围绕“舞蹈美”写一遍800字的论文.

舞蹈这种人体动作艺术不仅仅是从生活中经过人们不断的组织、演练而来的产物它更是人类社会生活的一种表现是人类社会发展的产物是人们精神象征的源泉。舞蹈是在舞台是在灯光布景及服装道具的有限空间里进行不断流动的人体动作艺术。所以它和其他的艺术戏剧、美术、音乐等是不等同的。舞蹈反映着人类社会的精神力量及思想感情与认识是一种具有审美观念的意识形式。舞蹈在远古时代人们的生活与农作中就已经开始发芽它是一门古老的艺术。舞蹈的发展是在人们的生活当中进行的祭祀、战争、劳动等都是它发展的要素。原始的舞蹈并没有成于一体的动作或规范化劳动及劳动的对象就是它的内容与形式。在远古时代人们的语言不发达他们就通过动作来进行彼此间的交流抒发自己内心的情感与愿望。所以说舞蹈是人们内心生活的一种外在体现。人类社会文明进入阶级社会以后由于社会环境的不同各个地方的舞蹈发展也更多的出现了独立的舞蹈体系。欧洲的芭蕾舞艺术、印度的佛教舞蹈以及伊斯兰的舞蹈艺术都是这一时期的舞蹈发展体现。亚洲、非洲、拉丁美洲的舞蹈艺术的发展也蓬勃向上舞蹈种类繁多色彩各异。在我国舞蹈的发展孕育了周代雅乐、汉代俗乐、唐代燕乐、宋代民间舞以及明清戏曲等它的进步是非常迅速的。舞蹈一直以来都是人们主要的艺术活动伴随着社会文化的快速发展舞蹈艺术的发展也是有了极大的提高。舞蹈的表现形式虽不同于其他的艺术不过它们之间也有着相同的特征都是表达人们的思想感情以及对社会生活的一种反映。它们只是在物质的载体以及表现的手段上面有着自己的特性而已。舞蹈是以身体为载体来说话的它在舞蹈者不断的动作变换以及身体的姿势当中描绘着想要说明的事物。在舞台的空间里舞蹈者身体的存在就是一种形式美经过身体的运动。所呈现的线路曲线跳、转、跑以及各式流畅的表演都将自己的感情融入到其中了。舞蹈者在舞台的演出通过外在的服装、灯光、音乐内在思想感情赋予舞蹈一种具有生命的灵气丰富的艺术意象以及深远的舞蹈意境都被完整的展示出来。 二、舞蹈的种类 舞蹈的种类繁多所以在舞蹈的分类上也是按照不同的形式来分类的通常是按照舞蹈的类型、舞蹈的表演形式、舞蹈的表现方法这三类来分。通过对舞蹈的分类可以使我们更直观的对舞蹈有深层次的了解它的发展特性及表现方式就会一目了然了。 一舞蹈的类型 古典舞、民族舞、民间舞、现代舞古典舞有一定的程式化严格规定了舞蹈的动作及技巧它是一种传统的舞蹈艺术。主要是我国及欧洲等其他国家的古典舞。我国的古典舞就是古代的舞蹈主要有《六代舞》、《相和大曲》、《清商乐》以及《绿腰》等。二十世纪五十年代以后舞蹈工作者从戏曲、岩画、壁画等当中吸取知识进行整理、加工并借鉴芭蕾舞创造出中国当代古典舞蹈主要有《宝莲灯》、《鱼美人》、《踏歌》、《秦俑魂》等。我国的古典舞具有诗一般的意境人物内心情感的抒发在形式美的构成上意义深重。民族舞是在人类集体生活当中产生的他有一定的民族、时代、地域等特性。不同的民族舞蹈的风格也不同所 表现的历史文化都是本民族的。使人们对民族间的文化的关系有着一定认识。民间舞种类繁多地方色彩浓厚它是一种自娱性舞蹈主要流行于社会中下层在生活中孕育了舞蹈动作风格纯朴自然充满朝气表达了人们对美好生活的向往与追求至今还活跃在群众的生活当中。现代舞脱离了芭蕾舞蹈的束缚它是一种自然的舞蹈自由抒发人的思想感情它是在一系列的社会文化思潮中蜕变而来的这时的社会艺术现象发生了巨大的变化。

舞蹈欣赏，是人们观赏舞蹈演出时所产生的一种精神活动，是对舞蹈作品的感受、体验和理解的整个过程，因此，它本质上是一种认识活动。但它又不同一般的认识活动，而是一种特殊的对舞蹈作品的认识活动。舞蹈欣赏，就是观众通过舞蹈作品中所塑造的舞蹈形象，具体地认识它所反映的社会生活、人物的思想感情，以及舞蹈作者对这种生活现象的审美评价。观众在欣赏舞蹈作品的过程中往往会联系自己的生活经历，引起情感上的共鸣，激发起记忆中有关的印象、经验，以及一系列的想象、联想等形象思维活动，来丰富和补充舞蹈作品中的舞蹈形象，使其更加完整、生动和鲜明、从而能在观赏舞蹈作品的过程中体会到更加广阔的的生活内容和深刻的思想含义。

人们进行舞蹈欣赏这种的审美活动，首先必须具备一定的主观条件，也就是说要具有一定的舞蹈知识、舞蹈欣赏水平和认识能力，舞蹈欣赏活动才能正常顺利的进行。所以我们了解舞蹈艺术的特征、舞蹈和其他艺术的关系、舞蹈形象构成的各种因素，极其产生的过程等，就非常必要了。舞蹈是以经过、提炼、组织、美化了的人体动作为主要表现手段，表现人们的情感和思想，反映社会生活的一种艺术。从舞蹈作品诉诸于欣赏者的感觉特点来看，它是一种综合了听觉（时间性）和视觉（空间性）的表演艺术。舞蹈是在一定的空间（舞台或广场）内，主要通过舞者连续的动作和不断变化的舞蹈队型、画面、以及音乐、舞台美术（服装、布景、灯光、道具）等表现手段来塑造舞蹈的艺术形象。因此，考察和了解作品中各种表现手段是如何紧密的结合在一起形成为一个完整的艺术形象，人物的思想感情，作品的主题内容是如何表达出来的，这样，我们就有可能加深对于舞蹈作品的理解，更好地进行舞蹈欣赏。

舞蹈欣赏的过程始，终离不开形象，它的理性活动始终和感性活动相结合在一起，因此，舞蹈欣赏也就是舞蹈观众进行形象思维的过程。但是，舞蹈观众欣赏的形象思维与舞蹈作者创作的形象思维的具体过程恰恰相反：作者进行创作首先是从生活的感受开始，有了主观情感的激动，才能获得题材，形成明确的主题，再应用各种艺术表现手段塑造出艺术形象，而观众欣赏舞蹈作品，却首先从对舞蹈的形象感知开始，通过人物在舞台上的动作极其所表达的情感和思想，使观众受到艺术的感染，产生情感的激动，进而才能体会到作品所反映的生活内容和主题思想。这也就是说，作者进行创作是由把握生活的现实面貌和本质意义以创造形象，而观众进行作品的欣赏，却是由把握形象，以认识它所反映的生活的现实面貌，并进而体会和理解它的本质意义。

总之，舞蹈欣赏并没有什么神秘的地方，对舞蹈多接触、多看，熟悉了舞蹈，了解了舞蹈，就会逐渐地提高舞蹈的欣赏水平。这正如我国古代文艺理论家刘勰所说：“凡抄千曲而后晓声，观千剑而后识器，故园照之象，务先博观。”其意思是说，会演奏上千只曲子而后才懂得音乐，观察了上千把剑而后才会识别宝剑，所以全面观察的方法，务必要多做观察研究。一个人“晓声”和“识剑”鉴赏能力，来自本人的艺术实践和它对事物的全面反复的观察比较。因此我们说，对于优秀的舞蹈和舞剧作品，只有不止一次地反复欣赏、透彻的体会和理解，才能够充分地感受到舞蹈审美欣赏中的艺术乐趣，同时也可以不断的提高舞蹈欣赏水平和加强舞蹈文化的素养。

如何欣赏芭蕾舞

欣赏芭蕾，大致上有两条思路。一条是传统的，一条是现代的。一般主张欣赏的方法与欣赏的对象相统一：即用一丝不苟的传统思路，去欣赏“早期”、“浪漫”和“古典”这三个传统时期的芭蕾舞剧、音乐型芭蕾和纯粹型芭蕾。

