试论周韶华西部山水画的图式个性及情感表达

摘要：中国山水画已有上千年的发展历史，细观每一时期的经典山水画作品，可以发现不同时期的山水画作品均有不同的图式个性。图式作为山水画作品中可视的艺术形象，它具有丰富的情感性和生动的表现力，直接反映着艺术家对客观山水感性体验的表达。纵观周韶华西部山水画作品，可以发现其作品图式与传统山水画的图式拉开了很大的距离，其作品图式特点主要以满幅构图和浓墨大板块结构为主，他在集传统与西方绘画的基础上追求着自己的图式个性，其西部山水画的构图特点与他本人的思想、生活经历和艺术实践有着密切的联系，基于此，本文就对其进行探究并详细阐述这一联系。

关键词：周韶华 西部山水画 图式特点 情感

从上世纪80年代起，周韶华多次西行，深入祖国的西部地区进行了艰辛的艺术实践与采风活动，并取得了斐然的艺术成就。通过观察他的西部山水画，可以发现他的西部山水画作品格调很独特，其西部山水画作品的图式特点主要是以浓墨大板块结构和满幅构图为主，这同西方绘画的图式有着相似的地方。我们知道中国绘画注重笔墨，善于把所要表现的客观物象转化成笔墨结构，并把表象程式化，然而西方绘画则善于将团块结构进行重新组合，以强化作品图式的张力结构，可以清楚的看出西画则是把表象形式化了。然而，通过观察周韶华西部山水画作品时，不难看出，他把这两者都调度到“气势”和“力度”的表现上，从而提炼了他的西部山水画图式。通过观察他的西部山水画作品时，总会给人以一种不言而喻的势能感，他将力度视为西部山水画的魂魄，每观传统的山水画作品时总会给人以“望秋云，神飞扬；临春风，思浩荡”般的惬意；然而每每看到周韶华西部山水画作品时，会使你感知到的是山河湖海的呼唤、历史的呼唤和时代的呼唤，同时也是一位东方赤子的深情呼唤。那么周韶华西部山水画作品的图式个性及情感表达具体有哪些呢，下文将给予详细论述。

1 满幅构图的图式特点

周韶华在表现西部山水时，大部分作品均采用了满幅构图的表现形式，通过观察这一类作品时总会给人以强有力的张力感和充实感，正如艺术评论家刘曦林先生对其所言，“仿佛雄关大笔不足以壮其骨，原色重染不足以现其情，冲破那纸的边沿也不足以张其力”。如作品《狂澜交响曲》、《雪域之灵》和《火洲图》等。作品《狂澜交响曲》采用了满幅构图，并且以写实的表现手法描绘了黄河壶口瀑布奔涌不息，激越飞扬而势不可挡的图式形态，作者借用西方绘画中的肌理手法来表现作品中激起的瀑布，斑斑勃勃并富有生动的表现力，远山则以淡墨渲染，营造出作品的空间感和层次感，整幅作品，近实远虚，使人看后总给人以身临其境之感。从这幅作品我们可以领略出作者借用黄河瀑布的奔涌不息来来表现人类生命力的顽强和自强不息的思想情感，尽管作品满幅构图且只有数尺大小，但是给观者传达出的信息是很丰富的。再如作品《火洲图》，该作品同样采用了满幅构图的表现形式，描绘了一队行旅驼队艰难的行走在无比炎热的火洲走廊上，整幅作品，气势恢宏。画面以红色为主，猛一看，好像一团烈火熊熊燃烧，山地间流出很窄的一道白并将驼队疏密得当的置入其中，可以发现驼队已经非常的精疲力尽了，但是却没有停下来。周韶华作为一名革命出身的艺术家，献身于革命和艺术事业对于他来说都是同等的重要，在这幅作品中，从侧面也反映了作者积极向上的革命热情和生命精神。同时作者通过这样的图式和色调也为我们展现了西域之景的壮美。

通过以上论述可知，作者以个性化的图式结构为我们展现了西部山水的形貌，同时也是基于对客观自然对象内在结构的提炼。西部地区因具有辽阔，苍茫的特点，作者以满幅构图的造型方式来表现之，使观者看后会立刻体悟到西部山水之大。从这些作品的思想意蕴深层次来讲，作者均采用这种充实的满幅构图为我们传递出正能量和积极乐观的人生态度。

