10月23日设计史考什么？

现代设计史涉及的一些核心概念

设计

现代设计

设计师

学习设计史对于设计师的意义

“历史不是让人哭的，也不是让人笑的，历史是让人认识的。”——女历史学家陈衡哲

通过认识设计史，设计师才可能按自己的意愿在众多的风格中自由地挑选，才可以把过去的风格和现代的风格混合搭配起来追求未来的风格，或是把现代的元素注入过去的风格中。设计师不能仅限于一种流派或风格，而必须具备超越任何一种流派或风格局限的能力，并适应现代新的表达方式和全球化的倾向。

西方现代设计史包含的主要内容

从广义上看，手工艺史是设计史的前身，所谓西方现代设计史，是英国工业革命以后的产物。到了工业社会，设计才逐渐成为一个设想的而非实现了的形式过程。

工业革命以后，设计逐渐上升到与艺术同等的地位，设计史所涉及的不仅是物的造型和装饰，更多的是对设计者在工业文化范畴中的角色进行文化历史批评，注重阐释设计的观念及其社会、文化意义。

唯美主义运动的起源与主要宗旨

唯美主义运动是于19世纪后半叶出现在英国文学和艺术领域中的一场组织松散的运动。这场运动发生于维多利亚时代晚期，是反维多利亚风格的一部分，大致从1868年延续至1901年。它产生的背景大致与工艺美术运动一样，并同样致力于提升实用艺术作品的地位。

与工艺美术运动不同的是，唯美主义运动中的作家和艺术家提出“为艺术而艺术”的口号，声称艺术与道德之间没有关联，艺术的使命在于为人类提供感观上的愉悦，而非传递某种道德或情感上的信息。唯美主义者认为艺术不应该具有任何说教的因素，而是追求单纯的美感。

与工艺美术运动不同的是，唯美主义运动中的作家和艺术家提出“为艺术而艺术”的口号，声称艺术与道德之间没有关联，艺术的使命在于为人类提供感观上的愉悦，而非传递某种道德或情感上的信息。唯美主义者认为艺术不应该具有任何说教的因素，而是追求单纯的美感。

代表人物

克里斯托弗·德雷塞

爱德华·威廉·戈德温（E·W·Godwin,1833-1886）

阿博特·麦克尼尔·惠斯勒（James Abbott Mcneil Whistler，1834-1903）

奥斯卡·王尔德（Oscar Wilde，1854-1900）

戈德温创造了一种英国人的日本风格，这种简约的形式展示了唯美主义对于纯粹的美的欣赏，而不是着眼于生产效率或节省成本。

唯美主义运动受日本设计影响，强调高品质的手工艺技术及运用抽象的、几何的形状的风格特征，可以从德雷塞设计的大量金属制品，包括茶具、烤面包架与其他餐具器皿和厨房用具中看出。

第三节 新艺术运动 （Art Nouveau

新艺术运动的起源与主要特征

1895年12月，被公认为日本艺术的鉴赏家、商人和作家萨穆尔·宾（Samuel Bing，1838-1905）在巴黎开设了一家别具特色的画廊，标志了新艺术运动在法国的兴起。

“新艺术”（Art Nouveau）逐渐成为描绘兴起于19世纪末20世纪初的艺术运动，以及这一运动所产生的艺术风格的术语，它所涵盖的时间大约从1880年到1910年，跨度近30年，是在整个欧洲和美国展开的装饰艺术运动。

新艺术运动的风格现象被许多批评家和欣赏者看作是艺术和设计方面最后的欧洲风格，它的内容几乎涉及到所有的艺术领域，包括建筑、家具、服装、平面设计、书籍插图以及雕塑和绘画，而且和文学、音乐、戏剧及舞蹈都有关系。

工艺美术运动是新艺术的影响之源

莫里斯

莫里斯对于中世纪、哥特风格和自然主义的热衷，对于大工业化的反感以及对于手工艺的提倡，都成为新艺术的基本特征。

阿瑟·麦克穆多（1851-1942）

麦克穆多的设计具有强烈的自然主义特点

与工艺美术运动热衷于复兴中世纪艺术不同的是，新艺术运动反对向任何一个时代模仿或借鉴，当时与商业的矫饰形成鲜明对比的是大自然的清新，自然的神奇、柔美、清新和生动的情趣正好可以用来抗击工业生产的粗陋、低俗，

于是源自自然的造型成为新艺术运动的艺术家们常用的主题，而自然中蜿蜒的纤柔曲线则成为新艺术的一个主要标志。

也正是因为该原因，它常常被称为第一真正现代的、国际的风格。

欧洲各国新艺术运动及代表人物

“新艺术”是一个法文词，新艺术运动首先在法国兴起，但在欧洲各地都有不同的表现，会联系本地的艺术倾向而在具体表现形式上略有不同，故被冠以其它名称。

德国称这场运动为青年风格；

奥地利的维也纳称为分离派；

在斯堪的纳维亚各国称之为“工艺美术”运动；

西班牙人高蒂则以他天才的想像力成为新艺术运动最极端、也最为突出的代表。

下面我们对新艺术运动的介绍也是分国家进行的。

法国“新艺术”

法国是新艺术的发源地，巴黎是19世纪末和20世纪初现代艺术及现代设计最重要的中心，几乎所有重要的现代艺术运动和现代设计运动都与它有着密切的联系，作为世界性的大都会，巴黎聚集了当时世界上最新潮的东西，包括最激进的思想和艺术，著名的“印象派”便诞生在这里，新艺术运动在这里产生和发展，是非常自然的事情。