传统的欣赏思路要求观众提前半小时左右到达剧场，以便能将日常生活中的琐事和烦恼，统统留在剧场的大门外或衣帽间那个尘世的空间里，然后静下心来，全身心地投入剧场这样一个非常特殊的，与马路上的拥挤、菜市上的吵闹、单位里的纠纷、家庭里的琐事毫不相干的审美场，进入《仙女》、《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》这样一个人造仙境，进入《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》这样一个梦幻世界，一连几个小时逃避一下都市的喧嚣和精神的压力。接下来，我们还可以用心地研究一下节目单，细读一下剧情梗概、有关评论、舞团简史、编导和舞者介绍等各种有关材料，寻找一下众所公认地芭蕾舞明星，想象一下另人陶醉的音乐名曲，期待一下奢侈华丽的服装和富丽堂皇的布景……

现代的欣赏思路对观众没有任何苛刻的要求，而是为其提供随遇而安的哲学，因为现代生活的节奏压根儿不允许观众，特别是有职业的观众提前半小时到达剧场，而是在欣赏的过程中强调观众无需任何先人之见，只需用随身携带、各不相同的理性知识来理解，用来自生活、五光十色的感性经验来参与即可。

这种欣赏思路认为，节目单上的东西简直就是编导们设下的圈套，或者是为弥补舞剧编导或芭蕾编舞自身的语无伦次而兜售的灵丹妙药，可看可不看，甚至最好不看！剧情到底是怎么“写”的无足轻重，成功与否只能看他台上怎么“舞”的。芭蕾舞剧说到底，还是以舞为主，以剧为辅的，否则，便无法解释芭蕾舞剧中的领衔主演们在跳完双人舞后，甚至在跳完其中的变奏后，便向观众频频施礼的现象。如果剧重于舞，这种行为岂不是出“戏”了，西方的观众和评论家们又怎能整整忍耐了一个世纪呢？

这种欣赏思路认为，明星可以欣赏，但用不着崇拜得五体投地，明星崇拜的风气实在显得太古典！按照自己的审美标准，而不是跟着评论家们的意见跑；寻找自己眼中和心里的明星，而不是随波逐流，这才是最最重要的。

怎样欣赏现代舞

现代舞在我国已发展多年，特别是近几年以现代舞的创作手法创作的各类型的舞蹈作品层出不穷，人们从一开始的排斥到逐渐认识和接受现代舞及其重要性。由于现代舞这一特殊的艺术形式，很多人对现代舞还是只知其名不知其内涵，那么如何欣赏现代舞呢，我想不妨从以下几方面着手：

第一是要以一种宽容的心态欣赏现代舞作品，我们说了现代舞是以标新立异、严肃探索为最终目的，因此首先要能够以平常心态去接受，同时在欣赏的时候要有敏锐的思维和判断能力。在一般人的眼里，既然是舞蹈，那它就必须要一直的舞动，但在现代舞中，这个观念完全不存在，因为现代舞的概念非常广泛，在现代舞者的眼里，大自然的一切无一不能舞，而人的每种行为和每个动作无一不在跳舞。

第二要掌握作品创作者的创作背景和动机，其实一部作品中，很大程度上代表了此时编者的内心世界和创作心态，而这些现象常常在作品中表现出来，因此，掌握作品创作者的创作背景和动机，有助于更好的欣赏和理解作品。

第三看作品的“动态”和“结构”。现代舞是一门形式感极强的艺术，因此，现代舞无论是以何种的形式表现，最基本的都是要从动作开始，而动作的形成、延续、发展、变化，最重要的是看动作的借力方法，其次是看作品的结构，现代舞打破了和谐理想的古典审美原则，对现实社会中人的关注和对自然真实美的追求，因此，在结构上特别讲究对比，动作和动作之间的对比，舞段和舞段之间的对比，节奏和节奏之间的对比，情绪上的对比以及舞蹈构图的对比等等。

第四要尽力的多看现代舞作品，在欣赏的过程中要用自己生而有之的六种感觉去全身心地感受作品。在现代舞作品中，强调的是舞者自身的重量而不是如芭蕾般的轻盈，在动作中强调空间的过程而不是动作的本身，在空间上强调韵味的顿挫而不是流畅，在构图中强调不平衡而不是平衡，强调过程的揭示而不是过程的遮掩。了解了这些以后再对作品进行理性的思考和全面的分析。

说了这么多，我想应该对现代舞有了一个初步的概念了，其实无论怎样，舞蹈还是一个感觉的流程，就算以理性为首位的现代舞，也都是以感性的表象为第一特征的，如果用太纯理性的的思维去理解作品，那只能使自己走入一个对现代舞认识的误区。因此，在有条件下，因对一个优秀的现代舞多看几遍。实践证明，好的现代舞能使你百看不厌，而且每遍都会有新的感受和发现。。。。。。。。。。

　音乐与舞蹈是同一个艺术门类中两个不同的艺术品质。在其近千年的历史发展过程中,它们都是人类生命形态的重要表现形式。下面是我为大家整理的音乐与舞蹈的关系论文，供大家参考。

音乐与舞蹈的关系论文 范文 一：探讨音乐与舞蹈之间的关系

　摘要：音乐与舞蹈，从古至今，都有着密不可分的关系，究竟密在何处本文将从各个方面对音乐与舞蹈之间的关系进行阐述!

　关键词：音乐 舞蹈 互相依存 差异

　一、舞蹈与音乐

　舞蹈是人类最古老的艺术形式，是一门以人体为媒介的表演艺术。通过人自身来展现，以无声的表达即动作为表现手段来表现内心的情感。舞蹈是伴随着人类最早的动作行为出现的艺术形式，它是律动变化多端的活动的塑像艺术。

　影响舞蹈表演的因素有很多,大致可以分为两大类：一类是舞蹈本体的范畴,包括舞蹈演员的肢体、必要的舞蹈技术和艺术表现力。演员的肢体指舞蹈演员的自然条件，诸如形象、身材、比例、气质等;舞蹈技术是指扎实的基本功、单人、双人的技术技巧等;而艺术表现力是指对角色的理解、情感的展现等等，这些都涉及到舞蹈演员的生理因素和心理因素两个方面。

　影响舞蹈表演的另一类因素是非舞蹈本体的范畴，作为外界的刺激同样会影响到舞蹈本体。舞蹈演员的肢体表现,包含了音乐、文学背景、服饰道具、舞台美术(灯光、布景等)、剧场环境等诸多因素，在这其中,对舞蹈演员产生最大影响的莫过于音乐因素。

　音乐是用有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的一种艺术。在人类还没有产生语言时，就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。随着人类劳动的发展，逐渐产生了统一劳动节奏和相互间传递信息的呼喊，这便是最原始的音乐雏形;当人们庆贺收获和分享劳动成果时，往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢乐之情，这便是原始乐器的雏形。

　音乐是有目的的，是有内涵的，其中隐含了作者的生活体验，思想情怀。音乐的最基本要素是节奏和旋律。音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。旋律也称为曲调，高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是完整的音乐形式中最重要的表现手段之一。

　二、音乐与舞蹈的相同点

　(一)节奏性

　音乐的时间单位是音调和节奏，而舞蹈则是姿势和动作，舞蹈动作律动性的实质就是节奏，而对节奏的感受力称之为节奏感。

　人的有节奏的动作自然要求音乐来配合，同舞蹈相结合的不是任何音乐，而是节奏比较鲜明的音乐。最容易与音乐结合在一起的是舞蹈，原因在于它们之间有着共同的节奏，戏剧、**、诗歌等艺术形式相比舞蹈而言和音乐的紧凑性还是较弱的。

　在多人舞蹈中，想要创作出或表演出一个协调而具有观赏性的舞蹈作品，只有有了一个共同的节奏源，才能创作出一个协调有美感的动作。如果没有音乐节奏的规范，舞蹈创作者将无法按照自我心中的节奏来进行编排每个人的动作，而每个人的心理节奏却又是不尽相同的，那么这个舞蹈创作将是失败的，只有舞蹈与音乐具有相同的节奏时，呈现出的节目才是吸引人、成功的。

　(二)内容表达性

　音乐和舞蹈是人类实践的产物，是人们审美的一种方式，它反映了一个民族的思想感情和生活志趣，并表现着他们的传统习俗，道德观念以及理想和愿望。它们都来自于生活，并都用自身的表现规律去揭示生活并表达作者内心的情感。

　每一首音乐，都是作者根据现实或自己的内心世界情感用节奏和符号来创作的，并不是空洞无内容的，舞蹈也是一样的，都是有实质内容的，是舞蹈创作者用动作来表达一定的情感和思想的。从这点可见，音乐和舞蹈都是有内涵的，都是在表达一定的思想感情和 故事 。

