请问音乐对人的心灵有何负面影响?

简单地说，音乐就是一系列具有固定振动频率的声音。说到声音，常让人想到生活中的一些体验：听到隆隆的雷声，脚步不再从容，脉动加快，心里有种紧张感；听到鸟鸣，身心自然放松，顿感心旷神怡；听到幼儿的尖声哭叫自然会产生怜惜的情感……这说明人耳能接收到的自然界的任何声音信息都会给人造成不同程度的身心反应。音乐的声音是区别于自然界的一种特殊的声音，它是作曲家经过总结、概括、提炼按照一定的组织规律人为创造出来的声响。这种声响是一种物质能量，它通过发音体振动空气造成一种有规律的运动声波。这种规律性的声波通过 听觉器官与听觉神经传入人体， 随着声波振动的快慢，振幅大小及振动时间的变化，人的情绪也随之产生如郁闷、悲苦、兴奋、

平静、高潮、低落的起伏波动，机体也同步产生如握拳、跺脚、皱眉、微笑、紧张、松弛的生理反应。

音乐是表达情感的艺术，是人类心理的产物，无论创作演奏乐曲或者聆听音乐都离不开人的心理活动。尽管音乐本身 不具有任何确定的含义，但它却最能表现人的内心情感，在这方面音乐比语言表达的更细腻、更复杂、更有深度。它对人情绪的影响也更直接、更迅速、更强烈。比如一首诗一般需要一段时间的理解而后才会激起情绪反应，一幅画一般需要一段时间思索而后才能波及情感 。音乐则不同，只要几个音符就立刻引起身心变化，产生情绪波动。而且这种音乐反应往往 并不依赖智力及音乐素养，几乎是一种本能，无论艺术家还是农民区别只在于反应的程度不同而已。

人的这种音乐反应是由于音乐的基本要素 和构成方式决定的。首先就是音的高低，音高是音乐最重要的基本元素。从物理角度讲，音的高低就是指振动频率的快慢。不同的音高听起来给人的感受不同。一般说，低音给人深沉、厚重、暗淡的感觉。高音给人明亮、欢快、单薄的感觉。再就是音的强弱。强弱通常被称为力度或响度，它是指声波振动幅度的大小。音乐中旋律都具有丰富而细腻的的力度变化，使人的情绪随着音的高低、强弱的起伏变化而波动。生活中一个没有强弱变化的旋律听起来是平淡的、毫无生气的，既无表现力，更难以打动人。其次是音色，也许大家不知道，音乐中任何乐器发出的一个自然 音都是复合音，它是由基音和数目不等的谐音（泛音）组成的，基音决定音高，泛音决定音色。一般说泛音较多的音听起来比较丰满，泛音较少的音听起来比较单薄。

高频泛音突出的音听起来比较明亮、尖锐，低频泛音较多的的音听起来比较深沉、饱满。声音是否优美则取决于在其泛音列中的位置。生活中弓弦、拨弦、击弦乐器演奏家在同一首乐曲的不同乐段经常 改变拉弦、拨弦、击弦的位置，目的就是改变泛音数目和顺序产生音色变化以增强音乐表现力。再就是音的长短。音的长短就是音持续的时间。时间是音乐存在的唯一方式。

音乐不象绘画和文学作品那样，可以在一定的空间中不受时间限制而存在，它只能在时间中展现与消失。从 某种意义上讲音乐可以没有声音但不能没有时间。如常用的休止符就是没有声音的音符，甚至还有完整的没有声音的作品如《四分三十三秒》。不同高低的音在一定的时间内连接起来就形成了旋律，声音被有序的组织起来就构成了节奏，两个或两个以上的不同音高的音同时发响就形成和声。节奏、旋律、和声是音乐发展与情绪推动最重要的因素。

节奏是一种强弱变化规律的重复，它能使音乐声波的能量转化为动力。如军队走到桥梁上时要散步缓行，决不可能唱着进行曲踏着坚定整齐的步伐行进，否则规律的、铿锵的节奏所产生的动力会引起共振而导致桥梁坍塌。又如赛龙舟时鼓点与号子的节奏会使人精力集中，动作协调一致从而力量倍增。由此可见节奏的动力作用。一般地说，欢快的节奏令人振奋，激昂的节奏使人勇猛，舒缓的节奏让人沉静。音乐中作曲家的创作动机与内心情感是首先是通过旋律表达出来的，旋律就是音乐的基本内容。一条优美顺畅曲折起伏的旋律在节奏的 律动中流动会极大地推动人心理变化产生情绪波动造成联想与意象。带有律动的旋律加上具有丰富多变效果的和声，音乐推动情绪变化的作用就更加显著了。和声可以分为两种：和谐和声和不和谐和声。八度、四度、五度和声融合度最高，非常和谐。听起来给人纯净、空旷、高远、神圣的感觉。在早期宗教音乐中使用最为广泛。三度、六度比较和谐，听起来给人充实丰满的感觉。二度、七度和声是不和谐和声，它们极不稳定具有极强的动力倾向。听起来给人一种紧张的、不安定的感觉。常说的"和弦的解决"就是指这类和声把不和谐解决到和谐的过程。随着社会的发展，不和谐和声的使用率越来越高。

人们对不和谐音的适应能力也越来越强。协和与不协和的界限不断变化，协和音的领域在不断扩大，不协和音在向协和音转化。实际上我们演奏乐曲或者欣赏音乐时的心理变化过程也是由协和到不协和再到协和，由稳定到不稳定再到稳定。

前面说过，音乐是人心理的产物。音乐的发展变化规律完全与人的心理发展变化规律吻合。即从基本心理状态发展到情绪高潮再回归到基本心理状态。一部音乐作品一般开始都使用一些基本音乐素材，在一定时间内对作品要表达的内容进行铺垫，使人产生一个基本的情绪状态，这一阶段一般不使用不和谐不稳定的音乐语汇，只是把人导入作品的基本情绪中。音乐逐渐引申发展进入到紧张激烈动荡的情绪状态，此时音乐一般速度较快、力度较强、紧张度较高，人的心理能量不断聚集就好象憋了一股劲儿，音乐有一种明显的倾向于稳定的趋势，心理也会产生强烈的期待能量得到释放的渴求。随着音乐发展到高潮，人的心理能量聚集也达到了极点，此时音乐从不稳定瞬间解决到稳定，心理憋着那股劲一下子得到释放，那种期待渴求的心理在瞬间得到最大的满足。随后音乐进入到稳定状态直到结束，人的心理也旋即恢复平静又回到初始阶段，达到一种心理平衡的状态。心理平衡是人一种自然状态。人们从音乐由稳定到不稳定，不平衡到平衡的变化过程中会受到强烈的情感刺激，产生巨大的心理震撼。心理能量聚集的越多音乐对人刺激的强度越大。心理能量释放的越完全，音乐给人的感受就越强烈。这就是通常所说的音乐感觉。

