急问:19世纪意大利歌剧有哪7位歌剧作曲家?

19世纪下半叶的歌剧——法国喜歌剧

在梅耶贝尔以后的一个时期里，在意、德歌剧的冲击下，法国大歌剧出现颓势。可幸的是一直受法国人喜爱的喜歌剧仍保持着发展的势头，并从19世纪中叶开始，逐渐出现两个分支，即以流行曲调为主的讽刺性轻歌剧和以日常生活中的普通人为题材的抒情歌剧。喜歌剧成为19世纪下半叶法国歌剧的主流，这一时期的法国歌剧作曲家，大多是喜歌剧的作曲家。奥芬巴赫和托玛便是这一时期的主要代表。

奥芬巴赫

雅克·奥芬巴赫(1819-1880年)，德裔法国作曲家。奥芬巴赫出生在德国，原姓埃伯斯特，后以原居住地奥芬巴赫为姓。他父亲是科隆大教堂的合唱指挥，并成为奥芬巴赫的音乐启蒙老师。1833年，父亲送24岁的奥芬巴赫进入巴黎音乐学院学习，此后他便定居于此。奥芬巴赫曾从阿莱维学习过作曲。他担任过巴黎喜歌剧院的演奏员、法兰西歌剧院指挥，创办了巴黎人的轻歌剧院。1870年普法战争爆发，他移居到意大利和西班牙。1876年到美国参加世界博览会，并作访问演出。 1880年，奥芬巴赫在《霍夫曼的故事》排练期间去世。

奥芬巴赫最主要的成就是轻歌剧，直19世纪中叶，他在20多年里创作了近100部轻歌剧，这些作品在巴黎盛极一时。奥芬巴赫于1853年写成了第一部喜歌剧《佩皮托》。1858年10月21日，他创作的《奥菲欧在地狱》在巴黎喜歌剧院动上演，该剧取材于古希腊神话，奥芬巴赫将其改编得面目全非，当局指责这部作品亵渎了古代文学，影射政府。但观众却很买帐，票房直线上升，这使作为剧院经理的奥芬巴赫喜大于忧。

奥芬巴赫最著名的喜歌剧是《霍夫曼的故事》，1881年2月10日在巴黎喜歌剧院动上演后很受观众欢迎。这部喜歌剧有三个独立的故事组合而成，讲述了霍夫曼与三位女子的爱情遭遇，情节滑稽、怪诞。剧中的《木偶之歌》、船歌《美丽的夜》《啊，上帝，多幺迷人》等，都很优美动听。

奥芬巴赫其它的喜歌剧还有《美丽的海伦》(1864年)、《巴黎人的生活》(1866年)、《盖罗尔施泰因公爵夫人》(1867年)、《拉·佩丽肖尔》(1868年)等。

奥芬巴赫是法国轻歌剧的奠基人和杰出的代表。他面向大众,把舞台剧的传统，喜歌剧的形式，巴黎林荫略的活报演出与城市民谣相结合。他的曲调贯穿着大众喜闻乐见的民间情调，广泛采用生活舞蹈，如华尔兹，加洛普舞 、康康舞的节奏。他的轻歌剧充满嘲笑与讽刺的内容：帝国的当权者在政治和道德上的腐败。但也有迎合权贵口味的一面，娱乐性强，甚至有色情性的表现二重性也正是他的艺术所以能在第二帝国存在的原因。奥芬巴赫的音乐对奥地利的苏佩、施特劳斯、沙利文匈牙利的、莱哈尔以及现代的美国音乐剧都有影响。

托玛和他的喜歌剧

夏尔·路易·昂布鲁瓦茨·托玛(l811-1896年)，托玛出生于音乐家庭，托马幼年随其父学习小提琴和钢琴，17岁进巴黎音乐学院，1832年21岁的托玛获罗马大奖。从1837年开始创作了歌剧第一部喜歌剧《双层梯》，曾获柏辽兹的赞赏，很快获得成功。1849年即以《总督》占上当时喜歌剧作曲家的榜首。但是此后连续出现一些败笔之作，最后新创作的时期才来到。毫无疑问地，那是受古诺《浮土德》的刺激。从这样的体验而于1866年孕育出的，就是使托玛之名留传青史的《迷娘》，《迷娘》1866年11月17日在巴黎喜歌剧院首演，此剧则获得空前的成功。随后的半年间居然上演一百次之多。此剧的法语剧本，是由巴毕耶和卡雷共同执笔。这两位当时颇负盛名的作家，《迷娘》一剧中最著名的《君知否南国》是直接从原作的诗翻译的。它是根据歌德的小说(威廉·迈斯特的学习年代)改编，剧情梗概是：到处卖艺的吉普赛女艺人迷娘，与富有的大学生威廉相爱。而剧团的老演员洛塔里奥对迷娘也怀有好感，他为了阻挠这对年轻人的爱情，竟企图烧死迷娘。威廉计划把迷娘带回自己的故乡意大利，并为她卖一座豪华城堡。而这座城堡唤醒了洛塔里奥的回忆，他便是城堡原来的主人，而迷娘则是他的女儿。最后，父女相认，迷娘和威廉终成眷属。它的音乐体现了托玛旋律优美动听，感情缠绵的风格。这部喜歌剧中有不少精彩的唱段，如迷娘的《你可知道那个地方》、菲利雅的《我是蒂塔妮娅》、迷娘和洛塔里奥的二重唱《轻盈的燕子》等。《迷娘》是一部深受观众欢迎的喜歌剧，在19世纪的后30年里，它上演了1000多场，并始终保持了很好的上座率。

过了一年多后，也就是1868年3月9日首演于巴黎喜歌剧院的五幕歌剧《哈姆雷特》再获佳评。这部作品除了音乐创作相当成功外，还是第一部把萨克斯管引进乐队的歌剧。《迷娘》和《哈姆雷特》这两部作品显然都和古诺有关。也由于这两剧的成功，他才得以替代古诺担任巴黎音乐院长。托马一生作有20部歌剧，他的作品旋律优美，抒情性与戏剧性有机结合，富有传奇色彩，但在表现上缺乏应有的深度。

杰出抒情作曲家古诺

进入19世纪的后半期，法国歌剧的抒情性加强，大歌剧逐渐衰弱，而适合现实生活的喜歌剧形式--可以夹带对白的、主要人物不多的简洁的歌剧形式--与意大利风格结合，得到发展，它不仅用以表现喜剧性的内容，甚至可以表现悲剧性的内容。一批创作个性和美学观念并不相同的作曲家们以自己的作品形成了法国的抒情歌剧流派。古诺即是其中的杰出代表。

夏尔·弗朗索瓦·古诺(1818-1893年)，法国杰出的歌剧作曲家。古诺出生于巴黎，自幼随母亲学习音乐，向雷哈学习作曲。1836年进入巴黎音乐学院，他的老师有阿莱维、勒絮尔、齐默尔等当时最著名的作曲家。入学第二年，即获得该院的音乐大奖--罗马大奖的第二名，又过两年，他以压倒多数的选票荣膺罗马大奖的第一名。1839年，获奖后的古诺赴罗马学习进修，并访问了维也纳、柏林、莱比锡等地，接触到各国著名的音乐作品和音乐家。古诺于1852年出任巴黎最大的奥菲翁合唱协会的指挥。1858年任职于巴黎抒情剧院，在那里创作出了第一批歌剧。古诺最著名的歌剧是《浮士德》。这部典型的抒情歌剧作于 1859年，在巴黎抒情剧院上演，但演出效果并不理想。于是，古诺用10年时间对其做了修改。1869年3月，《浮士德》在巴黎歌剧院再度公演，从此成为最受人们欢迎的歌剧之一。成为抒情歌剧的第一部典范。在以后的8年里，仅巴黎歌剧院就上演了1000场，而在20世纪头10年中，它在德国共演出了3000多场。《浮士德》取材于歌德的同名戏剧，但故事情节与原作相去甚远，只是采用了其中浮士德和玛格丽特爱情故事的框架。《浮士德》的音乐较多地吸取了城市通俗歌曲的曲调，对玛格丽特内心情感的描绘十分成功。她的咏叹调《珠宝之歌》是一首旋律优美华丽，能够充分表现花腔女高音才华的优秀歌曲。在重演时，古诺将原来的对白改为宣叙调，增加了法国人最爱看的芭蕾舞场面，更使这部作品熠熠生辉。

