Nick Drake - Place To Be 翻译歌词（很短）

当我还年轻，比从前更年轻

我从来看不到门外真实的世界

现在我老了 面对面看着它

现在我老了 要开始收拾这个地方

我青涩过，比小山丘更青涩

那里依然鲜花生长阳光照耀

现在我比最深的大海还要深沉

就让我继续，给我一个可以生存的地方

我坚强过，在太阳下坚强

我以为我会看到一切都结束

现在我比最苍白无力的蓝色还要虚弱

oh，如此虚弱是因为需要你

（上楼译得不错）

http://springbear1soguacom/diary/detail/636320htm

相关专辑：

-《Pink Moon》专辑曲目：

1 Pink Moon

2 Place To Be

3 Road

4 Which Will

5 Horn

6 Things Behind The Sun

7 Know

8 Parasite

9 Free Ride

10 Harvest Breed

11 From The Morning

专辑介绍：

民谣天才Nick Drake是一生不得志，死后才风光的典型，几乎所有人都用“孤独”来形容他的音乐，他的演唱总让人有种遥远疏离的感觉，彷佛他只是在唱给自己听，而听众是刚巧经过而已。尽管风格如此孤独，但追求完美的他总是要把歌曲加上精心编排后才发表，而不是许多民谣歌手那样，一把木吉他走天下。尽管在乐评人中一直都有很好的评价，但对于追求简单的听众来说，他的音乐过于丰富，而对于追求新奇的听众来说，他的音乐过于单纯，在70年代初，他的音乐就是这样两头不讨好，所以市场反响总是平平。Nick Drake发现自己不论如何努力总是不能得到大众认同，心情抑郁，并在26岁时英年早逝。讽刺的是，他死后，似乎忽然就变成巨星了。无数后来的民谣艺人都说，Nick Drake是影响他们最深的前辈。

这是Nick生前的最后一张专辑，是他三张专辑中配乐最为简单的，几乎就是他和吉他的自弹自唱，还有些后期加入的他本人的钢琴演奏。Nick最终放弃了一切包装，也放弃了寻求大众认同的努力，以这种彻底孤立的形式完成了自己的绝唱。

本专辑在滚石杂志评出的500张历代最强专辑中排名第320位，首发于1972年，这里发布的是2003年重新灌录的版本。

http://baikebaiducom/view/822666htm

关于Nick Drake：

（引自http://dongdlyspaceslivecom/Blog/，感谢原创者！）

英国民谣歌手尼克-德雷克(Nick Drake)，和The Beatles、Donovan同一时代，但是并不为很多人所知。1948年，他出生于缅甸仰光，1974年，因服用了过多的抗抑郁剂，死在家中，生前仅出过3张唱片。

有乐评人说，尼克-德雷克是个在月亮上歌唱的人，声音总飘浮在空中，也有人说，他的歌像水雾，阴郁、潮湿，挥之不去。Drake的民谣是低调的，缘自一颗不知如何打开的心。出第一张专辑以前，他常常彻夜写歌，然后用老式录音机记录下来，稍有不满意就抹去重来。母亲Molly Drake回忆说：“他总是失眠，那些最好的歌往往是在凌晨写下的……Nick是个追求完美的人。”

Drake早期的创作受到 John Renbourn、Bert Jansch、Davey Graham、Joni Mitchell等人的影响，注重旋律和吉他的编排。他有一套自己的演奏方法，许多歌都采用了开放式调弦，这也成了乐迷们热衷于探讨的内容，因为他没有留下任何乐谱，一切都记在脑子里。Drake喜欢英国诗人William Blake的作品，写词时也受到启发，注重韵律，用词简单，却有着晦涩的含义，直指他复杂的内心世界。那些意象多与自然相关：太阳、天空、海洋、飞鸟、沙地，树……季节的变迁，色彩的交替，无不在这颗心上留下痕迹。

也许就是因了这些，Drake被制作人Joe Boyd看中。当时Boyd已是英国乐坛的重要人物，为Fairport Convention、The Incredible String Band以及Pink Floyd等乐队制作过专辑。Boyd听了Drake的磁带，立即决定与这位20岁的年轻人签约。一年后(1969年)，Nick Drake的首张专辑《Five Leaves Left》发表。

“Five Leaves Left”是句常被写在香烟的包装纸上的话，意在要人们警惕当一包烟只剩下五支的时候就又要买新的了。Drake拿它做专辑名，全凭了直觉；而现在人们往往把它理解为一种预言，认为它暗示了Drake短暂的一生。乐评人大家赞赏这张唱片，然而它的销路并不好，Drake没有想到专辑会受此冷遇，逐渐变得消沉，他开始无法参加现场演出，面对听众成了一件困难的事。

不过他并没有放弃努力，1970年，他与Fairport Convention的成员合作，录制了第二张专辑《Bryter Layter》。由于得到Richard Thompson、John Cale等人的帮助，歌曲的配器精致而丰满，一些作品中还融合了Jazz元素，即使以现在的眼光，这张专辑也是极为出色的。然而销量又一次让Nick Drake失望了，他渐渐丧失了对音乐和生活的信心。

