古典乐派中谁的音乐体现浪漫主义？

古典乐派中谁的音乐体现浪漫主义？

理查德！他的《梦中的婚礼》 《森林中的一夜》《水边的阿迪丽娜》都带有浪漫色彩

浪漫乐派 古典乐派

古典乐派（约1759-1800）：

莫扎特（1756-1791）：费加罗的婚礼（序曲），《第39，40，41号交响曲》，《小夜曲》，《土耳其进行曲》，《安魂曲》

海顿：《第94，101，104号交响曲》

舒伯特：《鳟鱼》，《第8，9号交响曲》

勃拉姆斯：《第1号交响曲》，《D大调小提琴协奏曲》

浪漫乐派：（约1800—1900）

贝多芬（1770-1827）：《第3，5，6，9号交响曲》，《热情》《月光》《悲怆》凑鸣曲

柏辽兹：《幻想交响曲》

柴可夫斯基：芭蕾舞剧：《天鹅湖》，《睡美人》，《胡桃夹子》《第5，6号交响曲》，《1812序曲》，《d大调小提琴协奏曲》

德沃夏克：《斯拉夫舞曲》，《新大陆》交响曲

斯美塔那：《我的祖国》组曲

小约翰施特劳斯:《蓝色多瑙河圆舞曲》，《皇帝圆舞曲》，《维也纳圆舞曲》

另外还有：肖邦，舒曼，李斯特， ，等等很多

民族乐派、浪漫乐派、古典乐派

很难听的就是民主音乐，很无聊的就是古典音乐，很古怪的就是古典音乐，代表人物都死完了，我就不说了

古典乐派与浪漫乐派音乐的不同之处？

抛开巴洛克音乐时代不说，古典主义就好比五言/七言的律诗，以奏鸣曲、赋格曲等格式音乐为代表；浪漫主义可以被比喻为宋词，兼具了语言和其它艺术方面的一定特点，音乐色彩更加丰富。至于说印象派音乐，则更加有过之而无不及，类似现代诗或散文诗吧。

浪漫主义音乐与古典主义音乐的不同，在承袭古典乐派作曲家传统，并在此基础上，也有了新探索，；例如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐外其它艺术相结合，提倡多种综合艺术；提倡标题音乐；强调人的主观感觉；作品富于幻想性，描写大自然的作品较多，因大自然的平静，没有矛盾，更趋向于理想境界；重视戏剧研究，从民族、民间音乐文学吸取营养，作品具有民族特色的艺术形式和表现手法，继承古典乐派内容上却有较大差异，夸张手法使用特别多，音乐形式上突破了古典音乐均衡完整形式，结构限制有更大自由性，单乐章题材，器乐曲繁多，主要为器乐小品，即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词歌及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等；在众多器乐小品中钢琴小品居多，声乐作品出现了大量艺术歌曲，并将诸多声乐小品串联起来形成套曲，就是舒柏特的《美丽磨坊女》、《冬之旅》等；浪漫乐派创新艺术题材，和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音扩大和自由使用，7和弦和9和弦及半音法和转调在乐曲里经常出现，扩大了和声范围及表现功力，增强了和声色彩，作曲家创立了多乐章的标题交响曲和单乐章标题交响诗，此为浪漫主义音乐的重要形式。

细微的差别，应该还有不少，这里只是把主要的内容拿来说说而已，希望有用。这里要说明一点的是，古典乐派与古典音乐是有区别的，古典音乐一般是指从巴洛克时代，直到新古典主义时代的音乐，贯穿文艺复兴运动的始终；虽然，新世纪音乐也有不少重新诠释宗教音乐和古典音乐的作品(如神秘园，但更多的艺术形式，更具有时代的特征，甚至带有实验音乐的特点（如INGEMA和ENYA）。

