造型特征的纸,绸,布,工具材料主要用圆笔。

朝鲜绘画一直被普遍认为只是模仿中国绘画,或者只是中国画的一支地区性流派。其实不然。朝鲜绘画独创一格,其构图、笔法和用色都反映韩国的审美标准。到了17和18世纪,一些画家在绘画韩国风景上使用大胆笔法进行现实主义创作。风俗画也是在这个时期兴起的。风俗画描写翩翩年少的两班子弟(贵族)与妓生(经过训练的以艺侍人的女子,类似日本的艺妓)调笑的情景以及农夫和各行业手艺人从事劳作的景象,无不带有典型的韩国风采。

中国画:

相对西洋画来说,中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视,不强调自然界对于物体的光色变化,不拘泥于物体外表的肖似,而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”,追求一种“妙在似与不似之间”的感觉:而西洋画呢则讲求“以形写形”,当然,创作的过程中,也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说,西洋画是“再现”的艺术,中国画是“表现”的艺术,这是不无道理的。

中国画与西洋画相比有着自己独特的特征,还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分,中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致,敷色层层渲染,细节明彻入微,用极其细腻的笔触描绘物象,故称“工笔”。而写意呢相对“工笔”而言,用豪放简练的笔墨描绘物象的形神,抒发作者的感情。它要有高度的概括能力,要有以少胜多的含蓄意境,落笔要准确,运笔要熟练,要能得心应手,意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。

从艺术的分科来看,中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科,它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。

朝鲜最著名的油画家

朝鲜最著名的油画家是金基万。

金基万老师是朝鲜人民艺术家,其作品自然淳朴,风格独特,意韵十足,非常具有古典韵味,同时也具有浓厚的民族艺术色彩。深受海内外书画艺术爱好者的青睐。

金基万1929年出生,1949年在京畿公立高等中学毕业,这时期受李海晟,李纯钟,吉镇燮的指导参加展览会参加义勇军服役到1955年。1956年考入平壤美术大学。1960年~1965年担任平壤美术大学教员,1982年担任朝鲜民俗博物馆美术部长,铁路美术创造社室长,松花美院会员。主要代表作有《平壤市重建》《月夜之雁》《黄木兰》。

朝鲜油画艺术家简介

1、金哲镇,1968年5月21日在咸镜南道,1999年毕业于平壤美术大学版画系,1999年至2012年平壤美术大学版画教师,2005年荣获功勋艺术家称号,现职:白虎美术创作社。《福禄》,是朝鲜功勋艺术家金哲镇油画作品。

2、沈光哲,万寿台创作社油画创作团美术家,1979年8月6日出生于朝鲜平壤市,2000年3月31日毕业于平壤美术大学油画系,2010年7月20日被授予朝鲜民主主义共和国功勋艺术家称号,沈光哲的作品以人物绘画为主,他的作品刻画出来人物既生动形象,又栩栩如生。《夏日情怀》,是朝鲜功勋艺术家沈光哲油画作品。

朝鲜李朝画家名单

安坚(AnKyon约1400～1470)

朝鲜李朝初期画家。字可度,又得守,号玄洞子,又朱耕。无法考证其确切生存年间,据载世宗年间(1419-1450)活动最为活跃,可能死于成宗(1469-1494)初年。池谷人。自幼聪明敏捷,做事谨跚也┦丁O舶绘画,擅长山水画,受中国五代、宋初李成和北宋著名画家郭熙的影响颇大。安坚不仅凭借卓越的天赋,又与当时最出众的松雪体书法家和最大的中国收藏家-安平大君深交,将其所藏中国深入x究樟旎峒高境界后,兼取各家而自成风格。留下了“冬景山水图”、“梦游桃源图”、“i山白云图”等无数优秀作品。同时代性见(人名)曾称赞“i山白云图”是最优秀的作品。他的山水画深为朝廷器重。其笔法刚劲优美,对奠定李朝初叶绘画发展的基础作出较大贡献。与新罗的率举,高丽时代的李宁一起被称做朝鲜的三大家。传世作品较多,有《梦游桃源图》、《雪天图》、《赤壁图》等,多为朝鲜古画珍品。《梦游桃源图卷》,长106厘米,宽38厘米,为绢本水墨淡彩,上有当时高官名儒21人的题跋。整个画面构图宏伟。由于安坚对绘画的功底深,又汲取了中国绘画技法,故能融会贯通,自成一格。他在对朝鲜山水的深刻观察和准确描绘为基础上,写陶渊明桃源之境,寄托了自己的理想,流露出浓厚的朝鲜情趣。另有绘画珍品如《雪天图》、《赤壁图》等,也是他的代表作。