　三、音乐与舞蹈的差异

　音乐是听觉艺术，是可以不依附其他的艺术形式而存在的，而舞蹈是视觉艺术，是有动作而无声的艺术形式。人类感情最直接的表示就是语言，音乐善于表达人的内心情感，具有较大的可塑性和抽象性，并且可以靠听着来联想，能发挥出它的优势，而舞蹈是通过具体的动作来表达要表达的对象的，是要依赖音乐而存在的，当语言已经不能满足于表达情感的时候，就要加上身体的动作来共同表达内心的感受。只有当舞蹈和音乐这两者的结合，有声又有动作时就可以产生更鲜明、更准确的形象和更深刻、更细致的感情。 四、音乐是舞蹈的灵魂，舞蹈是音乐的回声

　舞蹈和音乐相互依存、又相辅相成，音乐就像是舞蹈创作环境的氧气一样，无时无刻不体现着它的存在。

　舞蹈对音乐有本能的需要，因为音乐能在舞蹈整个过程中表达情绪、体现个性、烘托气氛、塑造形象等。舞蹈需要音乐的激发与强化。离开音乐，舞蹈是难以充分表达感情的。音乐本来就有直接渗入人心的特点，欣赏中常常把音乐中表现的感情当做自己内心的感情来体验。

　舞蹈属于视觉范畴，有形而无声，在舞蹈表演艺术中，优美的音乐配合，不仅为编导提供了节奏的基础，而且提供了情感、思想、性格、形象和结构，为创作者提供取之不尽的灵感，根据音乐的旋律创造出“舞蹈的旋律”;音乐的色彩变化是对舞蹈多样化的启发，音乐的曲式结构应体现在舞蹈结构中，独特的音乐节奏会产生独特性格化的舞蹈动作，舞蹈伴随音乐的对比、展开而达到了跌宕起伏的效果。舞蹈中的音乐是完成舞蹈作品中的艺术形象和揭示其主题思想的组成部分。舞蹈表现的情绪变化，是通过音乐的旋律、节奏、速度、力度来体现的。舞蹈正是在形体动作与音乐旋律、节奏、速度、力度的有机结合中塑造鲜明的艺术形象的。如果舞者不能很好地理解音乐、感受音乐，那么自己的表演将成为无源之水，无本之木。

　例如有些舞蹈表演，进入意境后，在旋律中体味，去寻觅动作的源头。一旦捕捉住情感的最佳宣泄点时，舞蹈剧情就不用靠死记硬背动作，只要对音乐有准确感觉，待音乐唤起灵感冲动后，便可在“凝固”的音乐气氛中如痴如狂的舞动起来。舞蹈家对于自己表演的作品的组成部分的音乐要有更深的感觉和理解，这种感觉和理解进一步激发起内心的感情，通过外在的形体动作表现出来。

　音乐在舞蹈和舞剧中也具有交代和展现剧情的作用。例如舞剧《好大的风》，在第一段“回忆”中，创作者利用以电声模拟乱风的效果，由小变大，由远至近，把观众带入了故事氛围中。到了舞蹈的第三段“象征”时，把舞蹈推向高潮的是唢呐的呼喊、强烈的鼓声、钹声与弦乐的演奏。最后，伴随着一阵狂风呼啸声，故事进入了结尾，音乐的寓意仿佛是要把这动人的故事吹向更远的地方，让更多的人为之感动。

　五、结语

　综上所述，音乐能为舞蹈增辉，无论是追溯到人类社会最初时期，还是研究现代社会，音乐和舞蹈都相互依存、互为因果又融为一体，当两者完美的结合在一起时，能为欣赏者带来美妙的享受。舞蹈者要提高自身的音乐修养和舞蹈技巧，抓住两者的最佳结合点，创作出优秀的作品，为我国舞蹈事业做出贡献。

　参考文献：

　[1]陈旭光舞蹈艺术的“抽象”与“移情”—兼及其他几对关于舞蹈艺术与审美的二元对立范畴[J]北京舞蹈学院学报, 2007(1);

　[2]朱立新 试论舞蹈教学中音乐的特殊作用[A] 江苏省 教育 学会2006年年会论文集(音乐专辑)[C], 2006;

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　[4]张又兮;“载歌载舞”的文化探源——兼论音乐在舞蹈艺术中的作用[J];民族音乐;2010年01期;

　[5]林敏;花蝶共舞乐陶陶——浅谈对音乐与舞蹈关系的认识[J];艺苑;2010年04期;

　[6]王晓萍;浅谈音乐为舞蹈之灵魂[J];赤峰学院学报(汉文哲学社会科学版);2010年01期

　音乐与舞蹈的关系论文范文二：浅论舞蹈与音乐

　论文关键词：舞蹈　音乐　教育　修养

　论文摘 要：舞蹈教育是一门综合性的学科，一个完整的舞蹈应具备音乐、灯光、舞美、服装等等元素的参与其中，好的音乐即是舞蹈成功的一半，所以音乐是舞蹈教育中非常关键的一个组成部分，倘若舞蹈动作元素如同人的骨骼，那音乐就是或肥或瘦，或圆润或富有弹性的肌肤，她使得舞蹈更加立体，饱满，她调动了人的听觉和动觉，创造了和谐的共通空间。

　舞蹈与音乐都是古老的艺术形式，两者间的关系十分密切，舞蹈教育是素质教育的重要组成部分，音乐的修养在舞蹈教育中起着极为重要的作用，如果只重视基本功和技巧的练习，忽略了对音乐修养的加强，那么出来的作品就会是很空洞、生硬，没有内涵的。音乐是舞蹈的灵魂，舞蹈与音乐应该是相互依存的。

　可是在当下社会一些舞蹈教学中，由于音乐修养的欠缺，严重的影响了舞蹈的发展和表现。本论文通过探寻在舞蹈教育中音乐修养的加强，使人们可以更深层次的了解舞蹈与音乐的密切关系，从而在今后的舞蹈教育和学习中重视音乐的修养，把舞蹈与音乐很好的结合在一起。

　舞蹈与音乐是水乳交融的姊妹艺术，任何一种舞蹈都必须根据音乐的节奏来进行创作，没有音乐的伴随就不存在舞蹈。舞蹈与音乐在历史上、结构上、旋律上及各民族舞蹈的结合上都有着密切的联系：在中国的古籍中，多把“乐”与“舞”并提，也就是说，舞蹈是音乐的表现形态，音乐是舞蹈的声音和内容，音乐配合舞蹈，使舞蹈的表现能力大大加强，舞蹈配合音乐，使虚的音乐形象变成较为具体可感的舞蹈形象。

　舞蹈与音乐都具有抒情性。古人认为，舞蹈和音乐都是人类感情最集中的体现。直到现在，当人们兴奋的时候也会情不自禁的手舞足蹈起来。可见舞蹈和音乐都是抒发人物情感的艺术，舞蹈与音乐都属于时间艺术，舞蹈与音乐都要表达一个进程，都在时间推移中展示主题，刻画形象。

　在表达内容和情绪时，音乐需要音符的连续，舞蹈需要动作的连续;其次舞蹈与音乐都是以节奏为基础的，节奏是产生动感的基本要素，是舞蹈动作构成的基本因素，也是构成音乐旋律的基本因素。如果没有节奏的支撑，音乐和舞蹈都会瘫痪，在舞蹈中，节奏是联系动作的纽带，一般表现为舞蹈动作力度的强弱、速度的快慢和能量的大小。相同的动作，由于节奏的变化，可以表现出不同的情感，体现不同的内容。

　比如旋转的动作：如果旋转速度很快，就可以表现出人物激动的情感，或暴怒，或狂喜，或哀痛;如果速度减慢，则激动的情感也随之慢慢平静下来;如果旋转的速度减到最慢，那么激越的情绪也就逐渐消失了。可见有鲜明的节奏，和音乐紧密结合是舞蹈区别于其他艺术的最明显的特点之一。

　我们常说，音乐是舞蹈的灵魂，这说明了音乐对于舞蹈的重要性。离开音乐，舞蹈是难以充分表达感情的。一个舞蹈作品的成功或失败，舞蹈音乐起着极为关键的作用，音乐不仅仅是舞蹈的伴奏，而且还表现人物丰富的思想感情和性格特征。音乐对舞蹈的作用具体体现在以下几个方面：　舞蹈需要音乐的激发与强化，音乐可以配合舞蹈在听觉和视觉上同时刺激观众，两者结合能互为补充从而形成视觉形象和听觉形象相统一的整体。比如如果出现低沉缓慢的音乐时，一般是要表现人物比较失落、哀伤的情绪，观众通过凄迷婉转的音乐和舞蹈演员的表演，可以充分体会到人物的情绪变化。

