艺术创作中肌理运用的价值

艺术创作中肌理运用的价值

　肌理语言是艺术家们个性化语言的重要组成部分，以下是我为大家推荐的相关论文范文，希望能帮到大家，更多精彩内容可浏览(wwwoh100com/bylw)。

　摘要：画面肌理的应用从早期的含蓄，到十六世纪时期出现的凹凸起伏的画面效果，发展到当下阶段，艺术家们越来越有意识的把肌理作为艺术表达的元素，出现在画面中。在艺术创作中，“肌理”效果的运用，对于艺术家本身以及创作出的作品具有一定的价值。

　关键词：肌理;创作;价值

　在肌理表现的演变历程中我们可以发现，在西方早期的绘画艺术中，艺术家们并没有意识到肌理效果的存在，他们的注意力更多的是在于研究如何通过色彩、线条、明暗等绘画语言表达出更加真实的物象，这时的肌理并没有得到大多数艺术家的重视。但是随着社会的不断进步，科学技术的飞速发展，艺术领域的探索也不断被开拓创新，人们对于传统的绘画观念进行了大胆探索，综合材料的加入让画面的肌理效果更为强烈。在艺术创作中，“肌理”效果的运用，对于艺术家本身以及创作出的作品具有一定的价值。

　一、丰富了艺术语言

　在二十世纪，肌理表现也成为了独立的艺术语言，被艺术家们加以利用，不断地挖掘一切可能的新材料加入到画面中，使之产生独特的肌理效果，使得绘画的表现手段更加多元化。德国艺术家，安塞尔姆•基弗(AnselmKiefer，1945—)是当代运用综合材料进行创作的大师。从调色板上的油彩，到残破的老照片，废旧的金属片，甚至是黏腻腻的油渍，都可以成为他作品的主角。织物、稻草、砂石、油彩等等各式物料构成了纷繁复杂的肌理效果，这些堆积起来的视觉图案成为了他作品的画面中心。这时的肌理已经不再依附于表现物象造型的需要，在基佛画面中的这种肌理效果是传统的绘画表现不了的'，肌理成为了不可替代的艺术表现语言。既然肌理表现被认可为一种艺术语言，就会带有“语言”的特征：在说话时，稳重的语言给人以悠远绵长之感;犀利的语风给人以一波三折之感。作为艺术表现语言之一的肌理也有着不同的意味。整齐规范的肌理效果给人以秩序感，而破败杂乱的肌理，又会给人以沧桑落寞的感觉;平滑柔和的肌理给人以恬静的意境，而跌但起伏的肌理又会带来动荡不安的感觉。因此，肌理不是简单的勾勒涂抹拼贴，它们在每位艺术家手中都有着不同的变换，艺术家们出于个人对肌理效果美感的不同认识和追求，对肌理的应用就会有不同的意蕴传达。

　二、提高了艺术的表现力，传递画家情感

　随着现代技术的发展，名家画册的印刷越来越精美，网站上高清更是琳琅满目，人们可以十分便捷的欣赏到各个时期各个名家的作品，但是，人们依旧渴望能够现场亲自目睹大师的作品原图，这其中的原因之一，就是画面中肌理效果带来的震撼力。各种材料经过艺术家们之手，层层堆叠于画面之上，有的甚至可以达到浮雕般的效果，这类肌理所带来的强视觉冲击力，平面的印刷品根本无法感受，只有站在作品的面前，细细品味，才能领悟到它的非凡魅力。也难怪印象派大师莫奈会这样说：“画面的好坏，只要闭上眼睛，抚摸画布就能判断。”也只有当各位观画者直接面对作品欣赏时，作者在画面中所包含的情感才能真正的透过画面，毫无保留地传达给观众。这时的画面肌理就承担着这样的任务，或光滑，或粗犷，或纤细，或厚重，不同形态的笔触或是材料都会反映出艺术家们创造这幅作品时不同的心理感受。又如基佛为纪念第二次世界大战结束50周年而创作的作品《荒原》。基佛选用厚木板作为基底，用粘土布满整个画面，待一层的粘土冷却开裂后，再进行覆盖，最后用丙烯颜料进行上色。经过多次反复制作后，画面形成了千沟万壑的肌理效果。这些肌理效果描绘了被战火燃烧后伤痕累累的大地，这满目疮痍营造了一种悲切的氛围，足以引起观画者心理上的震撼。“艺术：人类情感符号的创造。”这句话是美学家，苏珊•朗格提出的，每一件艺术品都包含着艺术家们内在的情感，艺术家们在创作一件艺术品时，所加入的材料就会成为艺术家们情感抒发的特定载体。这些被精巧地安排、布置的肌理效果，让我们可以感受到艺术家们创作时的无限激情，感受到作品中蕴含的鲜活气息。