新艺术运动诞生的时间和地点都和“印象派”差不多，它在设计史上的地位也和印象派在艺术史上的地位一样，都是新古典主义与现代主义之间的一个重要桥梁，开启了新时代。

赫克托·吉马德（Hector Guimard ，1867法国里昂– 1942美国纽约）

法国建筑师和设计师赫克托·吉马德被广泛认为是19世纪末20世纪初法国新艺术运动最具影响力的代表人物。吉马德设计的巴黎地铁入口和字样已成为经典的新艺术风格。

阿尔弗斯·穆哈(Alfons Mucha,1860-1939)

阿尔弗斯·穆哈是19世纪末巴黎最重要的装饰艺术家之一，他风格独特而充满原创性的海报及封面设计几乎成为法国新艺术的标志。默哈笔下的新艺术女子形象不仅奠定了这位艺术大师的风格，也成为20世纪的广告模板。

鲁伯特·卡拉宾（Rupert Carabin,1862-1932

在新艺术的家具设计中，新艺术的设计师用革新的方法使用传统的材料来表现自然，以此向刻板的传统观念挑战。他们觉得家具设计中僵硬的传统造型过于笨拙，无法体现木材潜在的灵性，便将家具艺术与雕刻艺术结合在一起，赋予木材新的生命力及新的表现形式。

鲁伯特·卡拉宾是法国著名的雕刻家，他以具有雕刻特征的家具开创了一种全新的艺术形式，引领人们以新的眼光重新认识雕刻艺术及家具设计，彻底打破了传统思路，为新艺术的创新作出了巨大的贡献。

苏格兰“新艺术”

19世纪末20世纪初，新艺术运动作为对维多利亚风格的反叛、对工业化生产的排斥，在英国也有所发展，但英国的新艺术运动不如它的工艺美术运动的影响大，而在苏格兰的格拉斯哥市的查尔斯·马金托什与其合伙人组成的格拉斯哥设计集团却取得了很大的成就，是这场运动中很有意思的一个插曲。

查尔斯·马金托什Charles Rennie Mackintosh (1868－1928）

苏格兰的建筑师、设计师和水彩画家。是英国工艺美术运动中的一位设计师，也是英联邦国家新艺术运动的主要实践者，马金托什对于欧洲设计有相当大的影响。

马金托什的设计具有鲜明的特点，他逐步放弃传统的新艺术运动自然主义装饰风格，采用简单的几何图形，特别是纵横的直线为基本结构，利用简单的集合图形，走出自己非常独特的设计风格道路。新艺术运动主张曲线、有机形态、自然主义装饰，而马金托什则刚好相反，主张直线、简单的几何造型、讲究黑白等中性色彩。他的探索恰恰使机械化、批量化、工业化的现代主义设计成为可能。

奥地利“分离派”

1897年，维也纳一批前卫艺术家和建筑师公开提出与正宗的学院派分离，自称“维也纳分离派”（Vienna Secession）艺术团体。他们的口号是“为时代的艺术，为艺术的自由”，分离派艺术家们关心的是如何在学院派传统的局限以外去探索艺术的可能性，他们希望创造出一种完全不受历史影响的新风格，在形式方面与德国的青年风格接近，成为一股德文国家的新设计运动力量。

建筑师奥托·华格纳Otto Wagner (1841-1918)

提倡“功能第一、装饰第二”的设计原则，开始摒弃之前新艺术风格的与功能无关的自然主义曲线， 只采用少数曲线点缀达到装饰效果。他的建筑具有功能和装饰高度吻合的特点，与外型奇特，但功能性不是很好的高蒂建筑形成鲜明的对比。

约瑟夫·马瑞亚·奥布里奇(Josef Maria Olbrich , 1867-1908

彼得·贝伦斯（Peter Behrens ，1868-1940)

被誉为“德国现代设计之父”；

贝伦斯的功能主义倾向和采用简单几何形态的设计主张都使其有意识地摆脱古典主义和新艺术运动的束缚，朝着现代主义设计的方向发展。1907年，贝伦斯与其他十位成员，连同12家公司一起，创立了“德国工业联盟”

1907年，贝伦斯作为德国通用电器公司（AEG）的艺术 顾问，成为历史上第一位工业产品设计师；

从1907年至1912年，贝伦斯有了一些学生和助手，其中便有日后成为包豪斯第一位领导者的格罗皮乌斯（Walter Gropius）

西班牙“新艺术”

西班牙的新艺术运动将自然主义风格发挥到了极致，是新艺术运动最为极端的发展。

安东尼·高蒂（Antoni Gaudí，1852-1926

高蒂以其独一无二的风格和高度个性化的设计闻名于世，他的建筑作品具有强烈的有机特征，其中充满传奇般的神秘色彩和图案，体现了其无与伦比的想象力和创造性，凡是看过他的作品的人，无论是从书籍还是实物，便再也不会忘记。

高蒂在设计史上的地位可以比拟同是西班牙人的立体派画家毕加索和超现实主义画家达利在现代艺术史上的地位。

小结

以手工对抗机器，以艺术对抗工业，新艺术运动大师们的主张和实践，在整个世界都在欢呼工业革命的成就的19、20世纪，注定是悲剧性的；但作为一种艺术风格来说，凭着热情和信念，艺术家们在短时间内创作了大量的新艺术作品，致使新艺术风格在世纪之交的欧美一时成为一种风靡的时尚，它的影响也不断在整个20世纪的装饰艺术上回响，它无疑又是成功的。