18世纪维也纳古典乐派玉19世纪浪漫主义乐派差异

浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。

古典乐派

古典乐派时期就以巴哈逝世的1750年那一年作为起点。此外，因为贝多芬

晚期的作品显现出浪漫的倾向，所以古典乐派就以1820年贝多芬逝世那年

为终点〈注肆〉。「古典乐派」这个名称，当然是后人研究这个时期的音乐风

格后才定出来的。而音乐所给予人们的感觉一定是高尚典雅的！古典乐派的

音乐通常给人一种单纯、明朗和优美均衡的印象，所以古典音乐派的音乐大

都有着统一且规律的性格。

浪漫乐派

浪漫主义其实就是一种与古典主义相对立的思想。古典乐派时期的音乐注重

的是形式与规则，它要表现出形式上客观的美感。浪漫主义既然和古典主义

相反，那么浪漫月派的音乐辨识要打破旧有的形式和规定，这时期的作曲家

认为，音乐的主要功能是反应出他们的情感，刑事只是一种表达的媒介，所

以当就形式不足以满足需求时，他们就任意的去改变。使曲风更自由、不受

约束！

欧洲“古典乐派”、“浪漫乐派”、“民族乐派”的音乐各有什么特点

古典音乐： 古典音乐classical music原指古代留传下来堪称经典的音乐作品,后广指一切将深刻的思想内容与完美的艺术形式相结合的典范音乐作品。在这种意义上,这一概念不受时间和地 域的限制,不同历史时代和不同国家、民族的高度艺术性的民间或专业的音乐均可称为古典音乐。在欧美音乐中,古典音乐的概念具有多种解释： ①专指德奥18世纪下半叶～19世纪20年代以J海顿、WA莫扎特和Lvan贝多芬为代表的音乐,即所谓“维也纳古典音乐” （亦称“维也纳古典主义音乐”或“维也纳古典乐派音乐”）。在这里,古典音乐的概念是狭义的,它具有地理和历史的范畴,特指具体的音乐风格和流派（见维也 纳古典主义音乐）。 ②从维也纳古典音乐的历史时期往前推移到CW格鲁克、GF亨德尔和JS巴赫的音乐,甚至再往前追溯到欧洲文艺复兴以来的各国专业音乐。在这种意义上,这一概念扩大了地域和时间的范围,突破了特指的音乐风格和流派的限定。 ③从维也纳古典音乐的历史时期往后延伸到19世纪末、20世纪初的欧美专业音乐,即将浪漫主义乐派和民族主义乐派作曲家的创作均包括在内。在这个意义 上,古典音乐与19世纪末、20世纪初以后的现代音乐形成了两个对应的概念。两者的主要区别在于音乐语言和艺术手段的不同。 前者遵循传统的调式、调性、和声功能体系等创作技法,后者则突破了这一传统创作方法。 ④将19世纪末、20世纪初以来的非纯粹娱乐性质的现代专业音乐包括在古典音乐这一概念所指的范围之内。在这种意义上，古典音乐与严肃音乐的概念合而为一，而与之相对应的概念是单纯娱乐性质的轻音乐、流行音乐或其他通俗音乐。CLASSICAL MUSIC，中文翻译成“古典音乐”。有人认为"古典"给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义，in traditional and serious style，而称其为“严肃音乐”。于是，“古典音乐”又被戴上了“严肃”的帽子，让人更不敢靠近。但下此定义的人一定没有好好查字典，因为 serious的第二条义项是这样给出定义的：(指书、音乐等）启发思考的，不仅为消遣的。因此我们知道原来古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻， 能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释：music that people consider serious and that has been popular for a long time。