黑人文学中什么样的手法可称作借用了blues的元素?

　　有点难，黑人文学，我也不大了解，看看这个对你有帮助不？

　　作为一名非洲裔作家，托妮•莫里森同许多黑人作家一样经常以传统的非洲民间文化为素材进行创作。她创造性地将民间故事、神话、文化信仰等编织在不同人物的故事中，巧妙地将非洲民俗融合于她的小说世界里，从而再现了黑人群体的酸甜苦辣，并能让我们在阅读之余，对西方主流价值观提出质疑。几乎在莫里森所有的创作中，我们都能捕捉到这一创作理念。它反映了作者对长期受主流文化排斥的黑人文化的深刻关注。《所罗门之歌》就是借助广为流传的非洲民间故事和传统的布鲁斯乐框架，回归黑人文化的主题。

　　“飞翔”的神话

　　民间故事是非洲文化的重要内容，它是黑人文化的根。“在一个不牢靠的根上生长的树比无根好不到哪去，它会造成树木的矮小和畸形。同样无根的文化只能孕育出畸形的民族。莫里森旨在通过她的创作使那些隐没于白人主流文化光环之下的黑人文化重现光彩，并试图唤起黑人民众对自己民族文化的欣赏，重新认识古老的非洲文化。《所罗门之歌》借助于一个广为流传的非洲民间故事，表达了黑人民族追求自由的主题。飞向自由是许多非洲民间传说的主题，在小说中这一主题伴随主人公“奶娃”出生、成长与成熟。一莫里森在小说中所表现的飞翔传统源自于一个古老的非洲黑人传说。这个传说最早由由一名嘎勒黑人口述，被兰斯顿•休斯收录到20世纪50年代编写的《黑人民间故事》中。它讲述的是生长在安哥拉地区的嘎勒黑人的故事。由于嘎勒黑人不同寻常的身高和黝黑的肤色，因而被认为是有魔力的种族。故事大概是这样的:很久以前所有的非洲人都能像鸟一样飞翔，但是因为犯了一些过错，他们中绝大部分人的翅膀被收走了，只有极少数的人仍保留着飞行的能力。一个残暴的奴隶主买了一批嘎勒奴隶，毫无人性地奴投着他们。一天，一位怀孕的女奴快要生产了，却由于炎热和过度劳累而晕倒被工头鞭答。她不得不重新工作，但很快又体力不支。这次，当工头走近准备再次鞭打她时，这群人中最老的一名奴隶向她指了下，她便纵身一跃飞走了。工头暴怒，更加残酷地役使其他奴隶。一名奴隶倒下被鞭打，同样在老者的帮助下飞走了。当奴隶主和工头冲向老者准备杀掉他，他却笑着举起双手，突然之间，所有的奴隶都升向空中，一转眼，像一群乌鸦样的飞回了非洲大陆。《所罗门之歌》中的飞翔有着希腊神话伊卡洛斯的原型。但莫里森在一次访谈中提到《所罗门之歌》中的飞行是关于黑人的飞翔，“飞翔是我们的一种天赋。我不在乎它看上去有多愚盘。它无处不在，人们曾经谈论它，它存在于黑人的圣歌和福音音乐中。也许它是一种痴心妄想，是逃避，是死亡或是其他的什么。但如果它不是这些，那么飞翔的意义又是什么这就是我在《所罗门之歌》中试图探讨的。”川“飞翔”的意象贯穿《所罗门之歌》一书的始终，从奶娃出生前史密斯先生从圆屋顶上张开“双翅’飞走，到小说结尾处，“飞翔”的怠象在全书不断出现，这是黑人族群渴望自由，回归自由的形象表达。

　　奶娃从小就发现他无法像鸟一样飞翔，这使他对自己丧失了一切兴趣。他对无法飞翔的沮丧显示他成长中的无中心性和对自身及种族文化身份的漠视。他最初对飞翔的痴迷缘于一种自私的逃避，这无法给他带来真正的自由:直到完成了两次南方之旅，他才意识到要想真正地飞起了，首先必须植根于自己的文化，因而，奶娃的南方旅行历程可以说是他人生启蒙的过程。奶娃的南方之旅的最初动机是复杂的:他渴望逃离哈格尔的令人窒息的爱、父母的冲突、以及好友吉他即给他

