欧式风格的家居设计有什么特点

欧式风格夸大以华丽的装饰、浓厚的色彩、精美的造型达到雍容华贵的装饰结果。欧式客堂顶部喜用大型灯池，并用华丽的枝形吊灯建筑氛围。门窗上半部多做成圆弧形，并用带有斑纹的石膏线勾边。入厅口处多竖起两根豪华的罗马柱，室内则有真正的壁炉或假的壁炉造型。墙面最好用壁纸，或选用优良乳胶漆，以衬托豪华结果。地面材料以石材或地板为佳。欧式客堂非常须要用家具和软装饰来建筑部分红效。深色的橡木或枫木家具，色彩素净的布艺沙发，都是欧式客堂里的配角。还有浪漫的罗马帘，精美的油画，建造精良的雕塑工艺品，都是点染欧式风格不成贫乏的元素。但须要重视的是，这类风格的装修，在面积、空间较大的房间内会达到更好的结果1：欧式风格中最罕有的就是古典的欧式风格。高雅的古代风格、纤致的中世纪风格、富丽的文艺复兴风格、浪漫的巴洛克、洛可可风格，不竭到庞贝式、帝政式的新古典风格，在各个期间都有各类减色的表演，是欧式风格不成或缺的要角。欧式新古典风格在造型方面的首要特点是：曲线乐趣、非对称法例、色彩暖和素净、崇尚天然等2：巴洛克、洛可可、哥特等艺术风格并不仅是代表室内设想而是十二、十六到十八世纪欧洲文艺复兴过程中鼓起的艺术情势包括绘画、音乐、建筑、装饰、家具、织物等方面部分都有触及我们普通谈到的巴洛克、洛可可、哥特,主如果针对建筑方面，因为这些艺术情势在建筑上表现的最复杂，最广为人知。3、古希腊、古罗马款式：罗马艺术朴素、松弛，但罗马贵族的生活生计朴素，五~六世纪的中世纪初期，古罗马款式和中心特点别离逐步构成了罗马款式。十一~十二世纪时，展开到顶端，事前宗教建筑风行，罗马款式由欧洲长方形会堂的教堂展开而来，加厚了罗马拱型建筑的墙壁，建筑厚壁所产生的严厉美，以及教堂建筑窗少，室内很暗，构成了室内装饰浮雕、雕塑的奇奥感。集体觉得罗马式的代表特点主如果各类柱式，如陶立克柱、爱奥尼克柱，科林斯柱。4、哥特式：产生于与十二~十三世纪初，事前的新宗教建筑室内以竖向陈列的柱子和柱间尖形向上的细花格拱形洞口、窗口上部的火焰形线脚装饰、卷蔓、亚麻布、螺形等纹样装饰来发明宗教登峰造极的严厉奇奥氛围。事前欧洲经济展开充裕，室内装饰造型华丽，色彩丰富敞亮素净。集体觉得代表特点主如果拱形窗户及向上的竖向装饰造型。5、巴洛克式：欧洲巴洛克风行在十七世纪，在应用直线的同时，也夸大线型的活动变化，寻求过多的装饰和华丽厚重的结果。在室内将绘画、雕镂和工艺调集与z装饰和陈列艺术上。墙面多揭示精美的法国地毯，以及镶有大型镜面和大理石，还有线脚堆叠的可贵木材镶边板装饰墙面。色彩华丽并间杂金色以和谐，室内严厉、豪华。集体觉得代表特点是夸大对称的布局情势和简练的z装饰线条。6、洛可可式：继巴洛克式之后在欧洲展开起来的款式。时价中国清朝工艺美术作品传达法国，是以受到中国蛮横艺术的影响。洛可可一词本源于法国宫廷天井顶用贝壳、岩石建造的加山"洛卡优"，意大利人误叫成洛可可而传达开来。洛可可与巴洛克比拟，细微，玲珑。其特点是造型装饰多应用曲线、皱折和弯曲形构图接洽，装饰极端简练、华丽，色彩瑰丽多彩，大批应用中国卷草纹样。集体觉得代表特点是简练的曲线造型以及濒临中式的纹样。以上都是针对汗青的，可以或许归结到欧式的古典主义风格内。从平常室内设想与z装饰的角度来看，首要有：美国村落田园风格多应用暖和流畅的色彩并重视和环境的畅通领悟，与天然的和谐，材料也多应用天然材质。重视室内采光，室内厨房和壁炉是对比首要的地位。重视休闲、舒服感。地中海风格色彩狠恶，多应用纯真的蓝色、白色、白色等。重视材质的肌理结果。窗户多为拱形。

1、迪赛尼斯（DESIGNICE）

DESIGNICE迪赛尼斯是杭州阿芙娜时装有限公司旗下女装品牌，是一家以女性时装创意设计及时尚资讯传播为主导的专业时装设计公司。多年来一直秉承“完全时尚理念”为人们创造“价位合理的时尚奢华”，来满足现代时尚白领女性的需求。

2、克里斯汀·迪奥（英语：Christian Dior），简称迪奥（Dior）。

迪奥是著名法国时尚消费品牌。迪奥的设计中女性独特的魅力被淋漓尽致地体现女性形体柔美的曲线，在这种大胆完全的体现中原不被欣赏的黑色经迪奥的手也成为了一种流行的颜色，迪奥的设计一扫二战后女装保守呆板的线条，这种设计让法国及西方世界为之轰动，让女性为之动容。

3、迪斯廷凯（Distin Kidny）

Distin Kidny是具有原创中国风的知名艺术女装品牌。具象艺术呈现民族个性，时尚与典雅相伴相生，完美结合，形成了独具特色的东方风格；穿着方式自在随意，以宽松舒适还原女性的生活态度，意在达成穿着者内在与外在和谐相融的审美观感，实现独立个体艺术和生活的完美契合。

4、杜嘉班纳（Dolce & Gabbana）

公司创立于1985年，总部位于意大利米兰，成为在奢侈品领域中最主要的国际集团之一。黑色蕾丝是Dolce&Gabbana永恒的主题，性感的透视是对西西里岛女郎浪漫风情的最佳凸显。

值得一提的是，Dolce&Gabbana的舞台上第一次出红衣主教式的艳丽红色，这或许是对宗教理念的一种彰显。

5、地素（Dazzle）

Dazzle是地素时尚股份有限公司旗下女装品牌，融合了意大利的文化底蕴和现代运动休闲娱乐的时尚思潮。

2002年创立于中国的时尚之都上海，是一家多品牌运作的服饰时尚集团。为创造并引导个性化的生活方式，地素时尚分别创立三个知名女装品牌——独立率性的专属高街品牌DAZZLE，年轻奢华的半手工定制品牌DIAMOND DAZZLE，以及奇幻复古的混搭潮流品牌d'zzit。