可见，古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。如此看来，译成”经典音乐“的确更妥当一点。只是大家都说惯了，要改口总觉得别 扭，还是称其为”古典音乐“吧，要怪只怪当时第一个翻译的人，怎么没想到“古典”会带来这么多的误解。还好,没有意译成”严肃音乐“，否则真的是要贻笑大 方了。 当我们听到巴赫、贝多芬、莫扎特、舒伯特的音乐时，它带给我们的不仅仅是优美的旋律，充满意趣的乐思，还有最真挚的情感，或宁静、典雅，或震撼、鼓舞，或欢喜、快乐，或悲伤、惆怅 音乐是一种文化现象，欧洲古典音乐是欧洲文化的结晶，它包括交响乐、管弦乐、歌剧协奏曲、器乐独奏等，欣赏欧洲古典音乐，可以培养对音乐的兴趣和爱好，全面提高人的素质和审美能力。 浪漫： 浪漫主义这一词的含义，原来是指用罗曼语（Roman）书写的故事，进而专指长篇小说或骑士故事，后来也包括传奇小说等。浪漫主义在艺术上的兴起，首先出现于十八世纪的文学中。在作品里，将一切个人的感情、趣味和才能完全不受限制地表现出来。就是说，作曲家强烈地表现出自己的癖好。这与受形式支配的古典主义在理论上相对立。古典主义的音乐是线条式的而且是鲜明的，浪漫主义的音乐富于色彩和感情，含有许多主观、空想的因素。然而，这只是原则上的区别，实际上在古典主义音乐中，已含有浪漫主义的因素，而浪漫派的作品中，也多有古典式的内容。 更多浪漫在这 :blogsina/s/blog_5e4611450100c5tn~type=v5_one&label=rela_prevarticle 补充： 民族音乐 民乐 最突出的特点是写意性，也就是烘托一种精神氛围，一种心灵感受。比如 《高山》 、 《流水》 ，并非直接 对景 色进行细致的写，而是写情，以情见景。正如子期说----“巍巍乎志在高山”、荡荡乎志在流水”，是 “志在”，而非景在也。在这里，有人会认为我把写意（和写实相对）和写情混为一谈了。但 实际上，写描绘了客观事物经过心灵投影之后的影象，在很大程度上经过了人的感情的加工，并进一步抽象化为音乐形式表露出来，落在纸上而为谱，发于声则为乐。 民乐的这种写意性与民乐体裁大多为独奏或量乐器合奏，而很少有乐队合奏、协奏这一事实十分吻合。大型乐队长于细致入微的景物、色彩描写，精于大范围气氛的烘托，而 心灵深处 的意所至，则是独奏和少量乐器合奏的专利。在西洋古典体裁中，最贴近心灵的是 室内乐 ，如 弦乐四重奏 之类，也很好地说明了这一点。民乐的另一个特点是 个体性 ----写个人之意，抒个人之情。这与西洋音中的室内乐很相似，但在民乐中似乎没有，或者说很少有与西洋交响音乐相匹配的体裁与作品。不只沉浸在个人情致里，而是反映更为广阔的外部 世界的音乐 作品有 《十面埋伏》 、 《霸王卸甲》 、 《江河水》 等，但是这样的作品并不是很多。应当说，过于强调意境，过分地沉浸在个人世界中严重地限制了民乐的发展，使民乐的音体系没有达到西方音乐体系的广度和繁荣程度。这是十分可惜的。 那么，民乐与古典的最易表现出来的差别是什么呢？这么说吧，你听民乐，部分时间不会感到 酣畅淋漓 、热血沸腾，也不太经常感到 缠绵悱恻 ，美得醉人，但它却能充分调动起你的心灵（如果你真的在听的话），让你产生一种意境、氛围，并融化在其中，从心底里产生最细致、最真挚的感。这就是民乐，我们中华民族自己的音乐。

