蝴蝶夹胸机，坐姿推胸，卧推。分别有什么区别？

一、蝶机夹胸

蝶机夹胸（butterfly）也称蝶机飞鸟，主要用来锻炼和刻画胸大肌中沟深度，让胸大肌看起来更饱满。

目标锻炼部位：锻炼胸沟分离度

动作要领：

1、调整座位高度，使把手与你的肩在同一高度，双臂保持微弯状态，注意双臂不要打开过度（打开到背平面就可以了），以免伤到肩关节，重量不要太重，内收时停顿3秒，充分挤压胸大肌。

2、呼吸：每做1次自然呼吸1次。

二、坐姿推胸

初级健身爱好者，固定器械练习是安全有效提升身体素质和肌肉感觉的方式，胸部练习最典型的是坐姿推胸（seated chest press），它可以有效的提高胸部肌肉的感觉，提高肩关节、肘关节和腕关节的力量。为今后进行哑铃杠铃卧推练习打下坚实的基础。

目标锻炼部位：胸大肌

动作要领：

1、调整座位高度，使把手与你的肩在同一高度，双臂保持微弯状态，注意双臂不要打开过度（打开到背平面就可以了），以免伤到肩关节，重量不要太重，内收时停顿3秒，充分挤压胸大肌。

2、呼吸：每做1次自然呼吸1次。

三、卧推：

卧推是仰卧推举的简称，也叫卧举或卧推举，能增加胸部的肌块，刺激胸部肌块，能有更好的肌肉健美效果，打造出一个好身材的型男。

目标锻炼部位：胸大肌、胸小肌、三角肌前束

动作要领：

1、下放2秒，停顿1秒，上推1-2秒。

2、呼吸：每做1次自然呼吸1次。

扩展资料

健身运动可以采用各种徒手练习，如各种徒手健美操、韵律操、形体操以及各种自抗力动作。

也可以采用各种不同的运动器械进行各种练习，如哑铃、杠铃、壶铃等举重器械，单杠、双杠、绳、杆等体操器械，以及弹簧拉力器、滑轮拉力器、橡筋带和各种特制的综合力量练习架等力量训练器械，还有功率自行车、台阶器、平跑机、划船器等有氧训练器材。

健身运动的动作方式是多种多样的，既有成套的各种徒手健美体操；也有球、棒等轻器械体操，这些主要用于女子健美训练，借以减肥和改善体形体态，提高灵活性，增强韵律感；更有许多能发达身体各部位肌肉的举重练习动作和其它动作。这些动作主要用于男女强壮体魄、发达肌肉，也用于男女健美训练。

为了达到形体健美的目的，需要有专门的训练方法。例如采用杠铃等举重器械做各种动作时，在器械的轻重、动作的做法，安排的组数、次数，运动的速度等方面都有特殊的要求和安排。

参考资料：

：健身

以七星瓢虫为画画可叫什么名称

以

七星瓢虫

为画画可叫金龟、新媳妇等别称。

1、在观察、与老师的交流中用绘画的形式表现七星瓢虫的外形特征。

2、用红色来涂七星瓢虫的的身体,用树叶添加背景,初步让幼儿感受画面的完整性。

形态特征

身体卵圆形,背部拱起,呈水瓢状。头黑色、复眼黑色,内侧凹入处各有1淡**点。触角褐色。口器黑色。上额外侧为**。前胸背板黑,前上角各有1个较大的近方形的淡黄地。

小盾片黑色。鞘翅红色或橙**,两侧共有7个黑斑;翅基部在小盾片两侧各有1个

三角形

白地。体腹及足黑色。

七星瓢虫怎么画

七星瓢虫可以这样画如下:

1、先从眼睛开始画,七星瓢虫的眼睛比较大,头比较小,所以脸蛋和嘴巴非常的可爱小巧,不要忘记了七星瓢虫还有两个小触须。

2、再给七星瓢虫画上身体,首先七星瓢虫有两个会飞的翅膀,像一把大剪刀,然后画上七星瓢虫的手和脚就可以上色啦。

3、七星瓢虫的眼睛是要涂上黑色的,翅膀下的身体也是黑色的,翅膀上的斑点也是黑色的,然后翅膀是大红色,也是大家对七星瓢虫印象最深的颜色。最后给脚涂上**,可爱的七星瓢虫就画好啦。

拓展:

