摄影师可以捕捉到一个人不一样的一面，甚至一些微小的表情都可以被镜头放大。在现实生活中，你就是你，但是在照片里，你可以是文艺的、复古的、帅气的……
而这一切，都是通过摄影师的 构思、拍摄 和 后期 制作去实现的。人像创作也因此有了各种可能性。 只要摄影师有足够的准备和技巧 ，任何时间、任何地点逗可以拍出美好的照片。
我从一个单纯的业余爱好者开始，略过了摄影理论和基础， 跟随着内心对摄影的热爱 和 对生活的感悟 ， 坚持用自己的视角去审美，用自己的方法去拍照 。
支撑我一路从业余爱好到现在拥有自己的独立工作室的， 不是强大的理论和技术，而是对爱、对美、对温暖而美好的事物的向往和坚持 。也许正因如此，我形成了自己的一套拍摄思路。
我会为了拍摄一张好看的照片不远千里来到一个地方，也会为了心目中的一个眼神反复设计和考量光影、服装、妆容。
有两种摄影作品最能吸引人，一种是至真，一种是至美。
好的人像摄影作品也应该是摄影师内心世界的外化表现。 任何一种表达，都是基于摄影师对生活的感受。不管表达的内容是什么，只要能让观众感受到摄影师的世界，用照片拉近双方的距离，作品就成功了。
而至于观众是否能产生共鸣、是否喜爱你的作品，我相信每种风格自然都会有喜爱它的人群。
摄影仅仅是一种表达方式，重要的是你所表达出的内容，你用怎样的视角去观察世界，用怎样的方式去理解和感受身边所发生的一切。 摄影改变了我的生活，改变了我看世界的方法，也让我渐渐找到自己的价值，让我朝着自己想要的生活目标不断努力。所以， 在你拿起相机之前，要先学会观察，学会感受，让自己的感情细腻丰富起来 。
同时，摄影也是一门精益求精的艺术，要想获得最理想的作品，就需要不断进步。
摄影水平提高的过程其实是 摄影师审美水平螺旋式上升 的一个过程。如果摄影遇到瓶颈，大部分时候并不是摄影技术妨碍了你的提高，而是你的审美水平所致。
所以这时候需要做的仅仅是放下相机，多看看其他摄影师的作品，看看世界名画，看看经典**，这对审美的提升都是有帮助的。
从商业角度来讲， 客户选择一位摄影师，其实选择的并不是摄影师的作品，而是选择摄影师的审美 。摄影师以往的每一幅作品，即使你再喜欢，也无法复制出一模一样的。所以，你应选择相信摄影师的审美，相信他或她会为你创造出更加美好的回忆。
真正学习摄影，在于通过拍摄的方式，表达摄影师的审美观，甚至是人生观和世界观 。这样一个过程，体会和理解要比学习和记忆更加重要。摄影的学习过程更多是从实践和感知中去体会理解，并长期积累的。
一张好的照片，是从一闪而现的灵感，到最终的成片，其中包括了 构思、服装道具准备、前期沟通、场地布置、化妆造型，然后到拍摄，拍摄之后还有后期修图、排版、发布、网络传播或营销等 。拍摄仅仅是其中的一步，真正决定作品质量的，是摄影师按下快门之前和之后所做的一切。
一张能吸引人的人像摄影作品，最重要的是要 有感情 ，有摄影师自己的 审美 和 想法 ，这也是决定你的照片是否拥有鲜明风格、区别于同类其他照片的决定性因素。
风格 是指一件艺术作品 通过外在表现出来的一些统一的特点 。我们可以通过一张照片的表面信息来把它归类于某种风格， 而真正决定风格的，其实是作品的内在 ，是摄影师对审美独特、鲜明的表现。
审美 ，简单来说就是你喜欢什么、讨厌什么。你是喜欢曝光精准、细节丰富、焦内锋利、焦外油润的人像作品，还是逆光朦胧柔美、若隐若现、光影交错的照片，这取决于你的内心而并不是他人。 寻找自我的风格，首先要摒弃从众心理。
拿起相机就拍的，是生活记录照。 唯美人像写真，需要摄影师在拍摄之前做大量的思考和自我批判。 你拍的是什么，想要通过照片表达什么，用怎样的手法去表达你的想法，每次拍摄之前大脑里应该有个清晰的定义。
即使成片和想象中的不同，也应该学会分析这一差距产生的原因。只有经过无数次的实践磨合，我们才能从中感受到自我。思考，实践，再思考，风格会在这样的循环往复的过程中渐渐清晰。
即使你无法用固定的词语去形容你的风格，至少也会在下一次拍摄之前知道自己要拍什么、为什么要这样拍。
关于摄影风格，我相信每个人都会经历很长一段定义模糊的时间才能确立。从拿起相机的那一天起，到现在经历了四年多的时间，我仍然觉得很难给自己下个定义。
但是我希望的是，我的这种风格足够鲜明，让人一眼看到就能知道这是我拍的。
有人说“相由心生”。这个世界，从客观上讲是一成不变的，但是每个人都会有自己的世界观，而我作为一位摄影师，以我的主观视角去感受这个客观的世界，我所体会到的东西，以摄影作品的形式表现出来，这个时候，照片即为我内心感受的反映。
① 温暖而美好
温暖而美好，这是我希望整个照片的呈现的第一感受。很容易理解。 画面风格 和 色彩基调 是 温暖细腻 的，照片主题是表达具体形象的美好的事物。
② 安静而有力
这里的 安静 ，是指画面没有很强的视觉冲击效果，简单低调。而 有力 ，是指一种能引发或者让观众思考照片表面以外的东西的能力，也可以理解为吸引力，简单却不平凡，简单的背后有更深一层的含义。
我所期望的，是我的照片不仅仅停留于表面的温暖而美好，不仅仅是模特的颜值，不仅仅是精致好看的造型，我追求的是观众在观赏这张照片的时候，能感受到摄影师的情感、摄影师的想法，看到照片就知道这不是一张随意按下快门的照片，而是经过精巧构思的作品。
③ 自然不做作
自然不做作主要指的是画面主体人物的状态。人物在画面中占有怎样的比例，和画面中其他的构成部分是一种什么样的关系，以及画面中人物的造型、妆容、动作、神情和他或她所做的事情，这些元素都能够达到自然不做作的效果。
想要感动他人，首先要感动自己。
截止到我落笔写下这段文字，我的摄影工作室已经成立有两年多的时间了。在这两年里，我也拍过很多很多的客片。 而我拍过的每一个客片，从咨询报价，到沟通支付定金，前期试衣、面谈、鲜花道具的准备，再到拍摄、后期修图、相册的排版和制作等，每一个过程都是我亲自完成的。
我一直认为这些过程，是让我对每一次拍摄保持激情的秘诀。不为其他，只因为 我享受这样一个完整的过程，享受这种亲历亲为的感动。 我用自己的努力让自己感动的同时，我也相信，我的一切辛劳，观众可以通过照片感受得到，也会被我的用心而感动。
人物是人像摄影的灵魂，而摄影师就是灵魂的塑造者。 你要记得，拍摄人像，你所拍的，并不仅仅是你面前的这个人当时的一种状态，也包括了他或她的过去，他或她读过的每一本书，走过的每个地方，爱过的每一个人，这些过往看似无关，却或深或浅地在他或她的身上留下了某种印迹，某个细小的表情，某个习惯性的动作，某一首只需要前奏就可以让他或她眼神里露出温柔的歌。
很多新人会非常认真的整理资料发给我，看过他们的小故事，经常能得到一些不错的拍摄灵感。
但是我们说要了解拍摄对象，并且根据对象的特点来拍摄，这并不意味着我们要一味遵循模特或者客户的喜好，摄影师在整个拍摄过程中依然应该处于主导地位，对模特或者客户的情绪动作有明确的引导。
比如开始拍摄前告诉你的拍摄对象，我们这一组照片想要拍出的感觉，服装和造型大概会做怎样的配合，动作是夸张一些，还是优雅的收敛一点，等等。拍摄过程中的动作调整也需要使用明确且简单易懂的语言。
我相信每个找我拍婚纱或者写真的女孩，都应该是很爱自己并且对美有着很高要求的。所以我尝试抛开摄影师的身份和思维模式，单纯从一个女生爱自己的角度，去发掘一些女性温柔美好的一面，比如一些微小的动作，一些转瞬即逝的眼神，一些惹人怜爱的小细节。
照片中的情感，一方面体现在模特的神情、动作，另一方面也体现在摄影师和模特之间的情感。这种情感是在互相欣赏和信任的基础上产生的。