古诺其它主要的歌剧作品还有《萨福》(1851年)、《萨巴女王》(1862年)、《米雷叶》 (1864年)、《鸽子》(1866年)、《罗密欧与朱丽叶》(1867年)等。

1870年普法战争爆发后，举家迁往伦敦避难，由于他成功地创作了歌剧《浮士德》而成为英国王室的贵宾。1874年，古诺回到法国，创作了一批优秀作品。例如《波里厄特》(1878年)、《萨莫拉的贡品》(1881年)等。

古诺是杰出抒情作曲家，他共写过12部歌剧，除《浮士德》获得过辉煌成功之外，《罗密欧与朱丽叶》(1867)也十分出色。古诺缺乏剧场感觉和经验，尽管旋律优美，由于缺乏发展的动力和新鲜感，因而影响了歌剧应有的魅力。

19世纪下半叶的歌剧

浪漫主义歌剧在19世纪下半叶发展到了顶峰，在欧洲三个音乐大国中，都出现了世界级的杰出作曲家。

在意大利，威尔第使歌剧达到了登峰造极的地步，并因此成为最伟大的歌剧作曲家。最重要和最伟大的作曲家是德国的瓦格纳。如果说他以前的浪漫主义作曲家只是在某一方面或某些领域取得了辉煌成就的话，那么瓦格纳是他们的集大成者。他对19世纪歌剧事业做出的贡献，无论怎样评价也不会过分。法国的古诺和比才虽然与瓦格纳、威尔第不能相提并论，但他们的作品对世界产生的影响绝不能低估。特别是比才，由于在创作中表现出了自然主义的倾向，实际上成为浪漫主义终结和真实主义兴起的接力者。

威尔第的浪漫主义歌剧

罗西尼跨越两个时代，即古典主义和浪漫主义时代。威尔第则是完全属于19世纪的艺术家。他出生于1813年，卒于1901年。19世纪是一个在人类文明和文化方面都充满决定性的世纪。威尔第从1839年至1893年为舞台而创作，在这期间，他走过了19世纪浪漫主义的全部领域。

威尔第的歌剧作品洋溢着炽热的情感旋律，其成就代表了意大利浪漫主义歌剧的高峰。他的歌剧中的合唱被改编成爱国歌曲，在意大利国家统一运动中表达着自由与独立精神。威尔第非常注重题材的选择和舞台效果的处理，但有时也因其太过标新立异，导致不能通过当时的检查。

朱塞佩·威尔第(1813-1901年)，1813年10月10日出生于意大利北部帕尔玛公国布塞托市的小镇隆科莱。父母经营着一家兼做杂货铺的小饭馆。他们沉默寡言、忧郁孤僻的性格，遗传给了威尔第，并成为他一生中的“种子”性格。威尔第出生时，帕尔马正遭到奥地利人的大肆侵犯，他们想赶走拿破仑的军队(19世纪早期欧洲大陆的大部分时间不是遭受拿破仑的侵略，就是遭受那些想赶走拿破仑的人的侵略，总归是脱不了拿破仑的干系)。由于当地条件和家庭经济状况所限，威尔第没有学习音乐的良好环境。但这并没有妨碍他对音乐的爱好。 1925年, 12岁的威尔第开始做管风琴师。威尔第的父母希望扩大孩子的音乐视野，于是把他送到附近的布塞托城，他在那里住在另一个名叫安东尼奥·巴雷奇的食品杂货商家中，安东尼奥·巴雷奇掌管着当地的音乐会社。年轻的威尔第很快就为该城的乐队写起进行曲和其它音乐，不过更多是写为他自己和巴雷奇招人喜欢的女儿玛格丽塔弹奏用的钢琴二重奏。

1828年的威尔第从布塞托音乐学校毕业。他选择音乐作为其终身职业，并尝试创作了几部协奏曲，他为在布塞托剧院上演的《塞维利亚的理发师》写了一首序曲，引起了小城的轰动。此间，巴雷奇为威尔第的成名立业，甚至生活起居，都提供了难能可贵的支持和资助。这种支持和父爱般的关怀，一直持续到他逝世。

到1832年威尔第19岁

倾诉的人是迷娘而被称呼的对象分别是爱人恩人和父亲这三者是同一人。

这个倾诉者就是迷娘，三个被倾诉的对象是同一个人，就是麦斯特。迷娘自从遇到麦斯特，便过上了最美好最幸福的日子。并且强烈地爱上了麦斯特。

表达了迷娘对迈斯特怀有的那种复杂真挚而又深沉的情感，既哀怨又美好。两种感情都得到了升华和强化，但又互相掩映，具有哀婉含蓄而又深沉的美。

19世纪下半叶的歌剧——法国喜歌剧

在梅耶贝尔以后的一个时期里，在意、德歌剧的冲击下，法国大歌剧出现颓势。可幸的是一直受法国人喜爱的喜歌剧仍保持着发展的势头，并从19世纪中叶开始，逐渐出现两个分支，即以流行曲调为主的讽刺性轻歌剧和以日常生活中的普通人为题材的抒情歌剧。喜歌剧成为19世纪下半叶法国歌剧的主流，这一时期的法国歌剧作曲家，大多是喜歌剧的作曲家。奥芬巴赫和托玛便是这一时期的主要代表。

奥芬巴赫

雅克·奥芬巴赫(1819-1880年)，德裔法国作曲家。奥芬巴赫出生在德国，原姓埃伯斯特，后以原居住地奥芬巴赫为姓。他父亲是科隆大教堂的合唱指挥，并成为奥芬巴赫的音乐启蒙老师。1833年，父亲送24岁的奥芬巴赫进入巴黎音乐学院学习，此后他便定居于此。奥芬巴赫曾从阿莱维学习过作曲。他担任过巴黎喜歌剧院的演奏员、法兰西歌剧院指挥，创办了巴黎人的轻歌剧院。1870年普法战争爆发，他移居到意大利和西班牙。1876年到美国参加世界博览会，并作访问演出。 1880年，奥芬巴赫在《霍夫曼的故事》排练期间去世。

奥芬巴赫最主要的成就是轻歌剧，直19世纪中叶，他在20多年里创作了近100部轻歌剧，这些作品在巴黎盛极一时。奥芬巴赫于1853年写成了第一部喜歌剧《佩皮托》。1858年10月21日，他创作的《奥菲欧在地狱》在巴黎喜歌剧院动上演，该剧取材于古希腊神话，奥芬巴赫将其改编得面目全非，当局指责这部作品亵渎了古代文学，影射政府。但观众却很买帐，票房直线上升，这使作为剧院经理的奥芬巴赫喜大于忧。

奥芬巴赫最著名的喜歌剧是《霍夫曼的故事》，1881年2月10日在巴黎喜歌剧院动上演后很受观众欢迎。这部喜歌剧有三个独立的故事组合而成，讲述了霍夫曼与三位女子的爱情遭遇，情节滑稽、怪诞。剧中的《木偶之歌》、船歌《美丽的夜》《啊，上帝，多幺迷人》等，都很优美动听。