第四节 “装饰艺术”运动 （Art Deco

装饰艺术运动的起源与主要特征

装饰艺术运动是一次出现在1925至1939年间的国际性的设计运动，影响到众多设计门类，诸如建筑、室内设计、工业设计，以及包括绘画、形象艺术、时装、**等在内的视觉艺术。

在某种意义上，这次运动并不是代表一种统一的设计风格，而是20世纪初许多不同的风格和运动，包括新古典主义、构成主义、立体主义、现代主义、包豪斯、新艺术运动的一次综合。它在二十年代繁荣的欧洲达到顶峰，并于整个三十年代在美国继续蓬勃发展。

工艺美术运动和新艺术运动都有一个致命的缺陷，那就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。而19世纪上半叶的欧洲及美国的工业化和现代化进程是不可阻挡的，回避是不可能的，不如去适应它。机械形式及现代特征总是给人一种机器般的冷冰冰的感觉，采用一些新的装饰可以使它们变得更加自然和华贵，让人容易接受，而成为一种新的探索途径。装饰艺术运动应运而生。

在1900年的国际展览会以后，许多法国艺术家成立了形式上的集合——装饰艺术家团体。创立者包括吉马德等人，这些艺术家从整体上深深地影响了装饰艺术的原则。这个团体的目的在于显示法国装饰艺术的领导性地位和国际性的影响。他们组织了1925年的现代工业艺术与装饰艺术的国际展览会。这是装饰艺术运动名称的由来。

主要特征

总的来说，装饰艺术运动的风格非常特殊，它既有历史的一面，又有发展的一面；在历史感中渗入现代因素，而在现代感中又有传统的根基，这种博采众长的兼容和发展使装饰艺术运动呈现出一种独特的面貌。

形式上广泛借鉴

一方面，装饰艺术的形式特征主要表现在装饰艺术的结构以数学几何形状为基础。它被广泛认为是来源于埃及艺术华贵的装饰特征、非洲原始部落的面具、木雕等原始艺术及古代印第安人的文化。

另一方面，一个同时进行的运动是流线型设计。流线型设计受出现于航空、发射学和其它要求高速度的领域的现代空气动力学设计的影响。这种有吸引力的形式的产生是装饰运动科学地应用空气动力学的原则的结果，它将流线型技术应用于日常生活的其它有作用的物体，象汽车。甚至被用来设计一些普通的静态物体，象收音机、削笔刀和冰箱等。

舞台艺术的影响

20世纪初期，舞蹈，特别是芭蕾舞开始出现了重大变革，作为芭蕾舞中心之一的俄国已经有了一些变革。俄国芭蕾舞团出国演出，把这种改革的影响带到西方国家。而另一方面，巴黎的开放风气又进一步加深芭蕾舞的变革，反映到音乐、舞蹈编导、舞台设计、服装设计等各个方面，导致新的设计风格的出现。

具有鲜明强烈的色彩特征和富裕、喜庆、现代的风格特征

与前两次运动排斥机械色彩不同的是，装饰艺术特别重视强烈的原始和金属色彩，其中包括鲜红、鲜黄、鲜蓝、桔红和金属色系列，包括古铜、金、银等色彩。

随之而来的20、30年代又是欧洲、美国经济均非常繁荣的时期，装饰艺术风格带有一种富裕的、喜庆的特征，适合“现代”的语境。

各国装饰艺术运动及代表人物

1、法国装饰艺术运动

法国是装饰艺术风格的发源地，巴黎是这场运动的中心。1925年的法国装饰艺术展览会成为装饰艺术运动的开端，并影响到世界各国。

几乎所有的现代设计运动在法国都集中体现在豪华的、奢侈的产品设计上，这也正反映出法国设计的特色——非民主化的、资产阶级的、精英主义的。

2、美国装饰艺术运动

豪华、壮丽、幽默、轻松是美国当时的文化特征，代表的是美国通俗文化的力量。

装饰艺术运动在法国的发展，主要集中在家具、陶瓷、玻璃器皿、书籍插图、首饰及商业海报、绘画上，在建筑上则比较少；而美国在一战后，国力鼎盛，建筑业发达。美国的装饰艺术运动比较集中在建筑设计和相关的室内设计、家具设计、家居用品设计，以及依附于建筑的雕塑、壁画等方面，可以说是建筑引导的设计运动，讲究恢宏的气派，并夹杂了美国大众艺术、通俗文化的一些因素，从而形成了自己独特的面貌。

美国赋予装饰艺术风格的最重要因素是其民主化的特征，这与法国比较集中于豪华、奢侈的消费用品的设计重点形成鲜明的对比。从具体的形式特征来看，无论是上演百老汇歌舞还是好莱坞的**，剧院的设计都有明显的对古埃及、玛雅和阿兹台克文化及中国古典文化设计特征的爱好。

好莱坞风格（Hollywood Style）

好莱坞风格是装饰艺术运动中美国的一个延伸与发展，是美国人对于国际设计的一个非常特别的贡献。这种风格原来是针对**院的设计，之后，受到好莱坞**布景和时尚的启示，好莱坞风格随处可见，从百老汇的豪华表演厅到室内装饰和摩天大楼，很快就成为一种典型的美国风格，随着好莱坞**的不断风靡，传遍北美，甚至欧洲，影响到建筑、室内设计、家具设计和平面设计的风格。