1972年，就在人们认为Drake的音乐生涯彻底结束的时候，他再次走进了录音棚。而且只有一把吉他，Drake像个孤注一掷的赌徒，濒临崩溃的人。两天后，《Pink Moon》录制完成，11首不加雕琢的歌组成了他的第三张专辑。Drake不再寻求认同，他唱道：“Know that I love you/Know I don't care/Know that I see you/Know I'm not there”--这首歌叫做“Know”，只有这四句话和一个和弦。

1974年，Drake录制了最后的4首歌，它们被收进作者死后发表的专辑，《Time of No Reply》，一同出版的还有他早期录在磁带上的一些歌。像19世纪早逝的浪漫主义诗人一样，Drake的作品受到后人的重视，然而对于敏感的灵魂来说，这一切都太晚了，仿佛生命开的玩笑。

Nick Drake是孤单的，你甚至无法想象他抱着吉他坐在你的对面歌唱，因为孤单无法分享。如果说民谣是一种直接自然的表达方式，那么Drake的“表达”则是向内的，更接近于空旷房间里的自言自语，只因为他不放弃寻求认同，才一次又一次地失望--即便这失望也是他隐隐预感到的罢，所以他才唱道：名誉是棵生了病的果树，一生等不来一树繁华。

（本资源来自国外eMule，乐摇社区整理发布，特此致谢）

http://boardverycdcom/t408248html

其它歌词

http://wwwdoubancom/group/topic/2705670/

听歌

http://cnlastfm/music/Nick+Drake

http://springbear1soguacom/diary/detail/636320htm

　　德沃夏克自新世界第二乐章的主题吗？根据黑人灵歌改编的 （中英都有）

　　中文歌词：

　　念故乡 念故乡 故乡多可爱

　　天青青 风亮亮 乡愁阵阵来

　　故乡人今如何 常念念不忘

　　在他乡 一孤客 寂寞又凄凉

　　我愿意回故乡 重返旧家园

　　重新又 叙日常 同享从前乐

　　念故乡 念故乡 故乡真可爱

　　故乡人今如何 常念念不忘

　　在他乡 一孤客 寂寞又凄凉

　　我愿意回故乡 重返旧家园

　　重新又 叙日常 同享从前乐

　　天青青 风亮亮 乡愁阵阵来

　　故乡人今如何 常念念不忘

　　在他乡 一孤客 寂寞又凄凉

　　我愿意回故乡 重返旧家园

　　重新又 叙日常 同享从前乐

　　同享从前乐

　　英文歌词：

　　Going home, going home

　　I'll be going home

　　Quiet light, some still day

　　I'm just going home

　　It's not far, just close by

　　Through an open door

　　Work all done, care laid by

　　Going to fear no more

　　Mother's there expecting me

　　Father's waiting, too

　　Lots of folk gathered there

　　All the friends I knew

　　All the friends I knew

　　Nothing's lost, all's gain

　　No more fret nor pain

　　No more stumbling on the way

　　No more longing for the day

　　Going to roam no more

　　Morning star lights the way

　　Restless dreams all done

　　Shadows gone, break of day

　　Real life just begun

　　There's no break, there's no end

　　Just a living on

　　Wide awake with a smile

　　Going on and on

　　Going home, going home

　　I'll be going home

　　It's not far, just close by

　　Through an open door

　　I'm just going home

　　Going home

　　德沃夏克

　　在音乐会上，常常能够观赏到一首非常优美动听的合唱歌曲———《念故乡》。这支歌的歌词是这样的：“念故乡，念故乡，故乡真可爱，天青青

　　，风凉凉，乡愁阵阵来。故乡人，今如何，常念念不忘，在他乡，一孤客，寂寞又凄凉。我愿意，回故乡，重返旧家园，众亲友，聚一堂，同享共欢乐。”

　　《念故乡》一歌是根据捷克大作曲家德沃夏克（1841—1904）的代表作———第九交响曲《自新大陆》（又译《新世界交响曲》，1893）第二乐章的主要旋律改编而成。这个乐章在整部交响曲中最为动听，所以也最为著名。因此，在音乐会上，它经常被作为一首独立的乐曲来演奏。

　　德沃夏克是19世纪捷克最伟大的作曲家之一。由于深受捷克民族独立运动的影响，他努力发扬民族音乐，是民族乐派的主要代表人物。继“新捷克音乐之父”斯美塔纳之后，德沃夏克为捷克的民族音乐奠定了基石。在捷克历代音乐家中，他的名字最广为人知。

　　这位享誉全球的作曲家的生平经历充满传奇色彩。他的父亲继承祖业，是布拉格郊区的一个小客栈主人兼屠夫，同时又是个优秀的业余音乐家，擅长演奏小提琴等乐器，还能谱写舞曲。儿时的德沃夏克，是在捷克民谣和舞曲声中长大的。16岁那年，他得到舅父资助进入布拉格管风琴学校。两年后这位屠夫的儿子以优异成绩毕业，担任布拉格国家剧院的中提琴师，从此走上音乐的道路。

　　任中提琴师时，德沃夏克开始作曲。他成为作曲家，完全是靠自学成功的。他自称：“我向大自然学习，以上帝和自己为师。”青年时代，他写过很多作品，但对这些乐曲总不满意，许多乐谱都被他付之一炬。他对此诙谐地说：“我时常有足够的纸来生火。”