奥芬巴赫其它的喜歌剧还有《美丽的海伦》(1864年)、《巴黎人的生活》(1866年)、《盖罗尔施泰因公爵夫人》(1867年)、《拉·佩丽肖尔》(1868年)等。

奥芬巴赫是法国轻歌剧的奠基人和杰出的代表。他面向大众,把舞台剧的传统，喜歌剧的形式，巴黎林荫略的活报演出与城市民谣相结合。他的曲调贯穿着大众喜闻乐见的民间情调，广泛采用生活舞蹈，如华尔兹，加洛普舞 、康康舞的节奏。他的轻歌剧充满嘲笑与讽刺的内容：帝国的当权者在政治和道德上的腐败。但也有迎合权贵口味的一面，娱乐性强，甚至有色情性的表现二重性也正是他的艺术所以能在第二帝国存在的原因。奥芬巴赫的音乐对奥地利的苏佩、施特劳斯、沙利文匈牙利的、莱哈尔以及现代的美国音乐剧都有影响。

托玛和他的喜歌剧

夏尔·路易·昂布鲁瓦茨·托玛(l811-1896年)，托玛出生于音乐家庭，托马幼年随其父学习小提琴和钢琴，17岁进巴黎音乐学院，1832年21岁的托玛获罗马大奖。从1837年开始创作了歌剧第一部喜歌剧《双层梯》，曾获柏辽兹的赞赏，很快获得成功。1849年即以《总督》占上当时喜歌剧作曲家的榜首。但是此后连续出现一些败笔之作，最后新创作的时期才来到。毫无疑问地，那是受古诺《浮土德》的刺激。从这样的体验而于1866年孕育出的，就是使托玛之名留传青史的《迷娘》，《迷娘》1866年11月17日在巴黎喜歌剧院首演，此剧则获得空前的成功。随后的半年间居然上演一百次之多。此剧的法语剧本，是由巴毕耶和卡雷共同执笔。这两位当时颇负盛名的作家，《迷娘》一剧中最著名的《君知否南国》是直接从原作的诗翻译的。它是根据歌德的小说(威廉·迈斯特的学习年代)改编，剧情梗概是：到处卖艺的吉普赛女艺人迷娘，与富有的大学生威廉相爱。而剧团的老演员洛塔里奥对迷娘也怀有好感，他为了阻挠这对年轻人的爱情，竟企图烧死迷娘。威廉计划把迷娘带回自己的故乡意大利，并为她卖一座豪华城堡。而这座城堡唤醒了洛塔里奥的回忆，他便是城堡原来的主人，而迷娘则是他的女儿。最后，父女相认，迷娘和威廉终成眷属。它的音乐体现了托玛旋律优美动听，感情缠绵的风格。这部喜歌剧中有不少精彩的唱段，如迷娘的《你可知道那个地方》、菲利雅的《我是蒂塔妮娅》、迷娘和洛塔里奥的二重唱《轻盈的燕子》等。《迷娘》是一部深受观众欢迎的喜歌剧，在19世纪的后30年里，它上演了1000多场，并始终保持了很好的上座率。

过了一年多后，也就是1868年3月9日首演于巴黎喜歌剧院的五幕歌剧《哈姆雷特》再获佳评。这部作品除了音乐创作相当成功外，还是第一部把萨克斯管引进乐队的歌剧。《迷娘》和《哈姆雷特》这两部作品显然都和古诺有关。也由于这两剧的成功，他才得以替代古诺担任巴黎音乐院长。托马一生作有20部歌剧，他的作品旋律优美，抒情性与戏剧性有机结合，富有传奇色彩，但在表现上缺乏应有的深度。

杰出抒情作曲家古诺

进入19世纪的后半期，法国歌剧的抒情性加强，大歌剧逐渐衰弱，而适合现实生活的喜歌剧形式--可以夹带对白的、主要人物不多的简洁的歌剧形式--与意大利风格结合，得到发展，它不仅用以表现喜剧性的内容，甚至可以表现悲剧性的内容。一批创作个性和美学观念并不相同的作曲家们以自己的作品形成了法国的抒情歌剧流派。古诺即是其中的杰出代表。

夏尔·弗朗索瓦·古诺(1818-1893年)，法国杰出的歌剧作曲家。古诺出生于巴黎，自幼随母亲学习音乐，向雷哈学习作曲。1836年进入巴黎音乐学院，他的老师有阿莱维、勒絮尔、齐默尔等当时最著名的作曲家。入学第二年，即获得该院的音乐大奖--罗马大奖的第二名，又过两年，他以压倒多数的选票荣膺罗马大奖的第一名。1839年，获奖后的古诺赴罗马学习进修，并访问了维也纳、柏林、莱比锡等地，接触到各国著名的音乐作品和音乐家。古诺于1852年出任巴黎最大的奥菲翁合唱协会的指挥。1858年任职于巴黎抒情剧院，在那里创作出了第一批歌剧。古诺最著名的歌剧是《浮士德》。这部典型的抒情歌剧作于 1859年，在巴黎抒情剧院上演，但演出效果并不理想。于是，古诺用10年时间对其做了修改。1869年3月，《浮士德》在巴黎歌剧院再度公演，从此成为最受人们欢迎的歌剧之一。成为抒情歌剧的第一部典范。在以后的8年里，仅巴黎歌剧院就上演了1000场，而在20世纪头10年中，它在德国共演出了3000多场。《浮士德》取材于歌德的同名戏剧，但故事情节与原作相去甚远，只是采用了其中浮士德和玛格丽特爱情故事的框架。《浮士德》的音乐较多地吸取了城市通俗歌曲的曲调，对玛格丽特内心情感的描绘十分成功。她的咏叹调《珠宝之歌》是一首旋律优美华丽，能够充分表现花腔女高音才华的优秀歌曲。在重演时，古诺将原来的对白改为宣叙调，增加了法国人最爱看的芭蕾舞场面，更使这部作品熠熠生辉。

古诺其它主要的歌剧作品还有《萨福》(1851年)、《萨巴女王》(1862年)、《米雷叶》 (1864年)、《鸽子》(1866年)、《罗密欧与朱丽叶》(1867年)等。

1870年普法战争爆发后，举家迁往伦敦避难，由于他成功地创作了歌剧《浮士德》而成为英国王室的贵宾。1874年，古诺回到法国，创作了一批优秀作品。例如《波里厄特》(1878年)、《萨莫拉的贡品》(1881年)等。

古诺是杰出抒情作曲家，他共写过12部歌剧，除《浮士德》获得过辉煌成功之外，《罗密欧与朱丽叶》(1867)也十分出色。古诺缺乏剧场感觉和经验，尽管旋律优美，由于缺乏发展的动力和新鲜感，因而影响了歌剧应有的魅力。

19世纪下半叶的歌剧

浪漫主义歌剧在19世纪下半叶发展到了顶峰，在欧洲三个音乐大国中，都出现了世界级的杰出作曲家。

在意大利，威尔第使歌剧达到了登峰造极的地步，并因此成为最伟大的歌剧作曲家。最重要和最伟大的作曲家是德国的瓦格纳。如果说他以前的浪漫主义作曲家只是在某一方面或某些领域取得了辉煌成就的话，那么瓦格纳是他们的集大成者。他对19世纪歌剧事业做出的贡献，无论怎样评价也不会过分。法国的古诺和比才虽然与瓦格纳、威尔第不能相提并论，但他们的作品对世界产生的影响绝不能低估。特别是比才，由于在创作中表现出了自然主义的倾向，实际上成为浪漫主义终结和真实主义兴起的接力者。

威尔第的浪漫主义歌剧

罗西尼跨越两个时代，即古典主义和浪漫主义时代。威尔第则是完全属于19世纪的艺术家。他出生于1813年，卒于1901年。19世纪是一个在人类文明和文化方面都充满决定性的世纪。威尔第从1839年至1893年为舞台而创作，在这期间，他走过了19世纪浪漫主义的全部领域。