欧洲古典乐派和欧洲浪漫乐派的不同

西方古典乐派是遵循古典音乐的规则来进行作品创作的，而浪漫乐派遵循的是作者当时创作时的心情，怎样写更能表达作者的心境就怎样写，没有考虑那么多古典音乐的

古典乐派、浪漫乐派、民族乐派音乐作品所共有的典型特征

为流传的“黑猎人”民间传说，舞台上展示了一幅幅地道的北德森林乡民风俗画。亍⒈炊喾叶嘉鹿

族歌剧的发展作出过贡献，不过他们的《魔笛》、《费德里奥》中的“民族性”尚不完备，虽用了德语歌词，

音乐也具德国特色，但描绘的却是东方的神话或西班牙的故事，而《自由射手》以浓郁的民间气质的音乐素材

（猎人的合唱、姑娘的歌谣、乡民们的阿勒曼德舞）和德语说白的“歌唱剧”的传统样式，致力于德国偏僻村

庄、森林景色的描绘和德国民族思想感情的表达是十分成功的。

浪漫乐派钢琴诗人肖邦（1810—1849）是波兰爱国主义钢琴家、作曲家、中欧民族乐派先驱，其

作品极富独创性和民族性。玛祖卡、波罗奈兹贯穿其一生的创作生涯，他把这两种波兰民间舞曲体裁提高到音

乐会乐曲体裁水准。他作有57首玛祖卡舞曲，创造性地运用其特性节奏与民间调式和声，使其更具有鲜明的

民间色彩和波兰民族气质，成为充满诗意的器乐小品。作品中有对民间风笛的模仿（《C大调玛祖卡》，Op

．24之二），有的采用主属和弦交替演奏，刻画民间乐手演奏的声响（《D大调玛祖卡》OP．33之二）

。他作有15首波罗奈兹舞曲，完全脱离了舞蹈，不再是炫技式的外在效果，注入严肃的思想内容，成为风格

独特，刚毅、豪放进行曲式的戏剧性音诗。肖邦把波奈兹舞曲同战场、军队、古波兰的荣耀连在一起。这两种

舞曲体裁都体现了同波兰祖国精神的联络。

浪漫主义音乐全盛时期德国最后一位古典主义者勃拉姆斯（1833—1897），对民族民间音乐抱有

深厚感情，他是德奥艺术歌曲的又一名大师。其200多首独唱艺术歌曲，绝大部分属于民歌性质的抒情歌曲

。歌词充满民间生活气息，音调与节奏都与民间音乐紧密相联，曲式简洁凝炼，多采用起源于民间歌曲形式的

分节歌。如《摇篮曲》（OP．49之四）是从一本《德意志儿童绘画读本》里选取童谣编成歌词，分节歌形

式，圆舞曲基调，轻轻荡漾的伴奏音型。再如《徒劳小夜曲》（OP．84之四）是从下莱茵地区的一首民歌

中选出编为四段歌词，旋律接近德国民间舞蹈歌曲的质朴风格。《永恒的爱》（OP．43之一）是用斯拉夫

民歌谱成的。勃拉姆斯1869年和1880年创作发表的4卷21首《匈牙利舞曲》，吸收了斯拉夫和匈牙

利民间音乐的曲调和韵律特点，生动地表现了匈牙利浓郁的乡土气息和民族性格。

歌剧之王威尔第（1813—1901）是欧洲乐坛享誉最高的歌剧作曲家，他的信念是“人人都应储存

其民族所专有的特点。”（列维克《外国音乐名作》第三册325页）其歌剧旋律极富形象性、抒情性和戏剧

性，这些旋律多以民间曲调为基础，朴素、通俗、鲜明、易记，新歌剧一旦上演，其中许多曲调不胫而走广为

传唱。如《茶花女》中的《饮酒歌》、《弄臣》中的《女人爱变卦》（后被人重新填词改名为《夏日泛舟海上

》成为创作民歌）就烩炙人口，而《游吟诗人》中的《火焰上升》几乎已成为民间歌曲了。

浪漫主义乐派的形成正处于19世纪欧洲各国民族意识觉醒的时期，随着民族解放运动的发展，在音乐史

上出现了第一个这样的时期，即强调民族差异和民族价值，在音乐艺术发展过程中，民族特征产生决定性影响

的时期。浪漫乐派就其本质来说，无论旋律音调、表现方式，均受民间音乐的影响，并深深植根于各自民族音

乐传统的基础之上，强调民族特征和继承民族传统。

四、民族乐派普遍追求并刻意表现民族特征藉以激发民族意识、

提高民族觉悟

由于法国资产阶级革命的影响，随之而来的19世纪20—30年代的革命风暴席卷了欧洲大地，欧洲各

国——尤其俄国和北欧各国民族意识、民族感情日益增强，反对民族压迫、争取民族独立的革命斗争风起云涌

。同时随着资本主义的发展，浪漫主义思潮的掀起，欧洲各地区进入了民族文化兴起的时期。民族乐派的诞生

，显示了民族文化开始走向了繁荣。

民族乐派是浪漫乐派的一个分支，无论美学观点和创作方法，都和浪漫乐派一脉相承。他们把浪漫乐派所

强调的“个性”扩大为“民族性”，把“个性化”发展为每一个民族都具有不同于其他民族的表现特征。其结

果，浪漫乐派所强调的民族民间特征，在民族乐派手中就更加突出而全面了。

俄罗斯民族音乐之父、民族乐派的奠基人格林卡（1804—1857），1836年创作上演的古典民