3、英国装饰艺术运动

英国是最早进行设计探索的国家。早在1960年代前后产生于英国的工艺美术运动，对世界各国产生了重大冲击和影响，但遗憾的是，英国之后似乎完全退缩到复古主义之中，仍然沉溺于对17世纪传统风格的借鉴，对于世界各国进行的新设计的探索无动于衷。直到20世纪30年代初，在世界各地流行的工业化风格和装饰艺术风格的影响下，英国的设计才开始出现了变革。

三、小结

装饰艺术运动设法将豪华、奢侈的手工艺制作和代表未来发展方向的工业化特征合二为一，这种折衷立场以及以直线、几何形态为主的风格特征为工业化的大批量生产提供了可能性，也使得装饰艺术风格可以在世界范围内广泛普及。

 

装饰艺术运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可供参考的重要资料，从材料的运用、装饰动机的广泛来源、产品的表面处理技术，到它对于东方和西方的结合、人情化和机械化的结合的尝试，它还与20世纪80年代后现代主义风格有着千丝万缕的联系。

第五节 现代主义设计的萌起

一、现代主义设计产生的背景

19世纪末、20世纪初，世界各地、尤其是欧美国家工业技术发展迅速，但工业化发展并没有必然带来设计水平的提高。新产品如何设计、新出现的都市如何规划建造、新出现的公共媒介如何进行有效的视觉传达等等，都存在一系列的问题。

工艺美术运动、新艺术运动、装饰艺术运动所进行的设计探索由于它们的中心始终还是想逃避工业化生产和现代文明，或是想回到中世纪的手工业，或是试图从其它原始或外来文化寻求出路，或是没有意识到大众化的发展趋势，仍然为少数的贵族阶层服务。因此，必须有新的设计方法出现，来解决新的问题，为现代社会服务。现代主义设计应运而生。

1、现代主义设计的观念定义

民主主义

精英主义

理想主义和乌托邦主义

2 现代主义设计的形式特征

1）以功能主义为中心

2）提倡非装饰的简单几何造型：

六面建筑

玻璃幕墙

标准化原则

反装饰主义立场

中性色彩计划

3）重视整体设计规划

4）重视设计对象的费用和开支

现代主义设计的先驱

从这些现代主义设计的重要奠基人的设计思想和设计成就体会现代主义设计。

1、勒·柯布西耶（Gris Le Corbusier，原名Charles-Édouard Jeanneret，1887-1965）

勒·科布西耶是瑞士出生的建筑师、设计师、作家和画家，他以对现代建筑的贡献闻名于世。是现代建筑运动的激进分子和主将，被称为“现代建筑的旗手”，他和瓦尔特·格罗皮乌斯、密斯·凡·德罗并称为现代建筑派或国际形式建筑派的主要代表。于30岁左右成为法国公民。

虽然勒·科布西耶的大量作品和观点都有互相矛盾的地方，因此也引起不少的争论，但他仍然是现代主义的重要奠基人之一，对于现代设计带来很重要的影响。

重要经历及设计思想

柯布西耶出生于瑞士西北靠近法国边界的小镇，这个小镇曾经在18世纪被大火完全烧毁，以后重新规划了单纯得近乎单调的、几何式的、棋盘式的布局，对他有相当的影响，1907年先后到布达佩斯和巴黎学习建筑；

曾在德国贝伦斯设计事务所工作，在那里遇到格罗皮乌斯和米斯；

后又到希腊和土耳其周游，参观探访古代建筑和民间建筑；

1917年，发表《走向新建筑》，激烈否定十九世纪以来的因循守旧的建筑观点、复古主义的建筑风格，歌颂现代工业的成就，宣称设计和写作一样，应该建立在科学和所谓“放之四海而皆准“的法规中。由此看出柯布西耶的理性主义立场；

1926年 “新建筑五点”

底层架空

屋顶花园

自由平面

横向的长窗

自由立面

弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright，1967-1959）

是20世纪上半叶最有影响的建筑师之一。在他超过70年的建筑师生涯（从1887年到1959年）中，不仅设计了一系列具有个人风格的高质量作品，还影响了整个美国建筑的进程。直到今天，他可能还是美国最著名的建筑师。

重要经历及设计思想

曾在威斯康星州立大学学习土木建筑，但不感兴趣；

后在芝加哥当建筑绘图员，不久进入沙里文的建筑事务所，受沙里文现代主义和功能主义思想影响很大。

将其喜欢的日本建筑风格与沙里文的功能主义建筑结合；

将沙里文的“形式追随功能”（form follows function)发展为“形式与功能是一回事”（form and function are one)

1892年离开沙里文事务所，开始自己长达72年的独立设计生涯。

赖特对他的有机建筑观念提出六个原则

1、  简练应该是艺术性的检验标准；

2、  建筑设计应该风格多种多样，好像人类一样；

3、  建筑应该与它的环境协调；

4、  建筑的色彩应该和它所在的环境一致；

5、  建筑材料本质的表达；

6、 建筑中精神的统一和完整性。

总的来说，赖特的设计采用了大量的基本几何图形，比如方形、圆形、三角形等，在总体上采用网格的方阵方式，加上各种抽象的细部处理，总是具有特殊的装饰效果。他设计上的一个很强烈的特点是努力在自己的设计和周围的自然环境中找寻一种和谐的因素，设法使设计达到与自然的融合关系，成为自然环境中的一个有机组成部分，取得和谐。

日本风格的借鉴、几何图形的使用、建筑与环境融合

、阿尔瓦·阿图Hugo Alvar Henrik Aalto (1898—1976)