　三、促进画家艺术风格的形成

　肌理语言是艺术家们个性化语言的重要组成部分，不论是笔触效果，还是各种工具材料，一旦被艺术家们选择，进入到画面之中，那么他们所产生的肌理效果就会成为艺术家们特定的“语言”，使得画面带有只属于画家本人的独特风格，展现艺术家的个性。在上文中提到过印象派，在这个“门派”中出现了许多艺术大师，他们虽然同属于一个派系，但是每个人的作品都是个性鲜明的。提起莫奈，就会想起用“色彩分割法”画出的块状笔触所构成的荡漾的水面;修拉通过色点的组合，创造出大碗岛星期天下午的精彩;塞尚厚涂重抹的肌理表现，使画面有一种建筑般的结实感;梵高则运用短促、卷曲的笔触排列，让画面充满动感。艺术家们在长期对艺术的探索中，将自己的个性和技法相结合，创造出适合于自己画面的肌理效果，形成了一套独特的艺术风格。有一位大师的风格确是多变的，他就是毕加索，除了“综合立体主义”风格，还有许多不同的风格展现。在他的素描作品中，我们可以发现特定的肌理处理方式在每一次的风格变化中都扮演着重要角色。由此可见，艺术家在一定的时期内对于艺术的判断是相对稳定的，对于画面的处理特别是肌理的运用有着固定的模式，艺术家们通过对于艺术的思考以及对肌理语言的不断研读，将之与画面融合取舍，将影响艺术家们个性化艺术风格的形成。肌理，随着各时期不同艺术家对于美的追求的不同而不断改变，从早期朦胧地存在于艺术作品中，到后来艺术家们有意识的使用，它在艺术中扮演着越来越重要的角色。对于肌理效果的应用高下，关键在于艺术家个人的艺术修养，只有艺术家能够将自身的内在情感融入到肌理中才能让艺术作品散发出更强大的感染力。在本文中探究肌理的应用价值，是希望肌理作为一种重要的艺术语言，在艺术实践中能够发挥它应有的魅力，使艺术作品更加精准地传达出艺术家所要表达的精神。

　作者:林姗俐 单位:福建师范大学

　参考文献:

　[1]佟景韩、余丁、鹿镭欧洲19世纪美术•现实主义与印象主义[M]中国人民大学出版社，2010

　[2]苏珊•朗格情感与形式[M]中国社会科学出版社，1986

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“肌理是指物体表面的组织纹理结构，即各种纵横交错、高低不平、粗糙平滑的纹理变化，是表达人对设计物表面纹理特征的感受”。

但更重要的是其中的词语“感受”，因为他代表着大自然或设计师们要表达的“情感”，上升为语言表达即为语言肌理。

一般情况下设计师谈的肌理指的是“情感”，而不是简单的线条与图案。如童装中的“童真”“乖童”等等，表达的是孩子们的天真、顽皮等可爱之处；斑驳的灰旧色彩或图案表达的是对往事的追忆，或是对过去的无奈；奥运主场馆“鸟巢”不就体现出归宿、温暖、和睦吗？

“肌理”中的“肌”应该是有生命的！正如我们生活中提倡的“健美”一样，展现的是生命的强壮与乐观。

所以，作为一名面料设计师，应该对自己开发的产品赋予情感，能够用语言进行表达，用词语进行精心概括。实际上也体现出了你所设计的产品目的。

以上说的，请大家思考。

　　色彩构成（Interaction of color），可以理解为色彩的作用，是在色彩科学体系的基础上，研究符合人们知觉和心理原则的配色。配 色有三类要素：光学要素（明度、色相、纯度），存在条件（面积、形状、肌理、位置），心理因素（冷暖、进退、轻重、软硬、朴素华丽），设计的时候运用逻辑 思维选择合适的色彩搭配，产生恰当的色彩构成。最优秀的配色范本是自然界里的配色，我们观察自然界里的配色，通过理性的提炼最终获得我们所需要的东西。色彩混合对于效果有很大作用，通过它，可以实现物体透明，例如玻璃、水、窗户等等。

　　alpha是混合的基础，前面说过，色彩是由RGBA表示的，A就代表alpha，我们可以简单理解为透明度。A值为0代表完全透明，1代表不透明，指定A的值0到1之间可以调整色彩的透明度。