　由于音乐对舞蹈的特殊性，舞蹈编导们可以从音乐中寻找到灵感。舞者在学习或表演时，把对音乐的理解融入到现实的舞姿中，可以增强作品的表现力和感染力。舞者通过反复听音乐，体会音乐的情绪，然后将脑海中的肢体语言表现出来。只有懂音乐的人才会被音乐情绪所打动，所以搞舞蹈的人，一定要学会听音乐即兴舞蹈。在舞蹈中，音乐是连接舞蹈动作的纽带，通过音乐把舞蹈动作串联起来，形成有规律的组合。音乐的风格可以体现出舞蹈的风格，比如藏族弦子舞，音乐速度较慢，旋律优美，婉转而深情，舞蹈动作舒展、柔美，其音乐与舞蹈风格都是一致的。

　通过上述对舞蹈与音乐的关系和音乐对舞蹈的作用两方面的介绍，说明了舞蹈中音乐的重要性，那么在舞蹈教育中，加强舞蹈专业人员的音乐修养是提高舞蹈人才素质的关键因素之一，音乐包含的内容是极其丰富的，单是音乐基础理论知识就包括乐理基础、和声、中外音乐史、曲式分析等。音乐技巧又包括对视唱练耳、声乐基础、钢琴基础等课程。

　本人认为，以上这些课程对舞蹈的学习帮助很大，如果舞蹈学习者没有真正理解音乐的内涵，就不能够从音乐的思维中获得更多舞蹈之外的营养，更无法在创作时很好的把握音乐，所以这些课程的学习都是必要的，当然还有许多没有提到的课程也很有用，在这里就不一一列举了。

　舞蹈是一种无声的表达，是通过肢体来表现内心情感的，需要音乐的配合来完成，每一种舞蹈、每一个舞者都必须根据音乐的节奏来进行动作的创作，加强肢体音乐语言的训练，就是让舞蹈学习者通过对音乐的理解，把脑海里想到的形象用舞蹈动作表现出来，这样可以提高舞蹈艺术的表现能力。一个具有良好音乐修养的人，一旦音乐响起，随着音调的高低、节奏的长短、速度的快慢，舞者就进入了用肢体语言阐释心中对音乐感受的世界。

　但是在一些中等专业的舞蹈(艺术)学校并没有开设完整的音乐教育课程，没有把音乐修养提到相应的高度，这就限制了他们对音乐中舞蹈形象的想象和表现，限制了他们向更高的层次发展。在训练中，应该多注重学生对乐感的培养，在理解感受音乐的同时，发自内心的用舞蹈动作把体会到的音乐形象表现出来。

　参考文献：

　[1]王天云21世纪舞蹈教育的思考[J]北京舞蹈学院学报1999(4)

　[2]李晓敏邓肯舞蹈教育思想对我国 儿童 舞蹈教育的启示[J]剧作家2005(6)

　音乐与舞蹈的关系论文范文三：也谈音乐与舞蹈的关系

　摘 要：音乐是舞蹈的灵魂，舞蹈是音乐的回声。舞剧音乐与舞剧存在密切的关系，它有着与其他音乐不同的美学特征，进而成为舞剧创作的基石。

　关键词：舞蹈;音乐;灵魂;关系

　舞蹈，是人类最古老的艺术形式。舞蹈是一种无声的表达，通过肢体来表现内心的情感。舞蹈是伴随着人类最早的动作行为出现的艺术形式，而在舞蹈创作的若干重要因素中包含着音乐的音素。任何一种舞蹈，任何一个舞者必须根据音乐的节奏来进行舞蹈动作的创作，音乐就像是舞蹈创作环境的氧气一样，无时无刻不体现着它的存在。

　舞蹈和音乐相互依存，没有音乐伴随就不存在舞蹈，即使是最原始的舞蹈也有节拍或歌唱相伴和。音乐与舞蹈的结合，使得音乐艺术的表现形式得到了丰富，而且人们多方面的审美需求又满足于两者相结合以后绚丽多姿的综合艺术中。舞蹈和音乐的这种“共性”为它们的结合提供了坚实的基础。

　一、音乐在舞蹈中的存在性

　舞蹈需要音乐的情感激发和动作强化。离开音乐，舞蹈是难以充分表达感情的。音乐是一种无声的艺术，它是声音的艺术，是以音响为表现的物化形态。其主要表现手段是旋律，节奏与和声;而舞蹈主要是以肢体动作为其表现的物化形态，主要表现手段是舞情、舞律和造型。音乐是时间、空间、听觉的艺术。

　舞蹈是空间、视觉的艺术。它们虽然有着不同却也有相同的地方，一直以来舞蹈与音乐被作为姐妹花艺术来看待。从舞蹈与音乐的结合来看，节奏是舞蹈与音乐之间存在的共同点。节奏是舞蹈动作构成的基本因素，也是构成音乐旋律的基本因素。从产生之初，两者就紧密的结合在一起了，这是他们结合的基础。

　从上古时代，舞蹈、音乐就伴随着人类声场劳动而产生。动作和节奏是密切相关的。如《毛诗》序所说，“情动于中，而行与言，是言之不足，故叹之，足之蹈之也”。人们用手拍打，脚踩踏，在某种动作连续重复过程中，就产生了有规律的节奏，既是音乐的也是舞蹈的节奏。舞蹈需要音乐来强化节奏感，音乐也需要舞蹈来诠释节奏。在节奏相同的情形下，产生多种多样的动作变化和队形的更改，从而形成群舞或独舞。

　只有有了一个共同的节奏源，才能创作出一个协调而具有观赏性的舞蹈作品。而在群舞的创作当中，由于表演者是由多个人组成，而每个人的心理节奏却又是不尽相同的，如果没有音乐节奏的规范，舞蹈创作者将无法按照自我心中的节奏来进行编排每个人的动作，那将导致群舞作品创作失败。在独舞的舞蹈作品创作中，舞蹈编导也必须按照自己的心理节奏，或者是根据自己对于音乐的理解，自行安排与音乐相对应的舞蹈动作完成作品创作。

　抒情也是舞蹈与音乐的共同点。两者都长于抒情而拙于叙事。舞蹈借助形态动作，便于表现情感的外部形态，音乐长于抒发复杂而强烈的内心情感，而且音乐的表达具有抽象性，它不会对舞蹈的具体表达产生重叠，矛盾或干扰，而可以与舞蹈结合得天衣无缝。

　二、音乐是舞蹈的灵魂

　音乐是舞蹈的灵魂。舞蹈成为音乐之行，音乐成为舞蹈之声，自古以来就难舍难分。从音乐中的音素、动机、主题旋律与环境氛围，其一致性达到了近似“同步”的境地。舞蹈作为一种综合性的艺术，音乐在其中所起的作用是显而易见的，也是十分重要的。舞蹈属于视觉范畴，有形而无声，而音乐则属于听觉艺术的范畴，有声而无形，两者可以有机结合。在舞蹈表演艺术中，优美的音乐配合，可以帮助舞蹈在整个表演过程中表达情绪，体现个性，烘托气氛，从而塑造完美的舞蹈形象。舞蹈中的音乐是完成舞蹈作品中的艺术形象和揭示其主题思想的组成部分。

　舞蹈表现的情绪变化，是通过音乐的旋律、节奏、速度、力度来体现的。舞蹈正是在形体动作与音乐旋律、节奏、速度、力度的有机结合中塑造鲜明的艺术形象的。就来 说说 舞剧当中的《乌纱魂》的编导情况为例。在该剧的编导过程中，他没有单纯地去设计舞蹈动作，而是先把大部分时间和主要精力用在倾听音乐上。

　所谓听，就是用心灵去感知音乐，就是“入境”，在旋律中体味，去寻觅动作的源头。一旦捕捉住情感的最佳宣泄点时，剧情中设计的动作和音乐融为了一体，自然流淌而出。在排演场上，剧情不靠回忆动作，更不靠场记，而是先和演员一起反复听音乐，交代对音乐的准确感觉，待音乐唤起灵感冲动后，他便在“凝固”的音乐气氛中如痴如狂的教起动作来。这时舞蹈随音乐驰骋，动作从胸中流出。

　因此，《乌纱魂》剧的动作不是硬编出来的，而是自然流出来的，如同行云流水，相映成趣。这正是源于舞蹈与音乐这种密不可分的关系，自古以来，我国就有“乐舞”之称。舞蹈需要音乐的激发与强化。离开音乐，舞蹈是难以充分表达感情的。音乐本来就有直接渗入人心的特点，欣赏中常常把音乐中表现的感情当做自己内心的感情来体验。舞蹈家对于自己表演的作品的组成部分的音乐当然有更深的感觉和理解。这种感觉和理解进一步激发起内心的感情，通过外在的形体动作表现出来。