　　在创作过程中，德沃夏克把民族性这一重要因素放在首位。他的音乐独树一帜,有一种质朴、自然、纯净和与生俱来的透明感。奇迹终于出现：德沃夏克作为职业作曲家活跃在音乐界，并被布拉格音乐学院聘为教授。他就这样由乡村屠夫的儿子，经过不懈努力，终于成为驰名世界的音乐巨匠。

　　1892年9月，德沃夏克应邀到美国担任纽约国家音乐学院院长。初到美国，这里的民主气氛博得他的好感，但是这个国家的种族歧视又使他极为不满。抵达美国不久，他便开始构思自己的第九部交响曲。由于这是在旅居美国期间创作的，因此他将作品命名为《自新大陆》。第二年5月，这部交响曲即告完成。

　　《自新大陆》是德沃夏克的巅峰之作。这部交响曲反映了一个捷克人对美国这个“新大陆”所产生的种种印象与感受，以及表现出他对祖国的思念之情。德沃夏克从黑人音乐和印第安人音乐中得到启示，吸取养料，创作出自己的旋律。在第一乐章和第三乐章的欢快曲调中，能不时瞥见美国移民者们朝气蓬勃的谷库舞，以及碾米时闲谈的景象；第二乐章那段美妙的“慢板”（一般交响乐有四个乐章，每章速度各异，而尤以慢板乐章———往往是第二乐章———最为动人）则显露出黑人歌曲的特点。

　　创作《自新大陆》时，德沃夏克深受美国著名进步诗人朗费罗（1807-1882）那部具有史诗意义的叙事诗《海华沙之歌》（1855）的影响。朗费罗是19世纪美国最伟大的浪漫主义诗人之一，他的作品反对民族压迫和种族歧视，同情印第安人和黑人的痛苦遭遇。《海华沙之歌》为他的代表作，是美国文学史上第一部关于美洲印第安民族的英雄史诗。诗人以印第安人传说为素材，精心创作了这部长诗。在宏大的史诗里，他描绘了印第安人领袖海华沙一生克敌制胜的种种英雄业绩，塑造出印第安人的民族英雄海华沙的光辉形象。

　　《自新大陆》的第二乐章是德沃夏克从朗费罗长诗里的一章———《森林中的葬礼》中获得创作灵感的。该诗篇描写海华沙心爱的妻子明内哈哈在饥荒与瘟疫的双重威胁下，奄奄一息，同思念中的远方丈夫诀别时的痛苦心情。那种动人的感情强烈震撼了作曲家，他将自己的感受全部注入到作品里，因此从他笔端流出的旋律极其感人。也正因为有了这段旋律，整部交响曲才博得全世界人民的由衷喜爱，并将它誉为“德沃夏克最受欢迎的交响曲”、“欧洲十大交响曲之一”和“捷克第一交响曲”。这部交响曲似乎成了德沃夏克的代名词。

　　《自新大陆》第二乐章的主题是思乡。一开始，管乐器演奏出一连串阴郁的和弦，随后由英国管缓缓吹出那如泣如诉、优美而又伤感的旋律———其浓郁的乡愁之情，恰恰是作曲家本人对祖国对故乡的深切怀念。身在异乡为异客，尽管这个新大陆很精彩，但德沃夏克时时刻刻都在怀念伏尔塔瓦河畔自己的故乡。

　　这一充满无限乡愁的美丽旋律感人至深，很快便被作曲家们纷纷改编为思念故乡的歌曲。据不完全统计，至今已有三个版本，其中流传最广、最为优秀的当属德沃夏克的学生、美国音乐家费西尔改编的《念故乡》。费西尔的合唱曲首先在美国广为流行，家喻户晓，后来唱到了各个国家，同时也传入中国。

　　中文版《念故乡》的词与曲珠联璧合，十分成功。那么中文版《念故乡》的译配者究竟是谁呢？近年出版的《念故乡》CD里附着的歌词本上只写道：“选自德沃夏克《自新大陆》”，并未署改编者和译配者的姓名。翻阅老歌本，上面写得也不清楚，甚至上网都没查出结果来。这令人不禁怀疑：难道它已经“佚名”啦？经过向音乐界人士请教，终于得知英文版《念故乡》的改编者确是美国音乐家费西尔，中文译配者则是我国早期的音乐人李抱忱（1907-1979）和他在燕京大学时的同学郑萍因（郑骞）。看来早在20世纪前半叶，我国那些有眼光、有才华的年轻音乐工作者，就已经参与创作了这首优美动听的世界经典歌曲。这一发现令人感到欣慰与自豪。

主要音乐家及钢琴作品：

1、威伯（1786-1826）：德国，以歌剧和钢琴作品闻名，《邀舞》。

2、舒伯特（1797-1828）：奥地利，“艺术歌曲之王”，《流浪者幻想曲》、《即兴曲》、《音乐瞬间》。

3、门德尔松（1809-1847）：德国，八集48首钢琴独奏曲《无词歌》。

4、肖邦（1810-1849）：波兰，《升c小调圆舞曲》、《A大调波罗乃兹》、《c小调练习曲》、《f小调协奏曲》、《降E大调夜曲》、《第一谐谑曲》。

5、舒曼（1810-1856）：德国，《狂欢节》、《大卫同盟曲集》、《C大调幻想曲》、《童年情景》、《蝴蝶》、《交响练习曲》、《a小调钢琴协奏曲》。

：

浪漫主义作为音乐史上的一个历史时期，与18世纪古典主义的一个重要区别，在于喜好把眼光投向遥远的往昔和不可知的未来。

饱含热情、孜孜不倦地追求，渴望综合一切，成了浪漫主义音乐的重要特征之一。

浪漫主义的精神实质在于强调“人”和他的本性，突出“个人”是感觉的中心、感情的焦点、幻想的主体，这个人需要自我肯定、自我崇拜、自我想象以至自我宣泄，即使是表达一种对大自然的亲近感，也是通过赞美自然来抒发自我的渴望。