实际上人对音乐的理解和感受有很大的主观性。同一首曲子每个人受到的刺激程度不同 感受也不一样，因此音乐对人身心的影响程度也不尽相同。但任何一个正常人听到一首曲子起码会有紧张松弛的感觉，这种感觉就是音乐要达到的最直接的目的。有些人总是把音乐看的很神秘，常试图把音乐的内容用文字和语言解释出来。比如有人说维瓦尔弟的《四季》中的《春》描绘了春天的景象使人感觉到明媚阳光下的草地与羊群。其实这只是解释者个人的联想和意象，其他人未必可以从音乐中真正感受到这些内容。又比如有人说阿丙的音乐反映了他强烈的爱国心和敢于同黑暗势力抗争的勇气，其实这都是根据历史记载及个人生平介绍等相关资料附加到音乐上去的。我们很难在音乐中捕捉到这些内容。倾听他的音乐一般都会产生一种悲怆、愤懑的感觉。强加的文字解释往往使个人的想象力受到限制，甚至影响到人对音乐的真实感受。

音乐给人最真实最直接的东西就是感觉。艺术的本质就是真，由真产生美。在情绪得到宣泄的同时，人会获得难以言喻的轻松和快感，这种感觉就是音乐带给我们的美感。

音乐不仅使人的情绪发生变化，还同时对人的生理机能产生影响。首先音乐规律性的波动传入体内可以使人的颅腔、胸腔等组织产生有规律的共振。可以使骨骼肌肉的舒张收缩、心率脉搏的起伏、呼吸的节奏、胃肠的蠕动等处于一种和谐有序的状态；其次音乐的声波对人中枢神经的刺激，可以使内分泌系统产生有益身心的激素、酶、乙酰胆碱等物质，对人的循环和消化系统会起到调节作用，促进人体的新陈代谢。

音乐不仅是不可或缺的精神食粮，也是一种具有动力的物质能量。音乐传达的是真，表现的是美。它净化人的心灵，更能影响人的行为。有位哲人说过：人如果心里是美善的 那么其行为也不会是丑恶的。音乐不仅能够满足人一时的感性需求，同时也能给人带来一种普遍的、永恒的精神享受。能够加深人对事物本质的认知与理解。

关于音乐的介绍

　在日常生活中，我们经常都能听见音乐这个词，那么到底什么是音乐呢下面我就来为大家介绍一下吧。

一、基本内容

　音乐是反映人类现实生活情感的一种艺术(英名称：music;法文名称： musique;意大利文：musica)。音乐可以分为声乐和器乐两大类型，又可以分为古典音乐、流行音乐、民族音乐、乡村音乐、原生态音乐等。在艺术类型中，音乐是比较抽象的艺术，音乐从历史发展上可分为东方音乐和西方音乐。东方以中国为首的中国古代理论基础是五声音阶，即宫、商、角、徵、羽，西方是以七声音阶为主。音乐让人赏心悦目，并为大家带来听觉的享受。可以陶冶情操。

　二、基本含义

　音乐是用组织音构成的听觉意象，来表达人们的思想感情与社会现实生活的一种艺术形式。也是最能即时打动人的艺术形式之一。旋律响起人们往往无法抗拒的立即处于音乐的氛围当中。任何一种艺术形式都有自己表情达意、塑造艺术意象的表现形式。比如舞蹈是通过肢体动作、面部表情，绘画是通过线条、色彩、构图，文学是通过字、词、句、篇来体现艺术意象。通常，人们正是以表现手段的不同来区分艺术的不同种类，例如不同的乐器。音乐还能表现出乐手们和音乐创作者的用心。

　根据《礼记》中《乐记》详细记载了“凡音之起，由人心生也，人心之动，物使之然也，感于物而动，故形于声，声相应，故生变。 ”这种介绍简单明了的涵盖了音乐的声音变化与人心情感之间的联系，如果我们进一步翻查古籍进一步推敲，就能对平时听到的有关音乐词汇涵义有更深入的了解。

　声：在自然中容易被人耳捕捉得到的能量波动。

　音：拥有稳定变化规则并且可控制的持续声波。

　乐：经过组织挑选后的悦耳声波。

　调：根据某个规则进行挑选过后的音集合。

　律：对集合音进行更加规律的排列顺序。

　段：在一定时间内完成某个

　曲：按照一个整体对所有上述提到的声音乐调律段进行整体的组织。

　这些词语相互组合，就构成了声音，音乐，乐音，音调，乐调等词。(声乐，是以人声作为乐器的简称。)

　声音艺术

　音乐以声音为表现手段的艺术形式，意象的塑造，以有组织的音为材料来完成的。

　因此，如同文学是语言的艺术一样，音乐是声音的艺术。这是音乐艺术的基本特征之一。作为音乐艺术表现手段的声音，有与自然界的其他声音不同的一些特点。

　任何一部音乐作品中所发出来的声音都是经过作曲家精心思考创作出来的，这些声音在自然界是可以找到，但是没有经过艺术家们别出心裁创作与组合，是不能成为音乐的。所以，无论是一首简单的歌曲，还是一部规模宏大的交响乐，都渗透着作者的创作思维与灵感。随便涂抹的线条和色彩不是绘画，任意堆砌的语言文字不是文学，同样，杂乱无章的声音也不是音乐。构成音乐意象的声音，是一种有组织有规律的和谐的音乐，包括旋律、节奏、调式、和声、复调、曲式等要素，总称为音乐语言。没有创造性的因素，任何声音都不可能变成为音乐。

　语言具有一种约定性的语义，每一句话，甚至每一个字都具有特定的涵义。这种涵义在运用该语言的社会范围内是被公认的，是一种约定俗成;音乐的声音却完全不同，它仅仅限定在艺术的范围内，只作为一种艺术交往而存在;任何音乐中的声音，它本身绝不会有像语言那样十分确定的含意，它们是非语义性的。

　1听觉艺术

　音乐既然是声音的艺术，那么，它只能诉诸于人们的听觉，所以，音乐又是一种听觉艺术。心理学的定向反射和探究反射原理告诉我们，一定距离内的各种外在刺激中，声音最能引起人们的注意，它能够迫使人们的听觉器官去接受声音，这决定了听觉艺术较之视觉艺术更能直接地作用于人们的情感，震撼人们的心灵。

　音乐只能用声音来表现，用听觉来感受，但这并不等于说人们在创作和欣赏音乐时，大脑皮层上只有与听觉相对应的部位是兴奋的，而其他部位都处于抑制状态之中。实际上，音乐家不止是通过听觉的渠道，而是用整个身心去感受和体验、认识和表现生活的，这同其他门类的艺术家并没有什么区别。不同的是在艺术构思和艺术表现的时候，音乐家是把个人的多方面的感受，通过形象思维凝聚为听觉意象，然后用具体的音响形式表现出来。

　因此，音乐作品中所表现的思想情感，不是单纯的听觉感受，而是整体的感受。同样，人们在欣赏音乐的时候，虽然主要是通过听觉的渠道，接受的是听觉的刺激，但由于通感的作用，也可能引起视觉意象，产生丰富生动的联想和想象，进而引起强烈的感情反应，体验到音乐家在作品中表达的思想感情和情境，获得美感，并为之感动。