阿图是芬兰建筑师和设计师，因为他的杰出设计才能和对于现代设计的深厚影响，在斯堪地纳维亚国家有时被称为“现代主义之父”，他的作品包括建筑、家具、纺织品设计。

这位芬兰的设计大师在象一般现代主义设计师强调功能性、民主化的同时，还探索一条更加具有人文色彩、更加满足重视人的心理需求的设计方向，提出了有机功能主义的原则，把现代主义的单调面貌进行了大幅度的修正，奠定了斯堪的纳维亚国家独特的现代主义形式，对世界设计影响很大。

小结

从许多方面来看，阿图的设计具有轻松感、流畅感、剧烈、耐性，与通常具有冷漠、非人情化、高度理性特征的其他现代主义先驱的设计成为鲜明的对照。阿图不是仅仅简单地创造一个非人格化的、非人情化的人造环境，而是一生都在寻求建筑与设计中适应现代世界的协调特征，寻求一种人情化的趋向。为了使他的设计具有人情味道，阿图最热衷于使用木料，并通常采用复杂的木结构，因为他认为木料本身具有与人相似的地方——自然性的、温情的。

阿图最重要的作用也在于他对于斯堪的纳维亚国家现代设计风格的影响：

一方面他是现代设计的重要奠基人之一，吸收了现代设计的新材料，如钢管、水泥、平板玻璃等，及现代的建筑手法，如部件的拼合组装、玻璃幕墙结构等为自己的设计所用；

另一方面他保留了地区性、民族性的特点，广泛采用自然材料，尤其是木材料，讲究材料达的人情味，并采用有机外型，认为设计的个体与整体是互相联系的，椅子与墙面、墙面与建筑结构、建筑与环境，都是不可分割的有机组成部分，从而改变了德国现代主义的单调的、非人情化的风格，建立了既是现代的、又是民族的新有机功能主义风格，我们现在津津乐道的所谓斯堪的纳维亚风格，是与阿图的贡献直接相关的。

贝多芬、米开朗基罗和托尔斯泰是哪个时代的艺术家？

贝多芬(1770-1827)，维也纳古典乐派的代表人物之一。

米开朗基罗(1475~1564)是意大利文艺复兴的代表人物之一。

托尔斯泰(1828-1910)，

俄罗斯批判现实主义作家

贝多芬生于1770年12月16日，卒于1827年3月26日。德国著名音乐家，维也纳古典乐派代表人物之一。他的作品对世界音乐的发展产生了深远的影响，因此他被誉为“乐圣”。

贝多芬的主要作品以九部交响曲为主。代表作有降E大调第三交响曲《英雄》、C小调第五交响曲《命运》、F大调第六交响曲《田园》、A大调第七交响曲、D小调第九交响曲《合唱》(《欢乐颂》的主旋律)、前奏曲《爱格蒙特》、升C小调第十四钢琴奏鸣曲《莱奥诺拉》、F大调。他融合了古典音乐的成就，同时开辟了浪漫主义音乐的道路，对世界音乐的发展有着重要的作用。他的《月光》曾经以传说的形式出现在小学语文课本上。

贝多芬在音乐史上的地位极其突出。他不仅是古典风格的大师，也是浪漫风格的先驱。作为音乐大师，贝多芬也相当重视艺术歌曲。他是德国艺术歌曲创作的先驱。他一生创作了60多首钢琴伴奏的艺术歌曲。他的艺术歌曲以丰富的表现手法和形式表现了属于全人类的感情。他在艺术歌曲领域取得了非凡的成就。

米开朗基罗博那罗蒂(1475~1564)，意大利文艺复兴时期伟大的画家、雕塑家、建筑师和诗人，是文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。与拉斐尔、达芬奇一起被称为后文艺复兴三杰，也被翻译为米开朗基罗、米开朗基罗。他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术理念。他于1564年在罗马去世，他的风格影响了艺术家近三个世纪。小行星3001以他的名字命名，以示对后代的尊重。

托尔斯泰是19世纪中叶俄国批判现实主义作家、文学家、思想家和哲学家。参加克里米亚战争的世袭伯爵。回到YasnaYaPogliana的农场后，他致力于农民教育。1862年结婚后，创作了俄罗斯文学史上的巨著《春天》(1859~1869)和《月光曲》(1875~1877)。1879年，在经历了一场信仰危机后，他信奉和平主义，主张以不与邪恶作战的方式改造社会。并否定他之前的作品。因为执着于自己的信仰，家庭关系恶化，他在外出途中去世。他的作品多达45卷。还有著名小说《战争与和平》(1899)，剧本《安娜卡列尼娜》(1886)和几篇关于贝多芬维也纳的短篇小说和评论。

米开朗基罗文艺复兴

19世纪末20世纪初的列夫托尔斯泰(1828~1910)

贝多芬(1770-1827)，德国著名作曲家，父亲是德国宫廷歌手，从小接受父亲严格的音乐训练，学习钢琴和作曲。自1792年以来，他一直住在维也纳，以教学、表演和作曲为生。后来因为他的创作成就，成为德国维也纳古典乐派的代表人物之一。他的作品在欧洲音乐史上占有重要的地位，对现代西方音乐的发展产生了深远的影响。从28岁开始，贝多芬的听力逐渐下降，到50岁时，耳朵完全失聪。但他始终忍受着这致命的打击，坚持指挥作曲，与命运进行了不屈的抗争。贝多芬的主要作品包括九部交响曲，其中第三、五、六交响曲又称英雄交响曲、命运交响曲、田园交响曲，与第九合唱交响曲一起，都是脍炙人口的交响曲。除此之外，他还有《复活》等32首奏鸣曲，5首钢琴协奏曲，1首小提琴协奏曲，6首弦乐四重奏和《黑暗的势力》。