　　带来的紧张感;同时也是出于对金子的贪婪，去南方寻找家族失落的金子。而结果，一次寻找物质财富之旅变成了一次真正的精神寻根之旅。

　　他乘飞机从北方出发、这次飞行暗示了奶娃之后的追寻目标。他第一站是丹维尔，宾西法尼亚，那是他父亲的故乡。他希望在那能够寻回失落的金子，而事实上，丹维尔却开始了他的人生探索，并且，奶娃在此后的探寻中逐步找到了自己真正的根基。在丹维尔，他开始接触到家庭的故事。老麦宵是勤劳的黑人，是当地黑人眼中的神话。他的存在刺激了奶娃麻木的神经，他第一次为自己的家族而骄傲;而老麦肯的被害，则促使奶娃去思考切实存在的种族间题。在瑟思的指引下，奶娃去山洞里寻找金子，开始了他真正的文化探寻之路。奶娃髓身带来的北方物质文化在具有非洲古老文化象征意义的山洞面前显得脆弱无比:都市行装被山洞周围的荆棘彻底摧毁。奶娃以此种形式开始了其与白人文化的分离，及对黑人文化的拥抱历程。

　　也许是命运的安排，一次偶然的机会，奶娃把他旅行的终点停在了沙里玛。在这被他认为是万韶的金钱和财产变得没有价值，而他本人也由于代表了白人价值观而被当地黑人所厌恶。他的行为激怒了当地黑人，结果这些男人开始用黑人群体特有的传统语言来对奶娃进行攻击，其后展开了刀战，这是一次文化上的碰撞。之后，奶娃被邀请去丛林打猎，在那他开始摈弃他的阶级优越感，渴望融进黑人群体的生活中去，来自群体的认同治疗了奶娃的无根感。

　　在沙里玛，奶娃还发掘出了自己家族的历史。沙里玛孩子们的口中唱的歌曲“所罗门之歌”原来是奶娃祖先的故事。歌曲中的所罗门是一个黑人奴隶，他为了结束自己被奴役的状态，飞回了非洲大陆，留下了妻子和21个孩子。其中最小的一个就是奶娃的祖父吉克。歌曲中的真相让奶娃兴奋不已，也解释了奶娃一直难以名状的对“飞翔”的困惑。通过歌曲的解密以及家族传奇的发现，奶娃建立起了与非洲大陆文化真正的联系，探寻到自己的根之所在。

　　第一次的南方之旅促使奶娃开始去面对本民族的文化，认识“自我”。其对主流文化的价值观也开始产生了质疑。奶娃的第二次沙里玛之行是为了在所罗门跳台上埋葬祖父的遗骨。由于对金子的贪婪和内在种族仇恨，吉他误杀了奶娃的姑母—派拉特。派拉特的死构成了奶娃成长、融人非洲传统的最后一个仪式。他明白了派拉特所以无需离开地面就能飞，那是因为她真正理解和接受了生活中交织的爱与恨、希望与绝望。正是对人性中这些矛盾之处的宽容与接纳赋予了她在生与死中的真正自由。为了寻求这种自由，奶娃在所罗门台上纵身一跃，奶娃的最后一跃既是整篇小说的高潮，也构成了小说的结局。通过设置这种开放式的结局，莫里森再一次把白人文化与黑人文化的不同之处呈现在了读者面前。通常那些白人奴隶贩子把黑人奴隶在贩运途中跳下船的行为看成是自杀，但对黑人奴隶们来说，同胞们的行为是为了飞回自己的非洲故乡。因而，奶娃的“飞翔”可以被看成是回归黑人文化的一个庄重仪式。

　　布鲁斯民歌的象征意味

　　音乐是美国黑人民间文化的另一种主要艺术形式。黑人音乐中的布鲁斯是在早期黑人圣歌的基础上发展起来的一种音乐形式。作为黑人奴隶宜泄苦闷情感的方式之一，这一音乐元素被融入现代小说的创作中

