你认为为什么有些油画作品中的女人，背对着观众？有什么寓意吗？

艺术既然来源于生活，生活中林林总总五光十色的现象都可以成为艺术表现的题材和内容，如此也成就了艺术的形式多样丰富多彩。

油画向来以人物画居多，尤以女性人物画著称。很多女性人物油画以完美的构图丰满的造型绚丽的色彩将女性的美表现了出来，塑造出各种各样的美丽多姿的女性形象。或秀丽端庄，或婀娜纤巧，或温婉妩媚，或宁静贤淑，或丰姿绰约，或风情万种，或雍容华贵，或娇小玲珑，等等等等，真个是千姿百态，千娇百媚，美不胜言，美仑美奂。

形体美是女性特别是青春女性的重要特征，是油画艺术的重要表现形式。在众多的女性人物油画中，有正面的，有侧面的，有背面的；有站姿的，有坐姿的，有卧姿的；有动态的，有静态的，通过各个不同的角度，将女性的美淋漓尽致的表现了出来。

以背影呈现的女性人物油画在油画中并不少见，特别是人体油画中表现的比较多。这是因为：

其一，艺术的表现形式是多种多样的，表现背影和表现正面都是艺术表现的需要。如果油画表现的都是人物正面形象，也会给人形式单一单调千篇一律的感觉。

其二，女性的背影也可以体现出女性的美。比如女性身体曲线的美，冰肌玉骨的肌肤美，充满活力的柔性美。而且通过背影刻画也可以反映出人物的情感情绪和性格。

其三，刻画背影可以给观者更丰富的想象。观众在欣赏人物美丽的背影时，会想象人物是怎样的容貌，有多大年龄，以及人物的性格、命运是怎样的等等，引发更多的联想。

其四，以背影呈现是艺术创作上的需要。比如人体油画作为一种特殊的艺术题材形式，受一些因素制约影响，不宜直观表现或者含蓄表现更好，有时会以人物背影的画面呈现。

　　油画是以用快干性的植物油调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。那么你对油画了解多少呢以下是由我整理关于什么是油画的内容，希望大家喜欢!

　　油画的材料和工具

① 颜料，分矿物质和化学合成两大类。最初的颜料多为矿物质颜料，由手工研磨成细末，作画时才进行调和鼻衄内。近代由工厂成批生产，装入锡管，颜料的种类也不断增加。颜料的效能与其所含的化学成分有关，调色时，化学作用会使有些颜料之间产生不良反应。因而，掌握颜料的效能有助于充分发挥油画技巧并使作品色彩经久不变。

② 松节油，是一种挥发性医用油。在油画的调制中，起稀释颜料的作用。一两分钟即可完全挥发，干后无光泽。将松节油和调色油按照一定比例混合使用，干得较快，色彩也比较亮。

　　③画笔，用弹性适中的动物毛制成，有尖锋圆形、平锋扁平形、短锋扁平形及扇形等种类。

④ 画刀，又称调色刀，用富有弹性的薄钢片制成，有尖状、圆状之分，用于在调色盘上调匀颜料，不少画家也以刀代笔，直接用刀作画或部分地在画布上形成颜料层面、肌理，增加表现力。

⑤ 画布，标准的画布，是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后，用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面制作而成。一般做成不吸油又具有一定布纹效果的底子，或根据创作需要做成半吸油或完全吸油的底子。布纹的粗细根据画幅的大小而定，也根据作画效果的需要选择。有的画家使用涂过底色的画布，容易形成统一的画面色调，作画时还可不经意地露出底色。经过涂 作后，不吸油的木板或硬纸板也可以代替画布。

⑥ 上光油，通常在油画完成并干透后罩涂上光油，保持画面的光泽度，防止空气侵蚀和积垢。

⑦ 外框，完整的油画作品包括外框，尤其是写实性较强的油画，外框形成观者对作品视域的界限，使画面显得完整、集中，画中的物象在观者的感觉中朝纵深发展。画框的厚薄、大小依作品内容而定。古典油画的外框多用木料、石膏制成，近现代油画的外框较多用铝合金等金属材料制成。

油画的主要影响

油画的流派分为两大类。第一类是以客观的再现为主的创造性作品;第二类是以主观表现为主的创造性作品。

在第一类中如文艺复兴后出现的巴洛克、洛克克、古典主义、学院主义、浪漫主义、现实主义、写实主义、照相写实主义、印象主义都是以再现自然为基础，表现画家不同的思想与目的。　巴洛克派——巴洛克流行于17世纪至18世纪。“巴洛克”一词原意有不整齐、扭动、怪诞的意思。推崇运动的扭曲，形体的丰腴与量感，其艺术语言强烈、夸张、动、浮华，这是巴洛克派绘画的特点，其代表人物为鲁本斯。