米开朗基罗意大利米开朗基罗是意大利文艺复兴时期的雕塑家、画家、建筑师和诗人。出生于佛罗伦萨。我从少年时期就开始学习绘画和雕塑，系统地研究了当地丰富的古代艺术杰作，临摹了大量的壁画。他的艺术创作以现实主义的手法和浪漫主义的幻想来表现当时市民争取自由的毅力和气魄。著名雕塑《悲怆》创作于他26岁的时候。这座5米多高的大理石雕像花了3年多时间才完成。雕刻像健美的身材，精美的造型，细致逼真地刻画了人物的意志和信仰，成为世界艺术宝库中的瑰宝。他的石雕《庄严的弥撒曲》，《大卫》，《晨》，《暮》都是以肌肉发达，身体强壮而闻名，既表现了他们动人的体态，又透露了他们内心的激情。

列夫托尔斯泰(1828-1910)是19世纪最伟大的俄罗斯作家。出生于贵族家庭，1840年进入喀山大学，受到卢梭、孟德斯鸠等启蒙思想家的影响。1847年，他辍学回到家乡，试图在自己的领地改革农奴制。从1851年到1854年，他在高加索军队服役，并开始写作。参加了1854年到1855年的克里米亚战争。多年的军旅生活不仅让他看到了上层社会的腐败，也为他后来的代表作《昼》真实刻画战争场景奠定了基础。1855年11月进入彼得堡文坛，代表作：自传体小说《夜》(1855)和《战争与和平》(1857)。这些作品反映了他对贵族生活的批判态度，他的“道德修养”思想和擅长精神分析的特点。从中篇小说《童年》(1856)可以看出，他站在自由派贵族的立场，主张自上而下的改革，却在自己的庄园里失败了。

贝多芬是哪个国家的音乐家？

贝多芬是德国作曲家。是一位德国作曲家，

钢琴家、指挥家，在小学课本当中介绍道贝多芬是德国音乐家路德维希·凡·贝多芬（LudwigvanBeethoven，1770—1827）德国作曲家、钢琴家、指挥家，维也纳古典乐派代表人物之一

路德维希·凡·贝多芬出生在德国逢恩，祖籍弗兰德。自幼学习音乐，很早就显露了音乐上的才华，八岁便开始登台演出。十七岁那年，波恩宫廷大学旁听哲学，也就是在这时与莫扎特有了短暂接触

他一共创作了9首编号交响曲、35首钢琴奏鸣曲（其中后32首带有编号）、10部小提琴奏鸣曲、16首弦乐四重奏、1部歌剧、2部弥撒、1部清唱剧与3部康塔塔，另外还有大量室内乐、艺术歌曲、舞曲。这些作品对音乐发展有着深远影响，因此被尊称为乐圣。路德维希·凡·贝多芬（LudwigvanBeethoven，1770—1827）德国作曲家、钢琴家、指挥家，维也纳古典乐派代表人物之一。他一共创作了9首编号交响曲、35首钢琴奏鸣曲（其中后32首带有编号）、10部小提琴奏鸣曲、16首弦乐四重奏、1部歌剧、2部弥撒、1部清唱剧与3部康塔塔，另外还有大量室内乐、艺术歌曲、舞曲。这些作品对音乐发展有着深远影响，因此被尊称为乐圣。是德国的音乐家

纳撒尼尔·霍桑(Nathaniel Hawthorne，1804-1864)是19世纪后期美国浪漫主义作家的杰出代表，也是美国文学的奠基人之一。如果从时间的角度划分霍桑的创作，其小说创作可大致分为前期的“新英格兰传奇”部分，中期的“心之寓言”部分，和后期的长篇创作部分。《年轻人古德曼·布朗》即属于中期的“心之寓言”部分的短篇小说之一。所谓寓言，就是用假托的 故事 来说明某种道理，达到劝诫、 教育 或讽刺目的的一种文学样式，其特点就是假借客观景物以代表某种观点，使客观的景物成为传达意念的工具。因此在寓言这种文学样式里，就会有大量的根据借助某物的具体形象来表现某种抽象的概念、思想和情感的象征手法的运用。而霍桑的被人称之为“心之寓言”的小说，正是运用了大量的象征手法来表现霍桑对人性之恶、宗教之虚伪的抨击的典型。

小说《年轻人古德曼·布朗》讲述了一个生活在17世纪末、巫术盛行时期的塞勒姆小镇中的青年古德曼·布朗的故事。小说中的布朗不顾新婚妻子的反对，执意要参加魔鬼的约会，并亲眼见证了人性丑恶。小说采用了超现实主义的手法，虚构了魔鬼、出现幻觉的森林、突然醒来的梦境等具有深刻寓意的人或景物，运用了多种多样的象征手法，使小说充满了浓郁的寓言感。