　三、舞蹈与音乐的内在联系与异同

　(一)舞蹈与音乐的内在联系

　舞蹈是以人的肢体语言为主体的，那么音乐究竟给予舞蹈一些什么呢本人看来，音乐shi少在以下六个方面，给舞蹈增添了魅力。(1)节奏、节拍等，给舞蹈以鲜明的律动;(2)音调、调式、音色等，给舞蹈以主题形象和风格的预示;(3)背景音乐、音量、速度等，给舞蹈以情绪的渲染和烘托增加戏剧性;(4)转调、变和铉、变节奏等，给舞蹈的内容以花容点睛，立增加戏剧性;(5)和声、复调等多声部，给舞蹈形象表现以丰富感，立体感和层次感;(6)不同的曲式结构连接，使舞蹈作品的情节发展更具逻辑性、完整性。

　(二)舞蹈与音乐存在的共同点

　1舞蹈和音乐都是时间性流动的艺术，它们都是表现一个连续的、进行的过程，音乐是靠音符的连续，舞蹈是靠动作的连续，二者都是以节拍和节奏组织起来、连贯起来的。如果说旋律是音乐的灵魂，那末节奏就是它的基础，同样地说，动作是舞蹈的灵魂，那么它的基础也是节奏。因之节奏是音乐与舞蹈同步进行的最重要的基础，也是连续两种艺术的桥梁。

　2舞蹈和音乐在表现特点上都是不擅长表现抽象的概念。二者都是长于抒情，拙于叙述，更拙于理论。舞蹈与音乐都是人类实践的产物，是人们审美的一种方式，它反映了一个民族的思想感情和生活志趣，并表现着他们的传统习俗，道德观念以及理想和愿望。它们都来自于生活，并都用自身的表现规律去揭示生活，因此，它们是具体的，形象的，并不是理论性的。

　3舞蹈和音乐都是表演艺术。它们必须经过二度创作——表演，才能完成整个创作的过程。当一个舞蹈作品在舞台上演出

　时，舞蹈和音乐同时经过视觉的途径到听觉的途径——“殊途同归”于欣赏者的感官，融合在一起，产生了新的“质”。

　(三)舞蹈与音乐存在的差异

　1音乐是听觉艺术，舞蹈是视觉艺术，进一步说，一个是有声而无动作，一个是有动作而无声，这两者的结合既有声又有动作，就可能产生更鲜明、更准确的形象和更深刻、更细致的感情。

　2音乐善长于表现人的内心情感，本身具有较大的可塑性和抽象性，并且是靠听着来联想，发挥其最好的效益，而舞蹈是通过具体的动作来表达要表达的对象。

　3音乐是可以不依靠其他艺术而独立存在的，而舞蹈必须依赖音乐而存在，人类感情最直接的表示就是语言，当语言不足以表达情感的时候，就用欢唱来表达，当欢唱还不足的时候，才用手舞足蹈来表达它。

　从上面的分析可以看出，音乐与舞蹈是密不可分的。音乐是舞蹈的声音，舞蹈则是音乐的形体，舞蹈与音乐如鱼和水，相互依存，相互作用，两者结合给人类带来一种美妙的艺术享受。

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　艺术教育是培养学生德、智、体、美全面发展的重要途径,是美育的核心,在素质教育中起着重要作用,心理学家认为, 艺术是心灵的体操 ,许多不健康的心理在艺术的感染和熏陶下得到矫正。听障生由于听不到,对客观事物的认识存在一定的偏差,容易造成自卑、敏感、抑郁等心理问题。以下是我为大家精心准备的：舞蹈艺术对学生心理健康的影响相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!

　 舞蹈艺术对学生心理健康的影响全文如下 ：

摘 要： 大学生在面临紧张的学习和就业压力时，容易出现焦虑、抑郁等心理问题。这需要学校采取有效的干扰策略和对策，而开展舞蹈艺术活动则是有效的措施之一，既能促进大学生健康的心理，也能促进他们积极健康的成长。同时也可以促进舞蹈艺术在高校的开展和推广。

　 关键词 ：舞蹈艺术;大学生;心理健康;影响

　随着高校扩招和就业压力不断加大，大学生心理健康问题遇到一些不同程度的问题，如浮躁、压抑、困惑、低迷、堕落、自私、消极等精神或心理疾病。这些精神或心理疾病直接关系到大学生的健康成长，关系到他们能否成为合格的社会需要的人才。这需要高校教育引起高度的重视，采取必要的有效措施加一个干预和纠正。而舞蹈艺术是一门具有较高健身娱乐价值的艺术形式，既能探讨身心平衡，又能以舞养身。舞蹈本身有情感表达宣泄、强身健体及医疗的功能和作用。对此，本文通过从事舞蹈教育工作，试图从这个角度对舞蹈艺术活动对学生心理的影响进行深入的分析，从而有意识的帮助学生去进行心理调节，并推动舞蹈艺术在高校的发展。

　1心理健康与舞蹈心理治疗的概念

　心理健康是指个体的基本心理活动的过程和内容的完整与协调一致，即心理的各个方面及活动过程处于一种良好或正常的状态。与心理健康相对应的是心理亚健康以及心理病态。从不同的角度，心理健康衡量标准也有所不同。概括起来主要有以下几种：对自我的成就有价值感;可以适度地自我批评;生活中有适度的主动性;能忍受生活中的挫折和失败;了解自己的目的和动机;个人的价值观符合社会的标准;生活目标要符合实际;拥有爱人的能力和被爱的能力，具有良好的人际关系，拥有独立的判断是非的标准。而舞蹈心理治疗又称为舞蹈动作治疗，是一种运用舞蹈以促进人认知、身体、情绪和社会融合的心理疗法。舞蹈心理治疗是艺术学、心理学等学科的交叉产物，能够弥补了传统心理疗法存在的不足。作为创造性的艺术治疗方法，是在人们有意或无意之中起着精神保健的作用。舞蹈艺术中的音乐，刺激着人的人体感觉器，它会带给你们精神上的美感，使人的身心处在高涨的审美快感之中。在这种状态下，人的情感得到了充分宣泄，进而使精神陶醉在美的海洋之中。同时，舞蹈医疗通过在动作共情的沟通方式下，使人体感觉到了一种情绪共鸣，以达到治疗心理病和调整情绪的目的，从而培养出个人积极向上的乐观态度。

　2当代大学生心理健康的主要问题

　目前，在大学生中后两种疾病的学生人数并不多，大多是一般性心理困扰，但这些心理困扰若不及时得到干预和纠正，将会影响到大学生的品德发展和个性完善。从目前大学反映出来的一些心理问题主要包括以下问题：第一，抑郁。抑郁是一种感到无力应付外界压力所产生的消极情绪，通常表现为思维迟缓、兴趣丧失、情绪低落，对生活失去信心，同时伴有失眠、食欲不振等特征。这一心理问题长时间会使人的身心健康受到损害，使学生无法正常地完成学习。第二，部分大学生过度焦虑。大学生由于学习任务繁重，工作压力大，极易产生过度焦虑的情绪。第三，自卑情绪。自卑感一旦形成，将会让个体有所作为。具有自卑感的大学生由于担心自己的缺陷被别人知道，因而表现出较强的虚荣心，常把自己禁锢起来，从而产生孤独的性格。除此之外，大学生还容易产生过度恐惧、冷漠情绪、孤独感等心理问题。针对以上这些常见的心理问题和现象，就其原因而言是多方面的，主要概括起来有以下几点：第一，生活适应问题;第二，认知失调问题;第三，情绪与情感问题;第四，人际交流问题;第五，恋爱问题;第六，家庭经济状况以及学生毕业后择业和就业等遇到的系列因素。这些因素的存在是引起大学生各种心理问题的原因所在。

　3舞蹈艺术对学生心理健康的主要影响

　第一，古典舞对大学生心理健康的影响。古典舞是具有一定古典风格特点的舞蹈，具有一定历史性。古典舞包含了许多传统艺术之美，可以被看作是具有一定文学色彩的舞蹈。大学生学习古典舞既可以感受到传统文化精神，也可以提高自身的文化素养。例如《踏歌》是一个动作轻柔唯美，极富情感的古典舞作品，通过学习可以触动大学生的情感，学生在排练中，可以感受到它所带来的唯美，可以提高大学生分辨真假、善恶的能力。因此，古典舞蹈作品，在对大学生的影响方面具有有一定的疏导和调节作用。

　第二，民间舞对大学生心理健康的影响。中国民间舞具有地域和民族性，可分为汉族民间舞和少数民族民间舞两类。每个民族地域形成了不同的风格，造就了民族各自的舞蹈形态。如藏族舞蹈的豪放，傣族舞蹈的典雅，苗族舞蹈的热情等。民间舞可以给学习者带来不同的情绪变化，起到调节心理的作用。许多民间舞蹈作品通过视觉、触觉和动觉，能够让学生得到一种异性的情感交流，会产生一种协调、融洽的情感美。大学生在排练中能享受到一种和谐优美的愉悦，能增进同学间问的友谊，加强了相互协调配合和整体感。通过这种学习，大学生可以自由的宣泄情绪，促进相互之间的人际交往，提高社会适应能力。