刚刚开始拍人像的时候，如果时间允许，我通常会 在拍摄前写一个拍摄脚本，包括具体的场景、需要的服装和配饰、拍摄的思路和手法，并会为模特设计动作和情绪，找大量的样片，甚至画一些拍摄草图。 这项工作只是为了帮助你理清思路，确保拍摄前的准备工作能够有序地进行，但在真正开拍后，我就会把脚本丢到一边，任凭自己发挥。真正的艺术创作，总是主观而感性的，这也正是它迷人的地方。
细节决定成败，这句话在摄影当中也适用。 摄影师需要学会从宏观着眼，从微观着手去构思和准备拍摄，比如小头饰、小道具、服饰是否合身，妆面是否干净，不要假睫毛或浓妆、艳丽的指甲颜色等。即使决定使用鲜花做道具，也要注意花的品种与拍摄主题是否相符。
每一位找我拍婚纱照片的客户应该都非常清楚，拍摄之前，我们会花上半天的时间去选择服装造型，商定拍摄的细节。 婚纱的领型、腰线、版型是否合适，我都会为新娘做一一考量，找到最合适的服装。这些细节，会让照片有一种精心设计而又恰到好处的视觉效果。
你可以从 光影构图 的角度尝试增加艺术感，也可以在构思准备一组照片的时候，从 服装、发型搭配，场景选择 和 道具 选择上着手。
真实自然的艺术效果往往并不那么容易达到，稍微不慎，就可能变成用力过猛的做作。
所以为照片增加艺术感的话题，还要谈回到我们之前所说的 培养和提高审美 的问题。摄影师这时可以尝试反向思维，着重考虑你要将哪些元素排除在外，而不是考虑你要将哪些元素包含在照片之内。
在条件允许的情况下，我会优先使用 定焦镜头 。使用定焦拍摄时，摄影师不得不根据需要的构图前后移动，有时候也需要和模特一起移动。
不停地移动、变换位置、思考构图 ，虽然拍摄速度相对慢了很多，却也让我有更多时间， 有更多机会发现不同的光线和角度 ，移动机位也时常会让我的拍摄对象感受到我的参与感，并且更加积极地配合我的拍摄想法。
一张精美的照片，远远比十张普通的照片更加能吸引人。有时候我们需要很长的一段时间去进入拍摄状态，去寻找最适合的光线和最完美的角度。然而有时候，拍下一张好照片也只是一瞬间的灵感和发现。
面对美好，我不会吝惜快门去捕捉心目中最想要的那个瞬间，但我也希望可以放慢速度去思考，让每一次按下快门都得到比前一次更加理想的光线和构图。
学习和模仿，是摄影师在提升水平过程当中非常重要的一个阶段。
这里作者列出了她在看作品的时候观察思考的步骤。
① 观察 色彩搭配 和 构图 。
② 观察模特的 服装造型 或者 妆容 ，还有 人物的姿态 和 情绪 ，这些都是照片表面的信息，可以直接获取直接参考。
③ 分析 焦段 和 视角 。
比如长焦，85mm或者135mm，或者70-200mm。常用方法是观察照片四周的变形程度，背景压缩程度和虚化，这样基本可以确认焦段和机位。这一步可以帮助你在以后的拍摄当中有参考地选择使用的焦段。
④ 分析 光线来源、补光手段 等。
当然，很多补光补的好的作品，就是让人不易察觉补光的痕迹，但是仍然有一些细节，可以看到摄影师用光的想法。通过地面上影子的角度和位置，可以观察到光线来源的方向，从而了解到摄影师在这张照片中使用的光位。
当你第一次拿起相机的时候，你就已经开始 用摄影师的角度去观察、理解这个世界 。你拍下的每一张照片，都是你在摄影之路上前进一步的脚印。
摄影是一个综合科目，景、人、器材、后期等综合作用力共同的结果，单纯提高其中某一项，并不能提高整体水平 ，因此摄影师需要平和的心态，需要学会 长期积累和沉淀 。
摄影是一门创造和记录的艺术，但是如果你想要成为职业摄影师，摄影也将会成为一种商业行为，仅仅能够拍好照片还不够，你还需要每天处理大量的信息、电话、咨询。
① 你需要学会与不同的客户和商家 沟通 。
② 需要懂得如何在市场上找到自己的 位置 。
③ 需要在有限的 时间 内尽量出色地完成任务。
④ 需要保持对摄影的 激情和热爱 。
⑤ 保持最好的状态和源源不断的 创造力 。
摄影和很多职业一样，想要成功，最重要的一点仍然是坚持和执着。也许你的努力不会马上得到成果，但是你要时刻记得，现在你所有沉默的付出，终将会在未来的某一天蜕变成最强烈的呐喊声。
我经常会把自己近期要拍的主题一一列在本子上，然后按顺序去筹划、准备、拍摄。
我也会给自己设定一些长期的目标，比如两年前我给自己设定了出一本摄影书籍的目标。
把这些目标写下来，放在电脑前或者办公桌上，这样可以有效提高执行力。良好的执行力，推动着我在这条路上前行，渐渐地接近目标。
很多摄影师应该都有体会，如果你拍摄的是专业模特，你为他或她拍下的照片，仅仅是他或她的千百张照片之一。但是如果你拍的是普通人，那么这些照片，很可能是他们一生中最美的时刻之一了。这一点对于我，对于我的客户来说都非常重要。我一直铭记这点，也深深知道自己接客片拍照的意义。
我喜欢在客人化好妆、穿好婚纱之后花几分钟仔细观察他们，经常会发现，原来这个女孩子的眼睛或者某个五官这么好看，如果不是我要为她拍照，可能永远都不会发现她的美好，那该是多么可惜的一件事。
摄影是我谋生的手段，但我也希望自己用这种喜欢的方式生活，保持拍摄节奏和激情。我想只要我还有体力，会一直拍下去，为普通人拍照，是作为摄影师最大的乐趣之一了。
性能强大的器材通常可以让照片增色不少，但这并不是决定性的因素。寻找一台顺手的相机和一支合适的镜头。 真正决定照片质量的，永远不是器材，而是头脑 。
摄影师需要做的是驾驭器材，而不是让器材的特性限制自己的拍摄想法和水平。
小广角，f/14大光圈， 清新人像利器 ；尤其是在空间不够大的情况下，35mm可以兼顾环境。
相对于50mm和85mm来说，35mm的对焦会相对快速， 适合抓拍动态 。儿童摄影和户外拍摄时使用35mm焦段都是不错的选择。
旅拍的时候，35mm适合拍人，也适合拍景，可以减轻负担。由于带有 小广角 ，所选用35mm拍摄特写或把人物放在构图的边缘时容易变形，应尽量避免。
50mm镜头 接近人眼的视角 ，没有广角或长焦带来的视觉冲击力，是最容易驾驭和控制的焦段，容易通过照片传达温暖而美好的感受。
中长焦的佳能85mm镜头被称为 大眼睛/人像镜皇 ，f/12的大光圈实现了油润的焦外质感。
85mm适合拍摄 小景别的特写 ，可以聚焦到人眼，其他五官则被虚化，由此放大了人物眼神的传达的情绪。
中长焦拍摄也可以避免逆光或侧逆光时人脸曝光不足的情况， 通透感会比广角更强 一些。
85mm焦段的缺点是视角单一，构图变化少，更加考验摄影师前期的策划、后期的调色和对模特情绪的引导能力等画外功夫。
85mm容易把人拍得 比实际微胖 ，可以在后期制作的时候适当使用液化功能瘦身。
24-70mm是一种非常 实用的镜头 ，24mm端的广角和70mm端的中长焦，加上f/28的光圈，可以满足很多条件下的拍摄需求。时间紧张的情况下选用24-70mm，会比定焦更节省时间。
在摄影中，构图也是这个意思。学会构图，仿佛是学会了一门语言，你不必讲语法熟记于心，但是一旦掌握，它可以让你清晰地表达自己想说的内容。
和谐精致的构图，是决定整幅绘画的基础。
构图对于一张照片可以说相当于一副骨架。唯美人像的构图可以不用过于精准，但是一定要让人看了感觉均衡而舒适，这里说的均衡是视觉上的一种平衡。
九宫格构图 ，是指把人、物放在竖或竖的三分线上，或者交汇点上。
这样的构图带来均衡舒适的视觉效果，也可以避免对称构图造成的单一感。
在 人物特写 中，可以选择人眼作为主体，构图时将距离镜头比较近的人眼放在交叉点上，将手部或其他道具放在另一个交叉点上，让构图平衡舒适而不单调。
对角线构图 是指在画面中画出两条对角线，画面的主体大致沿着其中一条线伸展。
这个方法也适用于 指导模特的动作，比如手或脚的伸展 。
尤其在拍摄 躺姿 或 俯拍 的时候，可以使用这种构图方法。
沿着对角线 延伸的主体不仅仅是人 ，拍摄时也可以借助 衣服 或者 其他道具的线条 来构成对角线构图的视觉效果。
