音乐史上称为“浪漫主义音乐”是在什么时期？

音乐史上称19世纪初至19世纪末的欧洲音乐为“浪漫主义音乐”或“浪漫乐派”。实际是一个对此时期音乐艺术的总的称谓，不可说这一百年来就是浪漫主义一种风格，也不可说浪漫主义音乐就断然与古典主义音乐脱离了关系。只不过是在这一时期，浪漫主义在音乐艺术中占据了主要地位而已。浪漫主义音乐是在当时欧洲浪漫主义文艺思潮的影响下的产物。一般说是从1820年韦伯(1786~1826)的歌剧《自由射手》开始，由于《自由射手》充分地体现了浪漫主义的特征，除韦伯外，又有舒伯特、门德尔松、舒曼等作曲家及其具有浪漫主义气质的作品的出现，遂在浪漫主义文学的中心地德国形成一个流派，后又波及全欧。与此并行不悖而发展的还有民族主义的音乐。

浪漫主义音乐是对古典主义的一种逆动。与古典主义相对而言，是从共性到个性的重点转移，是从理性到感性(情感)的转移。舒曼认为的“浪漫主义不是数字和形式的问题，而是作曲家是否是诗人的问题”是对浪漫主义音乐一种概括。浪漫主义音乐强调与人的心灵的相通，倡导音乐与其他文学艺术的结合而产生最富表现力的综合艺术。因此，确立了音乐小品、交响诗和乐剧等新的音乐体裁，既有小型的曲式，又有无比硕大、无比壮观的大型曲式。这一时期，音乐的商品化，从总的趋势上看是一种民主化的倾向，即为各阶级人民普遍接受，也成为作曲家、演奏家和评论家接近社会的强大动力。伯姆(1794~1881)键(管乐器的按键装置)的发明，记谱法的完善，更多的市民进入音乐厅等等，也促进了当时音乐的发展。