　2情感艺术

　在所有的艺术形式中，音乐是最擅长于抒发情感、最能拨动人心弦的艺术形式，它借助声音这个媒介来真实地传达、表现和感受审美情感。音乐在传达和表现情感上，优于其他艺术形式，是因为它所采用的感性材料和审美形式——声音最合于情感的本性，最适宜表达情感。或庄严肃穆，或热烈兴奋，或悲痛激愤，或缠绵细腻，或如泣如诉。音乐可以更直接、更真实、更深刻地表达人的情感。那么，音乐为什么能够用有组织的声音来表达人的情感呢，一种理论认为，音乐的表情性来自于音乐对人的有表情性因素的语言的模仿。人的语言用语音、声调、语流、节奏、语速等表情手段配合语义来表情达意，而音乐的音色、音调起伏、节奏速度等表现手段能起到与语言的表情手段同样的作用。

　个人认为，音乐的声音形态与人类情感之间存在着相似性，具有某种“同构关系”，这是音乐能表达人情感的根本原因。音乐理论家于润洋曾指出：“音响结构之所以能够表达特定的情感，其根本原因在于这二者之间存在着一个极其重要的相似点，那就是这二者都是在时间中展示和发展，在速度、力度、色调上具有丰富变化的、极富于动力性的过程。这个极其重要的相似点正是这二者之间能够沟通的桥梁。”比如“喜悦”，它是人高兴、欢乐的感情表现。一般来说，这种感情运动呈现出一种跳跃、向上的运动形态，其色调比较明朗，运动速度与频率较快。表现“喜悦”的感情的音乐，一般也采取类似的动态结构，如民乐曲《喜洋洋》，用较快的速度、跳荡的音调等表现手段表达了人们喜悦的情感。

　3时间艺术

　雕塑、绘画等艺术形式凝固在空间，使人一目了然。我们欣赏美术作品，首先看到美术作品的整体，然后，才去品味它的细节。而音乐则不同，音乐要在时间里展开、在时间里流动。我们欣赏音乐，首先从细节开始，从局部开始，直到全曲奏(唱)完，才会给我们留下整体印象。只听音乐作品中的个别片断，不可能获得完整的音乐意象。所以，音乐艺术又是一种时间艺术。

　作为听觉艺术的音乐意象是在时间中展开的，是随着时间的延续在运动中呈现、发展、结束的。所谓“音乐意象”，指的是整个音乐作品所表现出的艺术家的思想感情并在欣赏者的思想感情中所唤起的意象或意境。例如，《春江花月夜》用甜美、安适、恬静的曲调，表现了在江南月夜泛舟于景色如画的春江之上的感受，创造了令人神往的音乐意境。

　音乐作品不像文学或绘画那样，只要作者创作完成，创作过程结束，就可以直接供人们欣赏了。音乐作品必须通过表演这个中间环节，才能把作品表达的意象传达给欣赏者，实现其艺术作品的审美价值。所以，音乐又是表演的艺术，是需要由表演进一步再创造的艺术

　当作曲家把生动的乐思以乐谱的形式记录下来的时候，就已经抽掉了它的灵魂，所剩下的不过是一个没有生命的乐音符号系列。而使音乐作品重新获得生命，把乐谱变成有血有肉的活的音乐的方式，就是音乐表演。如果没有音乐表演，音乐作品永远只能以乐谱的形式存在，而不会成为真正的音乐。

　无论哪一位作曲家写下的乐谱，都与他们的'乐思之间有着一定的差距。而要使这种差距得到弥补、使乐谱中潜藏的乐思得到发掘、使乐谱无法记录的东西得到丰富和补充，这一切都有赖于音乐表演者的再创造。所以，音乐也是表演的艺术，音乐作品只有通过表演这个途径才能为听众所接受。

　三、基本分类

　(一)按表达方式

　1声乐

　声乐作品又可根据其形式、风格的不同分成歌曲、说唱音乐、戏曲音乐、歌剧等不同体裁。歌曲是一种小型的音乐体裁，包括民歌、艺术歌曲、通俗歌曲、儿童歌曲等。从形式上可分成独唱、对唱、合唱、齐唱、联唱等。说唱音乐是指曲艺音乐而言，包括单弦、大鼓、清音、评弹、数来宝、琴书、二人转、道情、渔鼓等。

　戏曲音乐指京剧、豫剧、越剧、花鼓戏、采茶戏、黄梅戏、评剧、汉剧，以及其它的地方戏的音乐。

　歌剧音乐也是一种戏曲音乐，但不象戏曲音乐那样有固定的程式和传统的唱腔。歌剧音乐是作曲家使用民族音调和富有时代色彩的音乐语言创作的戏剧音乐。

　2器乐

　器乐作品可分成独奏曲、重奏曲和合奏曲。

　独奏曲范围很广。几乎各种乐器都有独奏曲。中国的二胡、琵琶、板胡、笛、箫、葫芦丝、唢呐、扬琴、笙、古琴、筝、柳琴、木琴等，都不乏著名的独典曲。西洋乐器虽亦如此，但举世闻名的还是以小提琴、钢琴、吉他、电子琴等乐器的独奏曲为最多。

　重奏曲在中国民间不太多见。但在欧洲，弦乐四重奏、木管五重奏等却有很多优秀作品间世，并至今在世界各地流传。

　合奏曲是指多种乐器演奏同一乐曲作品。在合奏曲中，各个乐器既充分发挥各自的性能和特长，又按一定的和声规律相互协调配合。在中国的民族器乐合奏曲中，江南丝竹和广东音乐占了很大比重。民族管弦乐曲则多为作曲家改编或创作的。民族吹打乐在我国的合奏曲中亦处不可忽视的地位。用西洋的铜管乐器、木管乐器、弦乐器及打击乐配合演奏的乐曲称为管弦乐。管弦乐曲在十七世纪的欧洲有了显著的进步，当时的体裁包括组曲、序曲、赋格曲、幻想曲、随想曲、狂想曲、协奏曲，以及对曲式有较严格要求的交响曲、交响诗。

　(一)按旋律风格

　1古典音乐

　"Classic"一词来源于拉丁语，原指罗马社会上等阶层，后转义为人类具有普遍性和永恒性价值的业绩。在国外，这种音乐类型被称之为“classical music”，“classical”有“古典的、正统派的、古典文学的”之意，所以我们国人将之称为“古典音乐”，确切地说应该是“西洋古典音乐”。首先从概念上解释，“古典音乐”是一种音乐类别的名称。然而即使在国外，对于“classical music”一词的具体意义，也有诸多不同的解释，其中主要异议来自于对“古典音乐”时代划分理念的不同：

　(1)以超时代的普遍性、永恒性的艺术价值和音乐艺术最高业绩为标准，将那些能作为同时代，后代典范的，具有具有永久艺术价值的音乐统称为“古典音乐”。根据这一标准，古典音乐又被称为“严肃音乐”或“艺术音乐”，用以区分通俗音乐(流行音乐)。

　(2)特指1750～1820年左右的古典乐派时期。

　古典乐派的风格形成于巴洛克时期音乐的逐渐消失之中，消融于浪漫乐派风格的逐渐形成之中，经历了巴洛克音乐向早期古典乐派的过度。众多乐派中，维也纳古典乐派代表人物有：海顿、莫扎特，贝多芬。