　　莫里森把布各斯小调融人《所罗门之歌》的创作中。首先，奶娃的姑姑派拉特爱唱的布鲁斯小调“焦糖人飞走了”贯穿整个小说。其次，布鲁斯乐的一个重要主题是反映男人和女人面临困境时不同的反应所引发的冲突，莫里森在这部小说中也涉及了该主题。 派拉特在史密斯在慈善医院楼顶企图自杀时第一次唱起了那首“焦糖人飞走了”。“啊!甜大哥飞去了，甜大哥走掉了，甜大哥掠过天空，甜大哥回家了”它预言了孩子的出生，并暗示了奶娃与飞翔的关系:也为奶娃日后去南方寻找祖先足迹、懂得歌词内容、理解飞翔的真正意义埋下伏笔。奶娃12岁时来到姑姑派拉特家，在那他再一次听到了“啊!甜大哥别把我留在这里，棉球儿让我窒息，啊!甜大哥别把我留在这里，白人的份膀给我套上扼具一甜大哥飞去了，甜大哥走掉了，甜大哥掠过夭空，甜大哥回家了”。川派拉特、丽芭和哈格尔合唱了这首所罗门的歌谣，和谐的歌声以及歌词本身是派拉特所代表的不同价值的集中体砚。在此，奶娃看到了与自已家庭截然不同的价值观—:关爱、责任、关注人与人的关系。其时的奶娃并不能理解派拉特的歌。在沙里玛，他从孩子们口中第一次完整地听到一曲“所罗门之歌”，并揭开了歌曲中的真相。“所罗门之歌”是时空的跨越，是传统的延续，是后辈们对先辈的记忆，也是黑人们对回归自己根的揭望。在派拉特临终前，奶娃为她演唱了她最喜欢的那首布普斯小调，并将“sugarman”改为“sugargirl”。奶娃对派拉特的演唱体现了他未曾有过的爱。正是通过对歌曲的理解，奶娃完成了人生的顿偌，达到了精神上的成熟，并最终实现了对黑人文化的回归。

　　《旧约》中《所罗门之歌》从世俗的角度可似被阐释为关于男人和女人关系的诗歌。莫里森的所罗门之歌，，也可以被理解为关无男女的歌谣。男人们飞定了，留下他们的女人唱着悲伤的布鲁斯，守护着孩子和家园，她们成为事实上的文化历史的守护者和传播者。名字是一个家族的根，为了保留家族的历史，必须有人来告诉孩子们他们的名字以及祖先的名字，这一责任落在了被遗弃的妻子和母亲们肩上。在《所罗门之歌》中，奶娃的曾祖母莱娜在被丈夫丢弃后又被痛苦压垮了，她无法履行肩上传承家族历史的责任，继而导致了麦肯一家在今后的岁月中失去了祖先的名字，遗失了自己的历史，从而失去了他们的非洲过去和黑人传统。

　　莱娜是被丈夫遗弃的女人们的原型。老莱娜死了，一个个新莱娜接替了上来。奶娃的母亲露斯、奶娃的女友哈格尔就是如此。在“所罗门之歌”的衬托下，作者表现了对黑人妇女命运的关照。露斯是丈夫跻身上层社会的祛码，她仅能靠延长儿子的哺乳期来寻求一丝安慰;哈格尔则因为奶娃的始乱终弃而自杀。

　　与她们相对的是派拉特，她是莫里森眼中理想的黑人女性。她是一个慷慨大方、自由自在的女人，她以无私的爱包纳了所有人。连她的名字派拉特也组示着“引航”的意义。事实上，她是奶娃精神上的引路人。正是由于她的指引，才使奶娃走出了狭溢的个人世界，得到精神上的提升。同时，她也是历史的传承者。她把父亲给她的名字装在鼻烟壶中悬挂于耳边;她收集旅行沿途的石头;她传唱着古老的“所罗门之歌”……。派拉特相信一个人的身份感和归属感植根于过去，她的这些保留历史的做法帮助奶娃和她自己最终找到了根。小说中，她站在了那些轻易丢弃自己过去的黑人男性对面。通过这一人物的塑造，莫里森再一次重复了她一贯的创作主题—表现黑人女性的坚韧、付出与宽容。

　　《所罗门之歌》的创作确立了莫里森黑人文化捍卫者和继承者的地位。在白人主流神话的框架中融入黑人民俗文化元素，书写黑人自己的神话故事是莫里森对黑人文学、文化的贡献之一。这一创作手法，既颠覆了主流神话的意义，反映主流神话与黑人群体愿望的脱节，同时借此，莫里森关照了黑人民族独特的文化观与价值观，促进黑人民众对本民族文化的欣赏与回归。

1我想学习一些简单的西方古典音乐中的乐理知识,比如音调音色等b

说起古典音乐，我上了大学之后，毫不犹豫地报了西方音乐欣赏的选修课，没想到到了研究生又报了一次。

开始只知道贝多芬，莫扎特，柴可夫斯基三个人，后来通过选修课的学习，了解到了斯特劳斯，肖邦，维瓦尔蒂，布里顿，德沃夏克等伟大的音乐家。 我觉得古典音乐的欣赏不仅仅是对音乐本身的欣赏，更是对音乐所表达的内涵的鉴赏和探索，通过古典音乐的风格和特点可以了解到音乐家的内心世界和个人性格。