2浓墨大板块的图式特点

在周韶华西部山水画作品中，浓墨大板块可以说是又一图式特点，他花费了将近30年时间对其进行探索与完善。从他的西部山水画作品中可以看出，浓墨大板块结构是其画面构成的基础，同时也是各个要素中起决定作用的要素，其构成样式和质量决定着作品的个性和质量。通过观察周韶华西部山水画中弄墨大板块结构的这类作品时，可以清晰的看出他的浓墨大板块结构图式有点类似于以小见大的篆刻艺术，在简洁、整体和单纯的图式结构中依稀可以看出所表达客观物象的丰富、充实和磅礴。如作品《征服大漠系列—战旱极》，该作品为典型的线面结合之作，细观该作品可以看出作者是用大排刷以及浓墨画出的严谨大板块，用来支撑着画面的图式结构，随后在以毛笔勾出浓淡干湿和粗细疏密等不同质感的曲线，画面背景则以留白、蓝色和**来表现，为观者营造出了一个脍炙人心的图式结构，整幅作品大气磅礴、气势雄伟。周韶华这种浓墨大板块结构图式与他水墨画革新中的“革命理想主义和革命的英雄主义”是吻合的，同时与他所追寻的“意象、结构象征、主体”等都归一了，并且与他的“大将气派”也相符合。从《征服大漠系列—战旱极》作品中也可以看出人类在恶劣的环境下也不完全是无能为力的，通过工业革命是可以战胜干旱的，从这幅作品也可以看出人类在战胜干旱沙漠时所表现的超拔智慧。

通过以上分析论述可以看出，他的浓墨大板块结构图式融汇了西方表现主义因素，同时又传承着中国画“畅神”传统，这也证实了他所提倡的“隔代遗传，横向移植”艺术理论。

综上所述，周韶华的西部山水画图式个性有着极强的主观意识，并在其诸多的作品中形成稳定的艺术样式。其个人图式风格的形成与自身思想和人生经历等因素息息相关，这种因素直接促使他心理情感的表达，这种情感深深地镌刻在周韶华西部山水画作品的图式之中，同时也强有力的表现了他个人与众不同的艺术气息。

参考文献

陈传席著，中国山水画史[M],江苏美术出版社，1988

周韶华著，大家之路—周韶华[M],山东美术出版社，2016

作者简介

雪松，山水画专业，书法爱好者

色彩装饰着我们的世界，我们的生活因为有了色彩的存在变得多姿多彩，色彩的不同，带给人的视觉体验也就不同。色彩本身是没有情感的，但是由于它能引起给人们不同的情绪，人们通过把色彩带给自己的情绪表达出来，这时候色彩就有了情感。油画当中最主要的表现形式就是对色彩的运用，色彩寄托着画家的情感。画家在对油画进行创作的过程中，通过对不同色彩的运用来展现自己的情感，通过色彩来与观赏者进行情感上的交流。本文笔记通过对色彩的重要性进行了深入的分析，并就此阐述了色彩在油画中的情感表现。

2017 薛金拥油画 50cm×60cm

艺术家丰富的色彩情感可以激发艺术家的色彩想象力，色彩想象力越丰富就越能够将感情色彩表现得更为充分，从而创造出来的作品也就越具有感染力。随着绘画技术以及绘画观念的不断发展，绘画作品中的个人情感表现越来越被艺术家所重视，在这样的背景下，油画中色彩的情感表现的地位也越来越突出，对于油画中色彩的情感表现手段也越来越丰富，开始出现很多注重色彩情感表现油画作品。但是如何更好的将色彩更好的运用到油画之中并展现出色彩的情感，还需要我们更加深入的了解油画作品中色彩情感表现的本质。究竟色彩的情感表现是怎样的呢？笔者对此进行了如下的论述。

一、情感表现对油画产生的影响

画家的情感要通过的色彩的创作表现出来，画家对客观事物的情感表达也就是油画作品中的情感表现。随着油画创作的不断发展，情感在油画中的体现越来越被艺术家们所重视。例如新古典主义中运用色彩、笔触因素和运动式的线条来表现出紧张的气氛，拉斐尔前派以青、绿、紫为主调来营造画中感伤、寂静的环境，并用色彩来表达画中人物的心理情绪。

2017 薛金拥油画 50cm×70cm

二、色彩的重要性

我们生活的各个角落色彩随处可见，人们随时随地都在和不同的色彩打交道，如果生活中没有了色彩，那么我们的生活将变得苍白而又无趣，正因为有了色彩，我们的生活才显得灿烂多姿。色彩不仅让我们的生活变得更为丰富有趣，还能让人的视觉充满情趣。因此，色彩对我们的生活尤为重要。再次，绘画中用得最多的就是对色彩的运用，色彩是最具有视觉表达能力的要素，色彩就是绘画作品的灵魂和生命，色彩可以表现出绘画作品的寓意，能更增强绘画作品的感染力