　　当使用混合时，始终要记住两个不同的颜色，一个是源色彩(用来参加运算)，一个是目标色彩(已经存在于缓冲区)。混合就是进行两个色彩的运算。

　　一、色彩构成三原理

　　1）色彩的印象方面

　　指从自然界的色彩效果入手去发现色彩的规律，对我们的视觉造成心理的反应。

　　A、有色彩表现温度感肌理效果。

　　B、体现喜怒哀乐。

　　c、用色彩表现抽象效果。

　　d、色的表现方式： 属于色彩心理表达各种色彩对人的心理有不同的感受。

　　2）色结构方面

　　美的结构是决定美的独立形式，是一种内在的色彩之间的关系表现。

　　A、缺乏象征性真实和没有感人印象的视觉艺术效果。

　　B、缺乏视觉的准确性和没有感人力量的象征。

　　C、缺乏结构象征和视觉力量其感情效果也只会被局限在表面的感情表现。

　　3）色彩构成的原则

　　图形色和底形色：图形色要有前进感，底形色要有后退感，取绝于色彩的明度、纯度。

　　A、色彩的明度、纯度面积，图形色要比底形色更为明亮、鲜艳，明度、纯度比底形色略高一些。图形色和底形色的明度、纯度不能太接近。

　　B、面积明亮颜色稍少一些，暗的稍大一些。

　　C、色的平衡：有单纯视觉感强的感觉，属对称平衡；面积方向大小形状相互平衡属非对称平衡。

　　二、色彩定义

　　在黑暗中色彩消失。四周不管是自然的或人工的物体，都有各种色彩和色调。这些色彩看起来好像附着在物体上。然而一旦光线减弱或称为成为黑暗，所有物体都会失去各自的色彩。

　　看到的色彩，事实上是以光为媒体的一种感觉。色彩是人在接受光的刺激后，视网膜的兴奋传送到大脑中枢而产生的感觉。

　　1）牛顿的光谱

　　光是电磁波,能产生色觉的光只占电磁波中的一部分范围。而其中人类可以感受到的范围（可见光），是780毫米到380毫米之间。太阳光属于可见光，牛顿第一次实验时，利用菱镜分散太阳光，形成光谱。

　　2）单色光和复合光

　　这种分散的光谱，即使再一次透过菱镜也不会再扩散，称为单色光。我们日常所见的光，大部分都是单色光聚合而成的光，称为复合光。复合光中所包含的各种单色光的比例不同， 就产生不同的色彩感觉。

　　三、色彩的的产生

　　1）光源光。

　　光源发出的色光直接进入视觉。

　　2）透射光。

　　光源光穿过透明或半透明物体后再进入视觉的光线，称为透射光。

　　3）反射光。

　　反射光是光进入眼睛的最普遍的形式，在有光线照射的情况下，眼睛能看到的任何物体都是由于反射光进入视觉所致。

　　四、色彩的范畴

　　色彩分为无色彩与有色彩两大范畴。

　　1）无色彩指无单色光，即：黑、白、灰；

　　2）有色彩指有单色光，即：红、橙、黄、绿、蓝、紫；

　　五、色彩的三要素

　　1) 明度：在无色彩中，明度最高的色为白色，明度最低的色为黑色，中间存在一个从亮到暗的灰色系列。在彩色中，任何一种纯度都有着自己的明度物特征。例如：**为明度最高的色，紫色为明度最低的色。

　　明度在三要素中具有较强的独立性，它可以不带任何色相的特征而通过黑白灰的关系单独呈现出来。色相与纯度则必须依赖一定的明暗才能显现，色彩一旦发生，明暗关系就会出现。我们可以把这种抽象出来的明度关系看作色彩的骨骼，它是色彩结构的关键。

