钢琴演奏中力度、音色和情感因素的关系?

　　钢琴演奏的心理声学是研究声音和它引起的听觉及其心理现象之间的关系的一门边缘学科。它既是声学的一个分支，也是心理物理学的一个分支。心理声学在钢琴演奏中的运用，不仅关系到演奏者如何从整体上把握演奏的心态及其定势，而且有助于把钢琴演奏作为一门学科进行思考。本文力求对钢琴演奏中出现的心理声学问题作客观的分析，阐述演奏的音乐行为及法则，并对演奏的音乐行为给予描述和解释。

　　音乐与物理现象，人类社会及精神世界的关系是一种内在的、本质的联系。钢琴音乐表现的媒介是声音世界。钢琴是单一音色的乐器，它的每一音各具自己固定的发声体。钢琴声源响出的条件是决定于各音的琴弦、附加在各琴弦前的琴键、以及琴梭的运动方式，而触键的情况则决定了琴运动的速度，触键的力度是钢琴音色变化的最基本缘由。

　　音乐原初的动力矢量——声音是具体化的力。每位钢琴演奏者都以自己独特的感情体验，把握着乐音的式样之间的许多不同类型的关系，选择有音乐潜在性的声音类型，迎接着演奏音乐，而音乐在每个演奏者的感情世界中所激起的回响也迥然各异。音乐对于每个演奏者可能意味着完全不同的心弦和音。演奏者所感觉的就是发出来的声音本身，而这个声音就是演奏者弹奏动作经过钢琴而发出来的。听声音与发出声音是一种循环反应，愈是用心听，愈能发出心里的声音．对乐音获得或宏或细或粗或精的不同感知层次。在钢琴演奏上，声音的准备并不只是身体上的，而是要演奏者如何去聆听、感觉和思考，倘若只用情绪牵引演奏者去感觉声音是不够的，还要知道如何在身体上去准备声音，在心理上去准备声音。任何一个演奏者都必须具有对声音“准备”有相当水准的能力，同时也能够在不同的地点、不同的钢琴上调整自己所需要达到的要求。

　　有关节奏的分句的一切因素最终都由速度来控制和调整。速度的含义有两个，其一，某一作品所要求的速度；其二，演奏者处理这一速度的方式。在音型雷同的连续演奏中，最基本的一条就是既不能快得含糊不清又不能慢得冗长单调，而且必须始终保持均匀、平稳的脉动，除非出于表情上的需要而不得不中断这一连续的脉动或者加以变化。

　　速度是一个相对因素

　　不可否认，某个作品的初始速度不是绝对固定的。正如两个朗诵者以不同的速度来朗诵同一首诗，都可以很精彩一样。两位钢琴家尽管采用不同的速度，也可以把同一首乐曲表现得非常出色。因此，演奏家要判别正确的演奏速度，只须自问一下，这一速度是否体现作曲家的精神和创作意图。正因如此，演奏家对于即使是由作曲家亲自标注的节拍机标记，也往往可以采取相当自由的态度。 有时也会出现对我们有利的情况：一首作品被标上两个节拍标记，一个代表最快的极限，另一个代表最慢的极限。

　　学生为了达到节拍标记上的速度要求，常常试图用超过自己能力的极快的速度来演奏，结果导致层出不穷的错音和技术上的失误。请记住克里斯蒂安的忠告：“用很强的力芳和很快的速度弹奏大量的音符，远不如清晰地弹出每个音符并且体现作品的精神来得困难。”因此，最好不要去迁就那些麻烦的节拍标记，而把你的速度严格地限制在力所能及的范围内。

　　因此，一首乐曲的总的情绪——生动的、安宁的或者忧郁的——是我们首先需要考虑的问题。事实上，大多数下速度有关的意大利术语，往往更多地含有表情上的意义，而较少指速度。比如“行板”（andante）并不含有“慢”的意思，而是指“向前走”；“快板”（allegro）也不意味着“快”，而是指愉快或欢乐的情绪。生动活泼和明亮辉煌的效果绝不可能仅仅依靠速度来取得，如果那样的话，那么最雄辩的布道者就应当是那些说话最快的人了。正是精确而有控制的节奏、清晰而恰当的重音才能显示健康的律动。它们甚至在慢速乐曲中都会带来充沛的生命力。

　　速度的变化

　　然而，基本节奏的稳定绝不意味着速度的刻板。正如雅典神庙建筑中那些貌似笔直的线条其实无不具有微小的弯曲度。同样地，表面上固定的节奏，在艺术家的手指下保持一种奥妙的灵活性，能够使其具有人情味，而减少呆板的情绪。

　　这种灵活性我们在上文关于延音重音（agogic accent）的讨论中已提示过。尽管延音重音在每个第一拍上稍稍延长，可是由于这一效果一再不断地重现，所以并不破坏规则的节奏脉动。在演奏以节奏因素为主的作品时，钢琴家主注意力要放在节奏律动上，尽量避免其它不规则的因素的影响。只有当要模仿歌唱家的抒情或戏剧性表情时，才允许更自由地表现。

　　因此，在一些强调结构规整的作品如：巴赫的对位作品和海顿、莫扎特与贝多芬早期的奏鸣曲中，要严格遵守速度要求，如果不遵守，就会一团糟。但是我们也可以从上述几位大师的杰作中选出一些显然已预示浪漫主义风格的作品，比如巴赫的《半音阶幻想曲和赋格》。