　　《浅谈中国民族民间舞的发展》

　　我国的民间舞源远流长,十分丰富,一般又可分为汉族民间舞和少数民族民间舞两类民族民间舞流传于民间、受民俗文化制约、即兴表演但风格相对稳定、以自娱为主要功能的舞蹈形式。不同地区、国家、民族的民间舞蹈，由于受生存环境、风俗习惯、生活方式、民族性格、文化传统、宗教信仰等因素影响，以及受表演者的年龄性别等生理条件所限，在表演技巧和风格上有着十分明显的差异。民间舞不乏朴实无华、形式多样、内容丰富、形象生动等特点，历来都是各国古典舞、宫廷舞和专业舞蹈创作不可或缺的素材来源。

　　由于我国各民族社会结构、经济类型、生产方式等方面的不同，千百年来民间舞蹈都是在特定时空、特定群体中传承的，“特定时空”大多包括宗教仪式、祭祖祈神、年节聚会、生产劳动、婚丧嫁娶、谈情说爱等民俗事项；“特定群体”指地处边疆的少数民族人民，他们大都喜爱用本民族的民间歌舞来表达自己喜、怒、哀、乐的情感，就是日常生活中的劳动小憩或亲朋相聚时，他们也要唱唱跳跳歌舞一番，民间歌舞是他们精神生活的重要组成部分。我国舞蹈家对原生态的舞蹈进行整理，从纯民间风格、动态中提取了大量可以单独使用的动作素材并使其“元素化”，成为能够遣词造句的语素。很显然，这个过程必然造就一个不同以往的结果，民间舞被“肢解”了，但是民间舞的功能被扩大了，虽然看上去似乎离“民俗”远了些，但离舞台却更近了。

　　一：民族民间舞蹈的文化结构

　　民间舞蹈是一种文化现象，它用人类自身的形体动作和思想情感来表现社会生活、体现民族历史和传情达意、抒发情怀。民间舞蹈与物质文明和精神文明紧密相连，早在史前时期，我们的祖先就用“手之舞之、足之蹈之”来表达他们激动时的感情，舞蹈活动几乎渗透到劳动、狩猎、争战、祭祀和性爱等一切领域。人类进入阶级社会后原始舞蹈也随之发展分化，一部分成为为奴隶主表演的舞蹈，以后发展为宫廷舞蹈；另一部分是奴隶们的舞蹈，从祭祀性或其他功能的舞蹈逐渐发展成为民间舞蹈，由于各民族历史发展不平衡，一些少数民族没有本民族文字，因此很少在史书中留下其踪迹。然而极为宝贵的是植根于人民生活沃土中的民间舞蹈，经过数千年的传承演变，至今仍流传于各民族群众生活中，尤其是地处边疆交通不便的一些少数民族地区，直至20世纪五六十年代，仍较多地保留着原生态的舞蹈特征，具有史前舞蹈的性质。它们的表演形式、风格特色及其内容所折射出的文化内涵，涉及到民族历史、宗教信仰、生产方式、风土民情、道德伦理、审美情趣等各个方面，可以说民间舞蹈是社会文化交织融合的总汇演。

　　二：民族民间舞蹈发展的多元、多样和复杂性

　　民族民间舞蹈文化的变迁，首先表现在其内涵和功能的大包容量，在当代社会多元文化的相互渗透浸染下，使其古今交错、新老混杂。青海玉树草原的赛马会是康巴藏区远近闻名的草原盛会，每年水草丰美、牛肥马壮的七八月，都要在玉树结古镇草滩上进行民族歌舞、格萨尔说唱、赛马、射箭等表演，以及贸易交流等。90年代初，玉树的藏传佛教各教派寺院，把法舞《羌姆》搬上民俗节日赛马会进行展演，数百年来《羌姆》作为藏传佛教法事活动的重要组成部分，其传承方式始终恪守传内不传外的原则，即遵循在寺院内由喇嘛僧侣表演的规则。现在寺院的活佛和喇嘛自愿地把法舞和群众性民间歌舞联合演出，从而使《羌姆》冲出了寺院的禁锢，增强了表演性、娱乐性，淡化了佛法的神秘感、威慑感，把宗教和世俗的关系拉近了，这一做法在全民信教的藏区很有积极意义，可以说，这是新时期党的民族政策落实的结果。《羌姆》法舞的变化，不仅体现在表演时空的移位和表演程序的简化，更重要的是加强了宗教世俗化的发展。

　　三：民族民间舞蹈文化建设

　　中国民族民间舞蹈文化建设的定位是，以中国各民族民俗舞蹈文化为基础、本土文化特征为依据，以加强中国民族民间舞蹈本性建设为目标，同时在比较其他民族民间舞蹈文化发展研究的基础上，完善当代中国民族民间舞蹈的学科体系。我们在研究中国各民族民间舞蹈的历史及其继承和发展的同时，还要继续研究完善中国各民族民间舞蹈学科的师资队伍建设、教材建设、课群建设、实践教学交流建设和教学管理建设。更要继续研究民族民间舞蹈动态的本质特征，在民族、民俗、民间文化的基础上，深入探讨，走到民间，挖掘整理和提炼当前未纳入教材的民族民间舞来完善现有教材体系。培养出民族民间舞蹈尖子人才（一是培养演员尖子人才，一是培养教师尖子人才），针对不同学员给予不同的学习侧重，因为不同的民族民间舞蹈有其完全不同的风格特性。我们知道，一个学员不可能在短短的四年中将民间舞蹈学习面面俱到。所以，学员必须在全面学习基础教育的同时对某一、两个舞有所作为、有所精通、有所成绩。实践、教学、交流、实习是教育过程中的重要环节，是验证获取的知识或教学成果及学生能力的重要步骤。如果抓好舞蹈实践、教学、交流的建设，就能使学生在学习期间提早得到社会实践的机会，真正将理论联系实际。其实，民族民间舞蹈创作无论怎样的表现和发展，都必须在“民族民间”四个字上下功夫，否则必将在舞蹈的海洋中失去个性，失掉性别，消失在人为的、主观的舞蹈臆造中。研究民间舞，必须从本质出发到现象，再从现象出发回归本质，这样才能形成良性循环。当然，我们并不固守，我们要以开放的胸怀拥抱世界，变革、创新永远是继续生存的标志，发展才是硬道理。

　　四：民族民间舞蹈技巧

　　1技巧风格化

　　中国古典舞技巧追求能力素质的极限展示，而中国民间舞技巧追求的是审美风格的完美体现。古典舞中的技巧同身韵可以是各自独立的，而民间舞中的技术技巧是同舞蹈风格紧密相融、难以分开的。也就是说民间舞的技巧不是纯技巧，而是风格化的技巧。中国民间舞的技巧发展趋向，应该是风格化技巧的强化与发展。风格化技巧既包括民间舞蹈中的各种道具性舞蹈技巧，又包括各民族民间舞蹈中特有的旋转、跳跃、翻身等技巧。中国民间舞系副教授明文军在《由厦门班毕业课想到的》一文中，曾提出过将道具的运用往极限上发展而构成民间舞技巧的教学设想。实践证明，这种教学设想是科学的、可行的。我们的民间舞有许多极富特色的道具舞蹈形式，是可以去挖掘、研究和发展的。比如汉族的手绢、扇子、鼓、伞、棒；藏族的热巴鼓、辫鼓、背鼓；蒙族的筷子、盅碗；朝鲜族的长鼓、象帽等等。还有民间舞中的各类旋转，也是风格性很强的技巧。比如维族舞蹈中的各种跪转、夏克转、空转、平转，讲求快速、多姿、戛然静止，犹如鹰隼迎风回旋。而朝鲜族民间舞蹈中的旋转则讲求平稳，优雅，犹如仙鹤悠然自得。

　　2技巧情感化

　　民间舞中的技巧是与渲泄生命情感和烘托场面气氛紧密结合的，是民间舞者内心激情的物化。如果没有情感的投入，再高难、再精湛的技巧形式在民间舞中也会变得苍白无力，毫无光彩。我曾经从电视录像中看过一些民间舞剧目，现在虽已记不起它们的名儿了。但让我记忆犹新的是，它们的“技巧性”都很强，表演中动则旋子3600，静则控腿1800……。但这些技巧成了游离于舞者情感和舞蹈风格之外的“无情之举”，因而毫无艺术感染力可言，反倒让人感到莫名其妙。对此而言，我比较欣赏的是云南省歌舞团创作的男子三人舞《小伙、四弦、马樱花》，其热情风趣、朴实无华的风格让人百看不厌、回味无穷。这个剧目也安排了诸如倒踢紫金冠、小翻、抢脸等一些技巧，但这些技巧是在演员们情感的自然流露中，是在舞蹈情绪的层层推进中恰到好处地完成的。这种情感化了的技巧，极大地丰富了舞者的艺术表现力，增强了舞蹈的艺术感染力。