　　2) 色相：是指色彩的相貌。

　　如果说明度是色彩的骨骼，色相就很像色彩外表的华美肌肤。色相体现着色彩外向的性格，是色彩的灵魂。

　　色相环：在从红到紫的光谱中，等间的选择5个色，即红（R）、黄（Y）、绿（G）、蓝（B）、紫（P）。相邻的两个色相互混合又得到：橙（YR）、黄绿(GY)、蓝绿(BG)、蓝紫(PB)、紫红（RP），从而构成一个收尾相交的环，被称为孟赛尔色相环

　　3)纯度：纯度指的是色彩的鲜浊成度。混入白色，鲜艳度降低，明度提高；混入黑色，鲜艳度降低，明度变暗；混入明度相同的中性灰时，纯度降低，明度没有改变。

　　不同的色相不但明度不等，纯度也不相等。纯度最高为红色，**纯度也较高，绿色纯度为红色的一半左右。

　　纯度体现了色彩内向的品格。同一色相，即使纯度发生了细微的变化，也会立即带来色彩性格的变化。

　　五、色彩表示

　　1) 混色系统：分为色光混合与色彩混合。实际上,我们又把它们称作减色混合和加色混合。舞台灯光使用的色彩混合就是色光混合，而我们绘画时常用的调色法就是色彩混合。

　　2) 显色系统：显色系统的理论依据是把现实中的色彩按照色相、明度、纯度三种基本性质加以系统的组织，然后定出各种标准色标，并标出符号，作为物体的比较标准。通常用三维空间关系来表示明度、色相与纯度的关系，因而获得立体的结构，称为色立体。

　　A 明度进阶表位于色立体的中心位置，成为色立体垂直中轴，分别以白色和黑色为最高明度和最低明度的极点，在黑白之间依秩序划分出从亮到暗的过渡色阶，每一色阶表示一个明度等级。

　　B 色相环：色相色阶是以明度色阶表为中心，通过偏角环状运动来表示色相的完整体系和秩序的变化。色相环由纯色组成。

　　C 纯度色阶表呈水平直线形式，与明度色阶表构成直角关系，每一色相都有自己的纯度色阶表，表示该色相的纯度变化。以该色最饱合色为一极端，向中心轴靠近，含灰量不断加大，纯度逐渐降低，到达另一个极端，即明度色阶上的灰色。

　　D 等色相面：在色立体中，由于每一个色相都具有横向的纯度变化和纵向的明度变化，因此构成了该色相的两度空间的平面表示。该色相的饱合色依明度层次不断向上靠近白色，向下运动靠近黑色，向内运动靠近灰色，这样的关系构成了该色的等色相面。

　　E 等明度面：若沿着明度色阶表成垂直关系的方向水平切开色立体，可以获得一个等明度面。

　　3) 三种主要色立体：

　　美国画家孟谢尔的孟谢尔色立体；奥斯特瓦德色立体；日本色彩研究会色立体。关于这几种色彩立体的详细说明十分复杂，请读者自己参阅相关书籍。

　　六、色彩混合

　　色彩有两个原色系统：色光的三原色、色素的三原色。色彩有三种混合方式：加法混合、减法混合、中性混合。

　　1、原色

　　不能用其它色混合而成的色彩叫原色。用原色却可以混出其它色彩。

　　原色有两个系统，一种是色光方面的，即光的三原色，另一种是色素方面的即三原色。

　　三原色：红光（Red）、绿光(Green)、蓝光（Blue）。（也就是我们常说的RGB模式）

　　三原色：品红（Magenta）、**（Yellow）、青色（Cyan）。（用于印刷的MCY）

　　2、色彩的加法混合

　　加法混合指色光的混合。两色或多色光相混，混出的新色光，明度增高，明度是参加混合各色光明度之和。参加混合的色光越多，混出的新色的明度就越高，如果把各种色光全部混合在一起则成为极强白色光。所以把这种混合叫正混合或加法混合。

　　在色环上，相混合的两色光在色相环上的距离较近，中等，较远相混，形成的新色光均为两色光的中间色光。相距近混了的新色光纯度高，相距远混出的新色光纯度低，相距最远的补色光相混，混出的光为白光，其纯度消失。混出新色光的明度为参加相混色光明度之和。