因此，没有深厚内涵的音乐家是不可能写的出伟大的作品的，最多只能成为优秀。我想这也是音乐家要的达到的目的吧，要把他对人生，对社会，对艺术的理解通过音乐的表现形式表达给听众。

当他们作曲是为了自己而不是为了迎合贵族和听众的时候，伟大的作品才会诞生，尽管可能在当时无人问津。正因为如此，我在听古典音乐的过程中，一定要先看这个曲目的背景和来历。

否则只是欣赏其旋律的话，可能会无所收获。 《莫扎特传》是令我感触最深的，不愧为奥斯卡的获奖影片。

这部**重点突出了莫扎特的天才和萨里埃里的嫉妒（**为了个性鲜明和矛盾的突出，丑化了萨里埃里）。莫扎特极具音乐天赋，当萨里埃里看见他的手稿的时候，萨里埃里惊呆了，莫扎特竟然没有一处修改，而每一处也无法修改，因为太完美了。

萨里埃里认为莫扎特不是在创作音乐，他所要做的仅仅是把自己脑中的乐符抄下来，同时也感叹为什么上帝不赐予自己这样的天赋。 而萨里埃里对莫扎特的嫉妒不仅仅是因为他的天赋，更多的是因为莫扎特的张狂和自信，还有他对传统的宫廷内部制度的藐视，因为他始终认为自己是世界上最好的作曲家，他不受任何人的束缚和控制。

还有就是莫扎特的《安魂曲》真是震撼灵魂的伟大的作品。 它把莫扎特去世前的那种心理状态淋漓尽致的表现了出来。

有无奈，有苦闷，有悲凉，那种复杂的心理状况让听者无不为之感到惋惜。难怪有人说世上怎会有如此悲伤的旋律！ 可以说贝多芬始终是一个与命运抗争的人。

由于他长得丑，几次被心爱的女人拒绝，这对他来说也是不小的打击，而他后期的失聪更说明他不是上帝的宠儿。 在这样的困难之下，他还能创造出第九交响曲这样的作品，则更加体现了贝多芬的伟大。

要知道，失去听力对一个作曲家来说意味着什么。这就好比厨师失去了味觉，画家失去了眼睛一样。

而正是这样的贝多芬创造了后人无法超越的交响乐的顶峰。所以贝多芬的音乐是不能不听的。

他的《田园》，《命运》《第九》都被我请进了电脑。 后来便是圆舞曲大师施特劳斯，他的《蓝色多瑙河》《维也纳的森林》《皇帝圆舞曲》和《春之声圆舞曲》可以说是经典中的经典，我也是在那个时候反复的听这些曲子。

同样是这个时候我听到了我认为最好的交响曲--德沃夏克的《新大陆》。 尤其是那气势磅礴的第四乐章，令我百听不厌。

总之，我对自己能够接触到古典音乐而感到庆幸，也感谢古典音乐给我带了快乐，希望更多的人也能与分享这些快乐。 你也喜欢古典音乐嘛？想和你叫个朋友！~。

2中外音乐史及美术史的知识点

这里有一点中西方发展历程，看能不能对你有点帮助！

中西美术史中“形神观”的分化与融合

绪论：千古冤家——“形”和“神”

“形似”和“神似”，一个是理性的对待对象；一个是感性的对待对象。在绘画领域是一个永恒的话题。在这种问题前，挚着是不行的。尺寸问题是避免迷失的关键；而辨证的分析是走出理论迷宫的不二法门。在本文中无意也无力对这一个千古的理论悬案作出一个评价，只是想将各类的观点理成一个脉络。形似（简称形），顾名思义就是在物象外形上肖似。但这一个含义在不同的环境下（中西、古今……）是不同的。在西欧古希腊和文艺复兴时期，形似的地位是关系着绘画的成败的。而在中国古代，形似的地位就微妙了一些。顾恺之是一个形神兼备的倡导。他的：“传神写照，正在阿睹中。”被后世千古引用。后来还被徐悲鸿列入“新六法”中。这一传统很顺利的保持到了宋代的画院里。可是当时正当文人画兴起，形似的待遇微妙的变化。在苏轼的倡导下，绘画讲究自我表现，追求意境、神似的风气，得到文人士大夫的普遍认同。文同、李公麟、王诜、赵令穰、米芾父子等沿波而起，躬行实践。神似成了绘画品位的代名词（这里的神似和顾恺之的神似已不同了。即物象的神和画面——作者的神的区别。）