威尔第的歌剧作品洋溢着炽热的情感旋律，其成就代表了意大利浪漫主义歌剧的高峰。他的歌剧中的合唱被改编成爱国歌曲，在意大利国家统一运动中表达着自由与独立精神。威尔第非常注重题材的选择和舞台效果的处理，但有时也因其太过标新立异，导致不能通过当时的检查。

朱塞佩·威尔第(1813-1901年)，1813年10月10日出生于意大利北部帕尔玛公国布塞托市的小镇隆科莱。父母经营着一家兼做杂货铺的小饭馆。他们沉默寡言、忧郁孤僻的性格，遗传给了威尔第，并成为他一生中的“种子”性格。威尔第出生时，帕尔马正遭到奥地利人的大肆侵犯，他们想赶走拿破仑的军队(19世纪早期欧洲大陆的大部分时间不是遭受拿破仑的侵略，就是遭受那些想赶走拿破仑的人的侵略，总归是脱不了拿破仑的干系)。由于当地条件和家庭经济状况所限，威尔第没有学习音乐的良好环境。但这并没有妨碍他对音乐的爱好。 1925年, 12岁的威尔第开始做管风琴师。威尔第的父母希望扩大孩子的音乐视野，于是把他送到附近的布塞托城，他在那里住在另一个名叫安东尼奥·巴雷奇的食品杂货商家中，安东尼奥·巴雷奇掌管着当地的音乐会社。年轻的威尔第很快就为该城的乐队写起进行曲和其它音乐，不过更多是写为他自己和巴雷奇招人喜欢的女儿玛格丽塔弹奏用的钢琴二重奏。

1828年的威尔第从布塞托音乐学校毕业。他选择音乐作为其终身职业，并尝试创作了几部协奏曲，他为在布塞托剧院上演的《塞维利亚的理发师》写了一首序曲，引起了小城的轰动。此间，巴雷奇为威尔第的成名立业，甚至生活起居，都提供了难能可贵的支持和资助。这种支持和父爱般的关怀，一直持续到他逝世。

到1832年威尔第19岁了，巴雷奇认定在音乐上他已经没什幺可以教威尔第的了，因此鼓励他申请人米兰音乐学院。

1832年6月，威尔第来到米兰。他以极大地热忱报考米兰皇家音乐学院，米兰音乐学院的教师们对威尔第的天赋印象颇深，但规矩就是规矩：他们说他超龄四岁，太大了不能接收。从此，威尔第就再没有接受过正规音乐教育。除了师从著名的歌剧作曲家拉维尼亚进行私人学习外，还大量抄写了巴赫、亨德尔、莫扎特、贝多芬等音乐大师的作品，并观摩了唐尼采蒂、贝利尼歌剧的演出。

对米兰音乐学院的决定，威尔第深感羞辱，以至于一生中对此都不能原谅。当威尔第许多年后成了世界闻名的作曲家时便对米兰音乐学院还以颜色，断然拒绝了他们以威尔第的名字命名这家音乐学院的请求。他说：“他们没有接受年轻的我，那么也不能要老年的我。”事情就是这样。

威尔第的初创期

1836年4月，威尔第和相爱已久的巴雷奇的女儿玛格丽塔结婚之后，便开始了艰难的创作生涯。1839年初，威尔第夫妇移居米兰。同年11月，他的第一部歌剧《博尼法乔的奥贝尔托伯爵》在斯卡拉歌剧院上演，这部作品非常成功观众和舆论给予了很高的评价。称威尔第是一位了不起的年轻的歌剧作曲家。《奥贝托》虽然算不上是一部杰作，但在威尔第的创作生涯中有着重要的影响。后来剧院经理巴尔托诺米欧·梅雷里结账后请他再写一部歌剧，这次是要一部喜剧。

但不幸的是，1840年夏，威尔第的小儿子和与威尔第患难与共的爱妻玛格丽塔，在三个月内先后被病魔夺去生命。威尔第在巨大的打击面前，坚持创作完二幕喜歌剧《假斯坦尼斯拉奥》，后更名为《一日之王》。遗憾的是，这部喜歌剧遭到了观众的冷遇，舆论对此也进行了抨击。由于《一日为王》的失败，威尔第在以后的50年里，再也没有写过喜歌剧。

妻儿的亡故加上《一日之王》的失败使威尔第有点打不起精神来。他离家出走，闷闷不乐约有三年光景。梅雷里最终设法让他又开始了工作，他用一个有发展前途的意大利诗人塞米斯托克利斯·索莱拉的一个新颖的歌剧脚本来吸引威尔第。 这部新的歌剧脚本是《纳布科》，讲的是一个巴比伦的疯国王皈依犹太教的故事。是一部以反映意大利民族主义情绪为主题的歌剧。威尔第为这部歌剧的第二幕作了一首激动人心的合唱，还为第三幕作了另一首令观众喜欢的唱段--“飞吧!思想插上金色的翅膀”。

1842年3月9日，《纳布科》，在首演后大获成功。它在客观上煽起了意大利人的爱国热情，主人公在异族统治下的反抗，引起了观众的强烈共鸣。罗西尼称威尔第是“我们当中惟一能写大型歌剧的人”；《米兰日报》《费加罗报》纷纷给予高度评论，说威尔第“具有极大的可以说是宏伟的创造力”，“歌剧震撼了观众，他们疯狂鼓掌，不断喝彩”。《纳布科》在几个月里连续上演，其中的合唱《飞翔吧思想，展开金色的翅膀》，是欧洲歌剧艺术中最伟大的合唱曲之一，并在威尔第逝世后的葬礼上被成千上万的人们吟唱。《纳布科》的成功，使威尔第登上了意大利歌剧之王的宝座。

威尔第的探索精神

就在1842年排练《纳布科》的时候，威尔第开始对朱塞平纳·斯特雷波尼产生好感，这位女高音塑造了疯国王狡诈的女儿阿比加耶这一角色。不过一直到几年后斯特雷波尼告别舞台在巴黎教学时，他们才开始同居。最后他们还结了婚。威尔第叫她佩皮纳。

后来，威尔第以惊人的速度写出一部又一部歌剧。写完《纳布科》的歌剧脚本后，索莱拉又与威尔第合作了《伦巴第人》、《阿蒂拉》和《焦万娜·达尔科》。其中一些作品不是太好，这他也知道。但这些作品对于增加他的知名度是很有益的，并为他挣得了足够的钱，使他在过去踏足的土地--布塞托的乡间买一个农场。每当威尔第又完成一部歌剧，他就种上一棵树庆祝一下。

1844年3月，威尔第具有强烈震撼力的歌剧《厄尔南尼》，再次赢得声誉。这部洋溢着青春气息的歌剧，被青年人竞相传唱。此后，威尔第在荣誉和观众的呼声中，无法停下创作活动。他几乎成为一个“音乐苦役犯”，连续创作了《福斯卡里父子》(1844年)、《奥里昂姑娘》(1845年)、《阿尔吉拉》(1845年)、《阿蒂娜》(1846年)、《麦克白》(1847年)、《强盗》(1847年)等水平不一的歌剧。

1848年初，在巴黎革命的影响下，意大利各地也相继爆发了革命。威尔第认为，现在意大利最需要的是“大炮的音乐”，他应该用歌剧的方式“发出爱国的炮弹”。于是，威尔第创作了《莱尼亚诺之战》，剧中的主人公费鲁乔被威尔第称之为“一个顶天立地的形象，为意大利的自由而斗争的最伟大的受难者”。1849年的狂欢节期间，《莱尼亚诺之战》在罗马上演，“人们像旋风一样冲人大厅，剧院挤得水泄不通。威尔第在舞台上谢幕20次。第二天，无论是一张票，还是一份载有歌剧内容的节目单，都无法弄到--全部卖光了。当第一幕的合唱《意大利万岁》响起时，全场的观众挥舞着旗帜，起立高唱，而扮演占领者的演员差点儿遭到观众的毒打。