三角形是最稳定的形状，三角形构图在风光拍摄中是经常用到的。
在 人像摄影 的构图中使用三角形构图，也会来带画面的 稳定 、和 谐感 。
三角形构图在 拍摄人物坐姿 的时候运用较多，头、手、脚（或膝、臀）成三角形分布，可以让姿态更自然。
将画面主题集中在一个三角形的区域内，也是三角形构图的一种运用方法。
单眼中心法 ，就是在构图的时候，把主体人物的一只眼睛作为画面的重点，让观众的视线被照片中的眼睛所吸引，其他部分轻描淡写地略过即可。
这种方法在 拍摄 特写的时候尤其适用。在照片中，眼睛会产生引导作用，会引导观众的视线，所以当照片中的人物望向远方的时候，会给整个画面带来一种 延伸感 。
单眼中心法可以和前面讲到的九宫格构图法相结合，将 人眼放到九宫格的交叉点 。
拍摄时主体被裁切，主体的一部分延伸到画面之外，这种构图通常被称为 出血构图 。
这样的构图有助于 引导观众视线 ，突出人物的眉目、睫毛、眼神光、细微表情和一些小动作、小细节。
近距离的特写拍摄，皮肤和妆容的细小瑕疵都被拉入镜头，这对模特的状态、表现力，摄影师的构图能力和后期水平都是一种考验。
我们拍人像，人是重点。但是如果你的作品是以组图出现，这就给了我们景别上有更多发挥的空间，除了 以人物为中心的特写、近景、中景、全景、远景 之外，还可以有 局部 ，和 对环境的交代 。
组图中 各种景别的搭配使用 ，可以让照片更有 节奏感 和 故事性 。
在**中，导演利用复杂多变的场面调度和镜头调度，交替使用各种不同的景别，可以使影片剧情的叙述、人物思想感情的表达、人物关系的处理更具有表现力，从而增强影片的艺术感染力。
我国古代绘画有这么一句话“近取其神，远取其势”。所以越是特写，人物的表情神态也就越突出，照片受到周围环境因素的影响就越小，光影色彩和构图也越简单，特写聚焦人脸，甚至是局部。
在拍摄环境开阔，景色很美的时候，可以尝试缩小人物在画面中所占的比例，大篇幅强调人所在的环境氛围。
一组 各种景别交替使用 的人像作品，我把它称为「 环境人像组图 」。 人物与环境的关系 ，人物在画面中 所占的比例 ，也直接影响到照片所传达的感受。
有一个很有趣的现象，人眼无法识别倒像的人物的五官是否符合美的比例。
当我们看到一张倒像的人物照片的时候，五官和表情会被我们忽略，即使照片中的人五官不精致、表情不自然，也会被忽略掉。
俯视构图拍摄特写，借助 大光圈的虚化 ，可以让观众视线聚焦在人眼，虚化面部之外的部分，适合拍摄模特直视镜头的瞬间，眼神和表情被突出放大，红唇也是画面中的一个亮点。
仰视构图就是机位低于模特视平线，可以让模特站到高一点的位置，或者摄影师蹲下。
拍摄仰视构图的时候，模特 最好不要直视镜头 ，可能会产生脸型不够好看或者脖子不够舒展的感觉。这时让模特给镜头一个 侧脸 ，或者 望向远方 ，给构图带来一种延伸或者视觉引导，同时也可以让模特的肢体看起来更修长、伸展。
局部特写在人像摄影中可以很好 传达情绪、渲染氛围 ，也可以称它为「不露眼特写构图」。
除了女孩美好的眼神和面庞，还可以拍指尖、锁骨、发丝、嘴唇、背部等。没有眼睛来传达情绪，局部特写的情绪传达更多是靠 肢体语言 。
捕捉柔美的光线和女孩的一些小动作，或者是借助小道具、小饰品，都可以拍出很美好的局部特写。这些局部细节往往更容易把观众带入到照片的意境中。
即使只拍局部，这个局部仍然属于人物整体，不要把它分割开来看待。比如，要把手拍的好看，整个身体都应该是舒适放松的，表情应该是柔和的。
在 大光圈浅景深 的镜头虚化效果下，很多想不到的东西都会产生很漂亮的前景。
按照大小可以将前景分为 大前景 和 小前景 。大前景，例如地面、平台、大面积的玻璃等。小前景，例如小道具、花草、衣服等。
按照来源也可以将前景分为 环境前景 和 人工前景 。场景当中没有适合作为前景的物体时，可以人为加入前景，例如白纱、透明塑料纸、羽毛、LED灯等。
构图是摄影师在 按下快门的瞬间 完成的一个短暂的动作。在按下快门的瞬间，也许并没有足够的时间去思考构图的方式，但是长期的积累和拍摄经验，会让构图方法沉淀在心，变成潜意识的动作。
我有个收藏 古董衣帽 的爱好。每件古董孤品都曾经在很多年之前，在某个女孩身上绽放过它的光彩。那些精致的刺绣和串珠，微微泛黄的岁月痕迹，有时候不用任何解说，一眼就仿佛能看到它的魅力，每一个细节都仿佛沉默地诉说着一个动人的故事。
我钟爱这种 神秘故事感 ，这些收藏品，也经常成为我创作灵感的来源。思维和灵感从一件维多利亚式的精致衬衫发散开来，就可以带来一组唯美人像。
与摄影的这场恋爱，从我四年多之前拿起相机拍照的那一瞬间开始，也许它会就这样贯穿我的一生。
这本关于摄影的书，更多的是 分享我的心得和感受 ，它也许可以让你坚定的爱上摄影，却也可以让你感受到摄影之路的漫长与沉重。与我而言，它仿佛是一份郑重的作业，交给一直在关注支持我的朋友们，也交给这四年多时间里在这条路上笃定前行的自己。
我坚信每一张照片背后都有着说不完的故事，那是我看过的书，走过的路，爱过的人，它们或深或浅地在我的记忆里留下痕迹，组成了现在这个平凡却也独特的我。 希望这本书，也会在你记忆里的留下痕迹，成为你的过往，变成你照片背后的故事。
这个很简单的，用adobe premiere pro制作就可以用。
玩好快手的几大技巧：
第一点：坚持不懈。
方向有很多，找准方向，勇往直前，坚持不懈，这就是成功的秘籍。
1千以下的快手玩家，他们都有一个共同的特点，发视频就是今天发明天不发，三天打鱼两天晒网。
坚持也要找到坚持的方向，不是今天发搞笑视频，明天发感情类的，不能随时改变，要坚持一个方向。
好多玩家发现的共同一个问题，就是只要坚持发一个类型的视频，过一段时间你的视频的播放量就会变高。
第二点：不模仿别人。
模仿只能学到皮毛，模仿不到精髓。
我曾经也想过，我不会我可以模仿别人的风格，并进那是别人摸索了很长时间才摸索出来的，你的一个简单的模仿，最多也模仿个几万粉丝。
要有自己的独特风格，那怕刚开始的时候，拍摄技术，动作不如别人，但是你会发现你一次比一次拍得好。
创造只是模仿到十足时的一点点新花样。任何别人的经验和自己的以往的经验，都不过是一种参考，不可能重复。
第三点：情感拍摄。
拍摄技术才是把演技推荐出去的重要环节，没有好的拍摄技术，你的作品永远都在“大山里”。
拍摄也要带着情感去拍摄。
演技再高的人，没有好的摄影师把自己打造出来，那视频质量得不到提升，一直原地踏步。
好的作品是包装出来的，更是拍出来的，拍摄技术就是其中的包装过程，好的产品，不仅要质量好，还要有精致的包装才能卖出好的价格，短视频也是如此。
什么事情带着感情去做，而不要刻意追求与你无关的摄影，即使你摄影得很完美也是空洞的快手视频千千万，你没有独特之处，为什么人家要看你的，视频要有质量。
一、远景拍摄
远景在摄影中指的是远距离拍摄景物和人物，拍出来的照片具有比较深的视野，俗称“人小景大”。在人物拍摄中用远景可以交代故事背景，适合大海、草坪、田野等比较宽广的地方，比如在春天这个百花盛开的季节，我们出去花田拍摄时用远景拍摄，拍出来的照片会比较有层次感。
二、全景拍摄
全景与远景在拍摄上看起来很类似，但是在表现形式还是有很大差别，远景主要展示开放场景，全景一般显示人物的全身图像或者特定场景的全貌，在全景拍摄时要以人物为主题，将人物全身放在画面中，但是切记头顶和脚下都要留出空白的地方。
三、中景拍摄
中景指的是距离拍摄对象中等距离的镜头，在人像摄影中最常用，中景的构图一般是膝盖以上，用来塑造人物，适用于表现人的动作和情感，这种拍摄手法可以兼顾人和环境，能够起到过渡的作用，所以很多宣传片的拍摄中会大量使用到中景镜头。
四、近景拍摄