族歌剧《伊凡·苏萨宁》是一部充满爱国主义 的历史题材的“祖国英雄悲剧”。作曲家采用了丰富的俄罗

斯民谣，借用世界歌剧艺术的形式，汲取德国、义大利浪漫乐派技巧而创作的独具民族风格的第一部俄国民族

歌剧。1884年创作的《卡玛林斯卡雅幻想曲》，采用了两支俄罗斯民间广为流传的歌曲和舞曲——婚礼歌

《从山后，从高高的山后》、舞曲《卡玛林斯卡雅》作为主题，用交响音乐的形式进行变奏展开，鲜明地刻画

了俄罗斯农村生活风俗图景和俄罗斯民族性格。它成为俄罗斯交响音乐基石，正如柴科夫斯基所说：“所有的

俄罗斯交响音乐，都是从《卡玛林斯卡雅幻想曲》中孕育出来的。”格林卡十分重视从俄罗斯的民族诗歌中，

从俄罗斯民族民间音乐中汲取营养。正如他的座右铭所示：“创作音乐的是人民，而我们艺术家只不过把它编

成曲子而已。”古老的农民歌曲、俄罗斯教会音调、城市生活歌曲和舞曲等，都是他取之不尽的创作源泉。在

和声上尽量避免浓重的纵向和弦性四声部和声法，而采用俄罗斯特有的复音、复曲调技法。他的创作实践为俄

罗斯民族乐派进入世界音乐先进之林铺平了道路。

浪漫时期鲜有的全才柴科夫斯基（1840—1893）是位极富个性的作曲家。他的音乐语言，在技巧

上受德、法影响，是具有世界性特点。他的作品中，欧洲式华丽优雅的风格，胜于俄国式朴素的乡土色彩。事

实上他的音乐仍是根生于民族、民间的现实土壤之中，有些作品直接采用和发展了俄罗斯民间歌曲、舞曲和城

市人民歌曲。如《如歌的行板》取材于乌克兰民歌《万尼亚坐在沙发上》，《第四交响曲》终曲乐章是以俄罗

斯民歌《田野上一棵白桦树》的旋律为基础创作的。《[b]b小调第一钢琴协奏曲》第三乐章主题来自另一首乌

克兰民歌《来吧，伊凡卡》。俄罗斯的民族题材、民族性格始终贯彻在他的音乐创作之中，因此他的音乐仍主

要是独具个性的俄罗斯式的。

19世纪下叶捷克民族乐派最重要的作曲家德沃夏克（1841—1904）七十年代末出版了二册16

首《斯拉夫舞曲》，这些包含有波尔卡、斯科契娜、孚利安特、奥特兹美克、波罗奈兹、杜姆卡等捷克、斯洛

伐克、波兰、乌克兰等众多民族舞曲体裁而举世闻名，得到国际音乐社会的广泛赞誉。九十年代初他就任纽约

国立音乐学院院长期间，创作了e小调第九《新世界交响曲》，作品中既采用了含有印第安民歌曲调的音调核

心（但反对直接引用原始民歌旋律），又巧妙地织入了波希米亚音乐所特有的气质；既表达了对美国印第安人

的深情，又怀有对捷克故国的乡愁，抒发了远离家乡的波希米亚人的爱国赤子之心。这部作品结构严谨、旋律

优美、民族风格浓郁，是一部思想深刻、通俗易懂的经典作品。德沃夏克在美国艺术音乐史上也占有重要地位

，是位国际性的捷克民族作曲家。

匈牙利新民族乐派的代表、民族音乐学家、作曲家、教育家巴托克（1881—1945），一生花了几

十年的时间蒐集、整理和研究民族民间音乐，成绩卓著。他与同窗好友音乐教育家柯达伊（1882—196

7）提出“对匈牙利民族音乐再认识”的论点震动全欧音乐界。巴托克为了进行民族民间音乐的比较与研究，

从中找出匈牙利民间音乐的“音乐母语”，把民歌的蒐集活动，扩充套件到匈牙利本土以外的地区：斯洛伐克、罗

马尼亚、保加利亚、乌克兰、南斯拉夫、土耳其以及北非地区。蒐集、记录了6000多首民歌，出版了近2

000首。摸索出一套系统科学的蒐集分析方法，对民俗音乐的发展作出了巨大的贡献。他利用土生土长的匈

牙利民间音乐素材，花了10年的时间创作编写了《献给孩子们》、《小宇宙》等钢琴曲集，具有巨大的教育

价值。

从以上论述，可以得出这样的结论：民族乐派普遍追求并刻意表现其自身的民族特征，他们艺术目标明确

，行为自觉，欲使音乐文化成为激发民族意识和提高民族觉悟的手段。这是在新的思想和民族解放斗争背景下

，由作曲家的民族意识和对自己国家民族的特殊感情所决定的。

五、几点启示

从欧洲古典音乐民族特性的分析研究中可得到几点启示。

1．大凡有成就、受世界各国人民喜爱的音乐家，可以说都是民族音乐家。他们的作品都具有“只有民族

的，才是世界的。”（赵fēng＠①教授语）重要特征。世界各国专业音乐创作，尽管其音乐中心特征有所

不同，但在音乐创作中，将民族性作为共同追求的艺术目标这一点毫无例外。正如里姆斯基·柯萨科夫所说：

“没有民族性的音乐是不存在的。实际上一般认为是全人类的音乐都是具有民族性的。”