　一、人物的象征意义

在《年轻人古德曼·布朗》中，霍桑把小说里的人物分成了两大类，即生活里的好人和生活里的坏人。很显然，年轻的布朗夫妇就是典型的好人，因为“古德曼”在英文中是“好人”的意思，而布朗的妻子费丝的名字在英文中就是“忠实”、“信仰”的意思，对于妻子的忠实，布朗显然是深信不疑的，所以小说里才写道：“这名字对她恰如其分。”正是因为有费丝这位忠实而美丽的妻子的存在，才使好小伙子布朗赶赴魔鬼约会的决心一直在动摇，他的脚步迟疑着，内心中善与恶的斗争十分激烈：“天国在上，费丝在下，俺还是在对抗魔鬼，坚定不移!”然而，最终的结局却是让人失望的，行走在森林里的布朗虽然脚步并不快，但他却一直向前，特别是听到森林里费丝的哭声，确认自己最忠实的妻子费丝也来赶赴魔鬼的约会时，他心底那最后一点对光明的坚守破灭了，他开始感到绝望，狂叫着：“人世上根本没有善!罪孽不过是一个空名!来吧，魔鬼，因为这个世界都归你了!”“他纵声大笑，笑了许久。然后抓起拐杖又往前走，顺林中小路大步流星，不像在走，倒像在飞。……凭着凡人向恶的本能，他仍旧往前冲。”

布朗这种道德感的突然坍塌正表现出17世纪的美国移民的心理特征，布朗属于清教徒第三代移民，他原本是最虔敬、生活最圣洁的新教徒。100多年前，布朗的祖先们怀着纯洁的理想来到北美陆地开疆拓土，决心通过自己的勤劳和创造，把北美荒园建成他们理想的纯洁的人间乐土，并给后代们留下了道德上的楷模。作为这批拓荒者的子孙，小伙子布朗向往纯洁善良，追求道德上的完美。他对人性的纯洁善良有足够的信心，对生活怀着美好的希望，对妻子也有着深沉的爱。但与此同时，__的原罪说、人的内在堕落论又使笃信加尔文教的人们对人类的道德操守持怀疑态度，他们更容易看到存在于社会群体中阴暗的、残缺的、愚蠢的、罪恶的一面，从而更加坚信了原罪说的可信性。

霍桑笔下的这两个好人形象(布朗和费丝)正是代表着纯洁人类的典范，当他们的信念倒塌，纯洁的个性遭到毁灭时，其象征寓意是十分深刻的。19世纪30年代，美国发生了一场深刻的思想解放运动，这场运动的代表人物有爱默生、梭罗和富勒等，其代表思想就是超验主义。爱默生的《论自然》和《美国哲人》等作品中的超验主义理论，直接对抗加尔文教的正统思想，他主张人类应当回归自然，强调个性独立，应当从“美”角度放眼自然，从自然中获得最高的精神体验，从而使灵魂与自然合而成为宇宙。超验主义者所说的“自然”包括物质的自然与精神的自然，人类应当通过体验“自然”、置身于自然之中而净化灵魂，而不能依靠抽象的、压抑人性的教义来扭曲抹杀人性。这种超验主义思想深深影响了霍桑，霍桑把对超验主义的理解表现在他的小说人物身上，他试图通过裸露人的内心精神来展现人性的自然性和多面性，并以此来暴露宗教的虚伪。对此，美国著名小说家赫尔曼·麦尔维尔评价道：“他(霍桑)的最伟大的成就就在于他擅长对黑暗的描写，在于他对于人类心灵深处的黑暗的描写。”

在《年轻人古德曼·布朗》中，热心于赶赴魔鬼约会的并非只有布朗夫妻，而是一个很大的人群，他们大多都是在真实的生活里非常受人尊敬的人，有的是“非常虔诚的太太”，有的是“翌日将在州议会上露面的人物”，这些平日公众心目中的谦谦君子或淑女，却在这种含意暧昧的场所出现，和一些“自甘堕落的男人”、“声名狼藉的女人”杂合在一起，形成了“好人并不回避坏人，罪人面对圣人也毫无愧怍”的奇怪场景，难怪会让布朗震惊。因为这些人都是思想受到严格控制的清教徒，是在安息日里向大众布道的虔诚人物，他们在公众(包括布朗)的眼中是追求无欲无念、全身心皈依宗教的纯洁人物，现在却和魔鬼搅和在了一起，可见人的内心里隐藏着多么深刻的罪恶。这个人群的出现暴露了宗教的虚伪性，凸显了霍桑小说中“人性之恶”的最基本主题。正如英国作家劳伦斯评价的那样：“霍桑是一个可爱的蓝眼睛小伙子，他对人类心灵深处的罪过一清二楚，并用巧妙的伪装加以揭露出来。”

　二、森林和蛇杖的象征意义

《年轻人古德曼·布朗》的整个故事场景设置于森林之中，而且是深夜里的森林，这又是 寓言故事 的一大特征。在许多古老的寓言故事中，发生故事的场所都是森林，如《伊索寓言》、《克雷洛夫寓言》中的许多故事，都是以森林为背景的，因此，“森林”成了寓言类作品的一个常用的场景和常用的象征体，在寓言里，森林早已不再是一个植被密集的可爱所在，而是一个充满黑暗、凶险、迷幻、鬼怪的地方，而《年轻人古德曼·布朗》这种充满寓言色彩的小说放置于森林这个场景中去，正是想让好小伙子布朗的这次与魔鬼的约会充满玄秘与凶险。果然，好小伙子布朗自从进入到森林里之后，森林便开始展露它的凶险，森林一直制约着布朗的行动，布朗一开始“踏上了一条凄清的小路，阴森森的树木遮天蔽日，挤挤挨挨，勉强让狭窄的小径蜿蜒穿过。人刚过，枝叶又将小路封闭了起来，荒凉满目。”这象征着布朗走向的是一个阴暗的所在，同时也说明布朗踏上的是一条灵魂的不归之路，黑夜笼罩下的森林给人更加深刻的罪恶感，单纯的布朗将在这种罪恶的挤压之下走上道德的反面。而当布朗看到自己纯洁的妻子也受到魔鬼的诱惑，感到纯洁的世界已被颠覆时，他身边的森林也发生了奇特的变化：“树木吱吱嘎嘎，野兽嗷嗷嗥叫，印第安人哇哇呐喊。”当布朗明白邪恶和力量是多么强大的时候，森林这个隐藏魔鬼的地方也显露出了它的本来面目，将一切邪恶都展现了出来，使身陷其中的布朗更加疯狂，更加丧失理性。在森林风声的伴奏之下，布朗听到的唱赞美诗的歌声也变了样：“这不像人声，更像幽黑荒野中的一切一齐发出的轰轰呼声，阴森可怖。”在这里，森林完全成了一个罪恶的世界，正如小说中的黑色的人影(魔鬼的化身)所说的那样：“整个大地就是一块罪恶的污迹，一块巨大的血迹，远远不止这些。”