1、法国

作为“新艺术”发源地的法国，在开始之初不久就形成了两个中心：一是首都巴黎；另一个是南斯市（Nancy）。其中巴黎的设计范围包括家具、建筑、室内、公共设施装饰、海报及其他平面设计，而后者则集中在家具设计上。1889年由桥梁工程师居斯塔夫•艾菲尔（Guistave Eiffel 1832—1923）设计的艾菲尔铁塔堪称法国“新艺术”运动的经典设计作品。这一纪念碑性质的建筑座落于塞纳河畔，是法国政府为了显示法国革命以来的成就而建造的。在700多个设计方案中，艾菲尔大胆采用金属构造设计的方案一举中标。塔高328米，由4根与地面成75度角的巨大支撑足支持着高耸入云的塔体，成抛物线形跃上蓝天。全塔共用巨型梁架1500多根、铆钉250万颗，总重量达8000吨，这一建筑象征现代科学文明和机械威力，预示着纲铁时代和新设计时代的来临。

法国“新艺术”运动时期，在巴黎和南斯，不仅出现了三个设计组织——新艺术之家、现代之家和六人集团；而且涌现了一批著名的设计家。新艺术之家由萨穆尔宾于1895年在巴黎普罗旺斯路22号开设称为新艺术之家的工作室与设计事务所而得名：“现代之家”由朱利斯迈耶一格拉斐（Julius Meier-Graefe）于1898年在巴黎开设称为“现代之家”的设计事务所和展览中心而得名。而“六人集团”则成立于1898年，是由六个设计家组成的松散设计团体。在这三个组织及周围有名的设计师还有爱米勒•加雷（Emile Galle 1846—1904）、路易•马若雷尔（Louis Major Elle，1859—1926）、勒内•拉里克（Rane Laliqua 1860～1945）欧仁•格拉塞（Eugene Grasset 1841—1917）、儒勒•舍雷（Jules chéret）、土鲁斯•劳特累克（Toulouse Lautrec 1864～1901）皮埃尔•波那尔（Pierre Bonnard 1867—1947）和埃克多•基马（Hector Guimard 1867—1942）。

爱米勒•加雷是南斯派的创始人，他在设计艺术方面的成就主要表现在玻璃设计上。他大胆探索与材料相应的各种装饰，形成了一系列流畅和不对称的造型，以及色彩丰富的精致的表面装饰。他的玻璃设计显示了对圆形的偏爱，对线条运用的娴熟技能和对花卉图案处理的高超技能。常用的图案是映现在乳色肌理上的大自然的花朵、叶子、植物枝茎、蝴蝶和其他带翼的昆虫。此外，他设计的家具也与他的玻璃设计作品一样，其装饰题材以异乡植物和昆虫形状为主，鲜花怒放和花叶缠绕构成了这些作品独特的表面装饰效果，具有象征主义的特征。他常使用细木镶嵌工艺进行装饰，使其设计的家具精美而雅致。他在家具方面最有名的设计是1904年设计的“睡蝶床”，蝴蝶身体和翅膀所使用的玻璃和珍珠母传达了薄皮肌肤，木头黑白交替图纹则再现了翅翼的斑纹。

路易•马若雷尔是南斯派的另一位代表人物。他在设计上的成就主要表现在家具铁器上。和爱米勒•加雷一样，路易•马若雷尔的作品融合了异国和传统的成分，包括新罗可可图案、日本风格和有机体形状，以及受自然启发的形状和装饰。其作品的构造和装饰表现了流畅的节奏，圆形轮廓和倾斜线条赋予作品雕塑感。在他的设计中，功能从属装饰的特点十分明显。由于马若雷尔在家具设计方面成就卓著，所以有“马若雷尔式”家具的美称。

勒内•拉里克的设计成就主要体现在珠宝方面。他的作品是娇柔豪华的法国新艺术风格的最好见证。在他的珠宝设计中，大量运用来自自然的图案装饰，其中植物和昆虫图案最为常见，并且被处理成怪异的形式。此外，他对材料的选择也极富想象，包括仿宝石、彩金、搪瓷、不规则珍珠和半透明角。女人体是拉里克设计中爱用的另一个主题。珠宝上的女人体刻划细腻，栩栩如生。如1895年他向法国艺术家沙龙送交的展品中，有一件特别迷人的蜻蜓珠宝。拉里克在这件异乎寻常的胸针中加入了一个全裸女人体作为装饰。这是第一件采用女裸体装饰的新艺术珠宝，很快成为欧洲其他国家设计师模仿的对象。

继拉里克之后，在新艺术珠宝设计方面卓有成就的当推欧仁•格拉塞。他设计的珠宝奇特，具有独创性，充满了激情、想象和梦幻。其中最有名的作品是“西尔维亚”坠饰。它采用植物图案，用无金属底珐琅和淡水珍珠制成。

新艺术运动时期，法国的海报及其他平面设计也非常出色，被设计界公认为是现代商业广告的发源地。图形大师儒勒•舍雷因在1866年把从英国学来的色彩石版技法运用到广告印刷上，使此法风靡一时而被称为现代“广告之义”。他一生设计了几百幅罗可可线条和亮色块为特征的招贴。

继舍雷之后，招贴设计迅猛发展，名家辈出，其中土鲁斯•劳特累克招贴的平块亮色，皮埃尔•波那尔招贴的粗犷字母和粗浓线条节奏，至今给人深刻的印象。土鲁斯•劳特累克设计的《快乐王后》、《简•阿伏勒》和《红磨坊》歌舞演出海报等堪称新艺术图形作品的代表。他的招贴用线条来勾勒物体与人物，选取日常生活的题材，令人感到亲切。最具独创性的，是他对人物性格的夸张，文字与图形的巧妙安排，有力的对比等。而阿尔丰斯•穆沙设计的招贴、海报因其具有强烈的新艺术运动特点：曲线、自然形式、高度装饰化、平面效果等，被誉为新艺术运动最杰出的平面设计师。据不完全统计，穆沙一生设计了近百张招贴，风格融合了多种影响，含有鲜明色块的日本高雅轮廓与来自拜占庭和摩尔人艺术的几何装饰糅合在一起。这些流露着拜占庭风格，以天使、棕榈叶和马赛克围绕的理想化女性形象为特征的招贴，将广告招贴提升到了美术品的高度（图3-9）。如他在1893年为“《JANE AVRIL》”设计的海报，就是这种风格最典型的例子。

至于埃克多•基马的作品，则体现了法国新艺术建筑的最高成就。他最重要的设计是为巴黎地下铁道系统设计的一系列入口，他在20世纪初受巴黎市政府委托，设计地铁入口，一共有100多个，这些建筑结构基本上是采用青铜和其它金属铸造成的。他充分发挥了自然主义的特点，模仿植物的结构来设计，这些入口的顶棚和栏杆都模仿植物的形状，特别是扭曲的树木枝干，缠绕的藤蔓，顶棚有意地采用海贝的形状来处理，令人叫绝！入口、栏杆、标牌、支柱和电灯构成了一幅和谐的有机体和抽象形状混合景观。