　　3技巧艺术化

　　随着时代的发展，随着民间舞从广场向剧场的转化，民间舞技巧的功能已不仅限于渲泄情感和渲染气氛了，它将逐步向塑造舞蹈形象、表现人物心理、营造舞台意境的艺术化方向发展。有人说，杨丽萍表演的民间舞根本没什么技巧，为什么能获得大众的普遍喜爱和专家的如潮好评呢其实仔细分析起来，杨丽萍那独特的动作语汇的运用就是民间舞的艺术化技巧的最高体现。《雀之灵》中的舞蹈造型与动态，已不同于广场原生态的傣族孔雀舞了。它通过艺术化地夸张与变形，将孔雀那高洁、超然的灵性进一步升华，创造出了一个似真似幻、虚虚实实的艺术仙境。正如于平教授所评价的那样：“《雀之灵》的过人之处，在于它以‘技’成‘形’却又不为‘技’和‘形’所累。当你在欣赏杨丽萍的《雀之灵》时根本发现不了技巧的痕迹，因为“杨丽萍是用‘技以求道’的生命意识在创造‘生之灵光’。在那翩跃翔舞的孔雀中，杨丽萍倾注了自己全部的人生感兴、人生悟觉、人生意趣和人生睿思，使这一舞蹈独白充溢着恬静的生命和谐感与坚毅的生命自信心。”因此，我认为民间舞技巧运用的最高境界就是将之艺术化，让技巧的全过程完全隐匿在舞蹈表演的情理、律动之中，而不“显山露水”，刻意为之。民族民间舞的继承和发展的关系，有如地基和房子。“继承”，是一幢房子的地基，“发展”，则是建筑于地基上面的房子。如果缺少这个地基，就无法谈得上建造什么房子；同样，如果不是为了建房子，那么光是打下一个地基，那又有什么意义呢？所以说，对民族民间舞的继承，就是为了发展，而发展却有赖于继承，它们之间的关系是相辅相成的。下面就这一问题分别谈谈我们的一些看法。

　　五：继承

　　我们在上面把继承比作一幢房子的地基，那么说，继承便是根本了。这个基础打得怎样？是否牢固？直接影响着房子。我们搞舞蹈、戏剧、体操的不是常有这样一句“七分键子三分提”的口诀吗？若想以后的“提”翻得好，翻得高，就得下苦功练好这“七分键子”。基础打好了，以后要如何“翻”，建什么房子，那就能驾轻就熟，水到渠成了。继承既是根本，在比分上，它也应该是“七分”了，因此，其重要性是可想而知的。尤其在当今而言，我们认为更应着重这一工作。为什么这样说呢？原因有四。文化大革命的十年浩劫，我们的民族民间艺术之花，被摧残至雕零枯萎的境地。民间艺人，有的已死去，剩下的年纪也相当大了，只能口授不能身教，鉴于这种情况，如不及时挖掘、整理，就有失传的危险。由于“四人帮”出于反革命的需要，在文艺领域中提出“文艺必须为当前的政治服务”，作品主题思想必须“以阶级斗争为纲”，在创作方法上必须遵循“三突出”。使得文学艺术走上了一条形而上学的创作道路，一切被概念化的口号所代替。舞蹈的内容不是“献苹果”，就是“献香茶”、“献披肩”等等，家乡有什么就献什么。要不然就是毛主席来到我家乡，来到我边寨；好象毛主席看过的麦穗不用施肥也能长得好，毛主席看过的牛羊不用料理也能长得肥又壮。这种没有真情实感的概念化的舞蹈，怎会受群众的欢迎？我们的民族民间舞蹈本来是多姿多彩的，但那时在舞台上只能运用那么几个为数不多的、作为一种政治术语的舞蹈语汇。只要你稍微越出这条界线，就说你是资产阶级低级庸俗的情调，不健康的表现等等。就是这种所谓“革命文艺”，使得我们宝贵的民族遗产失去了原有的光彩。我们的演员虽也穿着各民族的服装，但跳的不再是群众喜闻乐见的民族舞蹈。在这样的局面下，我们的演员不爱演，观众不爱看，编导不知所措。要尽快扭转这种局面，就有必要从温祖先给我们留下的遗产。虽然我们的一些老专家，老编导曾经掌握了一些传统的东西，但他们在十年浩劫中给“四人帮”的“棍子”打得晕头转向，现在多少还有些“脑震荡后遗症”，原来熟悉的东西变得生疏或遗忘了，曾收集到的民族民间素材被烧毁或丢失，而我们年青的一代和民族民间艺术又隔绝了十年之久。这些都说明了继承民族民间传统艺术，是当务之急。然而，要继承和发展民族民间艺术，必须要有深厚的民族感情——民族的自尊和自豪感；而这种自尊和自豪感，也只有在向民族民间艺术学习、不断地了解、熟悉民族民间丰富多彩的艺术的过程中，逐步得到增强的。

　　在大连的单项舞蹈比赛中出现了一些优秀的民族民间舞，如《水》、《追鱼》、《金山战鼓》等节目，同时也涌现出一大批反映自然景物和花鸟虫鱼的节目，我们认为这是一个非常可喜的现象，我们的民族本来就是最擅长于通过描写大自然和大自然的生灵来表达和寄托自己的理想和抱负的。“触景生情，寓情于景”，素来就是我们民族民间艺术的特色和传统手法，这在我们的古典文学、民间传说中尤为盛行，在我们的诗歌、词赋及国画中就更为突出。而这些成功的艺术珍品，在世界的艺术宝库中也永远闪烁着其夺目的光彩。本来，在舞蹈艺术上采用这一传统的艺术手法，是无可非议的。但为什么会有一些同志指责这次单项舞蹈比赛中出现太多的“花鸟虫鱼”？我们认为，这主要是因为质量不高。这正如：好花虽多还嫌其少，恶草虽少却厌其多。这种质量不高的现象，进一步说明了我们必须尽早老老实实地向优秀的民族民间艺术学习，从中吮吸其丰富的营养，才能不断地充实和提高我们的创作内容和质量。这几年和外界加强了文化交流，西方文化涌进来，在文化交流中，我们开阔了视野，吸取了不少有益的东西，对我们的创作实践有很大的促进作用。如《割不断的琴弦》、《刑场上的婚礼》、《希望》、《再见吧！妈妈》等节目，在借鉴和吸收外来东西方面做出很大成绩，相形之下，我们觉得民族民间舞的创新就不够。原因是我们的根子在民间中扎得不深。就拿广东省来讲，打倒“四人帮”至今已好几年了，但对广东的民族民间舞的重视仍然停留在口头上，编导还是浮在上面（这不是编导的责任，而是没钱下去）。这也是造成这次广东参加单项舞蹈比赛的节目质量不高的原因之一。去年我观看了“英歌会”，发现专业编导掌握的素材远不如群众。这几年群众已把他们的“英歌”发展得更为健壮有力了。后来我们去粤北汉族地区看“舞狮”，群众也把它发展了，而我们手头上的素材还是五十年代的。据说汕尾一带的“钱鼓”，也有丰富的队形和动作，但我们都没有很好的去继承、去挖掘，就忙于创新，创不来就生吞活剥地加几个现代派舞蹈动作进去谓之创新。这不是好办法。要真有所创新，就得老老实实地，认真地，在挖掘、继承和整理我们民族民间舞的工作上下功夫。

　　文章有点零乱，尽供楼主借鉴参考。

　芭蕾艺术是集舞蹈、音乐、文学、戏剧、美术等于一身的综合性艺术。下面我为您收集整理了 芭蕾舞 的鉴赏论文，喜欢的朋友们可以看看哦!