我爱祖国。

儿童绘画能表达自己真实的情感世界，绘画更是一门艺术，具有全面提高儿童诸多素质的优势，同时也是孩子们的一种娱乐方法，是提高各项素质的良好手段。

祖国，孕育了生命，滋润了万物。我爱你，祖国，我爱祖国的一草一木。我爱祖国的滔滔江河，我爱祖国的绿水蓝天。

对艺术创作者来说，绘画过程与情感表现主要体现在以下几个方面：

1 创作方向和题材选择

创作必须是自己全身心投入并通过一个画面来表达自我情感的过程。首先你要让自己看得见，感动自己，再让别人看得见，感动别人。灵感的到来往往是偶然中带着必然，肯定中带着否定的。外界环境因素提供的养分往往属于偶然，储存在脑海中的思想感情是必然。

对于艺术创作者来说，题材往往是表达个人思想的媒介。每个艺术创作者都有自己独特的艺术风格和情感表达，每个作者对自然生活的理解都有个人见解。选题目就是选自己的心思和灵魂，选自己应该对别人做什么样的表达。艺术创造最忌讳的就是虚情假意、矫揉造作，艺术作品可以通过艺术家本人注入自己的真情实感诠释着美的真谛。艺术源于生活，一旦脱离现实生活，脱离自然规律，就会失去生命力。画家需要通过他们的艺术修养和独特的艺术视野进行筛选，把自己的情感和感悟同现实社会发展进行有机结合，融入到创作作品中。

2创作过程和表现手法

在绘画创作的早期阶段，首先要做的是充分准备，再进行实地考察、拍摄、后期制作、整理等一系列复杂的工序，在准备阶段也需要结合自己的情感和愿望。在最初选定题材的过程中，绘画艺术创作者往往是摇摆不定的，他们需要通过细致的观察和切身的体会，将自己的感情进行分析以及一系列强化，逐步激发创作灵感，而不单单是机械式地临摹素材。

反之，如果对绘画对象的本质不了解，那么这种创作就失去个性。没有个性的作品就没有生命力，失去了存在的价值和意义，没有任何情感共鸣。因此，绘画创作者的自我情感表达很有研究意义，只有一个十足的情感生活体验，才能创造出震撼人心的作品。

综上所述，在艺术实践过程中，绘画对象经过艺术家加工后，与原始事物大相径庭。通过艺术创作者的情感表达，创造出一件有灵魂的艺术作品，正是因为这种创作欲望，才会激发艺术创作者的表达激情，观者所看到的不再是真实存在的物象，而是艺术家在自我情感和奇妙灵感的催化剂下，产生的一种新的抽象形式。

一、莫奈《印象·日出》。

这幅名画是莫奈于1872年在勒阿弗尔港口画的一幅写生画。他在同一地点还画了一张《日落》， 在送往首届印象派画展时， 两幅画都没有标题。一名新闻记者讽刺莫奈的画是“对美与真实的否定， 只能给人一种印象”。莫奈于是就给这幅画起了个题目——《日出·印象》。它作为一幅海景写生画， 整个画面笼罩在稀薄的灰色调中， 笔触画得非常随意、零乱， 展示了一种雾气交融的景象。

日出时， 海上雾气迷朦， 水中反射着天空和太阳的颜色。岸上景色隐隐约约， 模模糊糊看不清， 给人一种瞬间的感受。当时有个批评家，在文章中借用莫奈《印象。日出》一画的标题，讥讽这个画展的画家是“印象派”。“印象派”最基本的一个特点，是由于他们吸收了当时一些科学家对于色彩的研究成果，通过自己的写生实践，发现了过去长期不被人们注意的一些色彩现象，从而在绘画的色彩上引起了一个重大革新。

二、保罗塞尚：《苹果与橙子》。

油彩；纵74厘米，横93厘米；作于约1895-1900年；藏于法国巴黎奥赛博物馆。由于画模特儿时人会动，这使塞尚很恼火，所以他多画静物，他认为：“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。

他的作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。他往往把不同的对象安排在一起，借以获得不同色彩的形的完美的和谐。

比较有名的有《静物苹果篮子》以及这件作品。塞尚作为“后期印象派”的代表人物，他一生的艺术活动，都是为了追求他心目中所谓永恒的形和坚实的结构。他说：“世界上一切东西都是按球体、锥体、圆柱体的形式塑造出来的”。