所以，神似远不像形似那么简单。首先它不仅是对物象神韵的把握，在艺术作品中加入自己的感情，让艺术作品有自己的思想也是另一种神似。

怕话题越扯越大，便就此打住。进入上部。

上部：意味深长的历史轨迹

——古（近）代中西“形神观”的对比。

将中西美术史加以对比总是很有趣的事。探索其差异的原因更是意味深长的。

正如上所述，形似在不同的地域得到了不同的待遇。但是有一点中西双方是不约而同的。在中西美术上第一个绘画 都是人物画的 。

中国人物画经过了秦汉的发展，到了魏晋南北朝时期终于迎来了一个高峰。以顾、陆、张三绝，影响了整个中国人物画的发展。

顾恺之（346——407），字长康，小字虎头，江苏无锡人，义熙中为散骑常侍，博学有才气。他是一个早熟的画家。20多岁江宁瓦棺寺壁画，居然“光照一寺，施者填咽，俄而得百万钱”（张彦远《历代名画记》引《京师寺记》），从此画名大振。他的地位，在三绝中是最高的：“像人之美，张得其肉，陆得其骨，顾得其神，神妙无双，以顾为贵。”很清楚，在魏晋时期，中国绘画观念就已经深深奠定了“神”的表现重于“形”的表现。

看完了以顾恺之为代表的中国人物画第一个 。就看看西方的人物美术的第一个高峰——古希腊美术。雕塑 雕刻是希腊美术中最重要的部分，它集中地体现了希腊人对美的理想、非凡的艺术才华和对人体的精深研究。许多最优秀的雕刻作品因气势宏伟、形象完美和风格洗练而罕与伦比；千百年来无数画家、工艺家都曾受到它的启示和影响；它所独具的内在生命力和艺术魅力，至今仍放射着灿烂的光辉。

古希腊的雕塑经过了三个时期。

古风时期。

作为古风时期雕刻，通常是从前7世纪开始。这时的人像雕刻大都是直立的形象，总的来说，都未打破僵直的形态，造型手法也较生硬。直到前6世纪，雕刻的艺术技巧有了明显的进步，在人体和动态的表现上都更为自由而富有生气。

二、古典时期

从前 490年起开始了希腊艺术的古典时期。具有强健的体魄、昂扬的精神和典雅优美的造型，是古典时期雕刻的共同特色，这是希腊各城邦在战胜外族的侵和建设自己强盛国家的年代中，人们对英雄人物的理想的体现；同时也形成了与此相应的美的规范。

三、希腊化时期

希腊雕刻经过古典时期的发展高峰，到希腊化时期中心移向小亚细亚的西部和爱琴海的部分岛屿。这时期已很少建造宏伟的神殿，那种庄严崇高的气氛在雕刻作品中也渐趋淡薄，而世俗化的倾向则有所发展。然而在某些杰出作品中，仍然保持着古典时期大气磅飒飒的精神。但到了晚期（以〈拉奥孔〉为代表）雕塑已经失去了崇高的精神。

综观古希腊的雕塑艺术。虽然也强调人的精神和生气。但更明显的表现出了科学的精神。对人体比例的精准把握（以黄金分割律为代表）明显的将欧洲美术带上了写实主义的路子。同将上述中西双方的绘画代表作并列一起，即可以明显的看出这种差异。

3谁帮我介绍一下西方音乐史

16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。

西方音乐史教学的具体内容主要包括三方面：

第一，西方音乐的历史发展与沿革。如西方音乐内容与形式的演变史，西方音乐理论及各种音乐体裁的起源和发展过程；主要作曲家、演奏家的艺术生涯、作品风格特征及其影响；

第二，西方社会政治、经济、文化的历史对西方音乐发展的影响，从音乐这一独特视角反映西方文明的历史进程及其人文精神的特征。

第三，音乐的表现手法与音乐审美方法。如音乐欣赏的基本知识，音乐的构成要素及各种理论、流派等，

4大家帮忙介绍下关于音乐的知识

古典主义音乐Classical Music，中文翻译为“古典音乐”。

有人认为"古典"给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义：to be in traditional and serious style，而称之为“严肃音乐”。

浪漫主义音乐是古典主义音乐的延续和发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或着一个时代。浪漫主义风格音乐注重情感和内容的表达，打破古典主义音乐时期的种种形式上的束缚。