古典乐派时期： 古典乐派时期是西洋音乐史上最短的一个时期，时间是从一七五○年～一八二○年。　古典音乐的发展，在巴哈时代一过去，便进入了「古典乐派时期」，所以古典乐派时期就以巴哈逝世的一七五○年那一年做为起点。此外，因为贝多芬晚期的作品显示出浪漫式的倾向，所以古典乐派就以一八二○年做为终点（贝多芬逝世于一八二七年）。不过需要说明的是，虽然巴洛克与古典时期是以一七五○年为分界点，但是古典风格的形式，不像文艺复兴至巴洛克时期，以一六○○年为分界点那么清楚，一般来说，从一七四○年～一七七○年左右是古典风格形成的一个过渡时期。　「古典乐派」这个名称，当然也是后人研究这个时期的音乐风格后才订出来的。既然用了「古典」这两个字，那么这个时期的音乐所给予人们的感觉一定是「高尚」、「典雅」的罗！一点都没错，古典乐派时期的音乐，与之前的巴洛克时期以及之后的浪漫乐派时期相比较，的确予人相当明显的差异。古典乐派的音乐通常都给聆听者一种单纯、明朗、优美、均衡的印象，这和巴洛克时期音乐华丽而且乐风复杂，以及浪漫时期音乐强调作曲家个人情感的宣泄，是很不一样的（当然并不是所有古典时期的音乐作品都不包含个人情绪，只是在程度上相较于浪漫时期是轻微多了）。造成这种情形的主要原因是古典乐派的作曲家，受到了当时文学上古典主义精神的影响，所追求的是一种乐曲形式上客观的美感，所以古典乐派的音乐大都有着统一而且规律的性格。　归纳古典乐派时期的音乐表现，该时期的音乐有以下几项特色：　1数字低音的舍弃不用：前一节我们才提到「数字低音」的使用是巴洛克音乐的特色之一，然而巴洛克时期一结束，数字低音这个名词也跟着走入历史。到了古典时期复音音乐已经鲜少为人采用，这时几乎已是主调音乐的天下了，主调音乐的乐曲通常是由一个声部来担任主旋律，而由其他声部来担任伴奏。在古典时期，作曲家们对于和声伴奏的部份，已不再像巴洛克时期是用数字来表示，然后再由数字低音的演奏者来即兴发挥。这时期的作曲家对于曲调的和声部份皆已整写出，并且安排各种乐器来担任，以增加不同音色的变化。　2乐句「渐强」与「渐弱」表现法的使用：今天一般人可能对于乐句渐强与渐弱的表现方式已习以为常，认为这是理所当然的事，但是这儿我们必须说明的是，这种表现方式是从古典时期才开始的。在复音音乐的时代，由于复音音乐着重的是每一个声部地位均相同，各声部必须保持均衡，所以不容易有强弱差别很大的表现。即使是巴洛克时期的主调音乐，虽然也强调独奏部与伴奏部之间力度上的强弱交替，以产生乐曲明暗的变化，但是巴洛克时期乐句强弱的对比，是以明晰的台阶式表现的，当时的人还没有将乐句塑造成「渐强」或「渐弱」的概念，所以说乐句渐强与渐弱的表现手法，是从古典时期才确立的。　3奏鸣曲式的确立：奏鸣曲这个名词在古典时期以前即已出现，但是最初的奏鸣曲不管在形式或含义上均模糊不清，当时这个名称主要是用在器乐曲上，目的只是要与声乐曲做个区别。但是到了古典时期，奏鸣曲经由D‧史卡接第、巴哈的儿子K‧P‧E‧巴哈以及史他密兹等作曲家的努力，逐渐确立成一种乐曲形式，然后再由海顿、莫札特和贝多芬等人将之发扬光大。 浪漫乐派时期 (The Romantic Era)：西元1820年∼1910年 在十八世纪末，发生法国大革命，震撼了整个欧洲，中产阶级抬头，贵族、教会组织的没落，自由、平等、博爱的提倡，改变了社会、改变了文化，浪漫主义成为新的一股潮流，在这不到一百年的期间，音乐人才备出，创作出更多样式的曲风。 浪漫时期乐派的音乐家改变了旧有的形式与规则，为了能更加表现他们的情感。浪漫乐派有几个特点：标题音乐的确立、交响诗的开创、国民乐派兴起、再加上乐器更加精良(1830年代，由贝姆改良管乐器)，管弦乐编制一步步扩编，造就这一个璀璨的浪漫乐派。 在这个年代的作曲家音乐家太多了，有： 小提琴鬼才─帕格尼尼(Nicolo Paganini 1782∼1840)、 德国浪漫歌剧作曲家─韦伯(Carl Maria von Weber 1786∼1826)、 歌曲之王─舒伯特(Franz Schubert 1797∼1828)、 义大利歌剧家─罗西尼(Gioachino Antonio Rossini 1792∼1868)、 推展标题音乐的法国作曲家─白辽士(Hector Berlioz 1803∼1869)、 最幸福的音乐家─孟德尔颂(Felix Mendelssohn1809∼1847)、 钢琴诗人─萧邦(Fryderyk Chopin 1810∼1849)、 夫唱妇随音乐家庭─舒曼(Robert Schumann 1810∼1856)以及克拉拉(Clara Wieck Schumann)、 开创交响诗的李斯特(Ferencz Liszt 1811∼1886)、 开创乐剧的华格纳(Richard Wagner 1813∼1883)、 义大利歌剧巨匠─威尔第(Giuseppe Verdi 1813∼1901)、 强烈西班牙风的作曲家─拉罗(Edouard-Victor-Antoine Lalo 1823∼1892)、 上帝的作曲家─布鲁克纳(Anton Bruckner 1824∼1896)、 德国的第三B─布拉姆斯(Johannes Brahms 1833∼1897)、 布鲁赫(Max Bruch 1838∼1920)、 创作出最赚人眼泪的歌剧作曲家─普契尼(Giao Puccini 1858∼1924)、 巨大主义者─ (Gustav Mahler 1860∼1911)、 拉赫曼尼诺夫(Sergei Rachmaninov 1873∼1943) 以及浪漫乐派的最后─理查˙史特劳斯(Richard Strauss 1864∼1949)。 在这近一百年中，有众多家的作品产生，演变到今天让您有买不完的CD。