1849年12月，威尔第创作完成了歌剧《露易莎·米勒》。这部歌剧中的几首歌曲，如男高音咏叹调《当晚上一片寂静的时候》，是音乐会保留曲目。

威尔第震惊世界的歌剧作品

1849年底，威尔第回到故乡布塞托。以后，他接连写出了3部震惊世界的歌剧作品。威尔第在回故乡前，被雨果的剧本《国王寻乐》深深吸引，并兴奋不已。1851年初，威尔第用了40天创造完成了《利哥莱托》(又译《弄臣》)的全部音乐。其中最著名的唱段之一“女人善变”就在该剧第四幕里。这是一部关于驼背弄臣、好色公爵和一个叫斯帕拉弗奇莱的职业刺客的歌剧。《利哥莱托》的歌剧脚本取材于维克多·雨果的话剧剧本，该剧几年前冒犯了巴黎观众的道德观念。起初，官方审查员不允许威尔第写这部作品，但他改了改人物的名字就蒙混过关。1852年3月31日，《弄臣》在威尼斯首演。为了在首演中给观众一个惊喜，威尔第直到演出的前一天，才把那首著名的歌曲《女人善变》的乐谱交给演员。果然，首演一再被观众的欢呼声和掌声打断。《弄臣》和《女人善变》不胫而走，传遍了意大利各地。罗西尼在观看了演出后感慨地说：“在这部作品中，我终于看出了威尔第的天才。”而在此前，这两位歌剧大师多少有些貌合神离。

1853年，威尔第度过了他最好的一年。这年，他创作了两部最成功的歌剧《游吟诗人》和《茶花女》。 他写《游吟诗人》仅用了28天。就是在这部歌剧中，第二幕有一段“打铁”合唱，还有乱成一团的吉卜赛的咒骂声。 1853年2月19日，威尔第的浪漫主义杰作《游吟诗人》在罗马首演。它所取得的成果和《弄臣》相似。

在结束了《游吟武土》的创作后，威尔第立即着手《茶花女》的创作。这部作品仅花费了威尔第一个月的时间。1853年3月6日，《茶花女》在威尼斯首演。《茶花女》1853年3月在威尼斯的首演彻底砸了锅。男高音患了重感冒，一直沙哑着声音。最主要的是，观众认为威尔第的悲剧是他们多少年来听过的最滑稽可笑的东西。扮演患有肺痨的维奥莱塔的女高音萨尔维尼·多纳泰利十分粗壮健康，因此她一开口，观众就爆发出一阵阵笑声。这可不是好兆头。由于演员选择不当，观众并未认可。但威尔第是笑到最后的人，《茶花女》在一年以后重新演出时，获得巨大成功，并很快风靡全欧。在全世界(包括威尔第在一封信中写到的在美国纽约的一次演出)的演出都赢得了巨大的掌声。

《弄臣》《游吟武士》和《茶花女》的问世，使威尔第在歌剧界的成就和声望，迅速超过唐尼采蒂和贝利尼，甚至连罗西尼都屈居其后。威尔第从此成为意大利最伟大的歌剧作曲家。

《阿依达》、《奥赛罗》、《福斯塔夫》更上一层楼

1868年6月，威尔第拜访了他心仪已久的83岁的老作家曼佐尼。1870年，声望卓著的威尔第当选为意大利众议院议员，但他宁愿呆在自己的庄园里享清福，很少去罗马参加他不感兴趣的政治活动。在这前后的一段时间里，他过着离群索居的生活。此间，威尔第还创作了《梅菲斯特费勒斯》，修改了他以前创作的《命运之力》。

1869年此时的威尔第出现在世人面前，他关注歌剧的脚本，使剧情更富于创造力，完全改变了以往歌剧家的形象。他接受了埃及的赫迪夫(1867-1914年间土耳其苏丹授予埃及执政者的称号--译注)的邀请，为庆祝苏伊士运河开通写了一部歌剧《阿依达》。苏伊士运河如期开通了，但这部歌剧却没有如期上演：由于普法战争，所有的布景和服装都压在了巴黎。这部歌剧于1871年12月24日。威尔第创作的以古埃及传说为背景的歌剧《阿依达》在开罗首演。健壮的女主角儿们大显身手。赫迪夫对这部歌剧倍加喜爱。威尔第因为晕船没有参加首演式。

两个月后，《阿依达》又在意大利的米兰举行了首演，著名女高音泰雷萨·斯托尔兹饰演阿依达。几乎所有的人都认为《阿依达》是一部精彩的歌剧。再一次掀起了对威尔第的狂热。观众的情绪极其亢奋，60岁的威尔第出台谢幕竟达40次。

1873年5月，曼佐尼病逝。悲痛万分的威尔第没有勇气出席他的葬礼。他怀着无限的崇敬之情，在家中专心致志地为死者创作了一部《安魂曲》。在曼佐尼逝世一周年之际，《安魂曲》在圣马尔科大教堂演奏，威尔第亲自指挥。这部杰作是威尔第除歌剧之外惟一享有盛誉的作品。

在此后大约13年的时间中，威尔第几乎没写过任何东西。他轻松度日，各处走走，看看这部歌剧或那部歌剧的演出，在首演夜总要把胡子梳理得整整齐齐。农场的事物总是让他忙活。

1887年为了证明威尔第的音乐生命并没有就此结束。古稀之年的威尔第再次拿起笔，用了几年时间，构思创作了《奥赛罗》，为此他倾注了全部的精力，并亲自挑选演员、排戏、指挥合唱、审查服装、道具，检验每一个细微的环节。1887年2月5日，《奥赛罗》在斯卡拉歌剧院首演。首演的场面激动人心，一些国家的政要、文化名流和观众一起，如痴如醉地沉浸在剧情中，欢呼声、掌声震耳欲聋。74岁的威尔第和主要演员的谢幕花费了15分钟。散场后，欢腾的人群抬着大师回到住所。威尔第几次到阳台上与人们挥手告别，直到扮演奥赛罗的演员塔马尼奥高声清唱了一曲《欢腾吧》之后，热情的观众才陆续散去。

1893年，眼见着亲朋故交相继离开人世，威尔第自感来日不多。这位高龄的老人以每天工作7、8个小时的超常效率，又完成了一部杰作--《福斯塔夫》。这既是威尔第最后一部喜歌剧，也是他漫长而辉煌的创作生涯中的最后一部作品。在完成厚厚三大本总谱后，威尔第在最后一页写下了一个“完”字，并意味深长地写到：“去吧，去吧，往前走--往前走!别了!!!”1893年2月9日，《福斯塔夫》的首演获得了与《奥赛罗》相同的成功。

威尔第的一生，写过的成功的歌剧比我们有些人一生看过的还要多。他始终是最著名的和最受爱戴的歌剧作曲家。1901年1月27日，威尔第在米兰逝世。意大利举国哀痛，人们倾城出动，情不自禁地涌上街头，送别这位最伟大的歌剧艺术大师。

瓦格纳

浪漫歌剧对于瓦格纳来说绝不是简单歌剧和音乐剧，而是从名称上就能看出来的“大歌剧”风格，“它是一种行为表现、是神圣的戏剧，或者也可以什幺都不是，”瓦格纳就这样描述自己的歌剧作品，因此也就有了背叛的理由，还没有人能够为音乐史带来如此彻底的革命，瓦格纳不仅仅是音乐作曲家，而且还是一个知识分子和诗人，剧作家和思想家，是合唱、歌唱家和乐队的指导和指挥，是艺术、习俗和人生的导师。他的歌剧作品应该是德意志民族、西方音乐，甚至整个人类文明期盼已久的成熟的硕果。他成功地指挥演奏了贝多芬的第九交响乐曲，那是典型希腊式的悲剧。他对韦伯略感兴趣，在审视着贝里尼同的时又欣赏着格鲁克的作品。他认为传统歌剧的最佳作品，也只是美妙的音乐。然而，新的歌剧音乐绝不仅仅是通常所说的美丽动听的音乐，它应该摆脱自我孤立的音乐。

