莫奈的作品《日出·印象》属于什么艺术

《日出·印象》（英语：Impression Sunrise；法语：Impression,Soleil levant）是法国印象派画家克劳德·莫奈于1872年在勒阿弗尔港口创作的一幅油画。该画描绘了晨雾笼罩中的日出港口景象，用美妙的光的变幻与运动展现了迷人景色，以及画家用轻快跳跃的笔触刻画了光在宽阔的海面上反射与颤动的生动景象。现藏于巴黎马尔莫丹艺术馆。该幅作品突破了传统题材和构图的限制，完全以视觉经验的感知为出发点，侧重表现光线氛围中变幻无穷的外观，是莫奈画作中最典型的一幅，也是日后最具声誉的经典画作。

1874年3月25日 ，C莫奈 、P-A雷诺阿、C毕沙罗、A西 斯莱、E德加、P塞尚、B莫里索等一群年轻的法国画家，在巴黎举办了无名画家、雕塑家、版画家展览会，因莫奈展出的一幅题为《日出·印象》的油画的题目被一位观点守旧的记者借用，撰文嘲讽此展览为“印象主义画家展览会” ，遂产生印象主义或印象派之名。该画是印象主义绘画的开山之作，它标志着印象派绘画的产生。

所以说莫奈的作品《日出·印象》属于印象主义绘画艺术。

古典音乐可以指：

1广义的古典音乐是指西洋古典音乐，那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。

2狭义的古典音乐是指古典主义音乐，是1750－1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。此乐派三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。说到欧洲古典音乐，我们不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐！当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，却对今后的音乐发展起到了重要的作用！

到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成！

欧洲到了1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了象大家所熟知的巴赫，亨德尔等伟大的作曲家，歌剧，协奏曲，奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。

当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“乐圣”贝多芬，“神童”莫扎特，以及“交响乐之父”之称的海顿！音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐！

在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法！如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家！音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家～

时间进入19世纪，出现了以德彪西为首的印象派音乐！音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处！

在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，我不得不提到拉赫马尼诺夫，马勒等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了象马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用！

时间到了十九世纪末，二十世纪初，音乐又有了突破性的发展，以韦伯恩为开始的作曲家打破十二音作曲法，抛弃了近400年的欧洲调性体系，发明了十二音序列，之后无调性等音乐形式出现，如当时的勋伯格就是代表！在世界大战之后，科技更加发达，人们的思想也更加丰富，出现了电子音乐，以及国家间的文化交流不断融合，产生了更加丰富的音乐形式，更加多元化！在1945年后的音乐被称为先锋音乐，这时候的音乐已经动摇了人们对音乐的美的看法，也更加理论化，产生了象无声音乐，噪音，微分音等人们无法理解的音乐形式！

注：按广义的古典音乐定义：从17世纪到19世纪的专业音乐创作来看，印象派音乐和现代音乐皆不属古典音乐之类；若按严格的古典音乐定义，则古典是指海顿、莫扎特、贝多芬等人的音乐作品。

中世纪时期（MedievalPeriod）（1450年前）

这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。推荐：GREGORIANCHANT

巴洛克时期（Baroque）（约为公元1600—1750）

这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性:华丽、复杂、藻饰、扭曲,著重于超现实和雄伟宏奇,这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代(以及后来的古典时代)代表著井然的秩序和澄澈的表现,那么巴洛克时代(及后来的浪漫时代)就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声,以及加上文字指示和弦的「数字低音」(figuredbass)都产生于巴洛克时代；旧有的教会调式消逝,大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起,是巴洛克时代大事。另外,节奏思想也在这个时代萌芽,也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿(古幻想曲)。

古典主义时期（Classicl）（约公元1750—1820）

因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。

从古典时期发展转到浪漫主义时期（Romanticism）（约为公元1820—1900）

这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情，对自然景物的表现也愈加突出，创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。19世纪中后期出现了以振兴本民族音乐为己任的民族乐派。在音乐体裁上出现了新的器乐独奏体裁，如夜曲，即兴曲，叙事曲，谐谑曲，幻想曲与无词歌等。此时期作品风情万种，各自独具特色，入门曲目有舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》；萧邦夜曲、钢琴协奏曲第二号；门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲第一、二号；华格纳歌剧序曲集；布拉姆斯交响曲第一、三号；柴可夫斯基小提琴协奏曲第一号、钢琴协奏曲第一号；拉赫曼尼诺夫钢琴协奏曲第二号、《帕格尼尼主题与变奏》；拉罗《西班牙交响曲》；拉威尔钢琴协奏曲G大调。