巴洛克音乐 巴洛克（Baroque）一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。 乡村音乐 这个名字是20世纪20年代在美国出现的，它的源流很广。

那时歌曲的内容，除了表现劳动生活之外，厌恶孤寂的流浪生活，向往温暖、安宁的家园，歌唱甜蜜的爱情以及失恋的痛苦等都有。 爵士音乐 爵士乐由民歌发展而来，有多种源头，不易仔细考证。

19世纪期间音乐是美国南部种植园黑人奴隶们表达自我生活和情感的重要手段。从19世纪末开始，爵士乐以英美传统音乐为基础，混合了布鲁斯、拉格泰姆及其它音乐类型，是一种“混血”的产物。

摇滚 从最纯粹的形式来讲，所谓摇滚，就是三 加强硬持续的鼓点加上口的旋律。摇滚不仅是一种音乐形态，实际上它是一种“人生的态度和哲学“，也正因为如此，摇滚乐才有别于一般流行音乐（Pop Music）。

真正的摇滚文化至少可以提炼出这样一个缩微的全貌：嬉皮文化、艺术摇滚、朋克乐、先锋音乐、重金属等。 重金属音乐（HEAVY METAL），简单来说，就是用稍微超常的力度来演奏摇滚乐。

吉他，作为这种音乐的主要元素，在演奏时比通常响一点，更具复仇感。 朋克音乐 朋克PUNK， 是兴起於1970年代的一种反摇滚的音乐力量。

PUNK在中国大陆译作"朋克"； 在台湾译作"庞克"， 香港则叫作"崩"。 在西方， PUNK在字典是解（俚语）小流氓、废物、 、娈童、低劣的等意思 （虽然现在它的意思有了一定的改变）。

灵魂音乐。灵魂乐是南方福音和中西部的节奏蓝调的融合，礼拜乐的复兴被带入节奏蓝调的 Boogie-Woogie 世界之中。

从这种肥沃的基础开始，灵魂音乐诞生了。灵魂音乐的特点是坚实的节奏部分配以明确的世俗动感及宗教音乐。

吉它常常让位于 Hammond B-3 风琴，同时采用一些管乐。然而几乎所有灵魂音乐都以热情、高扬的嗓音作为标志，偶尔也加一些即兴表现。

R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作"节奏布鲁斯"。广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源于黑人的Blues音乐，是现今西行流行来和摇滚来的基础，Billboard杂志曾介定 R&B为所有黑人音乐，除了 Jazz和Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。

近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源于 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。 HOUSE是于八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。

这是芝加哥的DJ玩出的音乐，他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓（Drum Machine）规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一起，House就产生啦~一般翻译为"浩室"舞曲，为电子舞曲最基本的型式，4/4拍的节奏， 一拍一个鼓声，配上简单的旋律，常有高亢的女声歌唱 DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈，很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳 歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。 Britpop（英伦摇滚） 虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源于九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。

不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则Pop很多，而Pulp则接近Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。 Trip-Hop（神游舞曲） Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip+ Hip Hop"= Trip-Hop"，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作"Bristol Hip-Hop"。

Gangsta Rap （匪帮说唱） 是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、 感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap于八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。

Synth Pop中的 " Synth"，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其它电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop于八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。

Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲” （3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。 ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。

弦乐组每种乐器有多人演奏 （竖琴除外 ），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。 CHAMBER POP （室内乐） 是指典。

5应聘小学音乐教师怎么样复习笔试,专业基础知识,主要是西方音乐

我去年刚拿的高中的教师资格证，专业理论这一块基本上没怎么复习，因为这个东西没法复习，靠的是平时的积累，你说的西音史跟中音史的比重不算太大，只在选择题里面出现，最主要的还是最后的大题，教案的写作。

说回去，为什么我说没法复习？你把往年的真题看一遍你就会发现这种基础知识可考的点太多，根本没有反复考察的东西，一些最基本的诸如“黄河大合唱的词曲作者是谁”之类的常识根本不会考，所以我的建议是把重点放在大题，音乐史的知识买本资料浏览一遍就好。

比如说今年有个题目我印象很深刻，叫“弦乐四重奏《风。雅。颂》的作者是谁”，选项里面有谭盾、郭文景之类的中国当代作曲家，你说这类题目怎么复习？所以这些主要靠积累，背的作用的确不大，投资跟回报并不成正比。