过去的歌剧音乐总是考虑多样化的形式和剧本的要求，而现在，瓦格纳则把哲学、宗教和道德编织在戏剧和音乐之中。瓦格纳的新歌剧，就是神话和宗教。因为他所表现的是古代典型的事件和人物，上帝和神灵，恶毒凶残的男人们和背信弃义的女人们，伟大感人的英雄豪杰和救世主般的伟大女性。在他的作品中给观众眼前展现了生与死、好与坏、拯救与摧毁这一系列人世间最高精神境界。它是超凡人生的真正检验，具有重要的道德意义。

他在歌剧发展史上占有重要地位。他早期创作的歌剧属浪漫派大歌剧样式，后来他渐渐对这种样式的歌剧感到不满，认为歌剧这一形式，应该是各种艺术的结合，并按自己的美学理想和理论，创立了“乐剧”的形式。他不仅是一位杰出的音乐家和歌剧改革家，而且是积极的社会活动家和著名的思想家。他在政治思想、音乐戏剧美学上的著述，对当时的社会政治生活和文化生活起过重要的影响。在这方面，他是空前绝后的，是任何一位杰出的音乐家无法比拟的。

威廉·理查德·瓦格纳(后来他省去了“威廉”)1813年5月22日出生于莱比锡的一个警官家庭。出生于莱比锡。他的母亲原来叫约翰娜·帕茨，是面包师的女儿，她当时的丈夫是一个警官，名叫弗里德里希·瓦格纳，他在瓦格纳出生后不久就去世了。不久后，母亲再嫁给剧作家、演员盖伊，举家迁往德累斯顿。 童年的查德以盖伊为姓，直到十来岁时才又改回到瓦格纳这个姓氏。继父对幼年瓦格纳的艺术启蒙起到了重要的作用，在他的影响下，瓦格纳从小就对古希腊神话、莎土比亚戏剧和德国民间文学产生了浓厚的兴趣。由于继父的关系，瓦格纳在很小的时候就经常出入剧院，这对他未来的乐剧创作大有裨益。瓦格纳和继父的感情甚笃，当他得知继父在临终时希望他成为音乐人才后，便发誓从此要怀有在世界上获得成就的抱负。1827年14岁的瓦格纳他把大部分时间用于写一部长长的、错综复杂的歌剧剧本，他把这部叫做《洛巴尔德》的剧本看成是莎士比亚式的悲剧作品。从而显示了这位少年的戏剧创作才华。在这部歌剧和莎士比亚的《哈姆雷特》一样，剧中的主人翁也见到了被暗杀的父亲的鬼魂。与哈姆雷特不同的是，洛巴尔德采取了更直接的复仇行动：他几乎杀死了所有有的人，最终成了疯子。在第四幕结尾时，死去的人太多，瓦格纳不得不在第五幕中让一些人作为鬼魂回来，以使剧情发展下去。

瓦格纳断断续续地听过一个叫米勒的人的音乐课，但瓦格纳主要是自学的。瓦格纳极其推崇贝多芬的音乐，他对少年瓦格纳产生决定性影响。瓦格纳曾抄录了这位大师的几乎所有的作品。特别是他在1829年观看了《菲德里奥》的演出后，对音乐和歌唱家的演唱感触极深，并称是这次演出决定了他作为职业作曲家的命运。即使在睡梦中，瓦格纳也曾为贝多芬和莎士比亚激动地泪流满面。正是这两位伟大人物，奠定了瓦格纳以后从事乐剧创作的坚实基础。

1931年，瓦格纳进入莱比锡大学读书。此间，他用短短6个月的时间，向作曲家魏利格学习作曲理论和技法。

瓦格纳早期的歌剧作品

1833年，瓦格纳在马格德堡找到了一份工作：在一个小歌剧团做合唱指挥。尽管他担当此职的资格差一些，但他们还是雇用

　　舒伯特

　　弗朗茨·泽拉菲库斯·彼得·舒伯特（德文：Franz Seraphicus Peter Schubert，1797年1月31日－1828年11月19日）是奥地利作曲家，他是早期浪漫主义音乐的代表人物，也被认为是古典主义音乐的最后一位巨匠。舒伯特在短短31年的生命中，创作了600多首歌曲 ，18部歌剧、歌唱剧和配剧音乐，10部交响曲，19首弦乐四重奏，22首钢琴奏鸣曲 ，4首小提琴奏鸣曲以及许多其他作品，被称为“歌曲之王”。

　　奥地利作曲家舒伯特于1797年1月31日出生在维也纳贫困的小学校长家庭。他从小学习钢琴和小提琴，十一岁被帝国小教堂唱诗班录取，并住进神学院，成为该校乐队小提琴手，同时还担任指挥，这使他有机会接触维也纳古典乐派一些著名作曲家的名作，他1813年为该乐队创作了《第一交响曲》。1813年因变声离开神学院，舒伯特为了减轻家庭负担，到父亲所在的学校里担任助理教师，同时继续创作。

　　1814年10月19日为歌德的诗《纺车旁的格丽卿》谱曲，舒伯特的这第一部歌曲杰作，打开了他创作灵感的闸门。仅1815年一年，舒伯特就写了144首歌曲，其中10月的一天就写了8首歌曲。除歌曲外，他还创作了1部交响曲，2部弥撒曲和其它作品。1816年，他辞去教师的职务，专心从事作曲。由于没有固定收入，生活比较贫困，在他的一些作品里也常常反映出苦闷和压抑的情绪，尽管这样，他还是满怀热情地创作了大量的歌颂民族解放斗争的优秀作品。长期的困苦生活，使舒伯特身心受到极大的摧残，1828年11月19日，年仅三十一岁的舒伯特在维也纳溘然长逝，他被安葬在他生前一直相当崇拜却只见过几次面的贝多芬墓旁。

　　舒伯特的创作生涯虽然很短暂，却给后人留下了大量的音乐财富，600多首的艺术歌曲，为世界音乐宝库增添了耀眼的光辉，在音乐史上被誉为“歌曲之王”。他为不少诗人如约翰·沃尔夫冈·歌德、弗里德里希·席勒、海因里希·海涅、威尔赫姆·穆勒等的作品写了大量歌曲，把音乐与诗歌紧密结合在一起。他的歌曲中既有抒情曲、叙事曲、充满战斗性的爱国歌曲，也有源于民间音乐的歌曲，其中重要的有《魔王》、《鳟鱼》、《菩提树》、《美丽的磨坊少女》、《野玫瑰》、《流浪者》（2首）、《普罗米修斯》、《致音乐》、《迷娘之歌》、《纺车旁的格丽卿》、《牧童的哀歌》、《战斗中的祈祷》、《剑之歌》、《战士之歌》等 ， 主要歌曲汇有3部歌曲集 ：《美丽的磨坊少女》、《冬之旅》和《天鹅之歌》。他的交响曲中较重要有第四、第五、第八、第九交响曲，其中第八交响曲是一部浪漫主义抒情交响曲，因只写了两个乐章而被称为《未完成交响曲》，许多人试图续写，但都不尽如人意，不得不承认，它的“未完成”也许比完成更接近完美的形态。第九交响曲气势磅礴，充满英勇豪迈的气概，被称为《伟大交响曲》。他的作品还有d小调弦乐四重奏《死与少女》、钢琴五重奏《鳟鱼》、C大调弦乐五重奏、钢琴曲《流浪者幻想曲》、《音乐的瞬间》、降E大调即兴曲、A大调奏鸣曲和配剧音乐《罗莎蒙德》等。舒伯特以抒情的旋律闻名，而且总是能够自然流露、浑然天成。另有18部歌剧、歌唱剧和配剧音乐，10部交响曲，19首弦乐四重奏，22首钢琴奏鸣曲，4首小提琴奏鸣曲以及许多其它作品。舒伯特在生的时候，大众对他的认识和欣赏只是一般，但在逝世前已经有一百首著作被出版。他早年担任父亲学校里的教师，辞去职位后一直没有固定的工作，经常靠朋友接济。