瓢虫为鞘翅目瓢虫科(学名:Coccinellidae)圆形突起的甲虫的通称,是体色鲜艳的小型昆虫,常具红、黑或**斑点。别称为胖小、红娘、花大姐(指二十八星瓢虫,这是一种害虫)、金龟,甚至因为某些种其分泌物带有臭味而俗称为臭龟子(但这也是混称)。

英文名ladybirds_1]_(又称ladybug)里的“lady”一般被认为是暗指在天主教信仰中的圣母玛利亚。全世界有超过5000种以上的瓢虫,其中450种以上栖息于北美洲。

瓢虫为鞘翅目瓢虫科(学名:Coccinellidae)圆形突起的甲虫的通称,是体色鲜艳的小型昆虫,常具红、黑或**斑点。别称为胖小、红娘、花大姐(指二十八星瓢虫,这是一种害虫)、金龟。

甚至因为某些种其分泌物带有臭味而俗称为臭龟子(但这也是混称)。英文名ladybirds(又称ladybug)里的“lady”一般被认为是暗指在天主教信仰中的圣母玛利亚。全世界有超过5000种以上的瓢虫,其中450种以上栖息于北美洲。

七星瓢虫旁边画什么

七星瓢虫旁边可以画一些仙人掌、灯笼、彩虹、小花、仙灵精灵等,表现出画家朝气蓬勃、勤劳勇敢的信念,象征着人人争取美好未来的希望。

　很多古装的古代美女图画都很漂亮，尤其是手绘的古装美女，特别唯美。下面是我为大家整理的古代美女图画绘画，希望大家喜欢!

古代美女图画绘画展示

古代美女图画绘画1

古代美女图画绘画2

古代美女图画绘画3

古代美女图画绘画4

　古代美女图画绘画5 　中国古代美女审美

　中国汉代以前，人们对女性只注重面部形象，到了魏晋，才开始着重于装饰。魏文帝喜欢打扮华丽并将头发挽成蝉翼形的妃子。唐朝是开放社会，容许袒胸露臂，崇尚的女性体态美是额宽、脸圆、体胖。

　唐朝以后没有定论。宋朝以后，大致是以观音菩萨的本貌作为女性美的高标准，各个时代所雕塑绘画的观音菩萨，就是当时审美标准的具体说明。

　时代对美的诠释更是大相径庭。唐代世人又以体态丰腴、丰胸肥臀的杨玉环为美;但是到了宋代人们以“身轻如燕，身姿窈窕的赵飞燕(汉代)为最美。”

　中国古代四大美女指的是中国古代的貂蝉，西施，王昭君和杨贵妃。四大美女享有“闭月羞花之貌，沉鱼落雁之容”。“闭月、羞花、沉鱼、落雁”是一个个精彩 故事 组成的历史 典故 。

　娥眉青黛：娥眉是女性的眉毛，青黛娥眉便是把眉毛剃掉，再用青黑色的颜料来绘画眉毛，这种眉毛化妆，早在西周时已十分流行，在《诗经》和《楚辞》中，便已出现这个形容词。细腰雪肤：虽然古代四大美人之一的杨贵妃，是身材丰满的美女，但国人还是偏好纤瘦型美女，细腰便是腰肢幼细;雪肤则是肌肤雪白，相传赵飞燕便是细腰雪肤的表表者。

　莲步小袜：莲步是指美女的脚步，更指缠过的小脚。小袜则指缠足女性所穿的袜子;小脚步伐如莲，再穿上小袜，便成为美女的一种美态。

　中国各朝代的审美标准都不同，而当时女性地位低，往往要为了迎合男性的眼光去塑造体态，做出损害身体健康的事。例如春秋战国时楚国某国君喜欢腰细的女子，不少宫嫔因为节食减腰而饿死，故有“楚王好细腰，宫中多饿死”的说法。

　汉代时赵飞燕以身材轻巧见称。而唐朝时则崇尚丰满，认为丰满的人生育能力强，武则天与杨贵妃都是身材丰满的女人，“燕瘦环肥”就是指赵飞燕和杨玉环。

　中国古代有不少男性恋足，缠足的习俗相传起源于五代十国南唐宫中。明清时认为有“三寸金莲”的女性才是美女，所以不少女性被迫缠足至弓型，严重损害健康。

　中国传统上病态美的女性亦受到喜爱，给人一种柔弱、楚楚可怜的感觉，激起男性的保护欲，例如春秋时期越国美女西施，相传她心痛时捧心皱眉的样子很迷人。著名小说《红楼梦》里的林黛玉也是病态美的代表人物。