这幅作品将中国文学中所谓“桃源”的理想境界通过“梦游”重新解释,表现了独特的境界。1447年4月的一天,安平大君梦中与朴彭年漫游桃源,醒后即命安坚据此作画。安坚向自己想象力的极限挑战,仅三天就将充满神秘气息的桃源景象铺展在一幅上。东洋卷普遍以肩宽从右向左展开看,但此幅却是将全部展开后从左向右流览。除了几座房以外,桃源大部分被盛开的桃花和浓厚的雾气笼罩,周围的山虽是奇岩怪石,但通过柔和的质感和积极的明暗效果,令人联想到远离世俗的神秘世界。画上除了松雪体书法家安平大君亲笔的跋文,又另附申叔舟,朴彭年等当时贤人21人的赞诗。他们都是朝鲜初期的著名诗人与书法家,故此遂成为了诗,书,三绝的历史名作。

此运用平原与高原相对照的手法,更加突出了山势的雄伟壮观与幻想的感觉,又为了强调宏大的视觉效果,此处运用鸟瞰图法来描绘广大平原。绘画线条细致静谧,画面整洁,除了已被剥落的只有痕迹的桃花花蕊的金彩以外,上色工底高超,至今保持华丽,鲜艳的颜色。右下端盖有『池谷可度』印,再下面盖有『可度』的长方形印。

安坚画《梦游桃源图》时已是正4品的护军官职。而此前的宫廷画家官职品级最高只有6品。这是朝鲜建国以来的第一例。后代的画家和书画评论家对他的评论极高,成皆《慵斋丛话》里这样说:

安坚得到了世宗大王三儿子安平大君的宠爱,在安平大君的所藏品中占多数的北宋郭熙画风为基础又揉合了多派画风,而形成了独特的风格。安坚除了他所擅长的山水画外,还创作过肖像画,花卉画等各样作品。

与记录不同的是,实际流传下来的只有“梦游桃源图”一幅,另外“四时八景图”“潇湘八景图”“赤壁图”等作品亦有人说是其作品,由此可看到他的画风的一面。

李上佐

约生于1465年,出身家奴,属于“jian人”阶级,本无资格入图画署。但由于画技超绝,被中宗破格提拔成为画员。他师法南宋院体画风,代表作有《松下步月图》,从其左下角的山岩松树以及仅以棱线表现的远山看,完全是马远的构图和画法。特点是“单一构图”:一棵苍松,一位高士在一个随从相随下在月下漫步。他和安坚一样,都是深得中国绘画精髓的画家。

姜希颜(1419-1464)

字景愚,号仁斋,晋州人,文科及第,历任直提学、仁寿府事等职,曾到过中国北京,是李朝著名的文士。绘画宗法中国南宋院体和明初浙派风格,有诗书画三绝之称,但传世作品很少。从《高士观水图》和《渡桥图》可以明显看出他与浙派的渊源关系。特别是前者,画法洗练,才气流溢,非一般画员画家可比。

高士Q水纸に水墨234157cm

国立博物馆所藏

画面右侧,在蔓草笼覆着绝壁,绝壁之下,有一名文士贴着下巴匍匐在岩石上,闲逸地俯望涧中流动的溪水。画面左侧中央提写仁榷字

1679年制作的中国画谱《芥子园画传》中《高云共片心》中的人物形态与此画如出一辙。姜希颜曾经出任前赴中国的使臣,此图究竟是他阅览了《芥子园画传》后的模拟创作,还是他影响了《芥子园画传》的编纂,这已经很难辨别真伪了。但是,朝鲜与中国的艺术影响之深刻则是毫无疑问的。

申师任堂(1504-1551)

江陵人,杰出的诗人、画家、书法家。李朝李学大儒李珥的母亲。她的草虫画,如《西瓜与石竹花》、《茄子与蜂蝶》、《灯笼草与蜻蜓》、《射干与蝉》等,皆活灵活现,饶有情趣。她的汉诗如《思亲》:“千里家山万叠峰,归心常在梦魂间。寒松亭畔双轮月,镜浦台前一阵风。沙上白鸥恒聚散,波头渔艇每西东。何时重踏临瀛路,采舞斑衣膝上缝。”被誉为情景交融的佳作。她的书法作品也表现出独特的韵味。

_A(1524——1593)

字季绥,号养松堂、养松轩、养松居士、醉眠。中宗时代的左议政,《龙泉谈寂录》的作者金安老(1481——1537)的次子。是一位诗书画俱佳的画家。1537年(中宗32年)后,远离仕道,倾心创作。他不仅擅长山水画,其他诸如人物、牛马、翎毛草虫画也很出色。晚年名誉恢复,官至图画署别提。1590年参与了“光国原从功臣”图卷的创作。其山水画师法安坚体与南宋院体,又吸收浙派的诸多特色,形成独特的画风。与崔笠的诗文、韩C的字号称当代三绝。代表作有《童子牵驴图》。他的哥哥金祺也是有名的文人画家。