近景在人像拍摄中常被用来表现人物的神态和情绪，拍摄时一般在人物胸部以上，也被亲切的称作大头贴。近景能够让观看者得到视觉满足，比如人物拍摄时的牵手动作，我们不由自主地会把注意力集中在手上能够，但是我们在拍摄时应该注意人物的动作，周围环境和人物之间的距离以及现场氛围。
五、特景拍摄
特景主要是指拍摄人像的面部或者其他地方的一个局部镜头，比如手、脚、嘴巴、锁骨等等，我们在拍摄时结合不同的拍摄距离，就可以拍出不同画面观感的人物。
涪陵艺术照影楼简介
涪陵艺术照影楼是一家专业从事影楼摄影的公司，成立于2010年，服务于涪陵及周边地区。该影楼团队由一批年轻的专业摄影师组成，他们有着丰富的摄影经验和独到的艺术视角。
涪陵艺术照影楼的优势
考虑到每一位顾客的需求都是不同的，涪陵艺术照影楼提供了多样化的影楼套餐，以满足不同顾客的需求。他们可以根据顾客的要求，提供个性化的拍摄方案，逐一推荐各项服务项目，确保每位顾客都可满意的完成拍摄。
此外，该影楼拥有一整套现代化的设备和最新的科技，可以使用多种拍摄技法，如定格动画、360度全景照片等，使照片更具灵性和艺术感。同时，涪陵艺术照影楼坚持用最好的设备和最优质的服务为客户提供完美的拍摄体验。
涪陵艺术照影楼的服务
该影楼提供多种服务，包括婚礼摄影、亲子摄影、个人写真等。涪陵艺术照影楼的婚礼摄影以记录最真实的场景为目标，拍摄出最具情感的瞬间，操守广阔的拍摄范围和多样化的风格，获得了众多客户的好评。亲子摄影则着眼于和家庭成员之间的互动和情感，打造记录家庭记忆的照片，为下一代留下美好的回忆。个人写真则是对客户的风格和个性的充分展示，让客户在忙碌的生活中找到属于自己的一个独特的演出舞台。
涪陵艺术照影楼的价格
涪陵艺术照影楼的价格相对公道，以荣誉客户的需求为出发点，提供多种套餐，并根据不同的客户需求量身定制。该影楼提供透明的定价策略并且用心为客户挑选了可定制的婚纱和衣服。
总的来说，涪陵艺术照影楼是一个具有独特艺术特色的摄影公司，以最优质的服务和最新的摄影技术，为每位顾客提供量身定制的个性拍摄方案。本次照片拍摄除了让客户在拍摄中感觉到快乐愉悦之外，更让客户得到了一份珍贵的回忆。
流派是由具有某种共同艺术观念、共同美学思想、共同审美趣味、共同创作倾向和共同艺术特色的艺术家形成或组成的具有一定社会影响的艺术团体或派别。因此，下面我从摄影的角度给大家介绍一下摄影的流派，希望对你有帮助!
1摄影的流派：绘画主义摄影
绘画主义摄影是流行于20世纪初摄影领域的一种艺术流派，它产生于十九世纪中叶的英国。
该派摄影家在创作上追求绘画的效果，或“诗情画意”的境界。它大致经历了这样三个阶段：仿画阶段;崇尚曲雅阶段;画意阶段。
绘画主义摄影家提出，“应该产生摄影的拉斐尔和摄影的提茨安。”
绘画主义摄影经历了较长的发展时期，第一个绘画主义摄影菜是英 国画 家希路(1802-1870)，他擅长人像摄影，作品结构严谨，造型优雅。1851年至 1853年，是绘画主义摄影的成长时期。1869年，英国摄影家HP罗宾森(1830-1901)发表了摄影的画意效果一书，他提出：“摄影家一定要有丰富的情感和深入的艺术认识，方足以成为优秀的摄影家。无疑的，摄影术的继续改良和不断发明启示出更高的目标，因为摄影本身无论如何精巧完备，还只是一种带引到更高的目标而已。”为该派奠定了理论基础。
1857年，OG雷兰德(1813-1875)创作了一幅由30余张底片拼放而成的、具有文艺复兴风格的作品：两种生活方式，标志着绘画主义摄影艺术上的成熟。
这一时期的作品，其题材大都富有宗教色彩，含有一定的规喻性。拍摄时，预告打好草图，然后利用模特儿、道具，组织和安排场面，并通过暗房加工而成。追求照片画面的绘画效果。
随后，绘画主义摄影的内容有所扩大，但风格仍崇尚古典主义，造型和构图仍具学院派的法则，因而显得含蓄、沉表、典雅。
当该流派发展到画意阶段时，追求作品的情感、意境和形式的美，依旧是它的特点。
由于绘画主义摄影家强调艺术修养：“如果想要使摄影在艺术上有地位，摄影家就必须首先培养起审美的能力和育实艺术的修养。”所以其历史功绩是把摄影从初期机械地摹写对象引导到造型艺术的领域中去，促使了摄影艺术的发展。
由于绘画主义的创作大都脱离现实生活，加上摄影器材的日益改善，人们审美趣味的不断发展，为“自然主义”所冲击。尽管这样，在今天的摄影艺术殿堂中，仍有它的席位。
这一流派的主要摄影家和作品有：普莱期(-1896)的男爵之宴、鲁宾逊漂流记、宝塔情景;罗宾林的当一天工作完了的时候、秋天、两个小姑娘、弥留、拿着毒药瓶的朱丽叶、黎明和落日;雷兰德洗礼者圣约朝霞之首、伊菲吉尼亚、优迪特与荷罗佛尼斯;金马伦夫人(1815-1897)的汤姆士卡莱尔和尼达(1820-1910)的弥留之际的嚣俄等等。
2摄影的流派：印象派摄影
1899年，英国举办了法国印象派绘画的首次展览。绘画主义派摄影家罗宾森在其影响下，提出“软调摄影比尖锐摄影更优美”的审美标准，提倡“软调”摄影。该流派是绘画印象派在摄影艺术领域中的反映。
开始，他们运用软焦点镜头进行拍摄，布纹纸洗印，追求一种模糊朦胧的艺术表现效果。随着“溴化银洗相法”和在颜料中混入重铬酸胶洗相纸法的出现，印象派作品从对镜头成象的控制发展到暗房加工。他们提出“要使作品看起来完全不象照片”，并且认为“假如没有绘画，也就没有真正的摄影。”
在这种理论指导下，印象派摄影家还用画笔、铅笔和橡皮在照片画面上加工，特意改变其原有的明暗变化，追求“绘画”的效果，如拉克罗亚在一九零零年创作的《扫公园的人》，就象是一幅画在画布上的炭笔画。印象派摄影家使自己的作品完全丧失了摄影艺术自身的特点，所以有人又把它称之为“仿画派”。可以说它是绘画主义摄影的一个分支。
这一流派的艺术特色是调子沉郁，影纹粗糙，富有装饰性，但缺乏空间感。其著名摄影家有杜马希(-1937)、普约(1857-1933)、邱恩(1866-1944)、瓦采克(1848-1903)、霍夫梅斯特兄弟(1868-1943;1871-1937)、杜尔柯夫(1848-1918)、埃夫尔特(1874-1948)、米尊内(1870-1943)、辛吞(1863-1908)、奇里(1861-1947)等。
3摄影的流派：写实摄影
写实摄影是一种源远流长的摄影流派，延绵至今，仍是摄影艺术中基本的、主要的流派。它是现实主义创作 方法 在摄影艺术领域中的反映。
该流派的摄影艺术家在创作中恪守摄影的纪实特性，在他们看来，摄影应该具有“与自然本身相等同”的忠实性，画面中的每一个细节，只有具有“数学般的准确性”，作品才能发挥他种艺术媒介所不具有的感染力和说服力。A·斯蒂格利茨曾说：“只有探讨忠实，才是我们的使命。”另一方面，他们又反对象镜子那样冷漠地、纯客观地反映对象，主张创作应该有所选择，对所反映的事物应该有艺术家自己的审美判断。著名写实摄影大师刘易斯·海因就说过这样的 名言 ：“我要揭露那些应加纠正的东西;同时，要反映那些应予表扬的东西。”可见他们崇尚艺术应该“反映人生”的观点。他们敢于正视现实，创作题材大都取于社会生活。艺术风格质朴无华，但具有强烈的见证性和提示力量。
最早的写实摄影 爱好 当推英国摄影家菲利普·德拉莫特于1853年拍摄的那些火棉胶纪录片。稍后，则是罗斯·芬顿的战地摄影和六十年代末的威廉·杰克逊的黄石奇观。1870年以后，写实摄影渐趋成熟，开始把镜头转向社会，转向生活。如当时的摄影家巴纳多博士就拍摄了流浪 儿童 的悲惨境遇，而震动了人们。
随后，写实摄影家人才辈出，作品都以其强烈的现实性和深刻性而著称于摄影史。例如英国勃兰德的《拾煤者》;美国R·卡帕的《通敌的法国女人被剃光头游街》;法国韦丝的《女孩》等等，不胜枚举。
4摄影的流派：自然主义摄影