2、比利时

比利时的新艺术运动仅次于法国。主要的设计组织有1884年成立的“二十人小组”和后来由它改名的自由美学社。重要的代表人物有维克多•霍塔（Victor Horata 1867—1947）和享利•凡德•威尔德（Henry Van de Velde,1863-1957）

享利•凡德•威尔德堪称19世纪末和20世纪初叶比利时最为杰出的设计家、设计理论家和建筑家。他对于机械的肯定，对设计原则的理论，以及他的设计实践，都使他成为现代设计史上最重要的奠基人之一。他于1906年在德国魏玛建立的一所工艺美术学校，成为德国现代设计教育的初期中心，日后又成为世界著名的包豪斯设计学院。威尔德在比利时期间，一方面从事“新艺术”风格的家具、室内、染织品设计和平面设计；另一方面，作为“二十人小组”和“自由美学社”的主要领导者，领导比利时的新艺术设计运动。

比利时新艺术运动在比利时设计史上被称为先锋派运动。始于19世纪80年代。1881年，由奥克塔•毛斯（Octave Maus ）创办民主色彩浓厚的艺术刊物《现代艺术》（L’Art Moderne），宣传新艺术思想。在他的组织下，一批有志于艺术与设计改革的青年在1884年组成了一个前卫小组二十人小组（the Groupe des Vingt），他们通过举办一系列艺术展览，展示当时欧洲最前卫的艺术作品，使比利时人了解当时前卫艺术发展的状况，接触现代艺术思想。二十人小组推威尔德为他们的领袖，从1891年开始，每年举办一次设计沙龙展示各种各样的产品设计和平面设计。1894年，这个小组改名为“自由美学社”。就个人的设计而言，威尔德的设计大量采用曲线，特别是花草枝蔓，纠缠不清地组成复杂的图案。这在他们平面设计和纺织品纹样设计上反映得最为充分，抽象线条形状的运用形成了维尔德独特的形式语言，刀叉餐具、珠宝、烛架、茶壶和其他实用物品的设计都传达了他那新艺术风格的强烈节奏。他能超越对自然的直接模仿去发掘生动和抽象的线条，认为这样的线条才是自然的本质。“线条是力量”当成为“新”的装饰的基础。他于1899年设计的烛架，可以看作是这种思想的体现，它巧妙地阐述了设计师有关线条的理论，成功的将树枝线条的节奏转化为抽象排列的曲线。

维克多•霍塔是一位激进的民主主义者，主要从事建筑及室内设计，他的建筑设计具有两个明显的特征：一是注重装饰，受自然植物启发的“鞭绳”线条到处可见，在墙面装饰、门和楼梯中十分突出；二是建筑暴露式钢铁结构和玻璃面。塔赛勒公馆是霍塔早期的代表作之一。该建筑设计的基础是叶、枝、涡卷精细图案构成的起伏运动。室内遵循华丽的新艺术设计。门厅和楼梯带有彩色玻璃窗和马赛克瓷砖地板，饰有盘旋缠绕的线条图案，与熟铁栏杆的盘绕图案、柱子和柱头、脊突拱廊以及楼梯圆形轮廓相呼应，整体和谐统一。而霍塔公馆则为维克多•霍塔设计生涯的巅峰之作，新艺术建筑的里程碑。

4、西班牙

安东尼•高蒂（Andonni Gaudi，1852—1926），是西班牙新艺术运动的最重要代表。他作为一位具有独特风格的建筑师和设计家，他出身卑微，是一名普通手艺铜匠的儿子。他一生被肺炎折磨，从小就沉默寡言。17岁开始在巴塞罗纳学建筑，其设计灵感大量来自他广泛阅读的书籍。早期具有强烈的阿拉伯摩尔风格特征，也就是其设计生涯的“阿拉伯摩尔风格”阶段。在这个阶段中，他的设计不单纯复古而是采用折衷处理，把各种材料混合利用。属于这种风格的典型设计是建于1883——1888年间，位于巴塞罗那卡罗林区的文森公寓。这个设计的墙面大量采用釉面瓷砖作镶嵌装饰处理。高蒂从中年开始，在他的设计中，糅合了哥特式风格的特征，并将新艺术运动的有机形态、曲线风格发展到极致，同时又赋予其一种神秘的、传奇的隐喻色彩，在其看似漫不经心的设计中表达出复杂的感情。高蒂最富有创造性的设计是巴特洛公寓（the Casa Batllo），该公寓房屋的外形象征海洋的海生 动物的细节。整个大楼一眼望去就让人感到充满了革新味。构成一二层凸窗的骨形石框、覆盖整个外墙的彩色玻璃镶嵌及五光十色的屋顶彩砖，呈现了一种异乎寻常的连贯性，赋予大楼无限生气。公寓的窗子被设计成似乎是从墙上长出来的，造成了一种奇特的起伏效果，稍后他设计的米拉公寓（the Casa Mila）,进一步发挥了巴特洛公寓的形态，建筑物的正面被处理成一系列水平起伏的线条，这样就使得多层建筑的高垂感与表面水平起伏相映生辉。公寓不仅外部呈波浪形，内部也没有直角，包括家具在内，都尽量避免采用直线和平面。由于跨度不同，他使用的抛物线拱产生出不同高度的屋顶，形成无比惊人的屋顶景观，整座建筑好像一个融化时的冰淇淋。米拉公寓由于风格极端，引起了巴塞罗那市民的指责，报纸以各种诨名来攻击这个设计：比如蠕虫、大黄蜂的巢等（the Quarry the Pate the hornets’nest）。

在高蒂所有的设计中，在今天看来，最重要的还是他为之投入43年之久，并且至死仍未能够完成的神圣家族教堂。该教堂1881年委托高蒂设计，1884年始建，用了42年时间才建成，主要由于财力不足，多次停工。教堂的设计主要模拟中世纪哥特式建筑式样，原设计有12座尖塔，最后只完成4座。尖塔虽然保留着哥特式的韵味，但结构己简练得多，教堂内外布满钟乳石式的雕塑和装饰件，上面贴以彩色玻璃和石块，仿佛如神话中的世界一般，教堂浑身上下看不到一条直线，一点清楚的规则，弥漫着向世界的工业化风格挑战的气息。

西班牙“新艺术运动”另一位代表人物是路易•多米尼科•蒙塔尼（Louis Domenico Montaner，1850-1930）其设计风格基本上与法国、比利时的风格同步，但更重视功能的作用，代表性的设计是卡塔拉兰音乐厅。