　　舒伯特生活在古典主义和浪漫主义的交接时期。他的交响性风格继承的是古典主义的传统，但他的艺术歌曲和钢琴作品却完全是浪漫主义的。他绝妙的抒情性使李斯特称他为“前所未有的最富诗意的音乐家”。

　　舒伯特在传统的室内乐中注入了自己的精神特性。他的室内乐作品都带有真正的舒柏特的印记，它们也是维也纳古典主义的最后一批作品。而在“即兴曲”和“音乐瞬间”中，舒柏特使钢琴唱出了新的抒情风格。它们的随想性、自发性和意料不到的魅力都成了浪漫主义的要素。

　　舒伯特最广为流传的是他的六百多首歌曲。这些歌曲都是从诗的内心情感中直接产生出来的，没有人能胜过他那洋溢的才华和清新的情感。钢琴伴奏也产生了特殊的效果：用一两个小节描绘出潺潺小溪，街头艺人破旧的手摇风琴，或是“天堂门前”的云雀。谈到舒柏特的歌曲，可以引用舒曼对《C大调交响曲》的评论：“这种音乐把我们引入一种境地，使我们忘却了以前曾有过的东西。”

　　1、《魔王》

　　这是一首戏剧性、艺术性很强的叙事歌曲。演唱者要善于用不同的音色变化和感情处理来表现四个不同人物。这首歌曲创作于1815年，是舒伯特最著名的歌曲之一。

　　全曲以德国诗人歌德的同名叙事诗为词，通过不同的旋律音调，配上不同的唱腔，以及钢琴模仿持续不断的急驰马蹄声和呼啸的风声的三连音，表现了叙事诗里儿子、父亲、魔王以及叙事者四个性格各异的人物和特定的环境。叙述了一个在昏暗的大风之夜，父亲怀抱生病的儿子在烟雾笼罩的森林里策马疾驰，黑暗中传来昏迷的孩子紧张、惊恐的呼叫，凶恶、狡猾的魔王幻影正引诱、威逼孩子随他而去的故事。这首歌曲虽然是自由发展，但保持结构的统一和形式的完美。

　　第一段：叙事者以口语化的朗诵调唱出。

　　第二段是父亲和儿子的对话。音乐在声部的低音区，以沉着、平衡的声调，刻画父亲的关切和抚慰，父亲慈爱地问。

　　第三段魔王的音乐旋律是抒情歌唱性的，显得甜蜜、虚假、狡猾。

　　接着，父与子再次对话，魔王步步进逼，儿子心里害怕，一次次呼喊父亲，一次比一次惊惶，直到第五段，魔王软硬兼施，威逼恐吓。

　　最后一段，叙事者用焦急沉痛的音调描述了可悲的结局：父亲急驰到家，儿子早已在怀抱中死去。钢琴以两个特强和弦，表现了精疲力竭的父亲悲痛欲绝的心情。

　　2、《圣母颂》

　　舒伯特的这首《圣母颂》是他在1825年根据英国诗人瓦尔特·司各特的叙事长诗《湖上美人》中的《爱伦之歌》谱写而成。歌曲抒发了叙事诗主人少女爱伦祈求圣母饶恕其父罪行的纯真感情。歌曲采用分节歌形式，曲调柔美委婉、纯净朴实，音乐表情细腻丰满，表现了作者对真善美的向往。由于这首歌曲的艺术魅力，后人将其改编成器乐曲演奏，又以小提琴独奏及弦乐演奏主旋律、竖琴伴奏的谱本流传较广。

　　歌曲开始的前奏，采用了六连音的分解和弦造成一种感情上的起伏。

　　歌曲旋律优美、舒展、动人，感情委婉、真挚、感人至深，歌曲里的临时变化音、装饰音和三连音运用得特别巧妙，恰到好处，使歌曲新颖不俗，独具魅力。

　　当歌曲唱到第八小节，出现了感情的高潮，然后逐渐平静下来，轻声呼唤圣母的名字。

　　最后，全曲在宁静的气氛中结束。

　　3、《小夜曲》

　　舒伯特于1828年他逝世前数月完成这首小夜曲。原为作者声乐套曲《天鹅之歌》的第四首，由维也纳音乐出版家哈斯林格题名，意借天鹅临死才放喉歌唱之说，暗示这一套曲为作者绝笔。《小夜曲》是作者根据诗人莱尔斯塔勃的诗所作，是一首脍炙人口的名曲。这首《小夜曲》由于旋律优美、动听，也被改编成器乐曲演奏，广受人们喜爱。

　　歌曲结构为二部曲式，大小调交替发展。第一段d小调旋律轻盈婉转，情绪柔和明朗，模仿吉它的伴奏，表现了一位青年向心爱的姑娘倾诉爱慕之情。

　　第一段歌词是对四周幽静环境的描绘。接着是8小节抒情而安谧的间奏。

　　第二段中部转D大调，运用了变化音，调性的变化使感情变得激动，形成全曲高潮。

　　尾声的旋律和节奏加入了新的因素。随着以D大调为主，带有大小调综合倾向的结束句由强渐弱，表现了爱情的歌声在优美恬静的夜色中渐渐远去。

　　4、《摇篮曲》

　　从它写出来那天起，直到今天还被世界各国的母亲们和歌唱家们传唱着。如舒伯特创作这首动人的歌曲时，还有这样一段故事：

　　那时的舒伯特生活很贫苦。有一天晚上，他没有吃饭，饿着肚子在街上徘徊，希望能碰见一个熟人，借点钱好充饥。但好久也没有碰到熟人。这时他走到一家豪华的酒店门前，他走了进去，在一张桌子前坐下，他忽然发现饭桌上有一张旧报纸，舒伯特就拿起翻看着。他见上面有一首小诗：“睡吧，睡吧，我亲爱的宝贝，妈妈双手轻轻摇着你，……”这首朴素、动人的诗，打动了作曲家的心灵，他眼前出现了慈爱的母亲的形象。是呀，在那宁静的夜晚，母亲轻轻地拍着孩子，哼唱着摇篮曲，银色的月光透过窗子照在母子的身上，这是多么美好的生活呀……，舒伯特再也抑制不住自己，于是，他从口袋里掏出一张纸，拿出一支铅笔，一面哼唱着，一面急速地谱写着。

　　舒伯特写好后，把歌曲交给了饭店的老板，老板虽然不懂音乐，但觉得这首曲子那么好听，那么优美，便给了舒伯特一盆土豆烧牛肉。

　　舒伯特在贫困中，以美好的心灵为母亲和孩子们写下了这首甜美的歌曲，这首《摇篮曲》很快在世界各地传唱开了，而它的作者舒伯特却在贫困中死去了……

　　摇篮曲不仅仅是音乐方面的一种重要的音乐形式，而且是人类生活中不可缺少的一种艺术手段。每个人一生下来，就在母亲的怀抱中听母亲哼唱着摇篮曲长大。母亲通过摇篮曲，把人生的哲理，未来的希望以及母亲的爱，深深地埋在孩子们的幼小心灵里。这些哲理和希望如同种子，随着孩子的成长，在他们的心灵中开花、结果，在潜移默化中影响着他们的思想。