　芭蕾舞的鉴赏

　要学会欣赏芭蕾艺术，同样也要多少了解一些芭蕾基本知识，多看几场演出，或多听一些录音，多看一些录像，那样你也可能会成为芭蕾舞迷。那么芭蕾到底有哪些基本特征呢这里我们可以把它们简单地归纳为开、绷、直、立、轻、准、稳、美八个字，这八个字可以说是每个芭蕾演员的基本功，是必须掌握的技巧，也是我们欣赏芭蕾外在和内涵美时必须明白和了解的要领。

　开。是指腿的外开性，也就是要把腿从大腿根处向外转开到最大限度。这既是芭蕾的基本美学特征，也是人们从人体构造出发逐步研究出来的科学成果。人的腿向外转开后可以大大增加它的空间活动范围，能做出在正常情况下根本做不出来的许多动作。比如，在上身保持与地面垂直的情况下把腿向旁抬到

　而在正常情况下腿只能抬到90°，芭蕾中有五个脚的基本位置，它们都是以上开为前提的

　因此许多芭蕾演员“染上”了一种职业病，走路有点像卓别林，脚向外撇，呈大八字。

　绷。是指要绷脚，最好使脚面能凸出来，以增加脚形的美和脚的表现力。同时绷脚的练习能增加脚腕关节的力量和灵活性。比如在跳跃动作中两只脚在离开地面时都要绷得非常直，非常尖，使整条腿的线条显得非常漂亮，非常流畅。这与体操和跳水运动员的脚的要求是一样的。

　直。是指主立的腿(支撑腿)和伸出的腿(动力腿)的膝盖要伸直。换句话说是把两条腿的肌肉拉长到最大的限度。以芭蕾最常见的舞姿——第一阿拉贝斯克为例 右腿支撑腿)要尽量向外转开，膝盖伸直，左腿抬到后面90°，也要尽量向外转开，膝盖伸直，伸直膝盖主要是为了使芭蕾中的许多舞姿达到舒展、长线条、完美的视觉造型。这里所说的伸直，还可参阅第二、三、四阿拉贝斯克舞姿的插图，

　立。是指身体要直立、挺拔，并把身体重心准确地放在两条腿或一条腿的重心上。要求演员收腹、展胸，绝对不能撅臀部或驼背。演员身体形态或身体重心的不正确都会影响各种舞蹈动 作和技巧的准确完成。

　轻。是指跳舞要轻盈、自如。比如在做跳跃动作时，推地和落地最好不要听到什么声音。同时舞起来要轻松自如，即使演员很用力、很累，也尽量不要让观众看到和感觉到。

　准。是指准确完成每个动作和舞姿的规格要求。比如芭蕾中手臂的移动是有严格规定的路线的。即使在做高难度的技巧时也要求演员的手臂严格按规定的路线走动，绝不能乱了方寸，乱动胡挥。又如芭蕾男演员经常做的空中转两圈 的技巧，它要求演员从准确的五位起跳，完成空中720°转体后又要准确地落到五位上。这也就是我们常说的做动作要干净、准确。

　稳。是指动作要做得稳健扎卖。比如芭蕾中有许多旋转动作要求演员在旋转时保持好稳定性，结束旋转时也要稳稳地停在一个舞姿上。如果演员转动时东倒西歪，停的时候也没有停稳，那这个旋转动作不但不是美的，而且是失败的。又如女演员需要经常在单腿脚夹舞姿上停一会儿，那么如果她还没有停稳就掉下来，也会破坏观众美好的印象。

　美。是指跳舞要美，一举一动，每个舞姿造型，每个动作的过程都要美。芭蕾是时间和空间的艺术。它既像时间艺术——音乐那样受时间的制约，又像空间艺术——雕塑那样占有一定的空间。同时它又是一种视觉艺术，有很强的观赏性。因此可以毫不夸张地说芭蕾是一门对美要求最高的艺术，也是人类迄今所创造的最美的艺术。要在最美的艺术中达到比较高的境界当然不是一件轻而易举的事。从这个意义上来说芭蕾也是一门非常残酷的艺术。人们一般都认为跳舞很开心，蹦蹦跳跳，轻松快活，实际却不然。由于芭蕾对演员的身体要求很高，所以选材非常严格。我国的芭蕾专门学校一般招收

　9～11岁的孩子入学，要求他们身体匀称、细长、头小、颈长，软度好，外开性好，脚面高，四肢长，腿形漂亮，臀部小，外貌可爱，漂亮等等。甚至要了解他们的父母身材高矮、胖瘦来作为预测学生今后成长的参考。即使每年在全国范围内的招生也很难找到20个理想的苗子。

　芭蕾是技术性很强的艺术

　任何艺术都有它自己的技术、技巧，然而芭蕾的技术、技巧被世人公认为难度最高，也是最难练的。比如芭蕾女主角经常要完成的原地

　32个挥鞭转。她在单腿脚尖上要连续转32圈，另一条腿要连续做32次挥鞭似的动作。在转的过程中脚尖着地面积只比5分的硬币稍大一点，而且一点也不能移动地方，还要做得很规格，很美。这个技巧的难度之大可想而知了。

　芭蕾的技术、技巧包括旋转技术、跳跃技术、脚尖技术、控制技术、双人舞托举技术等。一个出色的芭蕾舞蹈家要全面掌握这些技术，同时还须具备很高的艺术素质，如音乐感、舞蹈感、表演感，不能只顾技术而忘了艺术，也不能强调艺术而没有技术，在完成高难度技巧时还不能留有紧张的痕迹，这实在是很难很难的。我们在欣赏芭蕾舞时也可以注意到演员完成技术、技巧的熟练程度和水平，并依此来评价他们技术和艺术素质的高低。很显然，如果演员做动作失误多，那么他的技术水平不过硬，或者演员动作完成得很好，但跳得很木，又不会表演，那么他的艺术素质就比较差，缺乏艺术细胞。这些问题一般观众在欣赏中是比较容易发现并做出正确的判断的。

　芭蕾是一门多媒体和综合性的艺术

　芭蕾艺术是集舞蹈、音乐、文学、戏剧、美术等于一身的综合性艺术。这在很大程度上能帮助我们欣赏和理解它。许多芭蕾舞剧是根据文学名著或神话故事、传说改编的，而这些文学名著或故事大家也都比较熟悉。因此观众较容易看懂这些舞剧的戏剧情节。即使是自己不甚熟悉的舞剧，演出之前在剧场一般都可以买到节目单或说明书，我们只需花三五分钟看看说明书也就可以大致了解舞剧的内容。

　另外，舞剧的布景和灯光也可以帮助我们了解剧情发生的环境和时间。比如，剧情是发生在茂密的森林中还是在美丽的花轩里，是在舒适的家中还是在硝烟弥漫的战场上，是在清晨还是在深夜，是现代还是古代等等。演员的服装和 化妆 也能提示我们人物形象是中国人还是外国人，是王子还是农民，是黛玉还是鸣凤等等。而舞剧音乐中各种人物的主题旋律和情绪变化，更是能为我们提供丰富的感性材料，启示我们更深刻地理解剧情的发展、人物的情绪起伏变化和他们之间的关系。《天鹅湖》中的王子有他自己的音乐主题旋律，白天鹅奥杰塔也有她自己的音乐主题旋律。当我们听到这些旋律时就会知道他们即将出场。而这些主题旋律时而温柔抒情，时而焦急不安，时而高亢悲壮。通过这些变化我们就能捕捉住主人翁内心情绪的变化，把握住戏剧情节的脉络。又如《天鹅湖》第四幕中有一场叫《风暴》。作曲家通过急速起伏的音乐创造出风暴的氛围，舞台上的布景和灯光更增添了这种危急的气氛，有如我们置身于天鹅湖畔的暴风雨之中与王子和奥杰塔一起经受一场严峻的考验。这样通过视觉和听觉的各种感受，我们便能更加深刻地理解和体会这一悲剧性的场面。

　正因为芭蕾是一门多媒体的、综合性的艺术，所以，从某种程度来说它与音乐、美术相比就更容易理解和欣赏。因此，我们的青年朋友大可不必把芭蕾视为一种高深莫测、神秘飘渺的艺术望而却步。

　芭蕾是长于抒情拙于叙事的艺术

　任何事物，包括艺术都有它的长处和短处。芭蕾(包括其他舞蹈)是最能表现情感、善于抒情的，但它又是最不能直接表现某种思想或者直接叙述一个故事的艺术。比如我们无法用舞蹈直接说出“我热爱自己的祖国”这一极简单的思想，而只能通过舞蹈把对故乡土地的眷恋，对祖国山山水水、一草一木的深情间接地表达出来。这也许是人们在欣赏它时会感到有些吃力的原因。我们每个人在欣赏芭蕾时就如同听音乐、看戏剧、读文学作品那样，也都可以来参与它的创作过程。一个芭蕾作品首先要由 编导 进行创作，即经过一度创作。舞蹈演员要通过排练和演出在实现 编导 意图的基础上进行二度创作。而当编导和演员把作品展现在观众面前时我们便进入三度创作阶段，即在接受从舞台上传递的信息的同时借助于自己的生活 经验 感受和想像力尽情地自由发挥。重要的在于参与，重要的在于你得到了一次艺术享受、美的熏陶和精神上的满足。我们用不着强求自己成为一个无所不知的芭蕾舞迷，不过我们也相信只要你能多看几次芭蕾舞就一定会迷上它，因为芭蕾是最美、最崇高、最富有魅力、最能让你心旷神怡的艺术!