企望革新的作曲家们，力图突破音乐自身的界限，寻求与其他艺术的融合。19世纪新的标题音乐，就将音乐以外的因素化为乐思，用文字来说明其思想内容。

浪漫主义音乐概述 浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。 这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。

参考资料：

浪漫主义音乐_

初期（19世纪10-20年代）：威伯、舒伯特、贝多芬（晚期）等。

中期（盛期）（19世纪30-40年代）：柏辽兹、舒曼、门德尔松、肖邦等。

中后期（19世纪40-80年代）：李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯、弗兰克、柴科夫斯基等。

晚期（19世纪90年代到20世纪初）：布鲁克纳、普契尼、沃尔夫、马勒、理查·施特劳斯等《e小调小提琴协奏曲》《第八交响曲》《C大调幻想曲》《德意志安魂曲》《蓝色多瑙河》《流浪少年之歌》《革命练习曲》《浮士德交响曲》

　　这篇文章对你应该会有所帮助的，呵呵！

　　浪漫主义时期的钢琴音乐创作与演奏

　　摘要：虽然浪漫主义时期的舒伯特、舒曼、肖邦、李斯特、门德尔松等作曲家的创作侧重点不尽相同，但他们作品中所体现的浪漫主义精神、典型的创作手法却具有某种共同性，充分地体现了浪漫主义音乐的总体风格。这一时期钢琴演奏技巧发展与作曲技术改进之间相辅相成、互为要求，形成了钢琴音乐艺术发展的最大动力。充斥在浪漫主义时期的技术为上的风尚也产生过很大的负面影响，但从钢琴艺术历史演进看，技术因素的强化，却促使钢琴制造者对近代钢琴从多方面不断地改进，为后来钢琴音乐表现的飞跃奠定了基础