5、奥地利

奥地利的新艺术运动是由维也纳分离派发起的。这是一个由一群先锋艺术家、建筑师和设计师组成的团体，成立于1897年，最初称为“奥地利美术协会”（the Austrian Fine Art Association）。后来，因为他们标榜与传统和正统艺术分道扬镳，故自称“分离派”。其口号是“为时代的艺术，为艺术的自由”（Der Zeit Ihre Kunst-der Kunst Ihre Freiheit）。主要代表人物有：建筑家奥托•瓦格纳（Otto Wagner 1841—1918）、约瑟夫•霍夫曼（Soseph Hoffmann 1970—1956）、约瑟夫•奥尔布里希（Sosph Oblrich 1867—1908）、科罗曼•莫塞（Koloman Moser 1868—1918）和画家居斯塔夫•克里木特（Gustav Klimit）等。

瓦格纳是奥地利新艺术的倡导者，他早期从事建筑设计，并发展形成自己的学说。他早期推崇古典主义，后来受工业技术的影响下，逐渐形成自己的新观点。其学说集中地反映在1895年出版的《现代建筑》（Moderne Architektur）一书中。他指出新结构和新材料必然导致新的设计形式的出现，建筑领域的复古主义样式是极其荒谬的，设计是为现代人服务，而不是为古典复兴而产生的。他对未来建筑的预测是非常激进的，认为未来建筑“像在古代流行的横线条，平如桌面的屋顶，极为简洁而有力的结构和材料”，这些观点非常类似于后来以“包豪斯”为代表的现代主义建筑观点。他甚至还认为现代建筑的核心是交通或者交流系统的设计，因为建筑是人类居住、工作和沟通的场所，而不仅仅是一个空洞的环绕空间。建筑应该具有这种交流、沟通、交通为中心设计考虑，以促进交流，提供方便的功能为目的，装饰也应该为此服务。他在1900——1902年设计建造的维也纳新修道院（Neustiftguss 40）40号公寓，就体现了他的“功能第一，装饰第二”的设计原则，并抛弃了“新艺术运动”风格的毫无意义的自然主义曲线，采用了简单的几何形态，以少数曲线点缀达到装饰效果。

建于1899年的马若里卡公寓大楼虽堪称瓦格纳的代表作之一，整个大楼外表装饰十分豪华，马若里卡彩砖和简洁的纵横方格形成鲜明对比。但是，只有到了他晚期的作品，才真正体现出维也纳新艺术的独特风貌，摈弃了一切多余的装饰。如建于1897——1898年的维也纳分离派总部（the Vienna Secession Building），充分采用简单的几何形体，特别是方形，加上少数表面的植物纹样装饰，使设计具有功能和装饰高度吻合的特点，与外型奇特、功能不好的高蒂设计的建筑形成鲜明对照。

约瑟夫•奥尔布里希和约瑟夫•霍夫曼是瓦格纳的学生，他们继承了瓦格纳的建筑新观念。奥尔布里希为维也纳分离派举行年展设计的分离派之屋，以其几何形的结构和极少数的装饰概括了分离派的基本特征。交替的立方体和球体构成了建筑物的主旋律，如同纪念碑一般简洁。

与奥尔布里希相比，霍夫曼在新艺术运动中取得的成就更大，甚至超过了他的老师瓦格纳。他于1903年发起成立了维也纳生产同盟（Wiener Werksttate），这是一个近似于英国工艺美术运动时期莫里斯设计事务所的手工艺工厂，在生产家具、金属制品和装饰品的同时，还出版了杂志《神圣》，宣传自己的设计和艺术思想。霍夫曼一生在建筑设计、平面设计、家具设计、室内设计、金属器皿设计方面作出了巨大的成就。在他的建筑设计中，装饰的简洁性十分突出。由于他偏爱方形和立体形，所以在他的许多室内设计如墙壁、隔板、窗子、地毯和家具中，家具本身被处理成岩石般的立体（图3-18）。在他的平面设计中，图形设计的形体如螺旋体和黑白方形的重复十分醒目，其装饰手法的基本要素是并置的几何形状、直线条和黑白对比色调。这种黑白方格图形的装饰手法为霍夫曼所始创，被学术界戏称为“方格霍夫曼”（图3-19）。

画家出身的克里木特是“维也纳分离派”中最重要的艺术家，在绘画风格上同样采用大量简单的几何图形为基本构图，采用非常绚丽的金属色，如金色、银色、古铜色，加上其他明快的颜色，创造出非常具有装饰性的绘画作品，在当时画坛引起很大的震动。他为建筑设计的壁画，采用陶瓷镶嵌技术，利用其娴熟的绘画技巧，为设计增添了许多魅力。

维也纳分离派另一代表人物莫塞，虽以绘画久长，但与分离派设计家们的合作十分密切。他们装饰绘画风格简单明快，与克里木特的绘画风格形成鲜明对照，趋向于用单色或黑白颜色进行设计。如1898年他为维也纳分离派设计的展览海报，就是新艺术运动的典型作品。

6、英国

作为一种设计运动，英国的新艺术设计活动主要限于苏格兰。因此，它在英国的影响远远不及“工艺美术运动”。在这场影响有限的设计运动中，取得了比较大的成就的是格拉斯哥四人团（Glasgon Four）：查尔斯•雷尼•麦金托希（Charles Rennie Mackimtosh，1868—1928）、赫伯特•麦克内尔（Herbert Mcnair1868—1953）、马格蕾特•麦克唐纳（Margaret Mcdonald,1865—1933）、法朗西丝•麦克唐纳（Frances Mcdonald,1874—1921）。在19世纪90年代至20世纪初，他们在建筑、室内、家具、玻璃和金属器皿等的设计方面形成了独一无二的苏格兰新艺术表现，即柔软的曲线和坚硬高雅的竖线交替运动的新表现，亦即设计史界所习称的“直线风格”。

麦金托希不仅是“格拉斯哥四人团”的领袖人物，而且其设计集中地体现了“直线风格”。他于1868年6月7日出生于格拉斯哥，家庭有11个孩子，儿童时代十分幸福，很早就决心要从事建筑。虽然父母反对，但他在16岁时就离开家庭外出学习绘画、建筑并参与设计。他的设计领域非常广泛，涉及到建筑、家具、室内、灯具、玻璃器皿、地毯、壁挂等，同时，他在绘画艺术方面也造诣甚高。他的设计风格的形成，在很大程度上受到日本浮世绘的影响。从他很小的时候起，他就对日本浮世绘线条的使用非常感兴趣，特别是日本传统艺术中简单的直线，利用不同的编排和布局，取得非常富有装饰性的效果。当然，他的设计风格也源于英国的工艺美术运动的成果，特别是以威廉•莫里斯、约翰•拉斯金等人为首的各种试验的发展，另外还有欧洲其它国家“新艺术”运动，特别是被视为现代主义前奏的一些人物，如维也纳分离派运动等的影响。