　　一般说来，结尾处的速度变化不论在古典还是现代音乐中都是被许可的。比如在巴赫的时代，往往通过最后的终止式的渐慢来加强作品结尾的庄严。不过，在技术辉煌的乐曲中，最后的渐强总是由相应的速度渐快来渲染效果——见贝多芬的《奏鸣曲》(op13)及莫什科夫斯基的《芭蕾旋律》(op36,no5)。反之，速度渐慢则加强了结尾处渐弱的安宁气氛，如格里格的《摇篮曲》结束处。

　　毫无疑问，演奏抒情性乐段，特别是贝多芬的慢板乐章时，应当有一定的感情表现上的自由度。但是“在演奏气势庞大的作品，也就是结构边贯的大型作品，如贝多芬的奏鸣曲时，我们往往必须克制自己给每个细节以过多的丰富变化的欲望，以免忽略乐曲大的轮廓、总的情绪和布局上的气势。”[马泰伊（mattay）：《音乐解释》]所以，在从巴赫以前的时代直至今天的所有音乐大师的作品中，感情表现的意义终究在于对速度范围的控制——不要顾虑那些所谓的“古典主义者”的异议，他们在演奏前人的作品时，很可能把音乐的灵感和精神统统掩埋了！就连门德尔松这位向来在演奏速度上一丝不苟的钢琴家，在被他本人《无词歌》的情绪所感染时，也禁不住放松了自己的原则。的确，在一阵自由的幻想中，他竟然用不断地渐快来处理作品35号第1首中那严肃的赋格！

        琴为悦己而展颜，琴为知己，亦为伙伴。古代有豪情万丈琴声断，行云流水风云起，似水柔情美人笑，轻纱曼舞升太平。

        家里有琴，心似海，家里无琴，心牵挂。都说有琴才能学，有琴才能弹。真的是这样吗？难道没琴就不能抚摸，抚琴了吗？难道没琴就一定要放弃琴吗？当然不是了，“琴”它只是一个载体，承载着心里所想，心里所思，心中所爱，心中所感的灵器。我们可以借由它施放一切的情感，好与坏，它都不会和你计较，也不会和你生分。

        我家中没琴，但是我知道，总有一天我会有属于我自己钟意的琴，一把爱不释手，亦己亦友，一起见证，一起分享，一起陪伴，一起欢笑，一起哭泣的琴。没琴就不爱了吗？对于我而言，不爱是不可能的，琴是我钟爱的乐器，也是我的伙伴、知己，怎么可能会遗失了它呢？我知道，总有一天，我们会相遇，会相见，一起发出我们的光，一起成长，一起遇见更好的自己。

对中提琴的一些科普，及中提琴和小提琴的区别，节选自搜狗百科，有兴趣可以了解一下。

中提琴（Viola）是一种弓弦乐器，其音域比小提琴低完全五度。其空弦从粗到细依序是c-g-d'-a'。音色相较于小提琴、大提琴显得相对隐晦。

在室内乐中，中提琴是一个重要的角色。

莫扎特的《弦乐五重奏》系列，将中提琴的特点发挥得淋漓尽致，他的作品采用两把中提琴，一把作为独奏，另一把作为和声，极大地丰富了音乐的表现力。

莫扎特的《交响协奏曲》里，中提琴和小提琴一样重要。

演奏中提琴虽然看起来和小提琴很接近，实际上中提琴和小提琴的演奏技巧有很大的不同，比如弓法。

由于体积变化，演奏中提琴对体能要求更高，据说小提琴师练习几个月中提琴后再演奏小提琴会有很大进步。

通常中提琴的体积更大，弓弦更长，左手可以演奏出更宽更强的颤音，右臂运弓的距离离身体更远，演奏者必须将左肘伸得更远甚至弯过来，这样手指才能够到最低的弦，只有手指稳定有力才能发出一个清晰的音，除非演奏者的手特别大，普通人都需要学不同指法。

中提琴的弦通常比小提琴粗一些，因此音色更柔和低沉。

同时，更粗的弦也意味着发音更慢一些，如果一个小提琴手和一个中提琴手一起演奏，中提琴手必须比小提琴手提前一点拉弦，这样中提琴和小提琴声音才能同时发出，更粗的弦还意味着拉动中提琴需要更多的力量。

中提琴就像是放大了一号的小提琴，也是按五度调音，它的四根弦比相应的小提琴琴弦低一个纯五度，其中有三根琴弦为两种乐器所共有，发音也完全一致。

但是，中提琴的音响听起来和小提琴完全不同，中提琴比较沉着，带点鼻音，像是一位很严肃的学者在谈论严肃的话题。

中提琴的音色代表的感情色彩基本都可以表达，但是一般表达一种忧郁不快的情感，有的时候表现幽静的场景，也可以表达热闹的场面。

用特殊的拨弦法，它的音色也是很祥和的，叫人有安逸之感。

由于是弦乐器，表情十分丰富，易于表达人的情感，它比小提琴的音色更富有感染力，更贴近人的声音，使人们便于参与，易于接受。

小提琴，中提琴和大提琴的技巧大概相似，但中提琴更多地要求演奏着运用指尖内侧弦，且中提琴的弓比小提琴略长一些，是提琴类乐器中最长的弓，弓头也略宽。