金明国(1600-1662以后)

字天汝,号莲潭,又号E翁。官职砘署教授,1636年与1643年二度以通信使的身份前往日本。从现存其遗作来看,大部分属于安坚派画风,有部分具有浙派后期的狂态邪学派画风的作品。用笔粗犷奔放,狂肆倔强,笔触皴擦,\白明判,棱角尖锐,不亚于明代的吴伟。可以说,到了金明国,自李朝初年以来的画坛宗法南宋院派与浙派的形式主义达到极致。其豪放的风格在代表作《雪中归驴图》等人物画中表现的淋漓尽致。

李祯

一般认为,李朝绘画(主要指山水画)风格演变上可分为前后两期,前期主要师承郭熙、李成为代表的北宋画风和以马远夏圭为代表的南宋院体画风,还有明代的院体和浙派。如果按明代莫世龙的标准,可以概括为“北宗”;后期则宗法“元四家”,以及更主要的宗法明末清初时所推崇的属于“南宗”的画法。而李祯(1578——1607)正是这一转变期的代表画家。李祯字公干,号懒翁,全州人,祖父是著名的宫廷画家李上佐,父亲李崇孝、叔父李兴孝也各有画名。出身画院世家,自幼有异才,5岁能成单幅,10岁已经小有所成。1589年参与长安寺的改筑工作,绘制了大量山水画与佛画。1606年出使中国,受到了当时著名画家的轮番称赞。可惜未及30岁即英年早逝,没有留下更多的作品。李祯善画枯木平远、竹石茅舍。画法疏简,格调天真幽淡,以淡泊取胜。

郑鄯(1676——1759)

字元伯,号谦斋,又号兰谷光州人,是对朝鲜画的形成起关键作用的人物。早年受中国清初文人画影响,中年以后逐渐摆脱清代画风影响,游历全国名山大川,开始实景写生。他深为金刚山的雄伟气势以及峭拔的山岩所陶醉,用一种类似冰柱的垂直皴法加以表现之。他以朝鲜的山水实景,诸如松林、天空的云朵为蓝本,凭着自己对大自然的真实感受,创造出完全不同于中国传统的画法。这种画法被称为“东国真景山水画”,为朝鲜画的形成奠定了基础。代表作有《金刚全图》、《仁王霁色图》。

1751年闰5月下旬,郑鄯76岁时的作品。以仁王山的岩石作为远景,其下画有雾色与树木,构图简单而大胆。运用由上而下的俯瞰法与从远处眺望的高远法,着意表现雨后山峦的质感。以披麻皴勾画山峰走势,再以浓墨斧劈皴表现雨濡峰顶以及峰峦的背阴处。中景和近景用横笔米点画树林。并渲染出山间白气。此图南北宗画法并用,配合的相当完美,与金刚全图同为其代表作。画右上端用墨笔写着〈仁王霁色辛未闰月下浣〉,其下面盖着郑坏陌孜姆接『驮伯的朱门方印。

尹斗绪(1668-1715)

祖籍海南,字孝彦,号恭斋。他是因《渔父四时诗》而著称的孤山尹善道的曾孙,也是茶山丁若镛的外曾祖。1693年时25岁中进士,但见到因为党派之争朝政日益混杂之后,索性辞官,靠诗书画度过一生。1712年45岁时,他回到全罗南道海南的莲洞,从此与书法和绘画为友,精于人物和马。其与同时的沈师正(号玄斋)、郑鄯(号谦斋)齐名,因为他们同为文人画家,名号中又都有“斋”字,因此号称“士人三斋”。尹斗绪特别重视绘画的真实性,与早期的那种粗犷写意的画风不同,他注意描写客观对象的“真形”。是在朝鲜绘画史上起到承前启后作用的重要画家。其子尹德熙和孙子尹精受其影响均擅长绘画,他的曾外孙茶山丁若镛也受到了潜移默化的影响,他在性理学领域的研究也颇受瞩目。

在他海南故宅的绿雨堂中,不仅收藏着他的代表作《自画像》,还收藏着可窥见其多种学术倾向的地图和画帖。他的收藏品中还包括为传播南宗文人画风起到重要作用的《顾氏历代名人画谱》,表明他对南宗画风曾有过研究。尹斗绪流传下来了很多传世佳作,包括由著名的《自画像》和《采艾图》等60余部作品组成的《海南尹氏家传古画帖》,以及其它许多作品,著作有《记拙》。

金弘道(1745-1816以后)

(金弘道画像)