三、凡高《向日葵》。

《向日葵》是荷兰画家梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作。梵高用简练的笔法表现出植物形貌，充满了律动感及生命力。一藏于英国伦敦英国国家美术馆，另一幅在阿姆斯特丹的梵高博物馆。

这种风格主要表现在：他喜欢用对比强烈的大色块和粗黑的轮廓线表现形体和组织画面。从他所使用的强烈的色调、充分发挥色彩的情感因素，使色彩成为表达思想情感的重要手段。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画面像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。然而，在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。

观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。总之，梵高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体。

四、毕加索《裸体、绿叶和半身像》

这幅画是毕加索的裸体、绿叶和半身像系列的开始，这幅画是为画家的缪斯女神和情妇玛丽·泰蕾兹·沃尔特创作的。有趣的是，毕加索只用了一天就画完了这幅画，并使它成为世界上最昂贵的画作之一。

五、贾斯珀·约翰斯《国旗》

国旗，美国国旗的绘画已经成为艺术家贾斯珀·约翰斯的杰作，因为自己做的一个梦受到的启发。约翰斯在三种不同的画布上使用油画，蜡纸和新闻纸拼贴。这幅画的旗子有一个蓝色的区域有48个白色的星星和13个红色的白色条纹。事实上，他所使用的新闻纸是精心挑选的。当然，这成为了世界最昂贵的画作之一。

六、爱德华·蒙克《呐喊》

爱德华·蒙克的呐喊是有史以来最著名的画作之一。画家用表现主义的色彩创造了明亮的天空，一个神秘的人在痛苦的尖叫中紧紧地抓住他的脸，独自站在一个码头上。毫无疑问，它是世界上最昂贵的画作之一。有趣的是，画家非常诚实地表达了他内心的烦恼和焦虑。

对社稷繁荣安定的渴望。

根据春耕图中的内容，作者心志高远，胸怀宽壑，借春耕这一生活化的语言表达对社稷繁荣安定的渴望。

《春耕图》是魏紫熙创作的绘画作品。

中国美术作品中人物的情感表现画法如下：

如果是头像素描，则很注重所画人物的情感表现，眉、眼、嘴是五官中表情的集中体现，画准这几个地方，模特的表情就能得到好的表现。

观察人物头部的骨架构造及头部的姿态，用线条描绘明暗关系，表现出旋转变化角度，了解掌握脸部肌肉、运动态势对于画好头像起着至关重要的作用，确定大体框架后再进行其他元素绘画。

五官是人物的主要特征。眼睛具有探幽入微的特点，因此人眼的描绘在肖像素描中处于至关重要的地位，甚至是描绘人物神态的成败之举。

情感是态度这一整体中的一部分，它与态度中的内向感受、意向具有协调一致性，是态度在生理上一种较复杂而又稳定的生理评价和体验。情感包括道德感和价值感两个方面，具体表现为爱情、幸福、仇恨、厌恶、美感等等。

情感是一种特殊的主观反映，其发生过程实际上是人脑对于事物价值特性的刺激与感受的生理过程，它与一般意义的刺激与感受生理过程的不同之处在于：刺激信号不是事物的物理或化学特性，而是事物的价值特性，具体地讲就是事物的“价值率高差”。

1、色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现 在一幅画中，最能体现画家情感的是色彩的变化。如果说画家的情感表现是一幅作品的灵魂，那么色彩就是绘画手法中的灵魂。画家的绘画创作目的就是用作品来表达自我的情感，那么只有通过对事物的色彩研究、总结、归纳，才能完成这一创作目的。 在画面中，体现的往往是高兴的或悲剧的。爱德华·蒙克的作品体现的就是浓重的悲味，在他的作品中给人的感受往往是压抑的、悲惨的，在画面中有一种类似被抽干血肉的干尸或骷髅的感觉，他们像幽灵一样在画面上晃动。而他通过使用纯度较高的亮色与暗色的混合使用强化了这种感觉，使作品带有鲜明的个人情感。 在色彩情感表现的世界里，最具有代表性的就是毕加索，他的一生是可以用颜色总结的：忧郁的蓝色时期、快乐的玫瑰时期。在孤独无助的蓝色时期中，其所创作的作品中最具代表的是《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难；而在玫瑰时期的作品，画面人物表情虽依然冷漠，却已注重对和谐美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，又已从先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对生活充满了兴趣、关注及信心。 所以我们在表现中，就要利用色彩的冷与暖、厚与薄、亮与暗寻找色彩的象征性和表现性，使其描绘的对象具有象征意义，让它们产生精神上的含义。