1899年，摄影家彼得·亨利·爱默生鉴于绘画主义创作的弱点，发表了一篇题为《自然主义的摄影》的论文，抨击绘画主义摄影是支离破碎的摄影，提倡摄影家回到自然中去寻找创作灵感。他认为，自然是艺术的开始和终结，只有最接近自然、酷似自然的艺术，才是最高的艺术。他说，没有一种艺术比摄影更精确、细致、忠实地反映自然，“从感情上和心理上来说，摄影爱好的效果就在于感光材料所记录下来的，没有经过修饰的镜头景象。”该派另一位大师A·L·帕邱说得更明确：“美术应该交给美术家去做，就我们摄影来说，并没有什么可借重美术的，应该从事独立性的创作。”
由此可见，这种艺术主张，是对绘画主义的反动，它促使人们把摄影从学院派的桎梏中解脱出来，对充分发挥摄影自身特点有着促进作用。
这一流派的创作题材，大都是自然风光和社会生活。
由于自然主义摄影满足于描写现实的表面现实和细节的"绝对"真实，而忽视对现实本质的挖掘和对表面对象的提炼，一句话，不注意艺术创作的典型化和艺术形象的典型性，因而，它实质上是对现实主义的庸俗化。有时会导致对现实的歪曲。
这一派著名的摄影家有德威森(1856-1930)、威尔钦逊(1857-1921)、葛尔(-1906)、搔耶(1856-)、萨特克利夫(1859-1940)等。
5摄影的流派：纯粹派摄影
纯粹派摄影是成熟于二十世纪初的一种摄影艺术流派。其创导者为美国摄影家斯蒂格里兹(1864-1946)。他们主张摄影艺术应该发挥摄影自身的特质和性能，把它从绘画的影响中解脱出来，用纯净的摄影技术去追求摄影所特具的美感效果--高度的清晰、丰富的影调层次、微妙的光影变化、纯净的黑白影调、细致的纹理表现、精确的形象刻画。总之，该派摄影家刻意追求所谓的“摄影素质”：准确、直接、精微和自然地去表现被摄对象的光、色、线、形、纹、质诸方面，而不借助任何其他造型艺术的媒介。
科班1913年送展的俯瞰纽约，就是纯粹派中的佳作。摄影家从高处俯瞰纽约某个广场，虽没有任何加工、修饰，但新颖的构图，独特的造型，使人耳目一新，再如E斯坦诚的K桑德伯格，则是用多次曝光的手法，了独幅作品空间、时间的限制，在一个画面中细腻地刻画了诗人情绪的转换，影调的组合和构图的变化，极有韵律感。
从某个角度说，纯粹派的某些主张和创作是形式主义和自然主义的“混血儿”，后来则衍变成“新即物主义”。但该流派在一定程度上曾促进了人们对摄影特性和表现技巧的探索和研究。
这一流派的著名摄影家是斯特兰德(1890-)和F64小组摄影组织中的摄影家，如亚当斯、坎宁安等。
纯粹派后期的作品则向线条、图案和歪曲形象的抽象方面发展，其有影响的摄影家是亚博、史丁纳、史脱特文和伊凡思等。
6摄影的流派：新即物主义摄影
新即物主义摄影又称“支配摄影”、“新现实主义摄影”。为本世纪二十年代出现的一种摄影艺术流派。
该流派的艺术特点是在常见的事物中寻求“美”。用近摄、特写等手法，把被摄对象从整体中“分离”出来，突出地表现对象的某一细部，精确如实地刻画它的表面结构，从而达到眩人耳目的视觉效果。它不考虑艺术的本质在于提示对象的本质，因而其美学思想是属于自然主义范畴的。例如，摄影家帕邱在一九二三年拍摄的火车头的回转轴就是用近摄手法，表现了火车头回转轴运转时的状态，由于画面摒弃了其他细部因而给予观众的视觉印象是强烈的。
新即物主义的理论先驱是斯特兰德，他对即物主义艺术特征作了如下规定：“新即物主义乃是摄影的本质，并且也是摄影的产物和界限。”他认为，摄影“对生命的表现极强，而且需要观察正确事物的眼睛。为此，并非根据敷衍的过程和操作方法，而是必须运用纯净的摄影术才行。”新即物主义摄影的创作先驱则是阿杰和斯泰肯。而实际创始者为上面提到的帕邱。
新即物主义摄影家的功绩是促使人们对摄影自身特性的研究和探索，把摄影从审美性的虚幻世界中拉回到现实生活中来。但是，由于过分强调了细部物质表面结构的描写，为后来的抽象主义摄影提供了萌发的土壤。
一九二五年前后，由于出现了大口径的小型照相机，新即物主义的表现领域有了新的发展，产生了不少人像作品及反映社会生活和自然风光的作品。
新即物主义的著名摄影家有桑德(1876-1964)、勒斯基(1871-1956)、黑葛(1893-1955)、希尔夏(1881-1948)休利曼·霍培(1878-)、埃夫特(1874-1948)、威斯吞·亚当斯(-1902)等。
7摄影的流派：超现实主义摄影
超现实主义摄影为达达派没落时期出现于摄影艺术领域中的一种流派，兴起于上世纪三十年代。
这一流派有着较为严谨的艺术纲领和艺术理论。他们认为，用现实主义创作方法去表现现实世界是古典艺术家早已完成了的任务，而现代艺术家的使命是挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”。因而，人类的下意识活动，偶然的灵感、心理变态和梦幻便成了超现实主义摄影艺术家们刻意表现的对象。
摄影中的超现实主义者也象达达派摄影家一样，利用剪刀、浆糊、暗房技术作为自己主要的造型手段，创造一种现实和臆想、具体和抽象之间的超现实的“艺术境界”。所以其效果是奇特、荒诞而又神秘的。
该流派的创始人是英国摄影家丝顿和美国的布留奎尔(1880-1945)。真正完成者为英国舞台摄影家马可宾(1905-)，他在自己的创作中，把"超现实"的虚和现实中的实揉合在一起，创造了一种既虚幻又实在的境界。例如，他在一九四六年创作的《马可宾的自画像》就是一幅很典型的超现实作品，它是运用四次曝光的手法拍摄出来的--一次正面，两次侧面和一次一只眼睛。
这一流派的著名摄影家有从事超现实主义集锦照片的画家帕尔汗;变形人体摄影家布兰特;肖像兼宣传摄影家卡逊以及布鲁门塔尔、洛林、哈尔斯曼、赖依、等。
8摄影的流派：抽象摄影
抽象摄影为第一次世界大战后出现的一种摄影艺术流派。
该流派的摄影家否定造型艺术是以可审视的艺术形象来反映生活、表现艺术家审美感受的这一基本特性，宣称要把摄影"从摄影里解放出来"。
初期，用无底放大法省略去“被摄体”的细部纹理和丰富影调，制作成仅表现其形状的“光图画”。后来发展到或运用光线，或剪辑集锦，或中途曝光，或拍摄时震动照相机使被摄体形象在底片中的结象模糊，或多次曝光使之重影，直到改变画面的表面结构，改变被摄物体的原有形态和空间结构，力图使用所谓形式、影调(色彩)和素材的“绝对抽象的语言”，使被摄物体转变成某种不能辨认为何物的线条、斑点和形状的结合体。以表现该派艺术家奉为圭臬的所谓人类最真实、最有本质力量的潜意识世界。在作品中，被摄物体只不过是被艺术家借来随心所欲地产生表现自身想象和个性“旋律”的音符。
抽象摄影的发轫者为泰尔博(1800-1877)。开始时，作品画面仍保持一定程度的可辨认性。至一九一七年摄影家科班(1882-)用木片和透明玻璃碎片拍摄的《波尔多画报》就已完全不可辨认了。一九二二年，匈牙利抽象画家莫荷利纳基(1895-)在曼瑞(1890-)等人的基础上加以发展，并从理论上予以确立。随后，抽象画家康丁斯基、克勒等引进了显微摄影和X光摄影，从而大大扩大了抽象派摄影的表现范围，丰富了摄影艺术的语言，建立了自己的艺术体系，并风行于欧美等国。
该流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬宁格、安真兰特、佛莱泰、温隙斯特、格连巴晤、夏德和布留奎尔等。
9摄影的流派：堪的派摄影
堪的派摄影是第一次世界大战后兴起的、反对绘画主义摄影的一大摄影流派。
这一流派的摄影家主张尊重摄影自身特性，强调真实、自然，主张拍摄时不摆布、不干涉对象，提倡抓取自然状态下被摄对象的瞬间情态。法国著名的“堪的”派摄影家亨利·卡笛尔·布列松说过：“对我来说，摄影就是在一瞬间里及时地把某一事件的意义和能够确切地表达这一事件的精确的组织形式纪录下来。”因而这一流派的艺术特色是客观、真实、自然、亲切、随便、不事雕琢、形象生动而富有生活气息。