字士能,号檀园、檀丘、西湖、高眠居士,金海人。受当时的评论家兼文人画家户曹参判姜世晃的推荐成为图画署的画员。1773年时年29岁时绘制了英祖和太子的肖像,并借此踏上仕途,历任多种官职,官至忠清道延丰县监。据说他外貌清秀,风度翩翩,气宇轩昂,而且性格活跃,如神仙下凡。

金弘道因精于风俗画而著称,但是在南宗画、生平图、神仙图、风俗画、道释人物画、画鸟画、真景山水、肖像画上也同样表现出了卓越的绘画功力。其中,山水画成就最高。他的山水画总是适当留下空白,采用缩小描绘对象的高密度构图法和简约概括的描画手法,以及雅致的晕染法,这使他的山水画达到了揉和真景山水画和南宗文人画的极高的艺术境界。

他所创造的风俗画采用了简练又富于结构美的圆形构图法,诙谐幽默地描绘了朝鲜后期庶民的生活。不仅以当代人民群众朴素、勤勉的劳动生活和民俗游戏为题材,还一定程度上反映了阶级身份关系。这种风格对同时代的兢斋金得臣和蕙园申润福产生了很大的影响,他的弟子们也忠实地追随着他的画风,其子肯园金良骥、琳塘白殷培、蕙山刘淑、诗山刘运弘等人很好地继承了他的风格。

在他的山水画中,多少能感觉到郑缮和金应焕的影响,但他以实景为素材,独创出被誉为“檀园法”的简练又富于个性的画风。

他不仅在山水画领域有所建树,在道释人物画领域中也达到了独到的境界。粗旷有力的衣褶,风中飘荡的衣襟,纯真无邪的脸是其人物画的特点。

代表作有表现骑马途中偶然听到黄鹂啼声而止步的《马上厅莺图》、《群仙图八曲屏》、《丛石亭图》、《渡牛图》、《杜甫诗意神仙图》、《群仙图》、《舟上观梅图》和由充满韩国式诙谐和情趣的25幅画组成的《风俗画帖》,以及多个山水画帖。

风俗画帖—相扑纸本淡彩28cm24cm龙仁湖岩美术馆藏

他的代表作之一朝鲜画《摔跤图》,通过摔跤手和观众的模样生动逼真地描绘了当时朝鲜民族喜欢的民俗游戏的一面。一个摔跤手为掼倒对手,咬紧牙关拉起了对手的腿,对手则为挣脱危机,脸绷得紧紧的使出九牛二虎之力。通过一对摔跤手的表情,生动地描绘了摔跤最后决胜负时的焦急感和紧张感。

有脱下纱帽温文而雅地坐在那里观看的人,有上身后仰哈哈大笑的人,有蜷缩着身体坐在那里紧张地注视摔跤场的人,有用手做指点的人,有用扇子遮住脸屏声息气观看的人等等,观众颇具个性的面貌与摔跤场紧张的氛围相协调,真实地描绘了当时人民群众朴素而乐观的生活场景。

还有卖麦芽糖的小孩子,似乎对摔跤赛毫无兴趣,背对着摔跤场大声叫卖麦芽糖,也给人以很深的印象。

观众围绕摔跤手几乎形成了正方形,这种构图引人视线集中到摔跤手,还能一眼看到摔跤场全景。

《摔跤图》是研究朝鲜画和史料的宝贵资料。

申润福(1758—)

本贯庆尚南道高,字笠父、号蕙园。李朝砘署画员,官至佥节制使。润福的画以辛辣的画笔揭露了社会的阴暗面。他常常以妓女、平民、奴婢为中心,表现出市民生活气息。以朝鲜后期城市发达的工商业和富裕的平民阶层等为背景,这些画深层次反映了城镇街道中的寻欢作乐的氛围。画中的大部分人物,不管男女,大体上是瓜子脸,眼眉往外往上翘,呈现出一种煽情的模样,显出都市的老练美和浪漫的情趣。惠园的画部分采用了姜熙彦和金弘道风俗画的画法,与明末和清代的恋情小说中的插图还有日本江户时代的浮世绘有类似的倾向。但是,绘画材料、笔墨、涂彩、人物描写等方面具有申润福独特的画法。这种画法对以后的朝鲜末期的刘运弘、刘淑等人及至1930年李用雨的人物画都产生了影响。他的作品被报有成见的文人斥为“低俗”,他本人也被逐出图画署。代表作《{园风俗画帖》。

月下情人图3520cm2830cm汉城涧松美术馆藏

这是以男女情爱为主题的风俗画。夜色浓郁,天空中露着月牙,一对情人立于墙角僻静之处幽会。款题:“月沉沉,夜三更,两人心事两人知。”包括人物的动作及表情在内,表现出了非凡的描绘能力。采用了投影手法,使画面更加栩栩如生。笔触细腻的、柔软,表现了典型环境。女子低眉害羞以及男子回眸注视欲语的神情,惟妙惟肖。