另外，在小说中还出现了一个重要的道具：一根弯弯曲曲的蛇杖。这根蛇杖拿在布朗的同行人的手里，这个同行人其实就是魔鬼的领路人，也是一切罪恶的怂恿者。每在关键的时候，蛇杖就可以引诱、扶持奔赴魔鬼约会的人向前行走，让他们进入罪恶的深渊中。作者在小说里多次写到这根蛇杖，并一再强调它是“最引人注目的东西”：“一条酷似黑蛇的手杖，精雕细刻，活脱一条扭来扭去的大蛇。”;“他把手杖往她脚下一扔，到了她那儿，那东西大概就突然变成了活物，因为主人曾把它借给过埃及的 魔术 师。”这根蛇形的手杖的原型显然来自于伊甸园里的那条引诱亚当夏娃犯下原罪的蛇，蛇形手杖的寓意就是指引人们奔向罪恶，诱惑人们犯罪，正如霍桑在《自我中心;或心底之蛇》中所写：

“于是他就使自己那条实际的蛇——如果他心底当真有一条蛇存在的话——成了每个人致命的错误或密藏的罪孽或不安的良心的预示，并且毫不懊悔地将其蜇牙扎进最痛苦的地方。”

　三、梦境的象征意义

在小说的结尾处，霍桑设下了一个悬念：他让好小伙子布朗在魔鬼的受洗仪式就要实施的关口突然惊醒过来，好像从一场噩梦中猛醒过来：“邪恶的化身就在这里头(指一个天然的盛满鲜血的凹坑)浸湿他的手，准备在他们额头上留下受洗的印迹，好让他们分享罪恶的秘密……‘费丝，费丝，’丈夫叫道，‘仰望天堂，抵挡邪恶!’话刚出口，就发现自己已孤单单地身处宁静的夜，正侧耳倾听风声沉甸甸地穿过森林，消失无声。”就是在这一声对上帝的呼唤声中，原本嚣张的魔鬼突然消失，森林归于平静，所有的人们都退去不见。那么布朗方才经历的一切真的就是一个梦吗霍桑在小说里并没有明白地告诉读者，这就成了他留下的又一个象征性的寓意，读者可以从霍桑的身世里去寻找答案。

霍桑出身于一个真正的清教徒世家之中，霍桑家的第一代祖先曾是一位殖民地法官，因对17世纪新英格兰贵格会成员进行残酷的迫害而臭名昭著，而第二代祖先与1692年塞勒姆的“驱巫案”有关，因而受到了严厉的诅咒，这一切都在霍桑敏感的心灵上留下了抹不去的阴影。祖先所犯的罪行在他心中引起的罪恶感如此深重，以致他时常怀疑其家族的败落、父亲的早亡与此相关。为此，他曾经改姓，以示自己与家族祖先之区别。这一切造成了霍桑创作上的独特心理：他既相信“原罪说”，又不肯全面接受“原罪说”;既相信“一代人的罪孽要延续到后代”的说法，又不甘于顺从这种宿命的安排。所以，霍桑一方面认为人类有向恶的本性，一方面又力求通过道德的力量得到精神上的救赎，从而获得新生。于是在《年轻人古德曼·布朗》中，霍桑不甘心于让好小伙子布朗真正落入魔鬼之手，所以在小说的结尾安排了一个悬而未决的结尾，让道德的力量在关键时刻起了作用，唤醒了沉迷在邪恶中的人，这也说明了霍桑的宗教观点：“内在世界一旦净化，外在世界游荡着的许多罪恶都会自行消失。”同时也说明，人类的内心虽然存在着恶念，也同时存在着向善的力量，如果一个人能坚守内心的高尚情感的话，再可怕的魔鬼也会自动退却。

在《年轻人古德曼·布朗》中，还有许多象征手法的运用，如费丝的粉红色缎带、黑夜里怪异的圣歌、点燃的松树、森林里一块巨石形成的祭坛，都有着善与恶、美与丑的深刻寓意。正是在这一连串的象征手法中，霍桑小说的主题更加深刻，人物性格更加丰满，寓言特征更加鲜明，宗教的理念与小说的手法巧妙地融合在了一起，霍桑的道德观得到了很好的诠释。正如李燕乔在《西方现代文学中的原罪说》所评价的那样：

“文学和宗教虽然有着天壤的区别，但至少有一点是共同的，它们都试图对生活中的现象和人的本质做出评判，只不过两者的 方法 和结论完全不同。西方现代文学所表现的人和社会在某种程度上更接近__对人和社会的描述，现代作家更多地把社会的弊端归于人的天性，希望通过某种途径使人性得以净化，从而使现代人摆脱他们的困境。”