“堪的”派中的摄影家，就其美学思想和创作倾向而言，情况是比较复杂的，虽然他们都崇尚人性世态的表现，且大部分都从事于新闻摄影工作，但有的为自然主义者，有的为写实主义者。
催生该流派的作品是一八九三年摄影家阿尔弗雷德·斯蒂格利茨的《纽约第五街之冬》，而真正完成者则是德国的摄影家埃利克·沙乐门博士。他用小型相机在一次德法举行的夜间会议结束时拍摄的《罗马政治会议》，由于它的生动、真实、朴实、自然，而成为该流派名垂摄影史的经典作品。
在摄影美学上，他们认为“以摄影的基本特点为基础的照片，是画家或蚀刻家所无法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表现力，甚至是用其他媒介不可能表现出来的特性”。其次，对客观事物的表现，他们重视和强调独创性，说：“(摄影家要用)自己的眼光来看世界，不要通过别人的眼光来看世界，而这正是区分照片是平庸还是高明，有价值还是没有价值的标准。”
该派著名的摄影家有美国的托马斯·道韦尔·麦阿沃依;英国的茜莉特·摩戴尔;法国的维克托·哈夫门;以及路易斯·达尔·沃尔夫、彼得·斯塔克彼尔·布鲁维奇等等。
10摄影的流派：“达达派”摄影
“达达派”是第一次世界大战期间出现于欧洲的一种文艺思想。“达达”，原为法国儿童语言中“小马”或“玩具马”的不连贯语汇。因为达达主义艺术家在创作中否定理性和 传统 文化 ，宣称艺术和美学无缘，主张“弃绘画和所有审美要求”，崇尚虚无，使创作近乎戏谑，因而人们把该艺术流派称之为“达达派”。
由于达达派摄影艺术作品不符合人们一般的审美趣味和审美要求，1924年以后就逐渐受到有较明确、完整的艺术豆腐和纲领的超现实主义艺术流派的冲击。但其影响仍可在以后出现的现代派摄影艺术中窥见。
达达派的著名摄影家有菲利普哈尔斯曼、摩根、拉茨罗摩荷利纳基和利斯特基等。
11摄影的流派：主观主义摄影
主观主义摄影是一种在第二次世界大战后形成的比抽象派摄影更为“抽象”的摄影艺术流派，所以又称作“战后派”。
它是存在主义哲学思潮在摄影艺术领域中的反映。其创始人是德国摄影家奥特·斯坦内特。他认为，“摄影是本来具有发挥自己能力的宽阔领域，也具有高度的主观能动作用。但目前却成了一种机械的写实主义”。于是提出了“摄影艺术主观化的艺术主张。极力主张摄影艺术的终极应该是提示摄影家自身的某些朦胧意念和表现不可言传的内心状态和下意识活动。”主观摄影就是人格化、个性化的摄影。这便是该流派的艺术纲领。主观摄影的艺术家们极度强调自己的创造个性，蔑视一切已有艺术法则和审美标准。该派理论家公开表示，“主观摄影不仅仅是一种试验性的图像艺术，而是一种自由的不受限制的创造性艺术。”“我们可以任意使用技术手段去创造照片。”
西方人体摄影的嬗变 世界艺术史上，在希腊和欧洲文艺复兴时期出现过人体艺术的辉煌时期，其后诞生的摄影艺术，在经历了初期令人震惊的再现客观现实的艺术表现力后，富有探索精神和创造力的摄影家就开始向人体摄影领域的突进。1857年瑞典摄影家、后来留居英国的雷达兰，拍摄了一幅在摄影史上奉为经典之作的《人生的两条道路》，这幅情节丰富，场面浩繁的画面，运用了大量的人体作品，主题是观善惩恶，以白鬓长者为中心，两边两组人物体现了两种不同的道德观念、生活理想和人生历程。但是它也受到了少数人的攻击，说它动用那么多裸女，姿态粗野*糜，流于色情等等。可见，古今中外，人体艺术无论它有多么积极的思想意义或高明的艺术处理，都会受到一些人的非难和攻击，这恐怕已成为一种规律性反应了。
西方人体摄影的发展趋势是非常明显的。在发展常规的传统的人体摄影的同时，也风行表达强烈的主观感受、现代摄影语言、创造多种流派、风格的作品，以至出现了畸形、切割、重组、神秘、荒诞、丑陋的意境。如杰瑞·郁斯曼的象征意味的人体摄影、罗杰·麦丁的《随意的人体》、托德·窝尔克的原始硕大造型的人体摄影、罗伯特·亨内斯钦及启德苏·俄克哈马等的切割重组的人体摄影、李思丽·克罗娜斯的荒诞意味人体摄影及宁达、康偌道尼·米切尔等的有性感意味的人体摄影等。
维纳斯有哪些拍摄风格
维纳斯（Venus）是一位知名的时尚摄影师，早在2000年代初期她就开始在时尚界崭露头角，成为很多品牌首选的合作摄影师。她的摄影作品风格多样，不仅拍摄时尚大片，还擅长拍摄生活和旅行照片。
追求自然真实的拍摄方式
维纳斯认为拍摄出自然真实的作品是她的风格之一。她喜欢在自然环境中拍摄，用光线和环境来营造出一种舒适自然的氛围。她会在拍摄中与模特进行沟通，让模特自然呈现出自己的气质和表情。
在维纳斯的作品中，我们可以看到很多自然元素的运用，如森林、海滩、田野等等。她在这些自然场景中捕捉到的瞬间，让人感受到了一种纯净和自然的美。
时尚和艺术相结合
维纳斯的作品不仅是时尚作品，更是艺术作品。她将时尚与艺术相结合，让作品更为有深度和内涵。
在她的作品中，我们可以看到时尚元素的运用，如时尚服装、化妆造型等等。但是，这些时尚元素并不是作品的全部，她会加入一些艺术元素，如构图、色彩、线条等等。这些元素让作品更有创意和思考的空间。
通过光线表现画面的情感
光线是维纳斯作品中非常重要的一个因素。她喜欢在不同的光线下拍摄，从而表现出不同的情感和氛围。
例如，在黄昏时分拍摄，可以营造出一种浪漫和柔软的氛围；在阳光照射下拍摄，可以表现出一种温暖和明亮的感觉。
维纳斯善于利用光线，让作品更具有层次感和立体感。她会运用光影交错的技巧，让画面更有张力和动感。
结语
维纳斯的作品风格多样，但最终都表现出了她追求自然、真实、创意的摄影理念。她的作品不仅是时尚摄影，更是一种对生活的感悟和表达。在未来的摄影领域，相信维纳斯会继续创作出更美好的作品，为大家带来更多的惊喜和影响。
导语： 很多人在婚礼上都会请几个婚礼摄影师记录一天下面婚礼的精彩画面，下面我带来一个婚礼摄影师的经验，看看纪实婚礼摄影怎么拍。
纪实婚礼摄影
一、纪实婚礼摄影概念
纪实婚礼摄影这个概念是个舶来品，西方国家的婚礼与国内有所不同，西方国家婚礼影像主要取决于婚礼当天，而国内的新人通常是将婚纱摄影和婚礼当天拍摄分为两个部分。他们往往注重婚纱摄影而忽略婚礼当天的拍摄，婚礼当天的摄影通常只作为记录形式。而西方国家的婚礼将形式转化为纪实形式，新人会聘请职业的婚礼摄影师来完成拍摄，职业婚礼摄影师发挥其技术、感性、审美来抓拍婚礼精彩瞬间，在新人轻松自然欢快的氛围下融入这种拍摄手法将使每张赋予情感、赋予语言!就其范围来说，是婚礼摄影;就其属性来说，是纪实。在国内，这种纪实婚礼摄影更多的是和传统的婚纱照做对比，而不是婚礼跟拍。
二、纪实婚礼摄影特点
婚纱照中表现的是固定的场景和特定的姿势，简单的说：同一个姿势要一百个新人去做，而事实上不是所有人都会适合千篇一律的模式，甚至一百个人中至少有五十个人觉得这个姿势很糟糕。拿到相册的感觉是平淡的，问题不是照片好不好看，而是照片中的人究竟是不是自己。
总结起来婚纱照是一种归纳，一方面它提炼新人愉悦、幸福的一面，而在另一方面就在不知不觉中丢掉了个性和新人本身的特点和气质。这是一种量化所带来的不可避免的副作用，是一种遗憾。
纪实婚礼摄影是一种演绎
纪实婚礼摄影则是一种演绎，一场婚礼由不同的主角、配角们，在不同的场地、不同的日期、不同的环境、不同的心境下演出。每个人是独立而真实的，每个表情是立体而生动的。在国外，婚礼通常是举办一天，时间上比国内的婚礼要充裕，因此，就有了更多的时间拍摄一些绝美的照片，“绝美”不是“唯美”，人们的动作和面容达不到无瑕疵，然而作为艺术品和记录品，却是无瑕疵的，能够穿越岁月，雕刻时光。