　2流行音乐

　流行音乐(pop music)是根据英语popular music翻译过来的。按照汉语词语表面去理解，所谓流行音乐，是指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，并被广大群众所喜爱，广泛传唱或欣赏，流行一时的甚至流传后世的器乐曲和歌曲。这些乐曲和歌曲，植根于大众生活的丰厚土壤之中。因此，又有“大众音乐”之称。但是，这样的界定有可能使那些本不属于流行音乐的音乐如《国际歌》、《义勇军进行曲》、《马赛曲》、《洪湖水浪打浪》、《歌唱祖国》、《东方红》《南泥湾》等，仅仅因为它们也在群众中广泛流传而都可被划归为流行音乐。

　另一方面，又把那些分明是流行的音乐，由于它们流传不开(这在流行音乐中也为数不少)而排除在流行音乐之外。显然，流行音乐不一定都流行，流行的音乐也不只是流行音乐。流行音乐准确的概念应为商品音乐，是指以赢利为主要目的而创作的音乐。它是商业性的音乐消遣娱乐以及与此相关的一切“工业”现象。(见前苏联《音乐百科词典》1990 年版)它的市场性是主要的，艺术性是次要的。

　3民族音乐

　广义指浪漫浪漫主义中后期兴起的富有民族色彩的，或是宣扬民族主义的乐派。

　狭义地讲，指中国民族音乐。所谓中国民族音乐就是祖祖辈辈生活、繁衍在中国这片土地上的各民族，从古到今在悠久历史文化传统上创造的具有民族特色，能体现民族文化和民族精神的音乐。而广义上，中国音乐是泛指世界上具有五声调式特征的音乐。

　中国的民族音乐艺术是世界上非常具有特色的一种艺术形式。中华民族在几千年的文明中，创造了大量优秀的民族音乐文化，形成了有着深刻内涵和丰富内容的民族音乐体系。这一体系在世界音乐中占有重要的地位。我们要认识中国音乐，不能仅仅会唱一些中国歌曲，听几段传统乐曲，还必须从民族的、历史的、地域的角度去考察中国音乐，了解中国音乐，从而真正理解中国音乐的内涵，了解它在世界音乐体系中的地位和历史价值。中国民族音乐分为：民间歌曲、民间歌舞音乐、民间器乐、民间说唱音乐和民间戏曲音乐。

　四、基本要素

　1曲调：曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是音乐形式中最重要的表现手段，是音乐的本质，是音乐的决定性因素。曲调的进行方向是变幻无穷的，基本的进行方向有三种：“水平进行”、“上行”和“下行”。相同音的进行方向称水平进行;由低音向高音方向进行称上行;由高音向低音方向进行称下行。曲调的常见进行方式有：“同音反复”、“级进”和“跳进”。依音阶的相邻音进行称为级进，三度的跳进称小跳，四度和四度以上的跳进称大跳。

　2节奏：音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。我国传统音乐称节拍为“板眼”，“板”相当于强拍;“眼”相当于次强拍(中眼)或弱拍。

　3和声：和声包括“和弦”及“和声进行”。和弦通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向(同时)重叠而形成的音响组合。和弦的横向组织就是和声进行。和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用;还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。

　4力度：音乐中音的强弱程度。

　5速度：音乐进行的快慢。

　6调式：音乐中使用的音按一定的关系连接起来，这些音以一个音为中心(主音)构成一个体系，就叫调式。如大调式、小调式、我国的五声调式等。调式中的各音，从主音开始自低到高排列起来即构成音阶。

　7曲式：音乐的横向组织结构。

　8织体：多声音乐作品中各声部的组合形态。(包括纵向结合和横向结合关系)。

　9音色：音色有人声音色和乐器音色之分。在人声音色中又可分童声、女声、男声等。乐器音色的区别更是多种多样。在音乐中，有时只用单一音色，有时又使用混合音色。

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我们常常会听到"调式"和"调性"这样的音乐术语，比如A大调钢琴协奏曲、g小调交响曲等等，但这个"调"的概念却最不容易理解，比起节奏、旋律来说，它离我们的听觉感受似乎是最远的。但是在音乐中，这个要素又无所不在，所以我们还是要在理论的帮助下，尽可能的了解它、感知它。

一、调式（mode）

调式是音乐创作中所用的一组作为音高材料的乐音，在理论上这一组音是以音阶形式排列的，其中各音不同的排列方式、不同的相互关系，就构成了不同的调式。

谱例一：大调音阶

谱例二：小调音阶

无论是大调还是小调，第一个音都是最有权威、地位最稳定的，被称为主音或中心音。比它次要些的，是由主音向上数五度的"属音"，还有从主音向上数四度的音"下属音"（称作下属是因为若从主音向下方数，它位于下方五度上）。属音和下属音就如同主音的两个大臣，对主音起到支持的作用，剩下的那几个音则处于更加次要的地位。如果仔细点说，在这由7个音组成的小王国里，每个音都有独特的价值和作用，或者说都有自己的特点，但它们必须服从于整体利益，这就是大调世界里的秩序。

除了主音不同以外，还应该注意到，大调和小调音阶中的具体结构是不一样的。这主要体现在半音和全音的布局上。

半音和全音是不同的"音程"(interval)--所谓音程是指两个音之间的距离。Do和Re之间的音程是一个全音，它包含两个半音，而Me和Fa之间只是一个半音的距离，在键盘乐器上它是最小的单位（在弦乐器上可以细分到更小），也是我们通常音乐概念中的最小单位。从上面两个谱例中我们可以看到，在不同的音阶里，半音和全音的位置是不同的，也就是说，大调和小调的内部结构是不同的。关于这些请参考乐理知识，这里不细说了。

从听觉上我们怎样才能感受到是大调或者小调呢？最简单的办法是听一首乐曲或一首歌的结尾，从旋律上来说，结束全曲的常常是主音，因为它最稳定，这种稳定感能够造成明显的收束，就像我们写文章时用的句号一样肯定（偶然也有例外，作曲家故意让音乐停在并非主音的其他音上，造成意犹未尽、余音袅袅的效果）。此外，一般来说大调比较明朗，这是因为在大调主音上构成的主和弦是大三和弦（do,mi,sol），相比较之下，小调的主和弦是小三和弦（la,do,mi）,它的色彩略微暗淡些。

对音乐欣赏者来说，最重要的是了解作曲家是怎样运用调式这一音乐要素来表现他的思想或情感的。我们以奥地利作曲家舒伯特（Schubert）的歌曲《菩提树》为例，它选自声乐套曲《冬之旅》。在这首歌中，表现了一个被恋人抛弃、孤独地流浪异乡的人，回忆起家乡门前那棵茂密的菩提树以及曾有过的幸福时那种复杂的心情。歌词的第一句是："门前有棵菩提树，生长在古井边。我做过无数美梦，在它的绿茵间。也曾在那树干上刻下甜蜜诗句，无论快乐和痛苦，常在树下流连。"这是流浪者对温暖往事的回忆。这一段舒伯特采用E大调来写，整体音响比较温暖，色调明亮：