1、 早期：贝多芬、凯鲁比尼、韦伯、帕格尼尼、罗西尼、贝利尼、多尼采蒂、舒伯特、彻尔尼。

2、 前期：门德尔松、肖邦、舒曼、李斯特、白辽士、梅耶贝尔。

3、 中期：威尔第、瓦格纳、奥芬巴赫、布拉姆斯、小约翰·施特劳斯、布鲁克纳、弗兰克、古诺、比才、圣-桑。

4、 民族乐派：格林卡、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克、西贝流士、阿尔贝尼兹。

5、 后浪漫主义：福莱、马勒、理查·施特劳斯、拉赫玛尼诺夫、埃尔加、格拉祖诺夫。

浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。

扩展资料：

历史

浪漫派时期的音乐则可以从1813年ETA霍夫曼论述贝多芬的浪漫主义精神开始，到1914年勋伯格提出“不协和音的解放”为止。

浪漫派时期的音乐比起之前的巴洛克时期以及古典时期的音乐更注重感情和形象的表现。相对来说看轻形式和结构。浪漫时期的音乐往往富于想象力，相当多的浪漫时期音乐受到非现实的文学作品的影响，而有着相当大的标题音乐成分。

浪漫主义音乐强调多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，更多地运用转调手法和半音。贝多芬是浪漫主义音乐的先驱，浪漫主义歌剧的代表是瓦格纳，钢琴音乐的代表是李斯特。

浪漫主义音乐对曲式结构进行了极大的丰富与扩充，出现了诸多小型曲式结构，例如小品曲、幽默曲、叙事曲、阿拉伯风格曲、音乐的瞬间、随想曲、浪漫曲、间奏曲或即兴曲等。

浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，在法国出现了柏辽兹，意大利的罗西尼，匈牙利的李斯特，波兰的肖邦和俄罗斯的柴可夫斯基。浪漫主义音乐在马勒和勃拉姆斯时代式微。

浪漫时期的音乐在晚期出现了更多不同的乐派，包括法国的印象乐派（德彪西、拉威尔）和欧洲各地的民族乐派（西贝柳斯、斯美塔纳、强力集团等）等。

浪漫主义时期是一个注重自我表现、抒发作曲家个人思想与情感的时代，尤其本时期的钢琴音乐不论在题材、体裁还是创作手法上都达到了前所未有的高度和广度，浪漫主义时期的作曲家钟爱钢琴音乐的创作与表现,与西方音乐史的其他几个音乐分期纵向比较，浪漫主义时期的钢琴音乐具有民族性、个性化、情感化、新精神和标题性的五大特征，并不约而同的形成了特有的作曲家群体、流派和代表，这是以往的音乐历史分期所不可替代和比拟的。

音乐史上称19世纪初至19世纪末的欧洲音乐为“浪漫主义音乐”或“浪漫乐派”。实际是一个对此时期音乐艺术的总的称谓，不可说这一百年来就是浪漫主义一种风格，也不可说浪漫主义音乐就断然与古典主义音乐脱离了关系。只不过是在这一时期，浪漫主义在音乐艺术中占据了主要地位而已。浪漫主义音乐是在当时欧洲浪漫主义文艺思潮的影响下的产物。一般说是从1820年韦伯(1786～1826)的歌剧《自由射手》开始，由于《自由射手》充分地体现了浪漫主义的特征，除韦伯外，又有舒伯特、门德尔松、舒曼等作曲家及其具有浪漫主义气质的作品的出现，遂在浪漫主义文学的中心地德国形成一个流派，后又波及全欧。与此并行不悖而发展的还有民族主义的音乐。

浪漫主义音乐善于表现个人的感情和幻想，尤其强调个人主义的体验。他们热衷于反映内心最强烈情感的爱情主题；倾心于带自传性的，不满现状的忧郁，孤独者的精神。在描绘自然景色及现实形象时，也更强调主观色彩的印记。作曲家不同程度地倾心于标题音乐，其构思常常以文学、诗歌、戏剧、绘画、特性舞蹈等其他姊妹艺术的内容为基础，甚至为强调表现意图而加添明确的标题。所采用的形式载体也为了与标题性内容相符而突破传统的模式，创造出许多综合性或形式灵活的体裁。