婚礼跟拍对一个摄影师来讲，要求还是很高的。要有敏锐的洞察力、要有过硬娴熟的技术、要有很好的体力、要有经验，对事物的发展有预见性，拍摄要有提前量。我们现在的婚礼摄影的主流方式，是与欧美的纪实婚礼不一样的，欧美的纪实婚礼，讲求的是纪实，不会有很多甚至不会出现摆拍的场景。而我们现在流行的婚礼摄影，要求的是两点的结合，即“纪实与艺术”的结合。
所以，这要求更高了，又要有抓拍，抓拍还要有艺术性，又要有摆拍，摆拍还要非常自然!这与我们平时旅游中拍摄、人像的摆拍、社会的纪实有很大的差别，所以如果真的是从没有拍摄过的朋友，前几次拍摄，一定会很痛苦，真的不知道从何处下手。
三、婚礼跟拍摄影的几大难点
先不谈器材，不谈过程，不谈技术，就说说几大难点，这是我们非常非常注意的地方，也是对我们要求最高的几点。
1光
我们拍摄一场婚礼，会经历太多的复杂光线：自然光、白炽灯、日光灯、追光灯的冷光、酒店大厅里的暖光、婚礼舞台上的彩色光，还有我们的闪光灯。以及这些不同光之间混合起来的超级复杂光线。光的复杂，直接影响到两个问题。第一就是怎样用光。哪些该避免，哪些该利用。
一场婚礼会经历太多的复杂光线
第二就是白平衡，当然最简单的方法就是拍摄RAW格式，后期可以较好的还原正确的白平衡。但是RAW格式很大，而婚礼又要拍摄很多照片，我们的存储卡如果不够，那就必须拍摄jpg格式，所以一旦拍摄jpg格式，就要尽可能的让白平衡正确。而在这些复杂光线环境下，自动白平衡模式已经不能准确的还原正确白平衡了，所以必须去手动控制色温。经验丰富的摄影师，对光源的色温有一定的把握，能做到大体上正确，这样即使有偏差，也是很小的，后期调整很容易，调整后对照片也不会有太多损失。如果对白平衡没有概念，那么拍摄之前，我们要弄清楚这些光源的粗略特点：
<3300K 温暖(带红的白色) 稳重、温暖
3000-5000K 中间(白色) 爽快
>5000K 清凉型(带蓝的白色) 冷
上面的是个自然色温表。我们相机上的色温值，是与这个互补的值，所以与这个正好相反。
婚礼上只要保证不要偏色太厉害就可以
婚礼上只要保证不要偏色太厉害就可以了，没必要非常精准，有些时候也没法非常精准，比如色灯，纯红色、纯**的色灯，我们还是保留它的色彩好了，因为那是现场气氛的还原。我们要做的就是整体大光环境下的白平衡。常用的数值就是从4000k到6000k之间，遇到暖光就放到5000k以下，遇到冷光就放到5000k以上，这里要根据不同环境去调整，拍摄之前先用不同的白平衡拍几张，找到合适的色温值，在光线不变的情况下，固定好就可以了。
其实这里有一个小技巧小经验：新娘家，光线环境固定，自然光、室内灯光和闪光灯的三者合一。色温大概控制在5000k附近，画面会很干净。室外拍摄，都是自然光，最多就是闪光灯补光一下，这里完全可以放到自动白平衡。酒店就复杂了，暖光大厅，用4500k左右，还要看光有多暖。追光灯，在5600k左右，还要看追光的输出量。这样就是保证了大体上的准确，当然绝不是完全准确，只是有所纠正，因为我们还要一些现场感，大厅还要保持暖一些，追光还要保持冷一点的。因为我们的眼睛所见就是这样。我们做到的就是不要偏差太大，弄的色彩没有分差，别弄成全黄、全蓝这样子就可以了。
用光来讲，属于技术把握了。主要是注意外面逆光下的闪光灯补不补，有时候需要补光，有时候即使逆光也没必要去补。利用好各个角度的光，拍出最好的效果和感觉。
2角度和站位
在我跟拍的婚礼上，也经常看到玩摄影的朋友，但是大多数朋友都是站那，变焦拍摄。不会去刻意的追求角度。怎么样才能让纪实的片子出彩，这就要求我们去把握不同的角度。角度其实很简单，那就是仰拍、俯拍正常平行拍摄，这是机位。而摄影师与被拍摄者的横截面上角度也很重要，正面、侧面、背面。这样纵横面其实是个立体3D空间，有无数个角度去捕捉。
把握不同的角度
站位主要是在婚礼现场，虽然我们摄影基本属于打游击状态，但是也不能完全自我。这里需要照顾到摄像的中央定机位。它位置基本不会动的，只是拉近拉远的拍摄。所以我们不可以长时间挡住它，我们在必须要挡的时候，动作要快，咔咔拍完抓紧闪开。而我们拍摄舞台，也不能站在一个地方不动，这样照片角度不会生动，会非常死板的去记录。可以从舞台的两侧、正面甚至是后面去拍摄，创造丰富的视角，给人变换的不同感觉。
3快门、光圈、ISO、闪光灯之间的配合
这点，很难整体上讲。经验就是我们一定要把握一个要点，就是用闪光灯的时候，要打的自然，那么要打的自然，就要一个模式：慢速同步。其实就是保证自然光的前提下，把主体打亮。之所以叫“慢速”，那是因为光线较暗的环境下，保证环境光，快门速度是比较慢的。而我们拍的是婚礼，是要抓拍的'，所以我们快门又要快，怎么办，那就必须用高ISO来配合。
我的经验是，室内一般在iso400-iso1600，M档，快门在1/60s-1/200s，保证环境光，然后闪光灯手动输出，控制补光光线。闪光灯基本角度在正前方拍摄方向的60度到竖直向上之间。保证整体亮度，主体曝光准确，自然、柔和的画面。
4、与一些重要人物的沟通
沟通是必须的，而且是需要跟大量人物去沟通的。这样对我们的拍摄有非常非常多的好处。
跟新娘沟通，调动她的情绪，让她的喜悦、幸福的感觉自己流露出来，这样我们才能去捕捉。一般新娘开始都会比较紧张，与她轻松的聊聊天，讲讲别人结婚的故事，让她谈谈与新郎之间以前有趣的事情，自然而然她就放松了，微笑了，快乐了，幸福感就自然出来了，我们咔嚓下去，就能抓住了。
跟新娘沟通调动她的情绪
跟新郎沟通，让他放松，让他不要去关心太多的乱七八糟的事情，这些事情都会有专门的人管理，有主管，有帮忙的朋友。让他尽量的与新娘去互动，让他也放松下来，感受这种新婚的幸福，这样两个人才有默契，我们出片率也大大提高。
跟主管沟通，了解好与我们拍摄有关的内容的安排。比如车队的路线，摄像车的情况，出发时间，到达时间，等等。
跟主管沟通了解拍摄有关的内容
跟婚庆现场监督沟通，了解婚礼开始时间、流程，灯光的情况，重要人物的位置。因为我们不认识新娘新郎的七大姑八大姨，不认识他们的领导，所以必须提前知道，对他们的一些抓拍，才能到位。
跟主持人司仪沟通，了解流程细节问题，包括新人出场、新人的站位，主持人的站位，谁先讲话，点蜡烛、交杯酒等等的先后顺序。
必须做到婚礼开始前就要完全掌握整个流程，与各个环节的重要人物密切配合，这样我们才能掌握提前量，流程走到之前就做好了拍摄准备。
四、设备和器材
一般有朋友问我，主要都是说设备和器材。当然这虽然关键，但并不是最主要的。最主要还是我们的思路，把握的主题，抓拍的时刻，用光、构图等等。既然对器材都很关心那这里也提一下。
最实用的焦段就是换算到35mm后的24-70焦段;拍特写的焦段就是换算到35mm后的70-200焦段;拍大场景的焦段就是换算到35mm后的16-35焦段，其实就是所谓的大三元。
我们未必需要焦段全覆盖
但是，我们未必就需要这些焦段全覆盖!我们主力的镜头一定要变焦的覆盖24-70这个焦段。因为某些位置我们无法靠近离远的，定焦不方便。
定焦是出彩的镜头，其他的镜头可以用定焦的，从16定到200定都能用上，定焦具备了大光圈，画质又好，能拍摄出非常有味道的纪实片效果。主要用到的也是35、50、85、135这几个焦段。
大场景我们需要一只超广镜头，焦段要比35mm的24要广。
对机身的要求就是：连拍要快、高感要好、对焦速度要快要准。
全画幅自然理想，c画幅也完全可以。
最好就是三机三镜，或者两机三镜，或者两机两镜。换头，最好别琢磨，很少时间给你去换镜头的。
尽量用好自己手中的器材
器材不想多说，因为朋友们不是职业做婚礼跟拍摄影师，自然镜头都有自己的偏好，尽量用好自己手中的器材吧!