2．加强欧洲音乐文化及世界音乐文化的学习，重视多元化音乐教育的全球意义，为中国民族音乐走向世

界铺路垫石作出贡献。“欧洲音乐中心论”在我国音乐界，尤其在专业音乐教育圈内影响较深，应花大力气进

行批判、转变观念，正确处理好中西音乐关系。在师范音乐教育中，笔者认为在加强民族音乐教育的同时，还

应加强欧洲及世界音乐文化的学习与研究。最近一位美国音乐教育专家来信问到：“听说中国教育工作者有学

好数理化走遍天下的观念，现在是否有学好世界音乐文化为走向世界做准备？是否认为这是未来的必定趋势？

”（《音乐研究》93年第一期29页）我们应充分认识到重视多元化音乐教育的全球意义，应该看到几十年

来西方音乐理论、技法、教育体系对我国民族音乐的发展所起的全面而积极的影响。要防止在批判“欧洲音乐

中心论”，加强民族音乐教育的同时，一种矛盾掩盖另一种矛盾，一种倾向掩盖另一种倾向。学习研究欧洲及

世界各国音乐理论、表现手法技能技巧、创作中的经验教训，目的在于发展我们的民族音乐，为使中国民族音

乐进一步走向世界打好基础。

3．改革外国音乐史教学，在忠实于史实的前提下，从教材到讲授应突出爱国主义、人民性、民主性、民

族特征主旋律。目前外国音乐史教学问题不少，使用教材多为进口教材，内容繁琐，面面俱到，重点不够突出

；观点有些陈旧，甚至有不少唯心主义观点，宣扬资产阶级天才观、英雄造时势、个人奋斗；在评价音乐家及

作品时有的缺乏马列主义辩证唯物主义及历史唯物主义观点，不能一分为二，只看到音乐家的历史贡献，看不

到历史的局限性。当务之急，应组织国人编写观点新颖、重点突出的西方音乐史教材。教材中应弘扬外国音乐

家反对封建专制统治、反对外族侵略的爱国主义精神；弘扬音乐家热爱人民、热爱生活、热爱民间艺术、继承

传统、勇于探索、开拓创新的创造精神。在充分肯定他们的历史贡献的同时，也要全面客观地评价他们的思想

、美学观点和作品的历史局限性。

鉴往而知来，历史是一面镜子。“洋为中用，古为今用”，立足中国，面向世界；立足于现代，面向未来

。吸收各国优秀音乐传统，发展我们的民族音乐，让中国民族音乐进一步走向世界，这就是我们学习的出发点

古典乐派的音乐家有哪些？

1、海顿 HAYDN(1732--1809)

海顿对古典音乐的主要贡献是交响曲和四重奏，由于他对于交响曲体裁的形成和完善作出了巨大贡献，因此被人们称作“交响乐之父”。

他最有代表性的作品有《惊愕交响曲》、《午别交响曲》、《时钟交响曲》、清唱剧《创世纪》和《皇帝四重奏》等。

2、贝多芬 BEETHOVEN(1770—1827) 贝多芬一生创作了大量的作品。他一生的创作可分为三个时期：早期作品受海顿和莫扎特的影响，风格轻快流畅；中期作品则体现了他自己的特有的音乐风格，大部分作品都是在这一时期创作的；晚期作品技巧成熟、思想深刻复杂，同时出现了浪漫主义的因素。

贝多芬一生的主要作品包括：九部交响曲、一部歌剧——《费德里奥》、五部钢琴协奏曲、一部小提琴协曲、三十二首钢琴奏鸣曲、十首小提琴奏鸣曲、十六首弦乐四重奏。管弦乐序曲：《埃格蒙特》、《柯里奥兰》以及大量的声乐器乐及戏剧音乐作品。

3、莫扎特 MOZART(1756—1791) 莫扎特的音乐优美、秀丽、典雅、热情，像泉水一样清澈透明，充满了愉快的生活气息和青春活力。他一生创作了七百多部作品，体裁广泛，几乎所有的音乐形式都有所涉猎。他在歌剧、交响曲、器乐协奏曲和室内乐等多个领域内都作出了重大贡献。莫扎特共创作了二十二部歌剧、四十多部交响曲、大量的器乐协奏曲、室内乐及各种不同形式的声器乐作品。其中最著名的歌剧《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《魔笛》；第三十九、四十、四十一交响曲；《D大调(加冕)钢琴协奏曲》、《A大调小提琴协奏曲》以及著名的《安魂曲》等等。

举例说明古典乐派和浪漫乐派的音乐有什么不同

其实古典主义风格讲究均衡，优雅。浪漫时期的音乐很强调个人情感表达，当然古典时期的音乐同样有个人感情表达。用现在的话说古典比浪漫时期的音乐要淡定一些。呵呵

不用举栗子了；）你随便找找古典时期的音乐和浪漫时期的音乐对比听听就知道了。当然古典时期，比如莫扎特和贝多芬有的作品很接近浪漫时期的风格，因为古典时期本来就是一个承前启后的时期。浪漫时期的舒伯特，斯美塔那，老柴等很多音乐家都受到古典时期音乐家很深的影响。