麦金托希作为一个全面的杰出的设计家，在建筑设计方面成就尤大。他早期的建筑设计一方面受到英国传统建筑的影响，而另一方面则倾向于采用简单的纵横直线。他最成功的建筑设计是格拉斯哥艺术学院的一些建筑，设计上采用简单的立体几何形式，内部稍加装饰，非常富有立体主义精神。室内大量采用木料结构，简单的几何形式，内外协调，形成一种统一的风格。为了达到高度统一的设计风格，他还统一设计建筑内部的家具和用品，家具采用原色，注重纵向线条的运用，利用直线搭配进行装饰，尽管避免过多的装饰。如格拉斯哥艺术学院图书馆的设计，没有流畅的装饰线条，而是抽象而富有力量的几何造型，给人的印象如同抽象形式合奏的复调音乐。又如1902年他为希尔大楼所设计的室内，其简洁的立体图形与地板的同类图形相呼应，并且将这种基调延伸到长方形门框、天花板、墙板和几何形灯具，简洁的格子形主宰室内，汇成简洁而空旷的整体效果。再如在家具设计方面，像椅子、柜子、床等都别具特色，特别是他设计的靠背椅，完全采用黑色的造型，非常夸张，完全摆脱了一切传统形式的束缚，也超越了对任何自然形态的模仿。

从大量的作品来看，以麦金托希为代表的格拉斯哥设计风格，集中地反映在装饰内容和手法的运用上。具体而言，表面装饰遵循严格的线条图案——主要是常常以卵形告终的微曲竖线——以及格子和风格化的玫瑰形；配色柔和，主要限于淡橄榄色、淡紫色、乳白色、灰色和银白色构成的清淡优美的色彩；拉长的女子沉思形姿在他们的设计中也十分突出；装饰线条虽超起于稳定，但其视觉效果也不会变化，大多数表面图案抽象复杂，象征形态点缀其间，这些象征形态与大部分新艺术设计一样，沟通自然；曲弯的竖线与卵形和细胞形图案相同，风格化的叶子和玫瑰花苞赋予作品一种持续增长的活力情调。

7、美国

在应用美术领域中，受新艺术运动影响的著名设计师是威尔•布拉德利（Will HBradley,1868～1962），他堪称新艺术图形设计代表。布拉德利最初是以比尔兹利的线条风格从事设计，可以说比尔兹利的作品对布拉德利的图形设计风格构成了决定性的影响。关于这种影响，我们从他的1895年设计的招贴《CHAPBOOK》，以及被评论家视为“美国的第一张新艺术招贴”的《孪生姐妹》，可以明显地看出拥有比尔兹利图形风格中的那种曲发装饰图案和平面图案背景。

布拉德利1894年的作品反映了英国工艺美术运动设计师的纯装饰化和高度“道德化”的手法，如为《故事书》设计的封面。但是，在随后的设计生涯中，他也总结出了一些新的技法，像以重复线条图案而非仅仅靠黑白对比来建立纹理色调区，黑白被用来衬托彩色和装饰线条。他所总结出来的这些新技法及其他的个人设计风格，集中地反映在他为R•D•布莱克默的美国版《叙事诗》所绘的插图中，以及1895、1896、1905年先后为《国内印刷》设计的封面、为爱德蒙•斯潘瑟的《喜欢》所作的插图和《维克多•比西克里》海报设计中。

路易斯•康夫特•蒂夫尼（Louis Comfort Tiffany,1848—1933）是工艺美术设计领域中的代表人物。

蒂夫尼主要从事日用器皿的设计，尤其擅长于玻璃设计。 在新艺术运动没有影响到美国之前，蒂夫尼进行玻璃设计的原型主要来源于欧洲，但在19世纪最后十年里，他的作品成为欧洲玻璃设计的模式。

蒂夫尼在玻璃设计领域所取得的成就是独一无二的，他不仅设计了19世纪90年代后期美国社会最具流行时尚的台灯——彩绘玻璃台灯，而且在19世纪末20世纪初推出了著名的“法夫赖尔”花瓶系列。其中前者的设计中，色彩丰富的玻璃造型灯具使白炽灯泡刺眼的灯光变得极其柔和。青铜的底座是树根和树杆，不规则的造型上面悬挂装饰着百合花、荷花或紫藤花的彩绘玻璃灯罩，具有一种自然而浪漫的情调，而后者的设计，引进了新的色彩效果，大部分是彩虹色，模仿古代风化玻璃器具，有时叠盖风格化的花朵、孔雀羽毛和梳子波纹图案以增强色彩效果。

在建筑设计领域，本来在新艺术运动传入美国以前，美国已形成了著名的“芝加哥学派”，这个学派主张建筑功能第一，“形式永远服从功能的需要，这是不变的法则”，“功能不变，形式也不变”。其代表人物有建筑师伯纳姆（Beruhem）、詹尼（Jenney）、艾德勒（Adler）霍拉伯特（Holabird）和路易斯•沙利文（Louis Sullivan,1856&1924）等。通过这些建筑师的工作，从芝加哥开始，美国兴起了建造摩天大楼的热潮。

路易斯•沙利文是芝加哥学派最重要的代表人物，他对美国新艺术建筑作出了前无古人的巨大贡献。他在14年中设计了一百多幢摩天大楼，分布在纽约、密苏里、芝加哥等地。他早期的建筑作品表达了将罗马风格建筑语言加于现代形式的愿望。他所设计的礼堂大厦在粗琢的下部楼层上方建有的连拱廊围住窗子。而在建筑的内部，沙利文已开始运用花卉装饰。沙利文最杰出的建筑设计作品是卡森皮里斯科公司商场设计，商场的简洁处理，使该设计成为20世纪无数办工与商业建筑的基本原形。主入口上方及周围布满奢华的新艺术风格的铸铁装饰，这也许是沙利文最杰出的建筑装饰。商场最下面两层是商店，上面十层为办公楼，在钢铁架上挂满白色的陶砖，并有成排的大窗户，充分体现了他“形式服从功能”的现代建筑思想。特别值得一提的还有沙利文和艾德勒合作设计的“芝加哥大剧院”，沙利文通过使用可折叠的天花板护墙和垂直的屏障，用许多悬吊的圆形弧圈把声音从舞台传向剧院后面的观众，使能容纳3000人的剧院达到了完美的音响效果。而在建筑的外部，沙利文改变了剧院的立面材料，在下面三层使用质朴的花岗岩石块，在四层以上使用沙岩，从而强调了建筑墙的垂直感。