　　电脑显示器的色彩是通过荧光屏的磷光片发出的色光通过正混合叠加出来的，它能够显示出百万种色彩，其三原色是红（Red）、绿（Green）、蓝（Blue），所以称之为RGB模式。

　　RGB是加法混合。

　　说明：相近的两种颜色相混合必得到它们中间的那种颜色，也就是说红色和绿色混合肯定是得到**，相对的是互补色，互补色混合会得到白色。

　　3、色彩的减法混合

　　减法混合指色素的混合，色素的混合，色素的混合是明度降低的减光现象，所以叫负混合或减法混合。颜料、染料、涂料等色素的性质与光谱上的单色光 不同，是属于物体色的复色光，色料的显色是把白光中的色光经部分选择与吸收的结果，所反射的和所吸收的色混合的结果，而是吸收部分相混合所增加的减光现 象。

　　在色环上相混合的两色距离近，距离中等，距离较远的色相混，混合的结果均为相混两色的中间色。两色相距较近时，混出的色纯度降低得少；两色相距远时，混出的色纯度降低得多。若两色为相距最远的互补色时，混出的新色纯度消失，明度降低为黑灰色。

　　因此要混合出纯度较高的新色彩，一定要选择在色环上距离较近的色，如用黄绿和蓝绿混出的绿色，一定比用**和蓝混出的绿色的纯度高。由于各色料的本质的不同及混合时分量的误差都会影响混色的结果。还有些色彩是无法用其它色彩混合出来的。

　　在理论上，将品红（Magenta）、**(Yellow)、青色(Cyan)三种色素均匀混合时，三种色光将全部吸收，产生黑色，但在实际操 作中，因色料含有杂质而形成棕褐色，所以加入了黑色颜料(Black)，从而形成CMYK色彩模式。这是电脑平面设计的专用色彩模式，在印前处理中有着最 重要的作用，是四色的基础。

　　4、色彩的中性混合

　　中性混合是基于人的视觉生理特征所产生的视觉色彩混合。它包括回旋板的混合方法(平均混合)与空间混合(井置混合)。

　　（1）回旋板的混色

　　回旋板的混色是属于颜料的反射现象。如把红色和蓝色按一定的比例涂在回旋板上，以每秒40-50次以上的速度旋转则显出红紫灰色。可是如果我们 把红和蓝两色光用加法混合则成为淡紫红色光，明度提高。把红和蓝颜料用减法混合，则成为暗紫红色，明度降低。通过以上不同方法的混合对比，发现用回旋板的 方法混合出的色彩其明度基本为参加混合色彩明度的平均值，所以把这种混合方法叫中性混合。回旋板的中性混合实际是视网膜上的混合。正如上面举的例子，由于 红、蓝两色经回旋板快速旋转使红、蓝二色反复刺激视网膜同——部位，红、蓝，红、蓝，交替而连续不断，因此在视网膜上发生红、蓝两色光混合而产生红紫灰色 的感觉。

　　（2）空间混合(并置混合)

　　由于空间距离和视觉生理的限制，眼睛辨别不出过小或过远物象的细节，把各不同色块廓受成一个新的色彩，这种现象称为空间混合或井置混合。

　　如果把红、蓝色点(或块)井置的画面经过一定的距离，发现红色与蓝色变成了一个灰紫色。同样，胶版印刷只用品红、黄、蓝三色网点和黑色 网点便可印出各种丰富多彩的画面，除重叠部分的网点产生减色混合外都是色点的并置混合，这种井置混合叫近距离空间混合．空间混合的距离是由参加混合色点 (或块)面积的大小决定的，点或块的面积越大形成空间混合的距离越远。回旋板的混合和井置混合实际上都是视网膜上的混合。

　　这两种混合均为中性混合，混合出新色彩的明度基本等于参加混合色彩明度的平均值。

　　七、色彩心理

　　1) 色彩的物质性心理错觉

　　冷色与暖色是依据心理错觉对色彩的物理性分类，对于颜色的物质性印象，大致由冷暖两个色系产生。

　　红光和橙、**光本身有暖和感，照射任何色都会产生暖和感。相反，紫色光、蓝色光、绿色光有寒冷的感觉。

　　冷色和暖色除去温度不同的感觉外，还会有其它感受，如重量感、湿度感等。

　　暖色偏重，冷色偏轻；暖色密度强，冷色稀薄；冷色透明感强，暖色透明感较弱；冷色显得湿润，暖色显得干燥；冷色在退远感，暖色有迫近感。

　　色彩的明度与纯度也会引起对色彩物理印象的错觉。颜色的重量感主要取决于色彩的明度，暗色重，明色轻。纯度与明度的变化还会给人色彩软硬的印象，淡的亮色使人觉得柔软，暗的纯色则有强硬的感觉