　　随着西方音乐史上浪漫乐派的形成，钢琴音乐也

　　进入了其鼎盛的发展时期。影响钢琴艺术发展的因素

　　来自不同的方面，首先是乐器制作工艺获得了较大改

　　进，制作技术越来越规范，并逐渐趋于完善。从"# 世

　　纪初开始，各国钢琴制造家对近代槌击钢琴进行了重

　　要改进，如以铸铁张弦支架替换了原来的木质支架，

　　机件变为复式杠杆装置，槌头上包裹的凫皮由绒毡所

　　取代，琴弦加长并交叉排列，音域也扩大到七个半八

　　度等等，致使钢琴音乐的表现力大大提高和加强。并

　　且涌现出了大批专门制造音乐会演奏用琴的钢琴制

　　造商，如格拉夫、施特顿希尔、布罗德伍德、伯森多幅、

　　普莱耶尔、埃拉尔、斯坦威等，致使欧洲人的音乐生活

　　中，钢琴的地位日益见长，独奏音乐会频繁举行，社会

　　文化生活中，对钢琴人才的需求也与日俱增，因而，涌

　　现出了大量的以钢琴演奏为生的艺术家，成为浪漫主

　　义音乐发展的一大亮点。除此之外，这一时期的钢琴

　　演奏技术也得到迅速提高和发展，并逐渐形成了以炫

　　技为导向的多种演奏风格派别，预示着$% 世纪以此

　　为特性的演奏流派纷呈局面的到来。

　　从文化思想发展史来看，浪漫主义风潮形成于法

　　国大革命后，复辟与反复辟长期较量的这一动荡变乱

　　的紧张岁月中，它所力求表达的是躁动不安的个人主

　　观感情，所创造的艺术形象是感情热烈、桀骜不驯的，

　　其中心精神理念是情感至上。虽然这一时期，每一位

　　作曲家的创作侧重点不尽相同，但他们作品中所能体

　　现出的浪漫主义情怀、典型的创作手法却有其共同

　　性，充分体现了浪漫主义音乐艺术的总体风格。

　　崇尚浪漫主义理念的音乐家们，非常注重塑造具

　　有个性的音乐形象，张扬个性成为一种时尚。就浪漫

　　主义音乐作品中的诸多音乐技术环节而言，虽说抒情

　　性是其钢琴音乐创作的一个重要特征，但最明显的创

　　作建树却是在和声变化与音响色彩布局的追求上。譬

　　如，变化音和声、近关系转调、复杂化和弦运用等等，

　　其目的是力图模糊大小调体系的调性轮廓，是和声进

　　行变成了一种表现的工具，而不仅仅是音乐结构的组

　　成部份。在作品体裁上，最突出的现象是钢琴小品成

　　为浪漫派作曲家抒发情感、捕捉瞬间情绪体验最拿手

　　的表现形式，是"# 世纪最富有特性的音乐体裁之

　　一。

　　浪漫主义作曲家把大量的精力都投放到了对钢

　　琴音乐潜力的挖掘上，极大地提高了钢琴音乐的表现

　　力。这一时期钢琴音乐的真正奠基人是奥地利作曲家

　　舒伯特，他的作品深受其艺术歌曲的影响，不仅表现

　　在旋律的纯声乐性上，而且在钢琴音乐的情感内容

　　及主题形象上都与其艺术歌曲相关联。如同人们所

　　说：“舒伯特的艺术歌曲使诗变成音乐，他的钢琴曲

　　又使音乐变成诗。而他用以表现钢琴音乐诗性的一

　　个重要手法就是运用大小调交替的调式和频繁变换

　　的调性。”# $ %整体来看，舒伯特的钢琴作品可分为两大

　　类：奏鸣曲和小品。其钢琴奏鸣曲虽继承了维也纳古

　　典乐派的传统，但更具有抒情性，充满着幻想与诗意

　　的浪漫主义气息。其钢琴小品，即八首即兴曲和瞬间

　　音乐，则充分展现了舒伯特旋律、和声色彩变化方面

　　的才华，并成为后世浪漫派音乐家创作钢琴小品的

　　楷模，开创了钢琴音乐创作的新领域。

　　受舒伯特影响最深，并直接从其作品精神中得

　　益的是门德尔松。门德尔松的&’ 首《无词歌》在世界

　　钢琴文献中都占有重要地位。从这些作品中，反映出

　　的是门德尔松钢琴音乐的室内性风格特点，旋律优

　　雅流畅，和声质朴纯真，从不追求浮华的炫技效果，

　　也少有深刻的戏剧性和激动人心的内心表白，整体

　　上以音乐语言的谐和均衡、清新淡雅见长，其中那些

　　富于歌唱性旋律的作品给人的印象最深。

　　真正让钢琴音乐燃烧着浪漫主义热情，洋溢着

　　兴奋激昂情绪的是德国作曲家舒曼。由于早年与其

　　师之女克拉拉之间恋爱的失败，加之对当时音乐界

　　陈腐、保守、庸俗的市侩风气的不满，使他形成了易

　　于沉思幻想和激动热情的双重性格，切几乎贯穿在

　　他所有的钢琴音乐中。可以说，舒曼大多数的钢琴作

　　品都是他前半生内心生活的写照，带有某种自传的

　　性质。舒曼在标题性的套曲形式上有较大创造，他是

　　第一个将独立的钢琴小品贯穿成不可分割的艺术整

　　体———套曲的作曲家，代表作有《狂欢节》、《蝴蝶》

　　等。他的钢琴音乐作品中的“标题性”提示，往往是通

　　过内容的进行，用来更深刻地表现细致入微的情感

　　体验的重要手段。折射出的是音乐中的诗意和文学

　　意味，而不是简单地运用情节性的标题进行提示，

　　《童年情景》中的“标题性”提示几乎就具有这样的意

　　义。

　　被誉为“钢琴诗人”的波兰作曲家、钢琴家肖邦，

　　把他的全部生涯都奉献给了钢琴创作，这在钢琴音

　　乐史上是独一无二的。他创造了典型的浪漫主义的

　　钢琴音乐语言，他对新的音响色彩的探索开辟了新

　　的音乐表现天地，创作中大量半音的运用动摇了由

　　维也纳古典乐派确立的自然音调性体系，而拿波里