谱例三：舒伯特艺术歌曲《菩提树》（1）

曲例一：舒伯特艺术歌曲《菩提树》（1）

如果用首调唱名法来唱这条旋律，或者说，译作简谱，它是这样的：

这是在E大调上的主题旋律。接下来，歌词从温暖的回忆转到了凄惨的现实，流浪者唱道："今天像往日一样，我流浪到深夜，我在黑暗中行走，闭上了我的双眼。"这几句词的意境是暗淡凄凉的，于是作曲家将音乐也相应地作了变化，刚才的那条旋律轮廓基本保留，但调式从E大调变成了e小调。

谱例四：舒伯特艺术歌曲《菩提树》（2）

曲例二：舒伯特艺术歌曲《菩提树》（2）

用首调来唱是这样的：

这里调式的运用非常精彩，它的明与暗、温暖与凄凉的音响对比与歌词意境的改换十分贴切。而这一段的后一半，歌词的意境又变得温暖了："好像听见那树叶对我轻声呼唤：同伴，回到我这里，来寻找平安！"于是作曲家让这里的两个乐句又从e小调返回到了E大调：

谱例五：舒伯特艺术歌曲《菩提树》（3）

曲例三：舒伯特艺术歌曲《菩提树》（3）

大调、小调在艺术表现上有着不同的意义。作曲家常常选用大调来写明朗宏伟的音乐，表现心旷神怡、英雄气概、军人风度等；用小调来写悲壮或忧郁的音乐，表现痛苦忧愁、儿女情长、缠绵爱情等。下面我们再举个例子，这是贝多芬的第三交响曲"英雄"，先请听第一乐章的开头：

曲例四：贝多芬"英雄"交响曲第一乐章：

这是在bE大调上的第一乐章开头，它显得十分坚定，具有阳刚之气。而第二乐章是一首葬礼进行曲，描绘了为自由而战的英雄壮烈牺牲、人民为他们举行葬礼的悲壮情景。主题采用c小调，显得沉重暗淡：

曲例五：贝多芬"英雄"交响曲第二乐章：

通过以上两个例子，我们得以了解调式在音乐表现中的作用。不过，音乐中各个要素都不是孤立的，它们必须和其他因素相结合。可以设想一下，小调式假如和很强的力度、棱角分明的旋律以及果敢有力的节奏相结合，再加上音响辉煌的配器，它所得到的效果可能并不暗淡，同样，大调式也可能因为其他要素而变得柔和甚至暗淡。

上面我们介绍了大调和小调这两种在创作中最常见的调式，其实世界上音乐种类繁多，调式非常丰富，比如我们中国的由五个音构成的调式，有五种：宫，商，角，徵，羽。宫调式音阶由"1"开始，是1，2，3，5，6，商调式音阶从"2"开始，是2，3，5，6，1，等等。在日本、印度、阿拉伯国家，也都有各自独特的音阶，它们各是庞大的实践和理论体系，相当复杂。

二、调性（key）

调性是指某个调式所在的精确音高位置。

我们常常在五线谱谱表的开始看到写在拍子前的升降记号，如：

谱例六：谱号

这些记号是表示乐曲的准确音高，也就是音乐的"调性"。确切地说，它是指明各个调式的主音所在位置。

比如A大调，这里的"大调"是指它的音阶结构，"A"则是说主音在A这个音高位置上，它后面的第二个音，就在B上，第三个音在#C上，依此类推。

假设都是大调， A大调和bB大调，它们的音阶结构形式是一样的，从A大调换到bB大调上去唱同一首歌曲，旋律不会有任何改变。这在日常生活中是常见的现象：众人唱歌，起头的人起得太低了，大家会说，起高一点。于是他换到了稍高一点的调上，再带领大家开始唱。这样做的结果，音乐效果会很不同吗？如果仅仅就这两个相邻的调性来说，不会有很大的改变，bB大调比A大调只提高了小二度音程，在听觉上没有明显的变化。但是如果结合其他要素来看调性的改变，就会发现它是很有意义的了。

我们在前面谈到过音区这个要素，各个音区也有它独特的表现意义。高音区明亮，低音区深沉，中音区比较适中、柔和。假如一条旋律先在D大调上演奏，第二次提高到A大调上，这个跨度就比较大了（高了五度），你肯定会感觉到音区的变化使这条旋律有了新的意味。

乐器性能与调性的搭配也会产生不同的效果。铜管乐器由于它们特殊的构造和泛音列(是有振动体和气柱发出的合成音列)。吹奏带有降号的调比较容易，会有很好的共鸣和音色，如降B、降E调等等，而弦乐则更喜欢带升号的调，如D、A、E调。因此，作曲家在写器乐曲时，选择调性是一定会考虑到乐器性能的。

有趣的是作曲家们常常有纯属于个人的对调性的感觉。有人一写到忧伤的音乐，就要用降号多的调，而写到明朗单纯的音乐，C大调或F大调、G大调之类的就常常是首选，甚至还有人认为各个调都有不同的颜色，有红的、蓝的、绿的、白的等等。

为造成音乐色彩的变化和对比，作曲家在一部作品中往往要使用多个调式调性，从这个转向那个，这就是"转调"。挪威作曲家格里格(Grieg)的管弦乐组曲《培尔金特》中的"朝景"，是一首转调手法运用得非常精彩的小曲，成功地为听者描绘了沙漠日出时的景色。作曲家只用了一条旋律，通过转调手法构成了绚烂多彩的画面，从天际刚刚发白，到太阳渐渐升起，最后照亮了大地，生动的色彩变化令听者有如身临其境。一开始主题旋律出现在E大调上，接着有一系列的转调：#G大调，B大调， F大调，c小调，D大调等等，最后又回到了开始的E大调，这最后的"调性回归"是为了让全曲获得首尾呼应和稳定的效果。

谱例七：格里格管弦乐组曲《培尔金特》中的"朝景"主题

曲例六：格里格管弦乐组曲《培尔金特》中的"朝景"主题

三、多调性（polytonality）和无调性(atonality)

"多调性"和"无调性"这两个词在过去时代很少见，而在二十世纪音乐中常可见到，这是因为二十世纪的许多作曲家打破了传统的调式调性观念，采用了全新的音乐语汇。

对于习惯于古典音乐如十八、十九世纪欧洲音乐的人来说，多调性和无调性简直是难以忍受。所谓多调性就是调性。比如一个大乐队，弦乐声部在C大调上演奏一条旋律，木管声部在E大调上演奏另一条旋律，它给人的感觉就会很奇特，让人有一种无所适从的滋味。我们在介绍节奏这个要素时曾谈到 "复合节奏"，即在音乐进行中，同时出现两个甚至三个不同的节奏韵律，比如一个声部两拍子，另一个声部三拍子，它造成的感觉是多元化的。多调性也是如此。例如匈牙利作曲家巴托克的一首短小的小提琴二重奏，由于使用了多调性，听上去十分新鲜而且让人觉得趣味无穷。

曲例七：巴托克小提琴二重奏，第27曲

这种在不同声部中使用不同调性的"多调性"手法，在二十世纪作曲家手下很多见，他们就是要打破原来的单一调性思维，造成更大的空间感和多元化的感觉。在十九世纪下半叶也有些作曲家不满足于在某个调性上驻留的稳定感，他们不仅利用转调来造成变化，还加密转调的频率，有时候两个小节就转一次调，其结果是调性感变得非常模糊，几乎难以辨认。二十世纪的多调性与之不同，它不是在时间顺序上频繁转调，而是在同时出现不同的调，这种做法比频繁转调更加大胆。