　古代中国美女的三围标准：当今社会，女人的身材标准已经渐渐模糊，有的丰满成熟，有的纤瘦清纯，各有各的追求者。17世纪，佛兰德画家鲁本斯所画的妇女，在当今是不会被当作“美”的典型的，她们苍白的脸上略带粉红色，显得光彩夺目。

　胸围：古代中国人对女性的胸围要求不高，对拥有一双丰满隆起的乳房的女性也颇不以为然。其实，古代男子欣赏的女性乳房是恰堪一握的丁香乳。

　腰围：公元前6世纪的楚灵王偏爱细腰女子;与楚襄王同时的楚人宋玉，在其《登徒子好色赋》中，对那位漂亮的“东家之子”也有“腰如束素”的描写有所偏爱。不过，纤细腰身，荆楚一带的风尚。而对大多数中国人来说，只要腰身和整个身材配合得宜，宽与窄都无所谓，美其名曰“小蛮腰”;细腰美其曰“杨柳腰”。具有“曲线玲珑”之美。

　臀围：它的丰满与否，成为古代中国美女的重要件之一。其原因，中国人认为臀部浑圆的女人会多生孩子。在“不孝有三，无后为大”的古代农业社会里，肥臀自有其重要性。

古代描写美女的诗句

　1、届笑春桃兮，云堆翠髻;唇绽樱颗兮，榴齿含香。

　2、闲静似娇花照水，行动如弱柳扶风。

　3、足下蹑丝履，头上玳瑁光，腰着流纨素，耳垂明月当。指若削葱根，口如含朱丹，纤纤作细步，精妙世无双。

　4、北方有佳人，绝世而独立。

　5、绰约多逸态，轻盈不自持。尝矜绝代色，复恃倾城姿。

　6、一顾倾人城，再顾倾人国。

　7、若把西湖比西子，浓妆淡抹总相宜。

　8、腮凝新荔，鼻腻鹅脂，温柔沉默，观之可亲。

　9、美女卷珠帘，深坐蹙蛾眉。但见泪痕湿，不知心恨谁。

　10、心较比干多一窍，病如西子胜三分。

　11、清水出芙蓉，天然去雕饰。

　12、聘聘袅袅十三余，豆蔻梢头二月初。春风十里扬州路，卷上珠帘总不如。

　13、借问汉宫谁得似可怜飞燕倚新妆。

　14、有女妖且丽，裴回湘水湄。水湄兰杜芳，采之将寄谁。

　15、回眸一笑百媚生，六宫粉黛无颜色。

　16、俊眉修眼，顾盼神飞，文彩精华，见之忘俗。

　17、沉鱼落雁，闭月羞花。

　18、瓠犀发皓齿，双蛾颦翠眉。红脸如开莲，素肤若凝脂。

　19、媚眼含羞合，丹唇逐笑开。风卷葡萄带，日照石榴裙。

　20、两弯似蹙非蹙笼烟眉，一双似喜非喜含情目。态生两靥之愁，娇袭一身之病。泪光点点，娇喘微微。

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相信很多小伙伴练胸都是从卧推开始的，不可否认卧推对胸肌的刺激很强烈，但是完美的胸肌仅仅凭卧推是不够的，我们需要对胸肌各个部位进行刺激。龙门架可以很好得满足我们的这个需求。绳索夹胸之所以可以对胸肌进行全方位的刺激，是因为其可以调节绳索高度、身体角度和动作姿势，不同的高度、不同的角度、不同的姿势对应不同部位的胸肌。

绳索夹胸分为站姿、坐姿和卧式三种，其中卧式夹胸又可以分为上斜、下斜和仰卧三种，上斜主要锻炼胸大肌上部，下斜主要锻炼胸大肌下沿，平卧主要增加胸大肌围度，其效果和哑铃飞鸟效果相似，坐姿夹胸和站姿相似，而且目前最常用的也是站姿，所以今天小白主要讲站姿绳索夹胸。

站姿绳索夹胸又可以分为高、中、低位夹胸。低位绳索夹胸主要锻炼上胸，平行绳索夹胸主要锻炼中胸，而高位绳索夹胸主要锻炼下胸。

站在龙门架中间，将绳索调至较高位置，下拉时，躯干前倾45度，主要锻炼胸大肌上部和三角肌前束，躯干前倾30度，主要锻炼胸大肌中部的外侧、中缝和下缘沟，而躯干前倾15度，则主要锻炼胸大肌下部的下缘沟、中间沟和外侧。