　　六和弦、属七、减七、属九和弦的层出不穷使用，则大

　　大地强化了和声色彩的功能。不仅如此，他还对旋

　　律、织体、装饰音等各方面进行革新，以利于音乐表现

　　的需要。肖邦的钢琴作品所涉猎的体裁范围无人能

　　及，玛祖卡、叙事曲、谐谑曲、奏鸣曲、夜曲、圆舞曲、练

　　习曲、回旋曲、协奏曲、前奏曲等，从不同的侧边真实

　　地记载了作曲家由祖国命运危机、社会环境变迁和个

　　人经历的波折，所引发的一系列复杂的情感体验。除

　　了浪漫主义激情外，他的创作和演奏风格中还保留着

　　一种含蓄内在、均衡典雅的古典精神气质。

　　如果说肖邦发掘了钢琴内在的表现潜力，那么与

　　其同时代的匈牙利作曲家、钢琴家李斯特则弘扬了钢

　　琴艺术的外在表现力。其钢琴演奏风格直接继承和

　　发展了克列门蒂、贝多芬的动力性风格，技术辉煌，激

　　情四溢，在钢琴上追求宏伟的交响性音响。他的钢琴

　　作品大都是外向性的，音乐感情炽热，旋律带有朗诵

　　调性质，不少作品冠以与文学、绘画、雕塑有关的标

　　题。而他对于大量半音、增减和弦，甚至是全音音阶

　　的运用，更是成为了印象主义风格的先声。除此之

　　外，李斯特还在《( 小调奏鸣曲》中成功地运用了“主

　　题变奏”的手法，使音乐本身的展开更富有逻辑性。

　　正当李斯特在浪漫主义的潮流中推波助澜时，出

　　现了一位要恢复古典主义精神和传统的反潮流人物

　　———勃拉姆斯。秉承德奥文化气质的勃拉姆斯，其音

　　乐创造较之同时代人的要深刻严肃、富于理性。在他

　　的某些作品中，特别是最后几年的创作，有一种个人

　　精神倾诉的趋向，可看作马勒音乐创作的先行。某些

　　地方如同肖邦一样，他把自己的感情深深地隐藏在抽

　　象的标题背后，与同时代音乐风尚相比，勃拉姆斯对

　　于赋格曲、奏鸣曲、变奏曲等古典形式所具有的兴趣

　　要强烈得多。他的演奏风格是厚实的，他是继贝多芬

　　之后$) 世纪最重要的键盘作曲家。他的音乐有着德

　　国北部的严肃性，充满了技巧上的困难。

　　上述我们所介绍的作曲家基本上也都是本时期

　　优秀的钢琴演奏家，这是这一时期音乐发展的一大特

　　点。钢琴演奏技巧发展与作曲技术改进之间相辅相

　　成、互为要求，形成了钢琴音乐艺术发展的最大动

　　力。其实，早在$) 世纪头+ 年就已表现出钢琴家对

　　于演奏技巧训练的重视，如克拉莫、胡梅尔、费尔德、

　　车尔尼、莫舍列斯等，他们仿效,·-··巴赫建立

　　键盘演奏理论体系的做法，纷纷编写各种类型的练习

　　曲，试图建立各自演奏技术训练的体系，致使钢琴演

　　奏技术训练开始走向规范化的道路。

　　应该说李斯特是钢琴演奏史上的重量级人物，过

　　去，除了贝多芬，所有的钢琴家都是双手紧贴键盘进

　　行弹奏，而李斯特一反常规，把手臂高高举起，头发往

　　后一甩，使钢琴发出了巨大的轰鸣，迸发出兴奋的感

　　情色彩。而他早年受小提琴演奏家帕格尼尼启发，推

　　出的大量的双音、八度音阶、大跳八度和弦、快速轮

　　指、滑奏等高难度技术，使得钢琴获得了前所未有的

　　风驰电掣般的音响效果。但李斯特对演奏时力量的控

　　制也是很有讲究的，如同哈莱写到的一样：“他在演奏

　　时显示出的力量是我从来未听见过的，但既不显得粗

　　糙，又不是过度响亮。”# $ %他的这一做法，极大地影响

　　了当时整个欧洲钢琴界的演奏风格，涌现出了诸如

　　“琶音大师”泰尔伯格、“八度大王”德雷肖克等炫技演

　　奏家，他们的炫技作品也如雨后春笋般地层出不穷。

　　另外，李斯特根据交响曲、管风琴曲、歌剧片断和流行

　　歌曲所作的集大成般的“释意演奏”# " %，一方面显示了

　　钢琴这件万能乐器的神奇魔力，另一方面则体现了李

　　斯特对原作品和钢琴音响极强的领悟力。就像门德尔

　　松所描述的那样：“我从来未见过任何一个像他那样

　　连指尖都流露出音乐感悟力的演奏者。”# & %

　　’(")—’() 年间，占主流的是炫技大师和沙龙

　　钢琴家，但其中也存在着一小群与之相抗衡的钢琴

　　家。他们反对哗众取宠的炫技，认为这只会使钢琴演

　　奏艺术走上死胡同，其中就有肖邦、门德尔松、克拉

　　拉+舒曼等。

　　肖邦是继莫扎特之后又一位追求典雅风格和高

　　尚趣味的钢琴演奏家。他的手指触键技术极其精湛，

　　对于音乐的细腻变化、踏板的色彩性运用、弱音区声

　　音的探索和钢琴内在表现力的发掘都达到了前所未

　　有的高度。他的演奏方法中最有特征性的是散板节

　　奏，那里面含有精妙的韵律摆动，洋溢着绝对的情感

　　表现，其创作、演奏中的诗意追求由此而体现。而门德

　　尔松则是伟大艺术作品的宣传者，他从不演奏五花八

　　门的炫技乐曲，只是演奏先辈和同辈大师的杰作。作

　　曲家舒曼的妻子克拉拉·舒曼也为钢琴演奏艺术做

　　出了杰出的贡献，她不仅演奏她丈夫的大量作品，而

　　且广泛宣传巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、勃拉姆斯等

　　大师的杰作，其演奏风格一反当时流行的炫技、做作

　　和夸张，在音乐表现追求上显示出理性的节制和高雅