同时，浪漫主义音乐有着对本民族历史文化及民间音乐的强烈兴趣。这反映了 19 世纪欧洲民族意识的觉醒。表现在一些长期倍受欺凌的国家和民族（如波兰、捷克、匈牙利）等国家的“民族乐派”先后成立。和这些国家的民族解放运动紧密呼应。在音乐创作的题材方面，盛行采用民间歌谣及民间故事为主题。在追求更加个性化、情感化表现技巧的过程中，诸多民族民间音乐的色彩影响到旋律特征、调式和声与节奏节拍的独特处理~

十九世纪初,欧洲文学艺术普遍形成了一种新的潮流、新的风格，就是的“浪漫主义”。它是一种“势如破竹的、反对权威、传统和古典式的运动，在18世纪后期到19世纪中期横扫西方文明。”（见《简明不列颠百科全书》中译本）

在文学史上，浪漫主义一般指1830—1850年代的创作，而音乐的浪漫主义稍晚于文学，并且延续的时间较长，可以说浪漫主义在音乐的领域里，基本上贯穿整个19世纪。我们说：浪漫主义不仅是一个创作方法和作品风格的问题，而更是一个内容复杂的世界观和艺术观的问题。

在音乐方面，浪漫主义的形成是在十九世纪二十年代。它的奠基者是奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家韦伯。前者的创作是抒情歌曲、交响乐、室内乐等，后者则主要是一个浪漫主义的歌剧作曲家。

1830年的欧洲资产阶级革命，促使各国任命革命意志的奋发和民族意识的觉醒，形成了进步的浪漫主义思潮的高涨，出现了法国的柏辽兹、意大利的罗西尼、德国的舒曼、门德尔松和波兰的肖邦等作曲家。

浪漫主义音乐具有自己的一些风格特征。浪漫主义的艺术侧重感情，理性属于次要地位，对整个世界和现实生活的各种现象，都通过个人的主观感觉来表现。因此，抒情性、自传性和个人心理刻画就成为浪漫主义音乐的主要特征之一。它反映了纯主观的个人感情，但也有一定的社会典型性。

下面我将具体谈一下浪漫主义时期的主要特点：

对音响、音色的追求是浪漫主义音乐的一个突出特点。浪漫主义时期讲求音响的丰满、和谐、充实、舒适；而且要求色彩性强，无论乐器还是人声，都追求新的音色。到浪漫主义末期，管弦乐队的人数一般达到一百人；铜管、木管、打击乐得到了更充分的使用，铜管增加了长号、大号、圆号和小号的数量也有增加；木管增加了低音巴松、低音单簧管、英国管，而短笛成了固定的成员。乐队的中音区乐器得到扩充。此外，有时还使用三角铁、竖琴等色彩性乐器。这是的乐队音响辉煌、宏伟。声乐方面，丰富的歌剧创作提供了多样的音色，男高音得到了空前的发展。这时游乐各种不同的风格，如活泼轻快、热情洋溢、充满感情的法国风格，强有力的戏剧性的歌剧男高音风格，歌剧中英雄性的男高音风格，呜咽凄凉的意大利风格，圆润伤感的俄罗斯男高音风格等等。

旋律的重要地位在古典全盛时期就已经显示出来了，到浪漫主义时期更加突出。

旋律的歌唱性、抒情性成了十九世纪浪漫风格的重要特点。在贝多芬时期，器乐音乐的主题与艺术歌曲之间，有着明显的区别。但浪漫时期，情况不同了。舒伯特及其歌曲有着很大的影响力。他的歌曲作品通过一些流浪者、失恋者、梦幻者及孤独的、无依无靠的可怜人，以自我感受的方式，生客地反映了他对黑暗社会的感受和痛苦。其中以声乐套曲《美丽的磨房姑娘》和《冬之旅》最为典型。这些作品说明了当时在浪漫主义时期音乐歌曲创作的抒情性的典型特点。舒伯特的歌曲中旋律最有个性，也是他的作品最突出的地方，当然也是此时期的创作特点的一个体现。在风格上，他的歌曲旋律有浪漫主义的甜美和忧郁风格，如《流浪者》、〈你是安宁〉。这一点领导并体现了烂漫主义时期音乐作品在旋律上的一个特点。这种歌唱性的旋律贯穿了整个十九世纪，在大型交响乐和抒情钢琴小品，弦乐四重奏以及协奏曲等等各类体裁之中得以体现。