至于无调性，就是在音乐中没有任何传统的调性概念。前文已经提到，每个调式都有其特定的结构，如主音、属音、下属音等等，音阶中的每个音各司其职，不得越位。在无调性音乐中，这种结构被彻底破坏了，无所谓主音、属音，它们成了无君无臣的一群，可以自由自在地进行到任何一个方向，无所顾忌地让音乐在任何一个音上开始和结束。这种无调性音乐常常使听惯了古典音乐的人无所适从，因为人们几乎没法子来哼唱、记忆这种旋律。下面这首奥地利作曲家勋伯格（Schönberg）的小曲就是无调性的，选自他的《五首管弦乐小曲》。

曲例八：勋伯格《五首管弦乐小曲》第五曲

无调性的音乐给人一种解放的感觉和极大的想象空间。正如二十世纪的抽象绘画，或是毕加索的变形画，原本具体严谨的物体或人物形态在这种画面上瓦解了，变得自由而新奇。曾有人怀着反感和好奇问那些手法奇特的作曲家，为什么写如此难听的无调性音乐，他们的回答是：我觉得这很好听。

这里没有什么大道理，只是审美观不同罢了。我们都有权力喜欢或不喜欢。要知道，"美"的概念不是固定不变的，它没有的、绝对的标准。

　音乐教育是通过对音响的审美因素的反应来进行的情感教育。下面是我为大家整理的音乐观摩课心得总结，供你参考!

音乐观摩课心得总结篇1

　20xx年11月14日—11月16日，五莲县小学音乐优质课评比在县实验学校举行。在这几天里我们听了十七节县级优质课，受益匪浅，感触颇多。在这次评选活动中，参赛教师各具特点，形式多样，设计精巧。这些优质课无论在只是结构还是授课方式上，都体现和渗透了新课标的理念和要求。不但从中看到五莲县音乐教师队伍的现状和思想素质和业务素质的基本状态，同时也显现音乐教师和音乐课堂上教学上存在的各种问题和不足，对我自己有了很大的启示。

　在我所观摩的课当中，有很多给我留下了深刻印象。通过总结，我认为此次评比的优秀课都具有以下特点：

　一、扎实的基本功。参赛教师的基本素养比较扎实。每一位参赛的老师都尽量把歌声、舞蹈、器乐等基本功恰如其分的展示在自己的课堂上，如：县实验小学的叶妍老师，整节课都是用她那清脆的歌声引领，让学生如沐春风。自制乐器不仅非常环保还很有实用价值，让学生耳目一新，兴趣盎然。实验学校的厉燕老师清脆的嗓音，活泼的钢琴伴奏，让学生一直处于快乐的气氛之中。中至小学的李尚蔚老师整堂课展现的基本功也是非常扎实。

　二、适宜的课前铺垫，不单调的师生问好。如洪凝街道莫家庄子小学的厉菲菲老师用“12345-(同学们好) 54321-(老师您好) ” 进行师生问好。厉燕老师随音乐拍手进课堂，叶妍老师随音乐舞动双手进课堂，这些都能在第一时间集中学生注意力，激发学生兴趣。

　三、教师的备课可操作性更强了，更加注重实效性。许多参赛教师在环节设计上都能够紧扣主题，教学过程步步为教学目标服务，摒弃了那些形式化的东西及做秀的环节，并且充分体现了学生学习的主体性，注重学生的情感体验与培养。通过听课可以看得出每位参赛教师对教材把握的较准，有自己的理解，有自己独特的教学手段，师生互动的融入环节使课堂的气氛更加浓厚。并且备课的三个要素很多老师把握得很准，本次听课的一个突出的感受是老师在备学生这一环节，因为教师使用的学生不是自己的学生，还有就是实验学校每堂课的时间是35分钟，而我们平时却是40 分钟，时间不一致。所以在这一环节中更能体现教师的优秀素质和课堂应变能力。

　四、本次讲课的教师，充分发挥了多媒体技术在音乐课堂教学中的重要作用，更注重了课件的实效性。课件经过精心的设计，使用有效，不花哨，恰到好处，能够做到画龙点睛而不是画蛇添足。如：潮河小学张永开老师教授的《大风车》，无论从课题材料的搜集上还是视听效果上，都很富有创意。设计中，在学生要进行下一个环节的任务之前，教师都引用学生非常的熟悉的鞠萍姐姐，月亮姐姐等来发问，激发学生兴趣。高泽小学杨晓君老师讲授《田野在召唤》时在导入新课之前用模仿春风、春雨的声音，不仅进行了发声练习，同时还为新课的节奏学习打下了基础。松柏小学齐菲老师教授《风车依呀呀》一课时，利用大风车转动倒数五个数贯穿音乐环节始终，不仅吸引了学生的注意力，也引起了学生的学习乐趣，课堂教学非常流畅。课件的有效运用提高了低年级学生的音乐鉴赏能力，充分调动了学生的兴趣，同时多种旋律方式的展现也丰富了学生的知识面，让学生在亲身实践体验中去感受听音乐的快乐。

　五、与时俱进的教学内容。今年电视综艺节目最火的恐怕就是《中国好声音》了，我们的音乐老师敏锐的捕捉到这一点，并运用在了自己的课程当中。实验小学的叶妍老师举行了“奥村好声音”演唱比赛，同学们争先恐后的举手演唱。而很多老师也把：“你们就是未来的中国好声音”等加入到了评价当中。

　每一节音乐课中，都能感觉每位讲课教师的独具匠心、周密细致，因而每堂课都有自己的闪光点供我学习、借鉴。这次听课丰富了我的教学经验和教学方法，给我的教学工作带来了很大的帮助，也使我看到了自己与其他音乐教师的差距，同时我也深深地感受到自己需要学习的东西太多了。赞叹之余，更多是深深的沉思，从中让我更深刻地体会到了学习的重要性与紧迫感。在今后的工作和教学中能够做的更好，精心备好每一节课，上好每一节课，培养有特色有技能的学生，这将是我下一步的目标。所以我会吸取他人的精华，并尝试运用到自己以后的课堂教学过程中，来逐步地提高和完善自己的音乐教学，让我的音乐课堂也开出美丽的花朵，绽放音乐课堂应有的魅力。

音乐观摩课心得总结篇2

　本学期，我们学校要承担榆次区的开放活动。很荣幸被学校推选在这次活动中进行公开示范课。这对于刚刚踏上音乐教学不足一年的我来说，既是一种幸运，也是一种挑战。为了圆满的完成学校交给的这项任务，不辜负领导们对我的期望，从年前我就已经开始了精心的准备。从选课、备课、制作课件到最后一轮又一轮的磨课，让我真切地体会到一堂“好课”真的是来之不易呀!教学设计写了有十几份，为了设计好一个教学环节，我写了改，改了写，一晚上的坐在书桌前反复思考，经常加班至深夜。这里面的苦与乐只有自己知道。虽然过程是漫长的，是艰辛的，但它将会成长我教学生涯中不可磨灭的一份珍贵的记忆。