　　2) 颜色的表情：

　　色彩的情感是因为人们长期生活在色彩的世界中，积累了许多视觉经验，视觉经验与外来色彩剌激产生呼应时，就会在心理上引出某种情绪。

　　红色：是强有力的色彩，是热烈、冲动的色彩，高度的庄严肃穆。在深红的底子上，红色平静下来，热度在熄灭着；

　　在蓝色的底上，红色就像炽烈燃烧的火焰；

　　在黄绿色的底上，红色变成一促冒失的、鲁莽的闯入者，激烈而又寻常；

　　在橙色的底上，红色似乎被郁积着，暗淡而无生命，好象焦干了似的。

　　橙色：是十分欢快活泼的光辉色彩，是暖色系中最温暖的色。

　　橙色稍稍混入黑或白色，会成为一种稳重、含蓄又明快的暖色，但混入较多黑色，就会成为一种烧焦的色；

　　橙色中加入较多的白色会带有一种甜腻的味道。

　　橙色与蓝色搭配，构成了最响亮、最欢快的色彩。

　　**：是亮度最高的色，在高明度下能保持很强的纯度。

　　**的灿烂、辉煌有着太阳般的光辉，因此象征着照亮黑暗的智慧之光；

　　**有金色的光芒，因此又象征财富和权力，是骄傲的色彩。黑或紫色的衬托可以使**达到力量无限扩大的强度。

　　白色是吞没**的色彩，淡淡的粉红色也可以像美丽的少女一样将**这骄傲的王子征服。

　　**最不能承受黑色或白色的侵蚀，稍微渗入，**即刻会失去光辉。

　　绿色：鲜艳的绿色非常美丽，优雅，很宽容、大度，无论蓝色或**渗入，仍旧十分美丽。

　　黄绿色单纯，年青；

　　蓝绿色青秀、豁达。

　　含灰的绿色也仍是一种宁静、平和的色彩。

　　蓝色：是博大的色彩，是永恒的象征。

　　蓝色是最冷的色，在纯净的情况下并不代表感情上的冷漠，只不过表现出一种平静、理智与纯净而已。

　　真正令人情感冷酷悲哀的色，是被弄混浊的蓝色。

　　紫色：是非知觉的色，神秘，给人印象深刻，有时给人以压迫感，并且因对比不同，时而富有威胁性，时而又富有鼓舞性。

　　当紫色以色域出现时便可能明显产生恐怖感，在倾向于紫红色时更是如此。

　　紫色是象征虔诚的色相，当紫色深化暗化时又是蒙昧迷信的象征。一旦紫色被淡化，当光明与理解照亮蒙昧的虔诚之色时，优美可爱的晕色就会使我们心醉。

　　用紫色表现混乱、死亡和兴奋，用蓝紫色表现孤独与献身，用红紫色表现神圣和爱和精神的统辖领域——简而言之，这就是紫色色带的一些表现价值。

　　黑、白、灰色：无彩色在心理上与有彩色具有同样价值。

　　黑和白是对色彩的最后抽象，代表色彩的阴极和阳极。

　　黑白所具有的抽象表现力以及神秘感，似乎能超越任何色彩的深度。

　　康丁斯基认为，黑色意味空无，像太阳的毁灭，像永恒的沉默，没有未来，失去希望。

　　而白色的沉默不是死亡，而是有无尽的可能性。

　　黑白两色是极端对立的色，然而有时又令人感到它们之间有难以言状的共性。

　　白色和黑色都可以表达对死亡的恐惧和悲哀，都具有不可超越的虚幻。

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问题描述:

在什么中经常出现

解析:

一件作品通过点、线、面、色彩、肌理等基本构成元素组合而成的某种形式及形式关系,激起人们的审美情感

肌理指形象表面的纹理。

肌理又称质感，由于物体的材料不同，表面的组织、排列、构造各不相同，因而产生粗糙感、光滑感、软硬感。肌理是理想的表面特征。人们对肌理的感受一般是以触觉为基础的，但由于人们触觉物体的长期体验，以至不必触摸，便会在视觉上感到质地的不同。我们称它为视觉质感。