继沙利文之后，曾经在沙利文建筑事务所工作过的费兰克•赖特（Frank Lloyd Wright,1869—1959），进一步发展了沙利文的新艺术建筑思想，其中主要表现在对新材料的选用及考虑建筑与环境协调方面，他提出了著名的“有机建筑”概念。赖特被视为现代最伟大的建筑师之一。他的建筑设计在19世纪90年代表现出强烈的表面装饰倾向，如1894年他为麦克艾菲住宅所作的设计就是一个典型例子。从1895年开始，赖特在建筑铁饰设计中融入了高雅的垂直和曲线形。至1904年，这些装饰作品对垂线和表面图案的运用已具赖特个人风格。

　　罗马从一个默默无闻的小城邦，逐渐发展成控制整个亚平宁半岛的罗马共和国，最后扩展为统治整个地中海地区，地跨亚、非、欧三大洲的罗马帝国。东起小亚细亚和叙利亚，西到西班牙和不列颠，北包括高卢，南至埃及和北非，罗马帝国一直延宕至公元15世纪，这期间，分化、整合；整合、分化，直到拜占庭王朝——东罗马帝国消亡，整整进行了一千余年。这样一个多民族、大一统的帝国，又有着上千年的演化历史，反映在文化与艺术上，必然是多民族文化与艺术的融合。

　　古罗马文化是在伊达拉里亚人和希腊人的强烈影响下发展起来的，古罗马文化与艺术，主要繁荣于共和末期和帝国时期，古老的意大利土著文化，深受伊达拉里亚文化的影响。伊达拉里亚人早在公元前8—3世纪，就创造了拱券建筑和具有东方风格的装饰壁画，以及有力而写实的雕刻，这些对古罗马艺术具有强有力的影响。古罗马人虽然征服了古希腊，但在文化上却被古希腊人征服。古罗马人是古希腊艺术的崇拜者和摹仿者。古希腊艺术对古罗马产生了重大影响，但是由于不同的社会环境和民族特点，古罗马艺术也有其不同于古希腊艺术的独特之处。相比之下，罗马人的艺术更倾向于实用主义，在内容上多为享乐性的世俗生活，在形式上追求宏伟壮丽，在人物表现上强调个性。古罗马文化与艺术的突出成就，主要反映在建筑、壁画、肖像雕刻方面。

　　一、罗马时期建筑风格特征

　　古罗马建筑是古罗马人沿习亚平宁半岛上伊特鲁里亚人的建筑技术， 继承古希腊建筑成就，在建筑形制、技术和艺术方面广泛创新的一种建筑风格。 古罗马建筑在公元1～3世纪为极盛时期，达到西方古代建筑的高峰。

　　古罗马建筑的类型很多。有罗马万神庙、维纳斯和罗马庙 ，以及巴尔贝克太阳神庙等宗教建筑，也有皇宫、剧场角斗场、浴场以及广场和巴西利卡(长方形会堂)等公共建筑。居住建筑有内庭式住宅、内庭式与围柱式院相结合的住宅，还有四、五层公寓式住宅。

　　古罗马的建筑最辉煌、最有艺术价值的则是为经济服务或为人的生活（物质、精神）服务的建筑，古罗马世俗建筑的形制相当成熟，与功能结合得很好；如广场、道路、桥梁、高架输水道、隧道、剧场、竞技场、浴场、住宅和别墅等等。这些建筑几乎全是直接为人的物质生活或精神享受服务的。在艺术风格方面，它们也追求和谐，追求完美，追求崇高，但已不是一种“神圣”的和谐、完美、崇高了，而是现实人生的一种“合 宜”，是经济繁荣，和平安定，和追求现实刺激的“崇高”，有的“崇高”还直接与某种“悲剧”情绪相联系，如著名的古罗马斗兽场，它那完美、和谐、崇高的造型，因与其功能性的悲剧意味相联系着，是沐浴着奴隶血泪的一种崇高，所以，使这种崇高、完美，更具有了世俗性，它能让人赞叹、使人振奋，但难以产生像希腊神庙的那种“神圣”感。这可以说是古罗马建筑风格中的和谐、完美、崇高与古希腊建筑风格的最大区别。至于另一些世俗的建筑，如卡拉卡拉浴场，它那和谐、完美而又雄伟的风格，也主要来自于世俗的情感，而不是来自理想主义的神圣意识。

　　在具体建筑的造型风格方面，古罗马的建筑也是既继承了古希腊建筑的造型风格，又革新、发展了它。如古罗马大斗兽场的外部立面，特别是高4层的外部立面，就是古希腊柱式构图的复写，它的底层是多立克柱式，第二层是爱奥尼克柱式，第三层则是科林斯柱式，在顶层则围绕着壁柱。但是，古希腊的这种柱式，在古罗马的这座杰作中已不再像在古希腊建筑中那样起结构作用了，它已蜕变成了一种单纯的装饰，真正起结构作用的部件是隐藏于墙壁之中的结构体。同时，在屋顶造型方面，古罗马人更是极大地革新了古希腊建筑的造型方式，将古希腊习用的梁柱结构，代之以一种更为有效的拱券支撑方法，从而在屋顶造型方面，出现了在古希腊建筑中很难见到的“穹拱”屋顶。正是这种“穹拱”屋顶，成为了古罗马建筑，特别是房屋类建筑与古希腊房屋类建筑最明显的区别。这种拱券结构因经济、实用，且审美效果也很好，故不仅应用于神庙、宫殿等特殊建筑，而且扩展到日常生活的一切领域，如道路、桥梁、输水道、港口、剧场、住宅、仓库和下水道等。从而使许多雄伟建筑在表现和谐、完美、崇高的同时，具有了一种明显的“圆”味。但同时，古罗马的建筑又在造型方面有意识地借鉴和继承了古希腊建筑造型的一般特点，特别是柱廊的使用，常常鲜明地表现出古罗马建筑与古希腊建筑的承继关系。例如古罗马的潘泰翁神庙（又称万神庙），它的主体部分是一个带穹顶的巨大的混凝土圆桶，这种以“圆”为主的风格，是典型的古罗马建筑的特点，而在它的大门入口处，又靠着一个典型的古希腊的柱廊，柱廊由八根科林斯柱式组成，它的上面则是一处三角形的山尖。整个建筑活脱脱地显示着古罗马建筑继承与创新的形象。

　　古罗马建筑的木结构技术已有相当水平，能够区别桁架的拉杆和压杆。罗马城图拉真巴西利卡，木桁架的跨度达到25米。公元一世纪建造的罗马大角斗场，可容 五万观众，只用了5～6年时间就建成了。它建在一个填没的湖上，但地基竟没有明显的沉陷。

　　古罗马建筑艺术成就很高，大型建筑物 的风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。

　　其中比较重要的是：新创了拱券覆盖下的内部空间，有庄严的万神庙的单一空间，有层次多、变化大的皇家浴场的序列式组合空间，还有巴西利卡的单向纵深空间。有些建筑物内部空间艺术处理的重要性超过了外部体形。