　我执教的是湘教版音乐三年级下册的《我是草原小骑手》。这个内容我试讲了八次，每一次都有不同的收获。在这个过程中让我真正体会到磨课的过程是一个成长的过程，这个成长来源于同组老师们的帮助，每一次上完课后，大家都会凑在一起，各抒己见，思维在交流中碰撞，许多真知灼见在相互的交流中产生。同时还要感谢来自于我们网络工作室中的各位同行朋友。地域的差距没有割断我们探求知识的热情，小小的网络又将我们凝聚在了一起。我们充分利用网络这一平台一起讨论教学设计是否合理，教学思路是否清晰……甚至细到每一个音该如何处理更加合理，一个问题如何提问更加有效，怎样板书简洁明了……在各位老师的帮助下，不断改进，不断提高，这让我受益匪浅。

　一、根据教学内容精心设计问题

　苏霍姆林斯基说过：“学生来到学校里，不仅是为了取得一份知识的行囊，更主要的是为了变得更聪明。”所以在备课时，设计本节课的切入点非常重要。所提问题应该为课堂教学内容服务，课堂提问必须要有明确的目的，问题怎么设计，怎么问，学生才能理解，才能根据提问把这堂课的重点难点深入浅出的解决。在每设计一个问题时，就要问一下自己，通过这一问题要让学生解决什么，达到什么，是为了启发学生探索的欲望，还是引导他们获得新的知识……教师必须都要做到心中有数。在本节课的开始，我让学生在《赛马》的旋律中，做骑马的动作走进教室。这让学生在第一时间就听到歌曲旋律，感受到内蒙古草原的气息;用骑马这个动作表现蒙古族歌舞热烈欢快的氛围，为后面的表演作铺垫。紧接着问学生：“蒙古族给你留下了什么样的印象能简单地说说吗”一石激起千层浪，学生畅谈对蒙古族的了解。这样很自然地把学生引入了特定的情境中，为后面掌握歌曲的情感基调埋下了伏笔。

　二、根据学科特点精心设计活动

　新《标准》中提到：音乐课的全部教学活动应以学生为主体，师生互动，将学生对音乐的感受和音乐活动的参与放在重要位置。培养学生的创造力、音乐的表现力和小组中的团结协作能力是我在设计本节课活动环节中的核心思想。因此，在学会歌曲后我问学生：“你们想用什么方式表现这首歌曲呢请在小组内自编自导自演，我们期待一个个精彩节目的诞生。”学生马上热火朝天地投入到了小组活动中。在这民主，宽松的学习环境中，学生的想象力和创造性是惊人的。他们的特长在这一刻得以发挥，个性得以张扬。

　教学是一门缺憾的艺术，这堂课也有很多地方我做的不是很好，如：学生在歌曲的学习中形式还比较单一，对歌曲的情感处理应再细腻点，怎样能更大地激发学生学习的积极性等等。这将是我今后努力的方向。

　不经历风雨，怎能见彩虹这一次非同寻常的“磨课”经历，丰富了我的教学经验，让我初步实现从理论到实践的跃迁，增长了教学技能。没有“磨课”过程中的痛苦,便很难体会上课成功后的幸福。是啊，刀越磨会越亮，课越磨会越精，这节课不管上的成功与否，但这次“磨课”的经历让我深深感受到：教学是不能“浮”的，也不能“虚”的，它是实实在在的，需要我们教师智慧地预设，智慧地反馈。作为一名年轻教师，我还会继续努力，在教书育人中不断反思，在反思中不断提升，努力营造一个充满“情趣”的课堂，让课堂成为充满生命活力的课堂。

音乐观摩课心得总结篇3

　音乐欣赏课是学校音乐教育中的重要组成部分。也是提高学生对音乐的兴趣和培养学生对音乐审美能力的重要手段和途径。音乐文化是培养道德文明和智慧的重要条件之一。音乐欣赏不仅扩大了学生的音乐视野，积累音乐词汇，还培养学生热爱民族音乐文化乃至世界音乐文化的情感。

　中学设置的各门学科中，音乐是最富情感的艺术。那么，怎样在中学音乐欣赏课中唤醒学生的音乐感觉呢

　一、要重视音乐欣赏课中音乐史以及有关历史问题。

　据我所知，当前我们的中小学音乐欣赏课，基本上按以下的程序进行：1介绍某部音乐作品;2作者介绍及作者的创作构思;3介绍该作品的曲式结构;4分段欣赏全曲。但是我们的学生毕竟还只是初中生而不是音乐学院的学生。作品的曲式、作品中的和弦等对他们来说是非常深奥的，他们听不懂也没有时间、更不愿意花时间去弄懂它。鉴于这种情况，本人在课堂教学中做了一下探讨，和大家交流。

　(一)把作品有关历史背景作为该课的引子

　我们在欣赏肖邦的作品时，就要从历史的角度和音乐史的角度作为本课的引子，要让学生知道当年19世纪波兰有一位很伟大的具有强烈民族热情的、具有浪漫主义风格的诗人钢琴作曲家肖邦。

　(二)由音乐史引出课堂音乐欣赏的主要内容――音乐故事

　我们教的都是中学生而不是音乐专业的学生，他们只要知道某某作品的历史背景，用什么样的形式演奏或演唱，作曲家是谁，他为什么要这样写等等就足以。若能用“历史和音乐史”为线索始终贯穿着这堂课，学生对某部作品的印象才会加深，效果会更好。

　二、情感体验在中学音乐欣赏课中的重要性

　中学音乐欣赏课在目前，课时少，内容多的情况下，情感体验教学就更为重要了，音乐大门的开启，要靠教师选择好钥匙，情感的调动和培养则是教学中最好的选择。

　音乐中的投入、想象、联想、思考的范围是广阔的，是不可造型的艺术，并在瞬间或长期都可以有着不同层次的情感。音乐本身来源于生活，使情感能得到充分的表现，在此基础上得以提炼和升华，情感也随之加重。音乐艺术是综合的艺术，它所包容的内容万千，是其它任何艺术不可替代的，所以音乐是最富情感的艺术。换言之，音乐有着丰富的情感，人类的情感是最丰富的，二者不谋而合，因此可以通过情感的体验使普通中学的学生更广，更深，更自然地接受音乐艺术的教育和培养。

　三、和学生们沟通情感愉快合作

　音乐教育是一种艺术创造活动，又是一种艺术实践活动，对培养学生的创新实践能力有着具大促进作用。音乐是一门培养学生能力的重要学科，作为一种陶冶情操，激发想象力的高雅艺术，它的价值在于激发人的创作意识和创作行为。

　(一)激发兴趣 感受音乐之美

　音乐是听觉艺术，是美的展示而音乐课堂教学是实施美育的重要途径。对学生进行思想品德教育和审美教育是音乐教学最重要的任务。因此教师在给学生传授乐理知识，培养学生的音乐表现能力和音乐创造能力的同时，必须有机地融进思想品德教育和审美教育。我们在课堂上积极和学生一起沟通感情，让他们愉悦起来，高高兴兴地抒发自己的感情、享受优美的音乐。和学生们一起体验、感受展示美。轻轻松松愉快地学好、唱好每一首歌曲。