肌理有视觉肌理和触觉肌理之分。肌理给人以各种感觉，并能加强形象的作用与感染力。

视觉肌理是一种用眼睛感觉的肌理,如屏幕显示出的条纹、花纹凹凸等,但都是二维平面的肌理。触觉肌理一般通过拼压、模切、雕刻等加工方式而得到,是三维立体的肌理,用手能触摸感觉到。

你要问在什么中经常出现,范围很广，一般在美术里我们以肌理的效果完成一项视觉传达，也就是平面设计用得比较多～

你是要做构成的肌理么

如果是要做肌理,可以选择用小珠子,或棉花等

其实肌理就像黏贴画,很有意思的

如果是要做色彩肌理的画,建议你用油画颜料,或丙烯颜料纸张的话可以用画布,或者一般的纸我自己是用水粉的,画在一般的纸上颜料要干,很厚,堆出来的色彩很有肌理感重点就是颜料要厚要干

画好后用定画液喷一下,可以保存很久的

肌理是造型艺术特有的美感特征，因所有工具或材料的不同而表现出不同的感觉。是物体表面的组织纹理结构，即各种纵横交错、高低不平、粗糙平滑的纹理变化。例如油画和中国画的肌理就因为使用了不同的工具和材料而不同。另外在学多当代艺术作品中已有对显示中的各种材料的大量使用,就形成了各种肌理效果。它之成为美术的语言之一，就在于不同工具和材料所表现出来的美感特征已成为艺术家进行各种情感和观念表达的重要组成部分之一。

在绘画中，肌理是物质材料与表现手法相结合的产物，是作者依据自己的审美取向和对物象特质的感受，利用不同的物质材料，使用不同的工具和表现技巧创造出的一种画面的组织结构与纹理。任何物体表面都有其特定的纹理变化，这种特定的纹理变化所呈现出的神奇的视觉感受，正是绘画艺术所探求的肌理效果。肌理在绘画艺术中的审美价值不可低估，它有着其它表现手法难以实现的美学特质。

水彩画不仅有绚丽的色彩、高雅清新的格调、丰富的表现形式，而且还有最使画者心醉神迷的那种难以名状、自然天成、亦真亦幻、神奇美妙的艺术效果。这种水与彩的交融所产生的效果是自然物象借助作者主观与客观、有意与无意的创作活动而呈现出来的，这种物体表象特征所呈现出的特殊视觉语言，就是水彩画有别于其它画种而特有的语言魅力，即水彩画的肌理美。

水彩画的肌理之美：

一、自然肌理与艺术肌理之美

大自然千姿百态，世间有万物之貌，这是构成视觉形象最基本的要素。生活是艺术表现、艺术创作的源泉，就水彩风景而言，同样如此。天空的绚丽多彩、大海的浩瀚波澜、山寨的老墙木屋、晨烟的依稀梦幻、古道的曲折逶迤、山岩的鬼斧神工、阳光的妩媚灿烂、雨雾的朦朦胧胧、枯树的斑驳沧桑、幼苗的生机盎然，无不呈现出奇妙无限、变幻无穷的自然肌理之美。

艺术肌理在艺术实践中的运用，不但能丰富艺术的表现力，而且还能增加画面的生动性、趣味性。当面对雄浑磅礴的太行山，那层层的山岩、斧劈状的石痕，使我们感受到大自然内在的感人力量。当身处烟花三月的江南水乡古镇，在淡淡的晨雾里，那水淋淋、意切切，那空濛秀美、细雨无声，给人以轻灵隽永、意犹未尽的朦胧美。这不仅仅是大自然与物象的外表之美，在这些外表与可视的肌理背后还蕴藏着更为深层的意境之美。种种自然肌理无不关联着人们的心理想象，将各种自然肌理纹样作为视觉信息转化成绘画语言便产生出艺术肌理，使之传情达意，这无疑将会丰富和拓展水彩艺术的表现力度，使水彩画的表现与心理效应之间达到高度的吻合。