　　发展了古希腊柱式的构图，使之更有适应性。最有意义的是创造出柱式同拱券的组合，如券柱式和连续券，既作结构，又作装饰。帝国各地的凯旋门大多是券柱式构图。出现了由各种弧线组成的平面、采用拱券结构的集中式建筑物。公元2世纪上半叶建于罗马郊外的哈德良离宫，是成熟的实例。

　　公元四世纪下半叶起，古罗马建筑潮趋衰落。 十五世纪后，经过文艺复兴、古典主义。古典复兴以及十九世纪初期，法国的“帝国风格”的提倡，古罗马建筑在欧洲重新成为学习的范例。这种现象一直持续到二十世纪20～30年代。

　　二、古罗马卓越的肖像雕刻和装饰艺术

　　罗马人在肖像雕刻方面取得了卓越的成绩。罗马人从很早期就有祖先崇拜的风俗，他们为死者作雕像，收藏在家里。在举行新的葬礼时，再把所有的祖先肖像搬出来参加仪式。所以罗马人早期的肖像雕刻以自然主义的逼真为特点，艺术水品不高。

　　共和国末期，罗马征服了希腊，希腊雕刻艺术对罗马产生了不可抗拒的影响。罗马肖像开始走向形式的多样化、艺术性的概括和表情的生动。为数众多的《奥古斯都像》是受希腊理想化风格影响的典型例子。雕刻家把矮小跛脚、体弱多病的奥古斯都表现成高大健美的统帅，具有运动员一般的体期和英雄期概。他的脸庞也在形似的基础上理想化了，接近希腊雕刻一般的完美。几十座肖像都无一例外的美化，有的将他塑造成战神，有的将他塑造成英雄或美少年。

　　罗马帝国时期，肖像雕刻中写实风格流行，出现了具有强烈的个性和复杂的内心世界描写的肖像。《卡拉卡拉像》表现了一个凶狠紧张而又冷酷无情的暴君面孔，紧皱的眉头和空虚的眼神中流露出不安的心情，扭转的头部强调了紧张和暴戾的性格。《马可•奥勒留骑马像》是一个具有斯多噶哲学思想的君主肖像。他的脸部带有哲理性的思索，具有颓废、消极、静观的色彩。因为这一明显的特点符合基督教的学说，这座青铜像在中世纪得以保存下来。它对以后的意大利文艺复兴时期雕刻家产生了重要影响。

　　帝国晚期，在极度的政治、经济矛盾不安中，肖像雕刻风格走向更为写实的道路，出现了大量各种不同的面孔：凶恶的、狡诈的、粗鲁的、惊惶不安的……体现出罗马人这时候的典型性格是：外表形象的粗鲁、内在精神的高度紧张。

　　罗马浮雕具有记事、写实的特征，其最突出的代表作是图拉真纪念柱浮雕。它详尽地叙述了图拉真皇帝亲自率军征服达契亚人的全过程。这些事件和情节是当作史实来记载的，不论是人物服装还是征服城市的过程都具有历史的真实性。在这两千多人物的长卷式浮雕中，艺术家采用了散点透视手法，出色地处理了情节繁琐、层次复杂、人物众多的构图。

　　罗马的公室及富豪之家，拥有成百的艺术品及其他的装饰品。地板常常是杂色的大理石，家具都有非常优异的设计及工艺技巧，桌子、椅子、凳子都由耐久性的物质制成，装饰极为豪华。木料、象牙、大理石、银、铜及金等材料都经过非常细密的加工及磨制，铜制的火盆暖着屋子，青铜吊灯则照亮了房间，镜子也是铜的，浮雕或镌刻着花式或神话的图案，有时制成横或直的凹形或凸形，把反射出来的人形改变成可笑的瘦长或胖圆形。

　　银器用品在中层以上家庭中已经是很普遍了。1895年，考古学家在一座别墅的水池中发现了数量可观的银器收藏品，显然是有人在公元79年躲避维苏威（Vesuvius）火山爆发时把它们储藏在那里的。其中16只银杯中，有一只还看出一个几近完美的单叶（Simple foliage）图样，有两只表示着高浮雕的骨架，另1只上面的图画是奥古斯都在战神及爱神之间加冕登基，表示两者都是人类的敌神；最可笑的是斯多喝派的鼻祖芝诺，讥讽地指着伊壁鸠鲁，后者正津津有味地吃着一在块蛋糕，同时有一只猪，前足立起，彬彬有礼地想讨取一份。

　　在那个时代，至少在一只手指上戴1枚戒指是社交所必需的，少数的花花公子每只手指都戴戒指，而不只戴一枚戒指，这些戒指都用从非洲及阿拉伯、印度输入的宝石雕刻而成的。罗马人用戒指做私人的印章，他们喜欢使印章有独特的设计，因此当时玉石的雕刻已达到一种难以企及的程度。

　　同时，各式各样的陶瓷艺术品也充斥意大利的家庭。这时制造艺术玻璃的技术也达到了很高的程度，在庞贝遗址发现的"蓝玻璃花瓶"，描绘出酒神在为葡萄成熟而开的庆祝宴会上的优美活动。提比略在位时，吹玻璃的艺术也传入了罗马，很快便制造出了杂色的小玻璃药瓶、杯子、碗及其他精美的制品，并使它们一度成为艺术收藏家及百万富翁们心爱的"猎物"，尼禄在位时，曾付出6000银币买了2个小的吹玻璃杯。从亚洲及非洲输入的"萤石"花瓶的价格则更昂贵。奥古斯都虽然把埃及女王克娄巴特拉的金盘子熔化掉，但是却把她那萤石玻璃制成的杯子珍藏了起来。尼禄则为那样一个杯子付出了100万银币。总而言之，罗马人在制玻璃方面至今举世无双。

　　古罗马的装饰与雕刻的美学追求在于求真美，这同古希腊的宁静、理想化的完美迥然不同，这种特征趋向于个人意志的创造，表现出敢于参与世事争胜的气概。

　　三、古罗马的壁画艺术风格特征

　　罗马时期的绘画主要包括镶嵌画和壁画。早期绘画多记载具体历史事件，用来装饰公共场所和住宅，这种叙事性绘画保存下来的很少。公元79年，由于维苏威火山爆发，火山灰埋没了庞贝等三个意大利城市。18世纪庞贝城被发掘出来，其中保留了大量壁画，根据这些壁画，罗马壁画被划分为第一、二、三、四庞贝风格。第一风格即用色彩涂绘建筑细部；第二风格是直接在墙上描绘建筑细节，用透视造成更宽敞的空间幻觉，并穿插以情节性绘画，《密祭》就属于这一风格；第三风格强调墙的平面性，并绘以精致的静物；第四风格将透视效果。