浪漫时期的旋律结构与古典时期有所不同。古典时期较多为平均、平衡、闭合，以进为主，若有隔音跳进或大跳，均要与其反向的级进进行相平衡，形成“拱型”结构，而浪漫风格的旋律则为了表情的需要。喜欢使用大跳音程，常常是六七度，甚至四个八度的大跳和许多增减音程的跳进。为了在乐曲中进行充分的展开，浪漫风格的主题旋律本身包含多种变化的可能性。后期浪漫主义音乐的动机继承了贝多芬的传统，具有动力性和对比性。其器乐作品的旋律带有交响性的紧张度。甚至在歌剧中也得以运用。另外，采用它的旋律经常采用或模仿民族舞蹈的曲调和民间音乐的特点，构成不规则的句法或大小调音节交替等。

在节奏方面较古典时期自由了一些。最常见的是交叉节奏的使用。快速不规则的音响与稳定节拍的结合，以及两个或更多节奏型的同时使用等，都是这个时期节奏的特点。

和声调性方面。浪漫主义时期音乐中，和声的发展和变化十分突出。许多浪漫作曲家恰是以其和声的独特而显示出个性的。这是为边县丰富多样的情感所决定的，也体现欧洲文化及思维的特点。

通过调性上、音区上、和声上、的色彩性变化来刻画音乐形象，刻画个人心理状态的发展，这种力求多方面地刻画一个音乐形象的表现手法，正是浪漫主义音乐的富有特征的表现手法之一。

古典时期不大使用不协和和弦，假使使用，也大多以功能的方式出现，如增强属主的紧张度，或在转调中使用。但浪漫主义作曲家却经常使用变化音及色彩和声。他们把不协和和弦提高到了协和的地位。浪漫主义时期还开始在三和弦的基础上，用三度叠置构成九和弦、十一和弦、十三和弦等。后期则采用多种方式写出持续和弦，造成乐曲更强渴望的、寻求解决的效果。

在调性上，浪漫主义广泛使用十二个调，同时小调的地位得到了显著的提高，提供了自由运用变化音的可能性，也使音乐具有了戏剧性。当时这个时期，仍然以主调为主，但复调也占重要位置，音乐有了和谐丰满、戏剧性强等特点

浪漫派，也就是浪漫主义。欧洲浪漫主义思潮出现在十八世纪下半叶，首先反映在文学中，后来扩及到包括音乐在内的整个艺术领域。浪漫主义是对传统、古典模式和束缚个性的种种权威的反叛，重视个性、主观、情感的自由表现和抒发。

音乐的浪漫主义大约自十九世纪二十年代出现，直到十九世纪末，是浪漫主义迅猛发展，席卷整个欧洲的时代，二十世纪初，浪漫主义开始衰落，但仍然有少数音乐家坚持浪漫主义风格。

贝多芬是欧洲音乐从古典向浪漫时期转变中承上启下的作曲家。整体上他遵循古典形式，但已经在突破。更重要的是他已经着力于在音乐中表现他的个性，努力在人格、精神上争得独立和自由。

直到贝多芬为止，音乐家们都是在贵族的“保护”下生存的，这使他们处于依附他人的社会地位。莫扎特、贝多芬都为争取独立的社会地位付出了巨大痛苦的代价，直到浪漫主义时代，音乐家才成为自由、独立的艺术家。但精神上的自由却不等于物质上的幸福，这使他们常常处于“痛苦的自由”的矛盾之中。

浪漫主义音乐最显著的特征，是重视个人主观情感的抒发。他们的创作灵感，来自他们的情感世界，来自对大自然的微妙观感、触情生情，来自诗歌、戏剧、绘画等姊妹艺术的启迪，来自神话、传说和民间文学引发的幻想、想象。于是，标题音乐盛行起来。他们也应用古典传统的形式或曲体名称，但往往以全新的、自由的方式处理。同时，也产生了许多新的形式。例如“性格小品”就很有代表性，这是一种随兴之所至，表现某种情趣、心境、感触的小曲。