洛克克派——“洛克克”原意是指贝壳的形状，其艺术风格为繁琐、精巧、纤细、甜腻、流行于18世纪，其代表画家有华多和弗朗索·布欧等。

古典主义与学院主义——古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，技法精湛，刻画深入。这也是学院主义的奉行的原则。正如学院派奠基者法契诺所讲“美是所有艺术品的最高目标，它是事物的一种客观性质，由秩序、和谐、比例、规矩所组成”。其代表作家有拉斐尔、安格尔等等。

浪漫主义——浪漫主义起源于法国19世纪初期，其代表作是籍里柯的《梅杜萨之筏》，在此作品中的构图、光线、色彩、动态、表情都表现了艺术家丰富的想象力，它打破了古典主义的构图中的水平与垂直，光线的柔和与均匀，使画面产生了一种 。这也是浪漫主义绘画的重要元素，注重感情的宣泄与表达。

现实主义——现实主义绘画指19世纪中叶，以米勒为首的画家主张用忠实于物件的手法去表现正常的视觉形象，反映生活的本质。其代表作有米勒的《拾穗》等。

写实主义和照像写实主义——写实主义就如它的创始人库尔贝在1885年所讲的：“象我所见到的那样，如实地表现我这个时代的风俗，思想和它的面貌。一句话，创造艺术就是我的目的。”

照相写实主义是对生活以一种照片式的形式搬上画面，如克洛斯的《约翰像》。它绘制作品要先拍成照片或幻灯片，再把它以比真人大十倍的比例精细地放大到布上，更细腻、更逼真地表现出物件的细节，如脸上的每一丝肌理和每根汗毛等。印象主义——印象主义是19世纪的画家们走出了自己的画室，去探索自然界中光与色的瞬间变化，打破了传统观念上固有色的概念，如树是兰绿色、阴影是黑色，它把周围的环境色对固有色的影响进行了客观的绘制。其代表画家有莫奈、修拉、塞尚、雷诺阿等。

如果说以上提到的画派还是画家在忠实的再现自然，只是对其进行了发挥新增，强调和发展的话，下面所介绍的第二大类，即后印象主义、野兽派、立体主义、未来主义、抽象主义、超现实主义等，它们不再是对客观物件的真实描绘，而是根据画家的主观意图进行自由创作，它们大多出现在20世纪以后。

后印象主义——后印象主义画家强调表现自我感受，注重色彩的对比和事物的内在结构，其代表画家有凡高、高更等。这个画派对现代西方绘画产生了深远的影响。

野兽派——野兽派以夸张的造型、强烈的色彩、粗犷的线条表达内在 ，马蒂斯是这一画派的创始人。

立体主义——立体主义画派，画面的视点已不再是一个方位，而是对事物进行全方位的表现，使物体还原成几何形体。其创始人是西班牙画家毕加索和法国画家布拉克。

未来主义——未来主义画家以抽象的形式，运用色彩、线条表现运动速度、力量及其组合与分隔。

抽象主义——抽象主义是依靠线条、块、面、色彩，进行无具象的抽象进行组合，其代表画家为荷兰画家蒙德尔安。

达达主义—— 达达主义对后来的超现实主义、活动雕刻、波普艺术直到后现代主义都有一定影响。

超现实主义——超现实主义画派受柏格森的直觉主义及弗洛伊德的潜意识学说的影响，主张表现人的潜意识和梦幻。代表画家有西班牙画家达利、米罗。

油画技法示例

单色的明暗调子薄涂法确有其显著的优点，特别是画很复杂的物件和画那些难以掌握的姿势时，它的优点更加明显。第一，因为它是单色的，在起稿阶段可以放手去解决素描和构图问题，毋需顾及色彩。第二，用很薄的薄涂法可以反复进行修改，不会出现一般油画中因为涂改过多而变得杂乱、污秽的毛病。在起稿阶段解决了素描、色调和边线等问题，以后集中精力于色彩和结构，就轻松多了。

第一步：将熟褐和象牙黑调合成微暖的中间调子，要以熟褐为主，加入松节油使之稀薄、透明，用大猪鬃笔涂在整幅画布上用中等粗糙程度的画布，然后画人体的最暗区域——头发。画头发要用稍厚一点的颜色，即在调合同样的中间调子时少加一点松节油，头发遮住了整个脸部，但它应能表达出画中人的强烈表情。我把发块不作为头发处理，而把它处理成一块确定大小和形状的暗色调。即使在开始阶段，明暗和素描要力求画准确。画准一个区域性，再画准另一个区域性。各个区域性是相互关联的，一部分画不准就会影响其它，而整个局面就不能控制了。

第二步：这一步要把人体形象清楚地画出来。先用软布沿着人体手臂和拱起的膝盖上部表面擦去一些原来的调子，造成亮的层次。用于猪鬃笔在伸开的腿部和背部擦去更多一些，造成亮的层次，并使整条手臂形成中间调子。可以用清洁的软布头或笔蘸上松节油改动调子，但在打轮廓阶段绝对不能用不透明的白色。在这个阶段，边线问题和明暗、素描同样重要。从肩部顶端到手腕，以及穿过伸展的膝部的这些边线都相当明显，而从腋窝到手腕底部这段手臂下缘的边线却不那么明显，这些并非偶然现象。