20世纪的作品有布列顿的《青少年管弦乐指引》、《小交响曲》，斯特拉文斯基的《保钦奈拉》、《彼得洛希卡》，以及普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲第七号、钢琴协奏曲第一号。在此推荐德国作曲家亨德密特的《韦伯主题交响变奏曲》、《画家马席斯》交响曲，以及美国作曲家科普兰的《马术竞技会》、《一个平凡人的号角》。

民族音乐就是产自于民间,流传在民间的,表现民间生活,生产的歌曲或乐曲——民族音乐是在一定的民族，一定的文化和社会集团中共有并继承的音乐的总称

（你没说是哪个国家的民族音乐）

中国民族音乐分为：民间歌曲、民间歌舞音乐、民间器乐、民间说唱音乐和民间戏曲音乐现代音乐(mordernmusic)介绍

现代音乐是对20世记初以来的各种音乐流派的总称，它包括：

（1）印象主义。以法国音乐家德彪西和拉威尔、美国音乐家福斯特的作品为代表。如：

《牧神舞后》、《月光》、《老黑奴》、《故乡的亲人》《苏珊娜》、〈水中倒影〉等。

（2）奴隶音乐。以美国格什温、格罗菲为代表。包扩摇滚乐、布鲁斯、迪斯科。如：

《兰色狂想曲》《一个美国人在巴黎》、《大峡谷组曲》等。

（3）现实主义。以苏联音乐家肖斯塔科维奇的《第一交响曲》、《第七交响曲》、《森林之歌》等。

（4）现代技法。以维也纳音乐家勋伯格的《华沙幸存者》为代表。

（5）电子音乐。以《冥王星》、《地球颂》为代表。

（6）情调音乐。以法国克来德曼的《阿第丽娜叙事曲》为代表。

在刘白羽的《日出》中，日出景象无疑是文章的主体，但是作者直接写日出感受的篇幅只有五分之二，将近五分之二的篇幅是引用别人的文章，还有五分之一写的是在黄山没有看成日出。把这么多的文字花在别的方面是不是喧宾夺主呢？好像也不是。

如果一上来就写如何在飞机上看到日出，看完了，文章也就完成了，当然也是可以的，但可能给人以单调之感。而有了前面这一切，文章就显得比较丰富，不但是语言上丰富，而且想象、情感、色彩上也丰富。俗语说，红花还要绿叶扶。这五分之三的篇幅是一种陪衬，或者说是一种烘托。这有点近似国画上所说的“烘云托月”。

当然，这并不是说写日出非这样写不可。有时不用烘托，直接描写也是可以的。小学五年级的课本上有巴金的《海上日出》，该文就没有烘托，几乎全是直接描写。

刘白羽和巴金的风格完全不同，他的这篇《日出》风格多样化。当然，单纯也有单纯的美。笼统地评说单纯或多样化是没有意义的，要有比较的对象，也就是要有参照系。这参照系首先就是指文体，其次是风格。同样的文体，就要看风格。显然，和刘白羽的风格比较起来，巴金的就显得单纯多了。巴金的感觉是蓝色的天空，红色的霞，黑色的、紫色的云，光亮夺目的阳光，等等，而且这种光亮的效果有两种：一是射得眼睛发痛，二是把云、海和作者照得透明。文章不长，应该说视角和层次并不单调，但是，如果刘白羽满足于巴金这样的感觉，那他的文章就不用写了。刘白羽之所以要用同样的题目再写一下，肯定是因为他觉得自己有超过前辈的地方。刘白羽引用了海涅、屠格涅夫的文章，却没有引用巴金的，可能并不是偶然。而引用海涅和屠格涅夫的文章，不是为了显示这样的描写无以复加，也不是为了作陪衬，而是另有一番用心——在这些经典的基础上，把日出的抒写推向一个新的水准。他的突破在以下几个方面：

第一，心理背景上的反差。感受日出的辉煌，在“没有一点准备、一丝预料的时刻”，为了强调突遇“无与伦比的光华、丰采”的惊异，前面特意写了两次失望，一次是在印度——看日出的胜地，一次是在黄山，遭遇了和著名旅行家徐霞客一样的失望。

第二，在光和色的对比上。当然，巴金、屠格涅夫写日出，光和色也是有对比的，但是刘白羽在色彩层次上更显丰富。

先是色调和色温的对比。“黑沉沉的浓夜”“一线微明”“暗红色长带”“清冷的淡蓝色晨曦”“变为磁蓝色的光芒”“红海上簇拥出一堆堆墨蓝色云霞”“墨蓝色云霞里矗起一道细细的抛物线”“红得透亮，闪着金光”。这里，不但有色彩的对比，而且有色调、色温的对比，蓝色（其间还有磁蓝和淡蓝的层次）是“清冷”的，而红色、亮色（其间还有暗红，红得透亮的层次）是温暖的，是“沸腾的”。