　　母亲们，不要忽视一首短短的摇篮曲，它会影响你的孩子——祖国未来花朵的一生。

　　5、第八“未完成”交响曲

　　作品作于1822年，时值舒伯特25岁，但直到43年后乐谱才被发现，并于1865年首次公演。本交响曲唯有第一、第二两乐章拥有完整的曲谱，第三乐章只有九小节改编为管弦乐曲，其它部分仍停留在钢琴曲谱的形态，第四乐章则连草稿都没有。但第一、第二两个乐章无论在形式上或感情处理上，都能搭配得天衣无缝，整个内容至此已表达得十分完整，再加任何诙谐曲乐章或终乐章，均有画蛇添足的感觉。所以，此曲在形式上虽然未完成，但实际上是完整无缺的，并因此而显得结构新颖，这恐怕是作者始料不及的。此曲不仅是舒伯特交响曲中最杰出的作品，也是浪漫音乐的一部绝世佳作。它抒发了作者内心世界的矛盾冲突，忧伤情绪充满了整个乐曲。透明清纯、优美丰富的旋律，不加装饰和声和音色，这种作曲手法非常新鲜，这是此曲成为世界上最受欢迎的交响曲之一的重要原因。本曲未完成而终，这为它增添了许多穿凿附会的谣言传说，甚至有人将它杜撰成故事，拍成**。如此一来，此曲更是家喻户晓。

　　第一乐章，中庸的快板，b小调，3/4拍，比较简单的奏鸣曲形式。曲初由低音弦奏出富有暗示性的旋律（片段1），名指挥家温加纳形容为"好像是来自地底世界的声音"。这段旋律，在第一乐章和第二乐章中都担任重要的角色。

　　第二乐章，稍快的行板，E大调，3/8拍。整个乐章行如流水，布局和发展都舒缓自然。这一乐章的主题十分出名，是一个旋律优美的典雅主题（片段2），由第一小提琴呈现，把听众带入了一个宁静而充满幻想的意境。

　　6、第九“伟大”交响曲

　　舒伯特于1825年开始写作《第九交响曲》，并在1828年3月完稿。他原本希望此曲能由维也纳的“音乐之友协会”(Gesellschaft der Musikfreunde)演出，但是该协会认为作品太长也太难。同一年稍晚，舒伯特去世后，此曲手稿留给舒伯特的兄长费尔迪南(Ferdinand)，直到1839年才在舒曼的安排协助下，由莱比锡布业大厅管弦乐团首演此作品。

　　虽然发表稍迟，然而舒伯特的《第九交响曲》却是十九世纪最重要的乐曲之一，不仅对舒曼本人有强烈影响，亦对勃拉姆斯略起作用，并以其设计构思之广——如舒曼所说是“像天堂一般长”——大胆地为布鲁克纳与马勒指出了一条明路。在未完成的《第八交响曲》中，率先使用的许多风格与形式上的处理方式，都再度出现于此曲中。但是两首交响曲最关键的创作观念并不相同；在第九中，舒伯特克制了延长旋律的冲动，而改以简洁有力、可塑性极高的主题，作为各乐章里的基调。

　　全曲四个乐章的管弦乐独特色彩，精致得令人惊叹。如同《未完成交响曲》，舒伯特将温暖、灿烂的木管及铜管色彩铺陈于弦乐之上，使此曲固守在浪漫派的音域中。此外，他运用这些乐器的独奏能力也同样重要——双法国号温柔地齐奏出乐曲开端高贵的鼓号曲；双簧管亦是抒情地和着弦乐的伴奏，像远处的一支小号，吹奏出行板乐章的第一主题。

　　该曲最大的特点在于它的节奏活力充沛，以及两组特殊的基本节奏——附点四分音符后接八分音符，以及叁连音——在乐曲的进行中逐渐加强。这两种节奏，加上由法国号最先吹出的一个持续的四音符装饰音，变成终乐章的构成要素，正因为节奏素材的力道十足，庞大漫长的终乐章才能够像炮弹一般推进。

　　舒伯特晚期作品中的诗意与想象，在此曲达到巅峰，行板乐章里至少有一个值得一提：再现部来临时，舒伯特以长号、木管及弦乐(均为最弱音)奏出圣咏般的模式，两支法国号轻柔地反复吹奏着高音G。法国号音符间的音程中，弦乐释放出沉静而缓慢变化的和声——首先是大提琴与低音大提琴，接着是中提琴和小提琴，渐渐增强，最后弦乐与法国号一起奏出乐章本调a小调。这个片段充分地展现了作曲家的天赋——后来更不只一次地回响在舒曼与勃拉姆斯的音乐中。

　　7、钢琴五重奏“鳟鱼”

　　舒伯特这首A大调五重奏与通常的钢琴五重奏不同，不是那种钢琴加弦乐四重奏的标准形式，而是钢琴与小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴这样四件弦乐器的组合，亦即比标准形式少了第二小提琴，而以低音提琴取代。再者，这首曲子有五个乐章，这一点也与众不同。因为第四乐章是采用舒伯特本人的歌曲《鳟鱼》的旋律而作主题与变奏，所以此曲俗称《鳟鱼五重奏》。

　　毫无疑问，这绝对是舒伯特最美妙动听的室内乐佳作，甚至也是钢琴室内乐这个门类的一顶桂冠。整个基调是浪漫而愉快的，情怀坦荡，自由自在，而且始终充满了歌唱性。第四乐章不用说了，歌曲《鳟鱼》的旋律你应该是很熟悉的，或许还会唱呢。即使是有点激动不安的第三乐章，也是歌唱性很强，还偷空来两句温柔的，带点安抚性的。A大调通常都比较爽朗，而舒伯特此曲又特别流畅。在钢琴与弦乐器，以及大小各提琴之间的轮番歌唱中，年轻的舒伯特想必是自己也深深陶醉进去了。

　　此曲乃舒伯特与其好友、男中音歌唱家佛格尔在北奥地利旅行时，受到博文加纳热情款待，因此而受博文加纳委托而作，首演于博文加纳府邸。其5个乐章为：1活泼的快板，A大调，古典奏鸣曲式。开头以钢琴弹奏三连音音型，起连接全曲的作用。先是第一主题的呈示与发展，然后经过部形成E大调，钢琴弹出第二主题，小提琴反复后进入呈示部小结尾。发展部在以附点4分音符及8分音符进行的新节奏伴奏下，小提琴以C大调奏第一主题，展开幻想追逐。再现部第一主题发展音型以D大调由钢琴再现，通过短小的尾奏而结束。2行板，F大调，由3个抒情的旋律组成。第一旋律为F大调，第二旋律为升F小调，第三旋律为D大调。然后第一旋律以降A大调，第二旋律为A小调，第三旋律为F大调重现，为巴赫、莫扎特的传统。3谐谑曲，急极，A大调，复合三段体。以弦乐与钢琴对答，再构成赋格。4小行板，D大调，主题与6段变奏。主题为歌曲《鳟鱼》，先以第一小提琴奏主题，弦乐陪衬。第一变奏把旋律分配给钢琴，弦乐琶音为衬托。第二变奏中提琴主奏，小提琴衬托，旋律移到低音提琴，钢琴奏复杂的快速经过句。第四变奏转调到三连音节奏，第五变奏也有转调，第六变奏和结尾使用原歌曲伴奏中钢琴的波浪音型。5快板，A大调，不完全的奏鸣曲式，其中流露着匈牙利色彩。

意大利式回廊，点缀着许多雕像。

在竖琴序奏后幕启，传来合唱声“风使帆鼓满，众星在闪烁”，由水手们酝酿出南国的气氛(有时被删掉)。接着洛塔里奥登场，他为梦中的迷娘唱一首摇篮曲：《我让那孩子受创的心平抚了》。

这时侍从安东尼奥举着烛光和威廉一起出现。安东尼奥说明：“明天虽然是热闹的湖祭，但这个家却沉默了15年。主人的小女儿在玩水时，只留一顶红帽就不见了踪影。母亲因忧伤过度而去世，父亲也发疯离家，到各国去寻找女儿，这个家即将被拍卖”。