第三步：在人体上画出所有的主要亮部。头、臂、肩和弯著的膝部暂时不去动它们，先在躯干的下部、臀部、收拢的那只脚和伸开的腿部发展亮的调子。这些部位原来的色层已经干燥，可用软布蘸上松节油将它擦去。其余部分看起来似乎是模糊的，但仍然是准确的。除了最终有特别亮的部分外，调子和形状都是正确的，位置也恰当。

第三步，用各种不同的方法上颜色。在前臂，三头肌和背部的肩肿骨部位，用重而平的笔触。在抬起的大腿中央，膝部和胸部，基本上是用调色刀。在手臂下面，抬起的大腿和脚之间，以及骨盆后面这些暗部，用薄而透明的颜料。在整个加工过程中，保持暗部的透明性十分重要。强烈的不透明的亮部和浓厚的透明的暗部相互作用，给人体带来立体感。在加工阶段，还要用调色刀将手臂下面暗部的斑点轻轻刮去，这些刺眼的斑点是厚的横笔触在画布的粗糙表面结构上形成的。另外，还要用獾毛笔将臀部和伸开的腿部下方那些难看的笔触弄光滑些。獾毛笔和貂毛笔能形成美丽柔和的笔触，但往往也会出现软弱松散的不良效果，使用时必须注意。最后完成的人体：布面油画，20″×30″。在完成阶段，再次致力于边线处理。在形体转折明显的地方，如能抬起的膝部顶端，边线就清晰些;在形体转折圆钝的地方，如内侧举起的大腿下方以及头发左缘与背景汇合处，边线就模糊些。在肩部和靠扰的那只脚上，用厚涂法即在表面用厚颜料堆砌。 油画的影响

油画人物的技法表现

1、光线的布置运用

光线使物体产生明暗，可以表现空间，可以勾画形体，也可以传达情感。

直射的强光打在物体上，会使物体产生清晰且明确的明暗对比，强光直射的地方，形体能够得以清晰呈现，其他形体的表现会随着与光线的距离而减弱。

2、人物轮廓的处理

在油画人物的创作中，光线的影响和造型的需要，会造成人物轮廓线的虚实变化。

在自然光的照射下，漫射是绘画者普遍采用的用光形式，形体的某些暗部透视成形体的边缘线。

侧方光线十分适合塑造人物的体量感、厚重感，人物轮廓在侧向光源下有着较大自由度，变化丰富；逆光条件下，形体面部到背部，是由暗部到亮部的渐变，此时对人物轮廓的处理一般较为松动、模糊。

油画人物的构图方法

一、视觉中心的安排

有经验的绘画者擅长将观者的目光，引导向自己设计的点，甚至会依照主次在画面上安排多个视觉中心。如果是单人油画，位置往往是画面的视觉中心；如果是多人组合肖像，视觉中心就是靠近画面中心位置的人物。

二、画面的布局

1、水平式构图

水平式构图是指画面布局，呈水平线出现的构图形式。

2、垂直式构图

垂直式构图能够充分展现物体的高大、深度和一种明确的力量感。

3、三角形构图

三角形构图是油画创作中最为常见的经典构图方式，也是最具稳定性和完整性的构图形式。

这张勉强看到背

是清晰大图

http://wwwaw8org/cpg/albums/youhua/artist/Emile%20Munier%20%281840-1895%29/normal_Munier_E__Le_Sauvetagejpg

画风看起来是Leonid Afremov的。

leonid afremov（1955- ），中文常翻译为李奥尼德·阿弗莱莫夫 (leonid afremov)，他并非以色列人，而是白俄罗斯画家。此人生于白俄东部的维帖布斯克城，毕业于该地同名艺术大学，这所大学是由著名的现实主义画家马克·夏加尔创办的，惹眼的是合伙人中的名字——超感性主义（Suprematism）的创始人马勒维奇（Malevich）注①和抽象派画家瓦西里·康丁斯基（Wassily Kandinsky）（1866-1944）注②。在那个令人烦恼的年代，Leonid Afremov发现只有共产主义题材海报才能在苏联卖得掉，在1990年他只得去以色列发展，2周内他在那里找到一份广告公司制作户外广告的差事。交货前夕，这个倒霉的人的工作室被抢占并毁坏了，而后他移居美国，现居佛罗里达州。

Afremov著重於用浓墨重彩表现都市和风景题材，动物也不错，但是感觉他在人物绘画方面不怎么感兴趣。不管怎么说，Afremov对光影的表现体现在大色块大铺陈，最绝的是他对反光物体及环境色的把握。对油画技法运筹帷幄，娴熟地将斑斓色彩铺洒在画布上（有时他好像不怎么用调色刀，直接用油画笔一气呵成地铺色）。