二、具象写实的肌理美

肌理作为视觉艺术的一种基本语言形式，同色彩、线条一样具有造型和表达情感的功能。在具象写实的水彩画表现中，肌理可以再现物体表面丰富多变的特征，具有意想不到的造型效果。肌理在传统写实风格的水彩画中运用非常广泛。像威廉、透纳、萨金特这样的写实主义水彩画大师，不但能娴熟地驾御水彩画的工具性能，还能在水彩画的创作中突破古典程式的束缚，大胆探索与拓展特殊技法与肌理效果在水彩绘制中的运用。

肌理不仅可以表现物体的不同质感，同时，也使画面呈现多样的视觉效果，不同的肌理对比，可以使人感受到不同的审美意蕴。如水彩特技中的洒盐法，它利用盐粒遇水溶化的特性，在画面湿时撒上盐粒，盐粒渗化将颜色挤开，形成了一颗颗类似雪花状的小白点，恰似百花竞放又似雪花飞舞。又如在花卉静物的写生中，随意在背景上滴下几颗水滴，画面立刻就会打破远景上的平板状态，生动起来，与前景上的花朵相映成趣。同样，颜料渗溢出的肌理与树枝的生长形态具有某种同构关系，运用自然渗化的方法表现密密麻麻的树枝，更增添了画面的自然天趣。

三、抽象写意的肌理美

水彩画中的所谓“抽象写意”与“具象写实”是一种相对的概念，相互独立又相互依存，在特定条件下也可以在同一画面上达到互补与和谐。具象是情系自然的脉络，抽象是通往理性思维的枢纽。抽象与写意的肌理在水彩画的表现中有着其它画种无法比拟的得天独厚的优势。水的品格是清澈、明净、流动，色彩的特性是变幻、神妙、诡奇。水与彩的交融，构成了一个晶莹亮丽的世界、一个水色淋漓的世界、一个瞬息万变的世界。水色在流动、撞击、融合、分解的过程中产生了种种神奇美妙的肌理效果。

总之，水彩画在肌理表现的手法上是非常宽泛的，它既可“意在笔先”，又可“意在笔后”，从而形成水彩画表现的“千言万语”。从自然肌理之美中寻找艺术肌理之美，这是水彩画真正的特点和优势。它既能借助肌理把物象表现到惟妙惟肖的程度，也可以利用肌理把画面表现得朦胧飘渺；它既能在具象中包含抽象的意味，又可以在抽象中产生真实与灵动。从艺术语言审美的探求中挖掘水彩画肌理表现的内在潜力，将会不断赋予水彩艺术新的内涵，开拓新的语境，形成新的风格。

　　这幅画的材料明显不是油画，而是丙烯，充满了水性颜料所独具的流动性、透明、偶然性特征。这种泼彩的技法和肌理效果出现于20世纪，主要代表人物有美国画家波洛克，波洛克的泼彩作品中大部分也是水性颜料纸面绘画，少数的油画泼彩作品肌理效果也与这幅差别很大，油画颜料就算再怎么稀释也只能出现泼溅效果，而不是这幅画中这种泼洒效果，善于泼洒的是中国画家张大千等人。而且油画颜料并不适合稀释使用，不论加什么调和剂，都不宜稀到这种程度，那只能毁了这幅画。现在国内很多“当代”画家很喜欢尝试新奇的技法和材料效果，尤其是喜欢把丙烯等化工合成材料用于绘画，严格意义上来说，已经不再是油画的范畴了，至于水性的丙烯，要做到这种效果非常容易，你可以自己尝试，方法如下：

裱一张尺幅较大的纸或一块画布，水平放置，准备一些盆子，在不同的盆子中加入不同颜色的丙烯颜料，然后加水稀释，稀释到可以流淌并形成透明色层的程度后，加入少量松节油（不能加亚麻油或树脂），之后用力搅拌盆里的混合物，会看到液体中出现很多小油滴，再油滴凝聚之前将这种颜料泼到画布（纸面）上，就可以看到如图效果的一种泼彩，等这种颜料干燥后或干燥前再泼第二种颜色，就这样接二连三地泼，就可以得到如图的效果了。在泼彩的过程中也可以适当调整画布的方向，也可以帮助调整颜料流淌的方向。

如果你希望色层有可触摸肌理，可以用乳胶调和一些细沙，事先泼洒或涂刷在画布上，形成肌理层，再做泼彩。