　　的趣味。

　　随着浪漫主义音乐的发展，以炫技大师为代表的

　　钢琴家与以伟大艺术品的宣传者为代表的钢琴家之

　　间逐渐出现分野。曾经辉煌一时的炫技大师们，落得

　　了一个演奏艺术价值不高的尴尬境地，但如果站在历

　　史的角度上辩证地来看，他们并非是无所作为的，最

　　起码对于提高钢琴艺术地位，促进钢琴技术进步，其

　　贡献仍可说是巨大的。

　　不过，充斥在浪漫主义时期的技术为上的风尚也

　　产生过很大的负面影响，由于过份强调发展演奏技

　　术，并急于求成，也贻误了许多年少的学琴者。譬如，

　　当时曾风行过一套用于辅助手指训练的方法，狂热的

　　舒曼就因此而练废了手指头。不可否认，这个时代由

　　于过多地着眼于钢琴演奏技巧，在演奏观念上显露出

　　了对于炫耀技巧的广泛兴趣，从而挤兑和降低了对于

　　音乐作品的内在艺术质量的追求，使得钢琴艺术的发

　　展充满着浮燥的气息。艺术评价急功近利，过分强调

　　钢琴演奏技术进步，的确是这个时代的不足，我们应

　　该清晰地看到这一点。但是，从钢琴艺术历史演进来

　　看，这种对技术因素的强化，却酝酿了钢琴演奏史上

　　的一个转折性变化，促使钢琴制造者对近代钢琴从多

　　方面不断地改进，为后来钢琴音乐表现的飞跃奠定了

　　基础。

　　艺术和技术之间从来都是相辅相成的，好的艺术

　　需要良好的技术作支撑，反之，好的技术又会对艺术

　　表现提出新的要求。浪漫主义作为人类音乐历史的一

　　个断面，作为钢琴艺术发展的一个阶段，自有其辉煌

　　的一面，也有其不足的地方，只有从整体上对其进行

　　全面观察，才可能对浪漫主义钢琴艺术发展有一个较

　　为客观的认识和评价，也才可能更准确地看到浪漫主

　　义钢琴音乐的历史性贡献之所在。

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　　贝多芬、肖邦、李斯特、舒曼:人们可能说本专辑收录的这四位作曲家作品，正是阿劳音乐里的四大基石。可是立即又马上会有许多其它作曲家的名字浮上来，例如舒伯特和莫扎特……等。总之，阿劳确实是个兴趣广博和感悟力强的钢琴家。这样广的音乐涉猎，多少让乐评家分析起来觉得头痛，可是一个客观判断的耳朵还是可以区分出不同作曲家在阿劳艺术中的不同份量。

　　贝多芬在阿劳的演奏曲目中占有特别的一席之地。我从一九五零年代中期就开始听阿劳的演奏会，我不认为他有任何一场音乐会让这位作曲巨匠缺席。我用「巨匠」一词是别有深意的，因为这正是阿劳用来形容贝多芬的用语，他认为没有任何其它音乐家能与贝多芬等量齐观。贝多芬象征看人类的抗争与超脱，代表不断「重生」与「新生」。阿劳在他的《华德斯坦》奏鸣曲中所想表达的正是这些涵意。拉丁国家人们称呼这部奏鸣曲为「破晓」(L’Aurore)，但这个「破晓」并非代表一日之晨，而是一整年的起始。阿劳曾一再重复说明老克莱巴如何找到这部作曲的正确涵意:根据1967年12月号《钢琴》(Clavier)杂志上艾尔德(Dean Elder)的记载，阿劳说:「E克莱巴告诉我，这部作品所描写就像春日开始之际，大自然苏醒之时。演奏时必须宛如不经意地踏下踏辫，弹奏得愈轻愈好。第一乐章起首部份也得弹奏得像春草嫩芽钻出大地…老实说，我们平常听到的演奏基本上都是错误的。」

　　在阿劳眼中，「平常人演奏的第一乐章比正确速度快了三倍」。说实在，阿劳演奏的这个乐章确实是个大惊奇，他的速度比一般人沉稳(比贝多芬学生彻尔尼所建议的速度还慢)，在乐曲开始处也显得极富神秘感。另一个特色是速度充满弹性，但并不是说采取夸大的对比，而E大调段落强烈呈现出演奏者个人的意念倾向。不管什么情况下，阿劳都力主钢琴家应该自行安排贝多芬作品中的脉动感，所持证据得自贝多芬同时期人物所留下的蛛丝马迹。另一方面他以钢琴家的角度来看，认为每个乐章确实都有戏剧性的成份在。

　　从序奏到终乐章轮旋曲，阿劳认为这是贝多芬作品中最深刻的一部，并用演奏来证明自己的论点。贝多芬对此曲动态对比的标注极其大幅度，阿劳不回避用言语解说他的认知:「就像太空漫游一样」。阿劳深信，诠释音乐的依据得自对乐谱细节的深度理解，这是诠释音乐的出发点，但很多钢琴家都只停留在观察乐曲表面的层次，这就是为什么我们时常听到人们抱怨青年音乐家的演奏总是听来一个样儿。

　　如果要我挑这段轮回曲最值得赞许的一段，我会选出一大段「找回家路」(Donald Tovey所说)的乐段(第221-312小节)，这个段落由五个八度音引导出来，双手一起弹奏，暗示一种沮丧绝望的感情。前三个和声是响亮而坚定的，但按着却渐弱下来，最后柔和的结束，这段介于第二大段和轮回曲主题间的音乐，通常并不吸引一般钢琴家兴趣，而阿劳却在此表现出孤独被弃的沧桑感，而只消强调了三个音符。阿劳演奏本曲比布兰德尔足足长了两分钟，看来，阿劳对贝多芬标注的速度似不是那么忠实。

　　阿劳在《皇帝》钢琴协奏曲里也放了很多个人倾向，他没有像皇帝一样威风堂堂，而是和乐团作出融合一气的整体感。值得注意的是，他用了较多的极弱音，表情极其优美而色彩丰富。这并不是录音效果所致。因为即使在现场演奏，阿劳也同样作出这种大幅度感情和韵味。再一次，阿劳带给人们一种熟悉作品的特异诠释。