6西方音乐发展史

一、古希腊罗马音乐 因为留下来的乐谱资料都少得可怜，所以我们对这一时期的音乐知道得很少。

古希腊的音乐的起源是同神的崇拜和神话传说联系在一起的。“Music”一词源于“muse”，在古希腊神话中缪斯（Muse）是掌管艺术的女神。

著名的神阿波罗、雅典娜、狄俄尼索斯等都是艺术之神，传说音乐就是由他们所创造的。古希腊音乐在宗教活动中的运用极为普遍，也发挥着重要的作用。

古希腊的乐器主要有里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯管（Aulos），它们传说是由不同的神发明和拥有的，因此常常与不同的神崇拜相联系。里拉琴是一种弦乐器，多用于独唱伴奏，史诗弹唱，常与阿波罗崇拜联系，是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。

阿夫洛斯管是一种管乐器，常用在崇拜酒神狄俄尼索斯的仪式中。在西方现代文化观念中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。

前者是平静而节制的日神风格，后者是放纵、浪漫的酒神风格。常常与诗歌、舞蹈、戏剧结合在一起，唱歌时有时有乐器伴奏。

二、中世纪音乐 大约从公元5世纪开始到14世纪，是西方音乐历史上的最漫长的中世纪时期。中世纪的音乐主要是基督教宗教音乐，世俗的民间音乐不被重视。

教会的权力高于国家和其它社会集团，一切社会意识形态，包括各种艺术以及哲学在内的各方面都要为教会服务。这时期广泛传播的是教堂礼拜歌唱的圣咏、赞美诗。

“新艺术”的概念来自法国主教、诗人、音乐家菲利普·维特里的一篇论文。

这一概念很快就被广泛使用，说明当时出现了一种新的音乐潮流，与13世纪旧的“古艺术”不同。“新艺术”的主要特征是音乐创作空前世俗化，作曲家把宗教复调音乐与世俗音乐语汇相结合，探索音乐形式创造的各种新的可能。

采用更小音符时值的记谱方式，节奏记谱系统化。新艺术最重要的代表人物是马肖（Guillaume de Machaut,1300-1377），意大利的代表人物是兰迪尼（Francesco Landini,1325-1397）。

西方文明史上的“中世纪”时期曾经一度被视为蒙昧黑暗的时代，但我们今天常倾向于以一种更客观的态度来评判这段历史。从音乐的角度看，教会对音乐的影响虽有其消极的一面，但也有积极的一面。

教会对于音乐的重视，对于教仪音乐的统一作出的努力，对音乐发展投入的大量人力物力，都促进了中世纪欧洲音乐的发展，也使音乐资料能较为完好地保存下来。复调音乐和管风琴的产生为后来的专业音乐发展奠定了坚实的基础。

三、文艺复兴时期的音乐 文艺复兴（Renaissance）一词是法文，原意为“再生”。这个时期在西方历史上大约从1300年持续到1650年。

这个词反映了这时期的思想家们对中世纪的怀疑否定和对古代文化的崇尚，他们对于复兴古希腊和罗马的文化遗产产生了兴趣。但这种复兴，并不是单纯地原样再现，乃是通过复兴古代的精髓，建设一种新的文化、新的传统，而且其成就很快超越了古希腊、罗马影响的范畴。

在这场运动中，“人文主义”是其最有影响力的思想潮流，也是这场变革的核心。人文主义者主张以人为本，鼓励人们张扬人性，挣脱神性的桎梏，强调人是社会的主宰而并非是神。

他们颂扬人类对生活的热爱以及人类的智慧，相信人的力量能战胜一切。文艺复兴时期一般是指大约从1430年至1600年前后这一时期，在音乐领域的变革是在继文学、绘画等领域之后。

文艺复兴时期的音乐一方面已经具有明显的世俗化的倾向，一方面又仍然与宗教保持着密切的联系。 1、尼德兰乐派。

尼德兰乐派是指15、16世纪一批出自低地国家的音乐家，大致在法国北部、比利时和荷兰等欧洲北方地区。 2、16世纪的世俗音乐。

16世纪西欧的音乐出现了一些新的倾向。各国兴起了一批具有民族风格的音乐，这些音乐主要以声乐体裁为主，主要有意大利的牧歌（madrigal）、法国的尚松、德国利德（Lied）、西班牙的田园歌和浪漫曲、英国的牧歌和琉特琴歌曲等。

3、宗教改革的音乐与世俗音乐的发展相应，16世纪的宗教改革也为教会音乐带来了深刻的变化。 四、巴洛克时期的音乐 巴洛克时期通常是指从1600年到1750年之间这150年的范围。