　(二)优化教学 感悟音乐内涵

　音乐教育在学校教育中起着其他学科不可代替的特殊作用。对于提高全民素质，建设社会主义精神文明，培养学生德、智、体、美全面发展，帮助学生体验美、感受美、表现美有着积极的作用。帮助学生端正审美观，懂得创造美、表现美、欣赏美的重要意义，并积极主动的参与实践、创造美，进而提高学生的综合素质。随着改革开放各种各样的音乐作品也不断流入大门，对此我们要挖掘好教材德育因素，让学生学会选择歌曲，理解歌词大意，歌曲内容。在课堂上首先给学生讲解歌曲作者、创作时代背景以及歌曲中表现的理想而奋斗，通过强烈的感染力激励他们为美好的未来而歌唱、而努力学习，健康快乐地成长。

　四、课内外相结合

　要学好音乐欣赏，要从课内外多方面启迪学生感受音乐、产生情感共鸣并引导学生探究音乐作品内涵。从课外，可以鼓励学生在日常生活中收集与课本欣赏课题相关的各种资料(音像、、与音乐相关的实物等)，也可以鼓励学生自己动手录下各种美妙的声音，配上自己的解说，制作成一个有关音乐专题的片断。这样可以大大提高学生对音乐欣赏的兴趣，让学生在亲身实践中来体验音乐，同时也拓展了学生的知识面。

　从课内，首先用这堂课的主题音乐把学生的注意力引入音乐课堂，让学生产生一种神圣、奇妙的殿堂般的感受。让学生随心所欲地用各种方式来表达展现心中的最原始的情绪体验。再下一步，采用启发学生研究性学习的教学方式，学生主动探究、亲身体验，得出结论。让学生体会到他们研究的价值意义，从而使他们不仅掌握了知识，而且感受到研究学习的快乐。在一种轻松愉悦的学习环境里，提高了学生的欣赏分析能力，最终使学生的审美体验、审美能力在潜移默化中得以形成且提高。

　五、音乐欣赏对学生个性的培养

　在音乐欣赏教学中，如何引导学生个性的健康发展，是我们在音乐欣赏教学中所要思考的问题之一。过去的音乐欣赏活动，语言几乎成了表达、交流音乐感受的唯一工具。这种欣赏教学方式，仅能满足一部分语言表达能力较强的学生的需要，却往往让另一部分更善于运用其他表达方式的学生明显地处于“技不如人”的窘境。久而久之，一部分学生将对参与音乐体验的表达活动缺少兴趣，丧失信心。

　婚姻时差主题曲：你什么都想要

　演唱：权振东

　作词：董冬冬

　作曲：陈曦

　歌词即将更新中~

　婚姻时差片尾曲：走过：

　演唱：许鹤缤

　作词：董冬冬

　作曲：陈曦

　歌词即将更新中~

　婚姻时差插曲：把我的爱留给你

　演唱：许鹤缤

　作词：谭咏麟

　作曲：娃娃

　歌词即将更新中~

　婚姻时差插曲：布列瑟农

　演唱：马修连恩

　作词、作曲：马修连恩

　Here I stand in Bressanone

　With the stars up in the sky

　Are they shining over Brenner

　And upon the other side

　You would be a sweet surrender

　I must go the other way

　And my train will carry me onward

　Though my heart would surely stay

　My heart would surely stay

　Now the clouds are flying by me

　And the moon is on the rise

　I have left the stars behind me

　They were diamonds in your skies

　You would be a sweet surrender

　I must go the other way

　And my train will carry me onward

　Though my heart would surely stay

　My heart would surely stay

　《婚姻时差》曝主题曲《你什么都想要》 权振东诠释最痛爱情领悟权 “倒时差”重新来过

　《你什么都想要》由第一季《中国好声音》人气学员、刘欢爱将权振东倾情献唱。权振东擅长以深情打动听众，曾在比赛中凭借一首《亲爱的小孩》令无数人动容心碎，也因此被贴上了“苦情男”的标签。此首歌曲延续了权振东一贯的抒情风格，又增添了成熟男人的领悟。他沙哑的嗓音中透着干净的细腻，完美诠释了剧中李海为爱所困，深陷情感危机的纠结与踌躇，让人情到深处，不能自拔。

婚姻时差插曲：走过

　一朵云和青春结伴走过

　一阵风和爱情嬉笑飘落

　一条路听你我彼此承诺

　一瞬间与一生一起蹉跎

　早知道每一个当下

　都无法重新来过

　你是否还会在意

　一时的对对错错

　还以为美好的东西

　光阴会怜惜更多

　却不知一朵花开过

　就注定要凋落

　每一次拥抱都是最后走过

　每一次告别是否留下承诺

　每一次微笑最后剩下你我

　分离就剩下了沉默

　每一次拥抱都是最后走过

　每一次告别是否留下结果

　每一次微笑到最后

　只剩下你和我 剩下沉默

　早知道每一个当下

　都无法重新来过

　你是否还会在意

　一时的对对错错

　还以为美好的东西

　光阴会怜惜更多

　却不知一朵花开过

　就注定要凋落

　每一次拥抱都是最后走过

　每一次告别是否留下承诺

　每一次微笑最后剩下你我

　分离就剩下了沉默

　每一次拥抱都是最后走过

　每一次告别是否留下结果

　每一次微笑到最后

　只剩下你和我剩下沉默

　《婚姻时差》所有音乐汇总

　《你什么都想要》 董冬冬 陈曦 权振东 片头曲

　《走过》 董冬冬 陈曦　 许鹤缤 片尾曲

　《布列瑟农》 马修连恩 马修连恩 马修连恩 插曲

只能勇敢

萧煌奇 - 只能勇敢

作词：姚若龙 作曲/编曲：萧煌奇

从很早就明白 我讨厌孤单

就算是谈情感 有许多麻烦

也还是很向往 爱的人来作伴

太冲动的结果反而一片混乱

更心酸 更孤单

失恋过才明白 相处有多难

谁粗心谁敏感 谁体贴谁独断

谁说出了期盼 谁觉得是批判

当争吵都变成冷战也让情感 被切断

我只能勇敢 学习 释然

把情人的泪还有责备 全部承担

从不习惯 对曾经炽热的爱情

分手就冷淡

我只能勇敢 顺其 自然

谁叫我 对于真爱那么期盼

不想要 关住了自己

安全但却太黑暗

幸福过才明白 要永恒多梦幻

这一秒的美好 下一刻就暗淡

问再多为什么 也不会有答案

但心里很清楚以后有更多无解

的 遗 憾

我只能勇敢 学习 释然

把离别的苦 思念的酸 都看淡

人总要习惯 生命就是一站一站

不断在转换

我只能勇敢 顺其 自然

谁叫我 宁愿浪漫不要平淡

不投入盛大烟火表演

没有危险但也不灿烂

我只能勇敢 学习 释然

把离别的苦 思念的酸 都看淡

人总要习惯 生命就是一站一站

不断在转换

我只能勇敢 顺其 自然

谁叫我 宁愿浪漫不要平淡

不投入盛大烟火表演

没有危险但也不灿烂

不怕 爱情 苦乐都 极端