　　古代的游客在罗马的寺院、住宅、回廊及剧场中，发现的绘画甚至比雕塑更为普遍。当然，这时的绘画艺术只局限在壁画等方面。由于维苏威火山的喷发，才为我们在庞贝留下了大约3500幅壁画。有一幅壁画，画着狄奥尼修斯突然袭击安睡中的阿里娅德涅（Ariadne）；另一幅画着赫尔墨斯安静地望着火神被绑在苦刑轮子上；还有一连串的幽默壁画，画着无忧无虑的丘比特，滑稽地模仿着庞贝的工业。这些人形画得栩栩如生，人体的色彩至善至美。

　　艺术鉴定家如果要了解古代意大利绘画艺术的性质，划分它的时期与风格，都要去参考庞贝时期的绘画。

　　有一个时期，罗马的壁画是模拟一栋建筑，或者画它的正面，或者画它的柱子，人们看见的柱子仿佛是从里面向外看的，空旷的乡野被画在柱子与柱子之间。用这种方法，艺术家使人有置身于一个没有窗子的房间的感觉，室外是凉爽的树木与花卉、原野与溪流、驯良的动物。居民只要在屋里对着墙看，便可想像到身处于一处花园之中，可以垂钓、泛舟、狩猎或养鸟，乐在其中，而不受季节的限制，这也从另一个方面说明了罗马绘画艺术的水平。

　　例如古罗马：庞贝壁画风情款款，古罗马庞贝城的建筑墙面，在各个时期使用的是不同的材料。多数建筑物是在公元前1世纪至公元1世纪时期内建造的。其时，在墙上制作壁画前，须涂刷多层灰泥。涂灰泥是一道重要工序，一般在豪富宅第，墙上的灰泥有十层之多，灰泥中还掺有捣碎的砖末。

　　我们可以从一些庞贝壁画上看到这种建筑工匠在墙上涂灰泥的情景：工匠们先在灰泥上勾出轮廓(出土的几幅壁画，有的仅打出轮廓，未来得及上画稿)，然后上色。所用的颜料大多采用意大利本土的矿物质，如朱砂、赭石、锡埃纳土黄、碎淳岩等，用生石灰作粘合剂(生石灰易溶于水，从空气中吸收碳酸气，变成不溶解的碳酸钙，使颜料成分得以粘固)。学者们还发现壁画家常采用有机物作颜料，如蛋黄、蛋白、乳浆等(乳浆可用于粘合庞贝蓝或称玻璃蓝、深黑等色)。

　　这里的一幅《珀耳修斯与安德洛墨达》，所用的颜色就十分鲜艳，它出土于庞贝城，据考证，发现是从公元前4世纪尼基壁画复制下来的，故属于公元1世纪。现归意大利那不勒斯国家博物馆收藏。

　　《珀耳修斯与安德洛墨达》这一题材也出自希腊神话：埃塞俄比亚国王的女儿安德洛墨达，被吃人的海怪挟持，并说这是执行神的指示。英雄珀耳修斯在归途中经过巨岩上空，发现巨岩上锁着安德洛墨达，便下去杀死了海怪，救出了美人，并娶安德洛墨达为妻。壁画描写的正是英雄救出美人的时刻。珀耳修斯一手提着海怪的首级，一手扶起美人要离开巨岩。

　　当年与庞贝城同时毁灭的另一古城赫库兰尼姆，经发掘也藏有许多精湛的壁画。这些壁画都以希腊神话为题材。尽管还带有一定程度的摹仿希腊绘画的特色，但从人物的造型与衣服的褶纹表现看，这位画家有着娴熟的绘画技巧，明暗浓淡与色泽的变化，在庞贝的壁画遗迹中是属于高明的。有的学者说它是希腊壁画的摹制品，可能是指形象的特征。我们觉得如此流畅的艺术表现，应该说，摹制者至少在艺术修养上不比古希腊壁画家差，相反，倒是比前者更懂得画理一些。

　　欧洲文艺复兴运动, 象达·芬奇的`蒙娜丽莎`,米开朗琪罗的雕塑`摩西`,拉斐尔的`圣母子`,这都是历史上不朽的绘画及雕塑作品,这三位大侠也被后人称为意大利文艺复兴时期的三杰。

　　他们的辉煌成就，不仅对欧洲而且对全世界后来艺术的发展产生了深远的影响。

　　那么就在文艺复兴期间，为了区分中世纪时期(5-15世纪)的艺术风格，歌特（gotic）出现了，

　　15世纪中意大利人有了振兴古罗马文化的念头因而掀起了灿烂的文艺复兴运动，由于意大利人对於哥特族摧毁罗马帝国的这段历史情仇始终难以忘怀，

　　因此为了与这段时期有所区分，他们便将中世纪时期的艺术风格称为歌特（gothic）

　　对他们而言即意味着野蛮。虽然歌特（gothic）这个词中带有贬义，但在中世纪（歌特）时期，许多伟大的艺术作品都是在这个时**育出的

　　这点似乎15世纪的意大利人也是不能否认的。其中最有名的当算是法国巴黎的圣母院大教堂(Notre Dame)。

　　当然，哥特式风格也不仅止於建，诸如雕刻、玻璃制品、装饰品和彩缯图稿等等，都深受影响，

　　这类艺术创作从12世纪中到16世纪初一直绵延不断。同样宗教在哥特艺术上扮演着极重要的角色，

　　不论是画家或雕刻家，在他们的作品上都喜爱以宗教为题，对於写实的题材则不甚感兴趣。

　　从字面上理解歌特基本上有三种意义，

　　其一表示哥特式风格的建筑，如大教堂(cathedral)，其最大的特色就是高大的梁柱和尖拱形的天花板与结构；

　　其二，在文学上哥特是用以形容那些以黑暗寂寞地点(如荒废城堡)为背景的奇异、神之冒险故事；

　　其三，哥特也代表一种字体相当华丽的印刷或书写风格。

　　哥特文化作为一场现代文化运动，开始于七十年代末期朋克（PUNK）摇滚的音乐浪潮，

　　当后者渐渐退去的时候，哥特文化作为一种边缘的亚文化幸存了下来。

　　哥特文化是作为一种独特的中世纪复古风格的音乐、艺术和文学的文化范畴

　　在音乐上它承袭了七十年代欧美朋克（PUNK）摇滚的音乐风格

　　在艺术上表现为一种对十二到十六世纪西欧的哥特式建筑风格的强烈复古倾向

　　在文学上演变为那种隐郁和怪诞的神秘黑暗文学

　　哥特文化实际上倾向于那种非暴力的、和平主义的、被动的、宽忍的生活态度。

　　但在许多媒体中却将它错误地理解为那种极端暴力的，仇视少数民族的和白人至上主义的边缘文化。

　　哥特文化总是表现出一种孤僻疏离的，阴沉的精神气质，它总是去探讨那些引人深思的社会问题，种族歧视、战争、以及仇恨。

　　精神上对死亡的迷恋，驱使哥特文化不停地试图去找寻对生活、痛苦和死亡的另外一种思考。