“巴洛克（Baroque）”一词来自葡萄牙语，原意为形状不规则的珍珠，原来是用于建筑、美术领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域 1、歌剧的诞生 歌剧是一种用音乐来表现的戏剧，它的前身可以追溯到古希腊时代的悲剧、中世纪的教仪剧、神秘剧等。 2、器乐的发展 巴洛克时期的器乐上升到了一个新的突出地位，形成了这一时期声乐、器乐、歌剧三足鼎立的局面，器乐第一次与声乐处在了平等的地位。

巴洛克时期最重要的特征之一是大量使用“通奏低音”，这是一种不同于文艺复兴是亲的复调织体的主调和声织体，基本上由旋律加和声伴奏构成。有一个独立的低音声部持续在整个作品中，上方有一个华丽和富于装饰的高声部，中间声部并不写出，由演奏者即席演奏。

巴洛克时期大小调体系和功能音乐逐渐建立；记谱法也不断完善；“情感论”理论形成，相信音乐的主要目的是唤起人们的情感。他们用一种类型化的音乐来表达歌词的情感，如高音表示光明。

7西方音乐史的发展,分为那几个时期,以前个个时期的代表作

16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。 西方音乐史教学的具体内容主要包括三方面： 第一，西方音乐的历史发展与沿革。如西方音乐内容与形式的演变史，西方音乐理论及各种音乐体裁的起源和发展过程；主要作曲家、演奏家的艺术生涯、作品风格特征及其影响； 第二，西方社会政治、经济、文化的历史对西方音乐发展的影响，从音乐这一独特视角反映西方文明的历史进程及其人文精神的特征。 第三，音乐的表现手法与音乐审美方法。如音乐欣赏的基本知识，音乐的构成要素及各种理论、流派等， 而发展经历的时期入下：西方音乐历史及音乐体裁的发展主要经历了以下几个阶段：

一、西方音乐的起源可以追溯到古代的美索不达米亚平原。起源时期的音乐，主要用于神庙祭祀、节日庆典，带有明显的宗教色彩。苏美尔人、埃及人、希伯来人和古希腊人推动了音乐的发展。

二、中世纪的前期和盛期

这一时期主要是单音音乐时期，大致从公元600~1300年。

三、“新艺术”时期

公元1300~1450年，是中世纪向文艺复兴过渡的阶段。

四、文艺复兴时期

1450~1600年，文艺复兴的中心在意大利，但音乐中心却在法国的勃艮第地区和佛兰德。这一时期德国、英格兰音乐的兴起，罗马教堂音乐的改革和威尼斯乐派的活跃使这个时期的音乐成就不逊于其他的艺术。

五、巴洛克时期

1600~1750年，从蒙泰威尔弟开始，到巴赫和亨德尔结束。巴洛克时代在西方音乐史乃至整个艺术史上都是一个十分重要的时代。巴洛克音乐气度高贵、情调感人，内容比文艺复兴时期更丰富 、更具戏剧性。欧洲音乐的许多重要体裁都在这一阶段初步形成，如歌剧、组曲、奏鸣曲、协奏曲、清唱 剧、康塔塔（大型声乐套曲）等都已具备了经典形式。音乐巨人巴赫、亨德尔则把巴洛克音乐推向了 。

六、古典主义时期

以恢复希腊、罗马的古典风格为目的，主要放眼于追求客观美的古典主义音乐，在维也纳形成了气候，海顿、莫扎特、贝多芬三位音乐家的杰出之作让音乐史为之一振。这一时期成为器乐的 黄金时代，钢琴曲、小提琴协奏曲的创作层出不穷，奏鸣曲式的确立被认为是这一时期成就的代表。

七、浪漫主义时期

浪漫主义乐派是人类艺术史上的一大“宝库”。这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式。这 种更注重音乐内容的音乐流派，使一些非音乐因素成为音乐的主宰。浪漫主义音乐经过门德尔松、舒曼、肖邦和威尔弟等人的完善，在柴可夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到了巅峰。

八、新音乐

这是20世纪音乐的统称。和其他艺术一样，音乐开始出现多种流派百花齐放的局面。音乐创作的保守与创新两派在音乐文化发达的德国、俄国、英国、美国等地相互竞争，这在一定程度上促进了音乐的繁荣。但在50年代后，随着电子音乐和计算机等的高新技术的出现，音乐家们都希望在音乐新一代的音乐语言、节奏的发展上找到共同点，重塑作曲家角色及音乐艺术的本质。