其次是静态和动态的对比。飞机在不断上升，抛开地面，“不知穿过多少云层”，把夜空“愈抬愈远”，这种动的幅度是很宏大的。而另一方面，则是宁静的：地面是“黑沉沉的”，“飞机好像唯恐惊醒人们的安眠，马达声特别轻柔”。不但有动静对比，而且有转化，由冷变暖，由静变动——“一转眼，清冷的晨曦变为磁蓝色的光芒”“原来的红海上簇拥出一堆堆墨蓝色云霞”“突然间从墨蓝色云霞里矗起一道细细的抛物线，这线红得透亮，闪着金光，如同沸腾的溶液一下抛溅上去，然后像一支火箭一直向上冲”。这一句特别值得称道，这是刘白羽式的创造，是固态和液态的转化，太阳本来是有固定形状的，这里却以液态（“沸腾”）来形容，显得特别新奇。

再次是情景的对比。刘白羽在飞机上惊奇地领略日出的壮观景象，用了一系列辉煌的语汇，诸如：晶光耀眼、火一般鲜红、火一般强烈。瞬息之间，平静的心态转化为激情状态。一切景象都染上了激情的色彩：“一眨眼工夫，我看见飞机的翅膀红了，窗玻璃红了，机舱座里每一个酣睡者的面孔红了。”红是火热的色彩，而在汉语里“热”与“闹”是自然地联系在一起的，正如“冷”与“静”联系在一起一样。接下来，刘白羽激情的状态又转化为宁静的状态：

这时一切一切都宁静极了，宁静极了。整个宇宙就像刚诞生过婴儿的母亲一样温柔、宁静，充满着清新、幸福之感……我靠在软椅上睡熟了。醒来时我们的飞机正平平稳稳，自由自在，向我的亲爱的祖国、向太阳升起的地方航行。

本来，这里是文章的高潮，是感情的高潮，是强烈的激情，是刚性的，但是刘白羽却把它和柔性结合在一起，把激情与平静自然地统一起来，以显示出一种“宁静”的“幸福感”，其特点是以一种内心的、无声的体验，进入一种庄严的、思索的境界。

最后，顺理成章地把这种幸福的体验和庄严的思索升华为政治的抒情。这种升华，就是在半个世纪后的今天读起来，也并不太生硬，因为其间从个人的体悟到集体话语的过渡相当自然，这得力于一个关键词的运用，那就是说，飞机向“亲爱的祖国、向太阳升起的地方航行”。有了这样的过渡，下面写道：

这时，我深切感到这个光彩夺目的黎明，正是新中国瑰丽的景象……我在体会着“我们是早上六点钟的太阳”这一句诗那最优美、最深刻的含意。

从大自然的感受上升为政治的激情抒发，是刘白羽的惯用手法。也许，今天的青少年读者，对他这种强烈的政治抒情并不一定能够全部体验，但是，仍然可以从中感受到上个世纪中期，中国知识分子浪漫主义的、崇高的追求。

（二）

从表面上看，徐志摩笔下的日出和刘白羽笔下的日出，最明显的不同就是一个从泰山上看，一个从飞机上看。但是，光看到这样的区别是肤浅的。文章的精神不在于写了些什么，从什么角度看，而在于用什么样的情绪去感受。

读者已经习惯了一般的写法：首先集中笔力描绘出日出的壮丽景观，然后慢慢激动起来。但是，徐志摩却不是这样。首先，他不太着重写景，因为在他看来，最初的印象是很平淡的，西方一片铁青，东方有点发白，只能用“旧词”——“莽莽苍苍”来形容。此时的心情，也不是很兴奋的，有点懒洋洋的观感，等到仔细留心再看时，却一下子兴奋、激动起来，不由得大声狂叫。

要注意，这样的写法和刘白羽是很不相同的。刘白羽是把景象写透了，才激动起来，慢慢诱导读者激动，避免读者跟不上趟而无动于衷。而徐志摩这种写法的好处在于调动读者情绪，和作者同步发展，循序渐进，层次井然。但是，这并不是唯一的途径，徐志摩和刘白羽不同，他是个浪漫主义诗人，他的情绪来得快，使用的方法也与刘白羽恰恰相反，先不讲任何理由，突然就激动起来，引起读者的惊异，然后以戏剧性的悬念调动读者的阅读兴趣，维持读者的内在注意力。这也是一种方法，是浪漫诗人比较常用的手法。和一般抒情散文不同，不是情与景的平衡发展，而是以情感为纲，以情感为主导。

描绘的效果，得力于组合性的比喻。作者把云海比喻为绵羊，由绵羊联想，引申出羊绒、羊角、羊颈的交接，应该说，是挺形象的。可是这时诗人却激动莫名，由于站在山峰顶端，“发生了奇异的幻想”——自己化为一个巨人，脚下的山峦变得像拳头一样小，自己站在大地的顶尖上，长发变成墨色的旗帜，平举着一双长臂，向着东方，默默地呼唤、祈祷，而且流下了热泪。