　　有趣的是，一般人也许没注意，许多优秀的贝多芬演奏者也同时是优秀的李斯特演奏者。您会想到布兰德尔、肯普夫和李希特……没错，这些钢琴家，当然也包括阿劳，他们在李斯特的大量作品上都做出顶尖的表现。阿劳把李斯特的角色与舒曼、萧邦、白辽土、华格纳和拉威尔归在一起，阿劳认为李斯特B小调钢琴奏鸣曲是「史上最伟大的钢琴作品之一」。这是一部「高度集中，没有一个多余音符，没有任何地方是为钢琴技巧表现，一切都是为了戏剧性」(节自 Robert J Silverman所作访谈，The Piano Quarterly冬季号1982-83)。所谓的「戏剧性」是指《浮士德》传奇，这是阿劳对乐谱内涵洞悉后的体认，更有趣的是，其实所有李斯特的弟子都接受李斯特与《浮士德》传奇确有特殊关联的观念。标题音乐被大多数现代乐迷当成是落伍过时的东西，真是令人遗憾!其实这种内部精神联系所带来的逻辑性和特殊情境，对演奏者诠释来说，是非常有用的泉源。在阿劳的诠释观点中，他并非描述葛丽卿(Gretchen，《浮士德》中的女主角)，而是描述「葛丽卿心中的感情世界」。阿劳说:「我不会只描述角色的外表形象」。无庸赘言，阿劳这部作品的诠释可说出类拔粹，快板部份充满动感和震撼性的低音，慢板部份也不显松散，而是贯串着出色节奏韵律和色调。

　　好的贝多芬演奏者可以专长李斯特，但优秀的李斯特演奏者却未必长于肖邦。布兰德尔尽量避免弹肖邦，肯普夫开始弹肖邦作品时显然犯了大忌。李希特则小心处理两位极不同典型钢琴家音乐间的桥梁-音色以及他们对键盘的处理概念。我想，阿劳也是采取这种做法。不过尽管如此，欣赏阿劳的肖邦并不是件简单。Decca本来想在五零年代为阿劳录肖邦作品全集，结果反应恶劣，以致他们不得不取消计划。阿劳早期的肖邦演奏说实在有时真的不算是第一流，1960年阿劳录的F小调幻想曲并没有1977年的飞利浦版(本片收录者)那么出色。1960年版太拐弯抹角，后来的新版本则显得直接得多。

　　在李斯特的作品中，阿劳投以无拘无束的激情，在贝多芬里，无论在乐句中寄以多深的感情，速度方面阿劳仍是保有一定的节制。舒曼则相当不同，他的思想有部份得自霍洛维兹的说法:「舒曼的音乐永远不曾是安静的，就算在最抒情的段落，底下仍是暗潮汹涌。」这里所说的「暗潮汹涌」无疑表现在舒曼《幻想曲》Op17的前两个乐段里，同时也有证据显示出现在最后一段，如果我们仔细审视原谱当可辨识这点。阿劳的演奏颇重视这个暗潮及低音声部，并忠实清晰地表现其内在精神。

　　本片收录的四位作曲家，首先是非常有利于藉彼此差异来观察阿劳的不同风貌。第二个特殊点是，我确信您一定可以发现和其它钢琴家比起来，阿劳的诠释永远独树一格，即便是那些人们最熟悉的曲目。

　　浪漫主义时期的钢琴音乐创作与演奏

拜伦和雪莱。 乔治·戈登·拜伦（Gee Gordon Byron，1788—1824），是英国19世纪初期伟大的浪漫主义诗人。代表作品有《恰尔德·哈洛尔德游记》、《唐璜》等。在他的诗歌里塑造了一批“拜伦式英雄”。他不仅是一位伟大的诗人，　拜伦和雪莱。 乔治·戈登·拜伦（gee gordon byron，1788—1824），是英国19世纪初期伟大的浪漫主义诗人。代表作品有《恰尔德·哈洛尔德游记》、《唐璜》等。在他的诗歌里塑造了一批“拜伦式英雄”。他不仅是一位伟大的诗人，还是一个为理想战斗一生的勇士；他积极而勇敢地投身革命，参加了希腊民族解放运动，并成为***之一。 乔治·戈登·拜伦是举世公认的19世纪浪漫主义文学首屈一指的代表人物。他一生写下了大量的诗歌，他倡导热情，倡导想象，他的诗作被世人赞誉为“抒情史诗”，具有作者本人的思想性格特征的叛逆者，被称作“拜伦式英雄”。对后世具有深远影响。 珀西·比希·雪莱（1792年8月4日～1822年7月8日），简称雪莱，英国著名浪漫主义诗人，被认为是历史上最出色的英语诗人之一。英国浪漫主义民主诗人、第一位社会主义诗人、小说家、哲学家、散文随笔和政论作家、改革家、柏拉图主义者和理想主义者，受空想社会主义思想影响颇深。 雪莱生于英格兰萨塞克斯郡霍舍姆附近的沃恩汉，12岁进入伊顿公学，1810年进入牛津大学，1811年3月25日由于散发《无神论的必然》，入学不足一年就被牛津大学开除。1813年11月完成叙事长诗《麦布女王》，1818年至1819年完成了两部重要的长诗《解放了的普罗米修斯》和《倩契》，以及其不朽的名作《西风颂》。1822年7月8日逝世。恩格斯称他是“天才预言家”。