当然，他们不拘泥于传统形式，不等于完全不注意形式。他们抒发的情感也不都局限于个人生活的狭小天地。优秀的浪漫主义音乐，都有与他们的音乐内容相适应的完美的形式。而他们的音乐内容，也远远超出了个人的范围，具有广泛社会性、普遍性的道德伦理的意义。

在浪漫主义时期，出现了专门以演奏为职业的钢琴家。在这以前，作曲家与演奏家是合而为一的。就是说，钢琴曲大都是由写作乐曲的作曲家自己演奏。职业钢琴家的出现，意味着作曲与演奏的分工。分工的结果，是演奏技巧的空前提高。那种令人耳晕目眩的超级技巧，是音乐会获得成功的因素之一。适应这种需要，这时期出现许多含有高超演奏技巧的钢琴曲，与此同时，大量目的只是为练习技术的钢琴练习曲也在这个时期出现了。那位“折磨”了几代钢琴家的贝多芬的学生、李斯特的老师，车尔尼（1791—1858）的没完没了的练习曲，就写于这时期。除他外，克列门蒂（1752—1857、克拉玛（1771—1858）、莫什科夫斯基（1854—1925）等人，也都写下了有价值的技术练习曲。

总之，浪漫派时期，钢琴艺术得到全面、高度的发展。假如我们乐于平均起来计算一下，在今天的音乐厅里听到的钢琴曲目中，浪漫派钢琴曲仍然占有最大的比例。我们的漫游，也将尽可能多停留一些地方。

欧洲音乐进入浪漫主义时代的第一位重要作曲家是威伯（1786—1826）。他是德国民族歌剧的先驱人物。他也是一位优秀的钢琴家，创作了四首钢琴奏鸣曲，许多舞曲。他的广为人知的钢琴曲是《华丽回旋曲》和《邀舞》，都写于1819年。两首作品的性质也相近，都华丽、明快，在优美、轻松之中透露出浪漫主义的气息。《华丽回旋曲》的主题是：

与这首作品相比，他的《邀舞》流传的要更广些。邀，就是邀请，乐曲描写的是邀请跳舞的情景。威伯本人对乐曲给予了生动的解释，大意是：开始是一个男的很有礼貌的邀请一个女的跳舞：

这条低音区的上行旋律表达着这个男人诚恳的态度。但女的有点不好意思，也很有礼貌，不过谢绝了：

但男的又一次邀请，低音旋律又重复一次。这次，引出了两人的交谈，很自然的共进舞池。后来就是华美的多段圆舞曲了，是一听就清楚的优雅的舞蹈场面。当舞蹈音乐停止后，类似开头的音乐再次出现，这回是男的向女的表达谢意，两人友好地互相告别。这是典型的浪漫主义标题音乐。标题带有情节性音乐也沿着情节的线索发展。

舒伯特（1797—1828）是早期浪漫派又一位代表人物。他有着与莫扎特相似的天才，却经受了比莫扎特更多的困苦。他31岁早逝，仅比贝多芬晚去世一年。他是艺术歌曲的伟大作曲家，也创作了著名的交响音乐作品。他在钢琴音乐上也有建树。他一生写了十六首钢琴奏鸣曲，还有许许多多“即兴曲”、“音乐的瞬间”（这是舒伯特首创的名称）、“进行曲”等等小品。这些作品被称为性格式小品，每曲都表现一种特定的、语言无法形容的微妙的情绪和感受，展示出一个奇妙的音乐世界。他的一些小品我们都早已耳熟了，比如第二首《音乐的瞬间》，在许多场合都会听到：

这就是舒伯特在瞬息间产生的音乐灵感谱成的美丽可爱的小曲。对于这类小曲，不必费心去想“表现的是什么”，它表现的就是你听到和感到的。他的《即兴曲》也是这样。比如《E大调即兴曲》，让你的情绪、你的想象跟随着那串蜿蜒起伏迅速流动的音流飞翔就是了，肯定把你带到美妙迷人的地方：