2、线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现 线条的情感表现是多样性的，曲线表示优美，直线表示刚强。而在油画创作的世界里，线条的作用也是多样的，对于写实油画而言，线条服务于造型，更多的是一种辅助的效果，而对于表现性油画创作中，线条则是情感的抒发，在画面中也更加的具有独立性、生动性。 在创作中线条的应用中，概括来说，可分为两种：一是线条情感的艺术表现，二是线条情感的自然表现。两者是有着本质区别的:第一，线条情感的艺术表现是为了更好地服务画面效果，不会毫无顾忌地使用线条，在使用线条的时候更加具有目的性。而线条情感的自然表现则是更加随心所欲一些，他表现的是画家创作过程中的心理反应，也许当时线条的应用只是一丝丝的灵感，而恰是这一丝丝的灵感，创作出一个遐想的空间。第二，线条情感的艺术表现是丰富的、细腻的、繁琐的，也许会有一些共性的东西。而线条情感的自然表现则是单调的、狂野的、简洁的，拥有更多的是作画者的个性展现。而在创作过程中，只有把艺术表现与自然表现更好地融入在一起，才能创作出拥有自我真实情感的作品。 奥地利表现主义画家席勒，他的作品受蒙克、克里姆特等人画风的影响，注重线条的表现是席勒作品不同于其他艺术家作品最明显的标记。席勒的绘画作品充满灰暗、焦虑、扭曲、痛苦、让人感受到席勤的生命始终笼罩着死亡的阴影，极具艺术表现力的艺术语言和充满震撼力量的线条，使得艺术家的内心真实情感和对人生的感悟跃然纸上。他的作品《死神与少女》、《自画像》、《干洗房》等以扭曲的人物造型、神秘的自然风景表达对人类生存、对生与死的思考，运用颤栗紧张的线条和夸张变化的色彩加强感情的力量，致使画面笼罩着一种痛苦、憔悴、紧张和性压抑的气氛，体现出强烈的表现主义精神。

3、创作内容的创作内容的创作内容的创作内容的情情情情感表现感表现感表现感表现 如果说色彩是画面的灵魂、线条是画面的骨骼，那么创作内容就是画面的血液，时刻流淌在画面的每一个角落。只有选择正确的、合适的内容去表达，才能够在创作中表现出自己的真实情感，心甘情愿地为创作去付出、去思考。 在创作内容的选择上，往往有两种误区：一是“题材决定论”就是认为在创作题材的选择上，只有表现重大题材的艺术创作才具有崇高的艺术价值；表现平凡题材的艺术作品只能具有平凡的艺术价值。这是不正确的，它否定了油画创作的表现性和多样性。达·芬奇认为艺术可以表现任何题材。他说，宇宙中存在的一切，不论是可能存在、实际存在还是在想象中存在的，都能出现在艺术家的“心里”,“然后移到他的手上”，称为艺术作品的题材。其次，题材不能决定作品艺术价值。18世纪的英法艺术家认为，“历史画”是高贵的，“肖像画”、“静物画”、“风景画”是低贱的，这是不对的。19世纪德国画家马克斯·李卜曼有句名言：“画得好的白菜头比画得坏的圣母头更有价值。”艺术作品的价值，不完全取决于画什么，而是看画家的综合素质和在创作中所投入的真实情感。 二是“题材无差别论”，认为题材仅仅是艺术家表达思想感情的媒介，对艺术作品是无关紧要的。克莱夫·贝尔说，艺术作品的题材，如“叙述性绘画”，具有“历史方面价值的画像”，乃至连环画中所讲的动人故事都是非艺术因素，“不仅不能唤起审美感情，反而会影响它和干扰它”。这种观点是错误的，题材在艺术创作中不具有破坏干扰作用，也不是无关紧要的，题材在一定程度上制约着艺术作品的价值，只有符合时代背景下的艺术创作，才能更容易地唤起自身的情感，将之描绘在画布上。董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》等题材都是一定程度上体现了作品的价值。 总之，创作内容在艺术创作中的作用是很重要的，它是构成艺术作品必不可少的内容之一，也是表现画家情感的基础，只有拥有好的创作内容，才能呼唤起画家对创作的兴趣和激情。

摘自赵君超、马信中《浅谈油画创作中的情感表现》，希望对你有用。