所以我们在进行训练时，可以根据自身情况自由选择或者进行组合训练，比如高位绳索夹胸、平行绳索夹胸、低位绳索夹胸分别做4组，每组20个，就可以全面锻炼你的胸肌。

说了这么多，最后小白来介绍一下绳索夹胸的动作要点。

高位绳索夹胸：站在龙门架中间，双脚略分或成弓步，身体稍向前倾，双手抓住拉力器把手，上臂抬起至略高于肩或与肩齐，肩关节放松，两手肘微屈，手腕稍向内扣，背部挺直，集中胸大肌发力，由上往下把把手拉至小腹前，使胸大肌处于顶峰收缩，稍停，缓慢还原。

平行绳索夹胸：与高位绳索夹胸类似，不过是把绳索位置调到与肩平行。

低位绳索夹胸：将绳索调至最低位，初始时肩胛骨后沉，发力是将双臂由下往上合拢至胸部，并保持手肘角度不变，其他类似高位绳索夹胸。

最后，小白在提醒一下，不要单纯的追求重量，注意胸肌的收缩和伸展，感受胸肌的发力感，不要单纯的追求重量和次数而白白流汗！

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(FXLeyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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美国20世纪50年代服饰风格什么样（）？

美国20世纪50年代服饰风格具体如下:

1、新风貌(newlook)

1947年2月17日,克里斯蒂-迪奥(ChristianDior)在巴黎推出以“花冠”命名的系列时装,这个设计可以说是震惊了整个世界!几乎世界所有的媒体都以其为头版头条。有人甚至惊呼:是Dior的“NewLook”真正的结束了

第二次世界大战

,让人们遭受战争重创的心灵重归美好与宁静。

新风貌具有19世纪上层妇女的那种高贵、典雅的服装风格,但运用新的技术和新的设计手法,重新演绎,表现出的女性化与战争时期的男性化形成强烈的对比。

袖子长度通常到小臂中央,即所谓3/4袖,里面衬以长手套。圆润平滑的自然肩线,用乳罩整理的高挺的

丰胸

,连接着束细的纤腰,用裙撑撑起来的宽摆大长裙,长过小腿肚子,离地20CM,搭配细跟高跟鞋,整个外形十分优雅,女性味十足。

2、鸡尾酒装

这是克里斯蒂-迪奥(ChristianDior)在1948年推出的新样式,其设计的要点是前胸开领比较低,

吊带

在肩膀靠近手臂的位置,胸部和肩膀较为暴露。

领口成V形或心形,裙身则有

A字裙

或直身式。裙长至小腿,比正式的

晚礼服

稍短,非常适合在时间较早的社交活动中穿着,是介于休闲和正式晚礼服之间的一种服装。

3、风衣外套

宽松过膝的长外套亦是本季标志性的服装,但多选择皮质或其他挺括的面料来营造硬朗的线条,同时搭配腰带,凸显柔美感,与内里的无袖收腰连衣裙相呼应。

4、裙子

裙子有两种,一种是包得紧紧的,另一种则是稍宽松的百褶喇叭裙。百褶喇叭裙很费料,所以最初在面临饥荒的欧洲推广十分艰难,结果在富裕的美国首先流行起来。

5、牛仔裤

便宜及耐穿的

牛仔布

以前是干粗活的工人及牛仔的服饰,在50年代大为流行,任何年龄及阶层的人都穿在身上。

马龙白兰度

、占士甸的牛仔裤配皮夹克的性感坯子、流氓形象更被当时千万的叛逆青年抄袭。

扩展资料

第二次世界大战结束后,西方服装不再像战前“男

军装

,女工装”的单一装扮。在社会变化和一批设计师的努力下,创造了50年代西方高级时装的辉煌,成为永远的经典,载入了时装的史册,也使高级时装业的发展达到了划时代的高峰。

20世纪50年代是时尚界拥趸服装新定位、新色彩、和新剪裁的时代。在这个标志性的时期,人们逐渐摒弃了如海报女郎、和乡村摇滚服装的复古花哨明艳风。

50年代是一个纸醉金迷,优雅奢华的“GossipGirl”盛行的闪耀年代。它更彰显了女性之为女性的特点:精致、优雅、奢华而甜美浪漫,并萦绕着我们回味至今。

参考资料来源:

-新风貌

参考资料来源:

凤凰网-西方史上最优雅的20世纪50年代的服饰有多美

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!