五、婚礼摄影的大体拍摄流程
1开始拍摄
婚礼摄影目前来讲，都是与化妆同步进行的。如果是单机位，摄影师要与化妆师大体同一时间来到新娘家，跟随新娘拍摄，因为新娘子是这一天的重点也是亮点。而如果双机位的话，另一位摄影师去新郎家里跟随新郎拍摄。
2整体拍摄流程
整个流程大体分为3大块：第一，在新娘家的部分。这部分包括新娘的化妆过程，新郎到新娘家迎娶新娘的过程，从新娘家车队出发的过程。第二，有些习俗加进了接完新娘先回新房的过程，如果直接到酒店，那就是在路上的车队部分。第三，就是酒店的整体过程。
总结：家--路--酒店
3每一个环节我们需要拍摄的内容
(1)新娘家的部分。
这部分拍摄的内容应该是最自由的，也是最容易出片的。有充足的时间调试相机，有大量的角度去把握。自然光、闪光灯都可以变换着去拍摄;既可以抓拍，又可以摆拍，非常自由。内容也很丰富：家里的小物件。比如贴着的、摆着的喜字、家里的小玩具、为了婚礼特意布置的气球、情侣照、婚纱照、杯子、枕头有太多的内容可以去拍，这里就需要特别的用心去观察，找最好的角度，用最适合的焦段。一般可以使用自然光表现，有大光圈中长定焦镜头来避免复杂的背景，如果环境特别好，反过来用广角大光圈镜头来收进些背景元素。再就是结婚当天的重要物品，比如婚戒、新娘的鞋子、纪念品、结婚证、保证书等等，这些东西要拍摄出彩，照片要给人很深刻的印象，发挥自己的想象力，构图、用光都要讲究，要表达出艺术效果。因为这些是非常关键的东西。
可以拍摄家里的小物件
然后就是拍摄新娘化妆过程，特写，全景，尽情拍吧，目的就是把新娘拍美、拍幸福。新娘化妆完了之后，拍些动作，这个时候可以摆拍一下，或者新娘与伴娘互动一下，拍一些搞怪、有趣、开心快乐的场景。也可以拍一些新娘的期盼，这种安静的画面，也可以拍些亲情，母亲、父亲，新娘画完妆，尽量避免与太多人拍合影，把这段宝贵的可以摆拍的时间浪费掉，这段时间是非常出片的，妆也好，状态也好，也不累。
接着就是新郎来接新娘，堵门，塞红包。这段不需要调动情绪，一般情绪都很高，都会很开心。这段就考研抓拍能力了，都是快动作的。新郎进门，献花，找鞋子，伴郎偷茶壶，新郎给新娘穿鞋，戴花，等等吧，风俗不尽相同，但大体就这些环节吧，这里把握好，现场会很乱，可以适当的安排一下，稍微摆一下可以的。但还是越自然越好。因为都是发自内心的开心幸福的。
新郎来接新娘的环节
其他的一些环节，比如喂饺子啥的，找好角度，角度要刁，不刁就很普通。
出门，上车，这段要捕捉好，没机会让你摆拍，用好镜头，这段牵扯一个室内室外的转换，光圈快门iso闪光灯白平衡全都有变化，一定要及时切换。这段动作都很快，人很多，很乱，还要抓拍，还要调节相机，弄不好还要换镜头，所以一定要打好提前量。
(2)路上部分
主要就是拍拍车队出发，和在路上的情景。可以拍拍新人在路上车里的情景，让他们打打招呼，拍拍动态的车的行驶形态。用广角收一下路上的美景，伴随着车队，拍美就好了。如果先回新家，有一次的相机调整的变化，而且一般时间不长，这段时间拍些新人之间的在新家的甜蜜画面，亲吻，拥抱，剪影啥的都用上吧。一般新房布置会比新娘家要好很多，装修也好，也新，所以也留意下新房的美景，捕捉下来。
(3)酒店
到酒店之后，先要新娘下车这个环节，这个时候非常复杂的环境，人多，乱，有喷的彩带，顺光、逆光都有发生，有的婚庆会安排，会有条理，没有的，就是乱来，一定要注意站位，注意角度，捕捉最美的画面，一般这段都是广角拍摄，超广也会用上。然后接着最最考研摄影师的地方到来了，就是新郎和新娘从酒店外，几步走进酒店里面，这个转变，调整相机参数，手一定要快。好一些机器有自定义功能，可以利用好，固定几个参数设置好123，直接转换一下转盘就可以了。
接下来就是迎宾阶段，这个阶段，相对可以休息一下，轻松的抓拍些有趣画面，比如小孩子啥的。但是放松时间也就几分钟。接着新娘回去换服装啥的，这个时候跑去仪式舞台去拍拍摆件，拍拍现场的环境，调整好相机，喝点儿水，抽颗烟，休息休息，补充一下体力。与婚庆、司仪聊聊，了解一下灯光效果的切换和整个流程的细节。然后就调好设备等着婚礼开始吧。
婚礼开始之后，我们是要打游击的，不断的去变化自己的位置。之前已经了解的流程，我们要提前站好位，不能让那些非专业的来拍摄的朋友挡住了自己的主要位置。各个环节，各个角度把整场婚礼拍下来。其实现场就是些抓拍，时间也不是特别的紧张，把该记录的记录下来，把别人看不到的出彩的东西捕捉到手，就okokok了!仪式完成，抓紧吃点儿东西，休息一下。等着拍摄敬酒的场景。敬酒的场景比较单一，不好出片，所以一定要动脑子，寻求更好的角度和特效来拍摄精彩的画面。敬酒结束后，最后是送客环节，这也是抓拍一下就ok了，如果新娘有换衣服，穿插可以拍些小写真啥的，补充一下整个婚拍的系列照片。
4结束
拍摄完送客，跟新郎新娘打一下招呼，问一下还有没有特别要拍摄的内容，如果没有，我们就收工，完活了。
总的说来，如果拍的多了，有经验了，基本就这个流程，保证必要的内容，然后不断的去创新。如果没拍过，大体也应该有了些了解了，配合自己拍摄其他东西的经验，来拍好婚礼。都是些小经验，当然肯定有不对的地方或者遗漏的部分，还请大家指点。
欢迎分享，转载请注明来源：浪漫分享网
微信扫一扫
支付宝扫一扫
评论列表（0条）