在古希腊的神话中,阿波罗是一位多才多艺的神,是太阳神,是光明之神,是医药之神,是预言之神也是音乐之神,其下有九位女神,她们是负责实际司理文学,音乐之职,被称为缪斯(MUSES)意大利语为(MUSICA),英语为(MUSIC)当然,谈到西方音乐,并非起源于古希腊时代,应该可以追溯到更早的远古时代

在西方音乐的发展中,曾有三次较大的变革,每次约各间革三百年左右由于这些变革在当时比较激进,因此:每次变革均冠以“新”字来形容其音乐风格比如十四时期的新音乐,十七时期的新音乐,二十时期的新音乐等

现在所提及的西方音乐实际上是从十六世纪末开始,由其是十七世纪到十八世纪,这一期间,音乐史上称为巴洛克时期在巴洛克时期前,西方音乐大至轮廓是:公元805年为早期的中世纪,开始了复调音乐公元1000年为罗马式艺术发明了谱表公元1150年为后期中世纪,是早期哥特式风格公元1300年为晚期哥特式风格,是新音乐的变革时期公元1450年为文艺复兴时期,兴起了另一次新音乐的变革直至公元1750年巴赫去世,则为巴洛克时期的结束再其后则相继为古典派音乐,浪漫派音乐,民族乐派,印象派及现代各种音乐流派

一:巴洛克音乐

十八世纪初的德累斯顿,不少音乐家都等待这一场精彩的管风琴演奏比赛当时,在德累斯顿有一个法国音乐家叫玛商由于当时法国音乐在宫廷中的优越地位,使他非常骄傲以至引起了德国音乐家的不满于是大家都盼望德国的音乐家巴赫与法国音乐家玛商公开竞赛一番但是,比赛的当天,这位玛赏先生却坐着当天的第一班邮车逃跑了这样,巴赫就一个人在宫廷中演奏,成为当时德国音乐家和外国人竞争第一次获胜的榜样

巴赫是巴洛克音乐的集大成者,所谓巴洛克音乐,是西方古典音乐以前的一种特定风格的音乐巴洛克的原意有人说是“珍珠的边缘”,也有人说是指“奇异的风格”文艺复兴时代,首先在建筑上采用了此名词,指西方,特别是德国与奥地利十七,十八世纪的一种讲究过度雕琢的建筑艺术,后来有将此名词用于画作和音乐音乐史上称此时同期的音乐为巴洛克音乐大致是从公元1600年到本世纪末750年

巴洛克音乐的风格以技巧主要有以下特点:

1:数字低音:(一译通奏低音)的普遍运用,故又称这一时期为数字低音时期这种数字低音是一种简略的和声记谱法,其所用的和弦只记一个低音,并以数字指明,实际所应演奏的和弦,由演奏者根据此数字即兴演奏和声

2 :对比原则的突出如早期歌曲中的突然变化,大协奏曲中的独奏与齐奏交替,以及声乐与管风琴音乐中的回声效果等

3:主音与属音地位的加强,从而为主和弦统治地位的确立奠定了基础

4:即兴与装饰音的发展,并表现出任性、丰盈与不规则的自由特征

巴罗克华丽的艺术风格,有如一中崭新而生动的音乐,与以前陈旧而平静的音乐形成鲜明的对比中世纪以来,单纯而禁欲的音乐,到此时已能冲破阻碍而自由表现出来,并形成强烈的强弱对比

巴洛克音乐的三大支柱是声乐、器乐与管风琴音乐声乐的代表音乐家是:卡契尼与裴尔丽, 其主要成就是发展了各种有伴奏的旋律,如清唱剧、歌剧等；器乐的代表音乐家是蒙特威尔第与加布里埃里,主要成就是发展了奏鸣曲与序曲;管风琴音乐的代表音乐家是史维林克与富雷斯可巴帝,主要成就是发涨了赋格曲,托卡塔与组曲

回顾历史,巴罗克一词在当时绝不是一个值得骄傲的名称十八世纪若提到“巴洛克风格”便意味着代表低级趣味,而巴赫和亨德尔在当时则有低级趣味的领袖之嫌但当今巴罗克却作为音乐史上一种独特风格而受到高度评价