为什么会激动到这种程度呢？这里有几个关键词：崇拜、久慕未见、悲喜交互。一个也不要放过，要弄明白。

崇拜、久慕未见，比较好解释，因为在浪漫诗人看来，大自然的景象太动人了，太值得崇拜了。长期地向往，却未能得见；一旦见到，就激动得不能自制。但是，理解悲喜交互就有点难度。喜是很好理解的，因为美好的景色而喜。悲呢？这个问题，我们先留着到后面去试着解释。

下面有一个词更为关键：东方。（巨人的手指向东方。）这里显然不是地理学意义上的东方，而有着更多的文化的、历史的含义。请看：

东方有的，在展露的，是什么？

东方有的是瑰丽荣华的色彩，东方有的是伟大普照的光明出现了……

这里的“瑰丽荣华的色彩”“伟大普照的光明”，显然不仅仅是大自然的现象，而是一种文化的象征。东方的曙光，东方的觉醒，是重点，对于这一点，徐志摩以更为华彩的语言来美化：玫瑰汁、葡萄浆、紫荆液、玛瑙精、霜枫叶……

这样的色彩，比最初使诗人激动的云层要强烈得多了，他甚至不惜用堆砌的方法，集中了这么多富丽堂皇的词语，充分表现了诗人的浪漫情感和文采。但是，色彩还是表层的，内涵在其深层，如果仅仅限于表层，文章的深度就可能受到局限。幸而，诗人把自己的思想逐步透露：

一方的异彩，揭去了满天的睡意，唤醒了四隅的明霞——

光明的神驹，在热奋地驰骋……

这里的“异彩”之所以值得赞美，是因为驱除了“满天的睡意”。天是没有什么睡意的，这不是写实，而是象征，把这里的“睡意”和“东方”联系起来，就不难理解了，这象征着东方巨人的觉醒。要注意，本文写于1923年，正是五四新文化运动后期，文中的“光明的神驹”，提示了时代背景。类似的提示还有：

再看东方——海句力士已经扫荡了他的阻碍……

歌唱呀，赞美呀，这是东方之复活，这是光明的胜利……

这里的“海句力士（大力士）”“复活”“光明”，都是对五四新文化运动的欢呼和礼赞。值得注意的是，这种礼赞，不仅是对时代的，而且是对自我的。文章到了最后，诗人特别强调了这一点：

散发祷祝的巨人，他的身彩横亘在无边的云海上，已经渐渐的消翳在普遍的欢欣里……

听呀，这普彻的欢声；看呀，这普照的光明！

在文章最后，是光明的普照，这是“四方八隅”的欢歌，也是巨人心灵的光华，这是情绪的高潮，也是欢乐的高潮。欢乐充斥着身体内外，可以说是一首精神解放的欢乐颂。

现在，再回答我们曾在本文前面留下的一个疑问：为什么诗人在初见泰山日出的时候，流下是“悲喜交互”的热泪？喜，已经得到充分的解释，可是悲从何来呢？如果光是自然景观的欣赏，是不可能有悲的成分的。这里暗示的是东方巨人的觉醒，“驱除睡意”，这种睡意是历史的，是经历了漫长的痛苦和屈辱的，是充满着重重障碍的，而一旦觉醒，“扫荡阻碍”，并不是轻而易举的，这才令人悲喜交集。这种悲喜交集，是历史的转折点决定的。

徐志摩是一个浪漫主义的热情诗人，在表现情绪上，具有足够的气魄，但是在表现历史感方面，是比较薄弱的。这一点只要把本文和郭沫若的《凤凰涅槃》相比，就可以看得很清楚了。在郭沫若笔下，凤凰是英勇地烧毁了旧世界，同时又自觉地烧毁了旧自我，在旧我毁灭之后，才获得了火中涅槃的永恒生命。徐志摩的散文，在理解新文化运动的深度方面，显然是有局限的，因而在谈到“悲喜交互”时，难免给读者留下一些困惑。

最后总结一下，关于日出的美，我们已经读了两篇文章，两篇文章有共同之处，就是日出的美都与光华和温暖联系在一起，然后由光华和温暖激起了作者情感的特殊激动。二者都美，哪一方面更重要呢？两篇都是抒情散文，文章的动人，是以情为主，还是以物象为主呢？看来应该是以情动人，但是，一般的情感，类似的情感，是不是都能动人呢？比如说，两个人的情感差不多，没有各自的特点，是不是一样能动人呢？绝对不能。分析文章的重点就在于找到情感的特殊性、情感的区别，抓住了特点，才能抓住刘白羽和徐志摩的个性，体悟到他们发现、创造美的境界是不同的。