古典派音乐

公元1762年,一位六岁大的孩子以神童的姿态出现在世界音乐舞台上,在大约十年的时间里,这位神童先后征服了慕尼黑、维也纳、巴黎、伦顿、米兰、罗马和拿波里等大城市他惊人的演奏技巧和作曲才能使人难以置信,拿波里的人都怀疑他有魔法,任为他的魔力来自他手上戴的戒指,为了证实戒指没有魔力,他当众除下戒指演奏

这就是莫扎特的一段真实写照说起古典音乐,人们很自然的会想起被称为“维也纳三杰”的三位古典乐派代表人:海顿、莫扎特和贝多芬

古典派音乐是十八世纪下半叶与十九世纪初流行于欧洲的一种音乐流派这种音乐的风格与以前的巴罗克音乐有很大的差别巴赫和亨德尔所惯用的数字低音的复调写作方法,到了十八世纪下半叶就已经变成了过时的东西,在古典派音乐中则是主调音乐处于绝对优势音乐从简单旋律发展到复调音乐,又从复调音乐发展到突出主旋律,和声为辅的历史阶段这并不是元古简单音乐的反复重现,而是更高水平古典音乐的主旋律曲调有着级其重要的地位,低音往往用主音或属音反复演奏,或用简单的分解和弦在和声上行成以主,属,下属为中心的功能体系这一时期,人们不想听沉重的音乐,而要求更明朗更轻快的东西这也可以说是启蒙精神要求的一个方面因而可以说,情绪明快,结构严谨,音乐语言清晰,音乐手法精炼,是这一时期音乐的重要特点此时的奏鸣曲体裁得到高度发展交响乐的发展达到了高度的艺术水平

古典主义一词原系主要指希腊与罗马的文学与艺术的原则与特征,认为它包括形式上的优美,单纯,尊严和文体严谨在音乐上,古典派这一词通作浪漫派的对称,即指浪漫派以前的音乐

浪漫派音乐

公元1826年的巴黎,二十三岁的柏辽兹正在和当时莎士比亚歌剧名演员史密逊**热恋着然而,这段罗曼史却是以悲剧为结束失恋的痛苦使这位穷音乐家陷入了绝望的深渊这中热情与颓唐、渴望和苦闷、幻想及怀疑、愤慨兼嘲弄的精神境界,在他自传式的《幻想交响曲》中淋漓尽致的表现出来这部作品首演即大为成功,成为浪漫乐派的重要代表作之一透过这部交响曲,可以感到当时社会脉搏的跳动,表现了在当时政治趋向反动的年代,法国资产阶级和小资产阶级趋向衰落时期的矛盾状态

浪漫一词又音译为“幻想的”“传奇故事的”“有骑士精神的”等等是文艺上的“古典”一词的对称浪漫派音乐则是继古典乐派后,流行于十九世纪的一种西方音乐流派在音乐上以强调主观,情感以及更多形式上的自由为特征这些特征虽然早在贝多芬晚期作品中,特别是钢琴奏鸣曲中就有所显露,但总的来讲,浪漫乐派是以伟伯及舒伯特为开端的伟伯在当时写了歌剧《自由射手》,成为公认的浪漫派先驱舒伯特所作的独唱曲也在此时流行浪漫派音乐的标志之一是需要台词对白或诗的歌剧,以歌曲作为分野这在开始时绝非偶然,因为浪漫主义运动并不只是音乐方面,它与当时的造型艺术及文学上的美学思潮有密切的联系仅就音乐而言,一般可分为前期浪漫乐派与后期浪漫主义乐派两个阶段

前期浪漫乐派除伟伯及舒伯特外,又从六位出生于同一十年之间的作曲家手中得到发展,这六为著名作曲家是:1柏辽兹（1803~1869）主要作品有：《幻想交响曲》《匈牙利进行曲》等2门德尔松（1809~1847）主要作品有：《苏格兰交响曲》《意大利交响曲》等，3舒曼（1810~1856）4肖邦（1810~1849）主要作品有：《华尔兹》《夜曲》《玛祖卡》等，5李斯特（1811~1886）主要作品有：《浮士德交响曲》《但丁交响曲》《死之舞》《匈牙利狂想曲》等6瓦格纳（1813~1883）主要作品有：《漂泊的何兰人》《汤豪舍》等

自1850年后,西方浪漫乐派进入第二阶段,称为后期浪漫派由于前期浪漫派音乐的高度发展,至此后,有人回头去寻求古典的简朴与统一,企图回复到类似原先的风格也有人致力发展自己本民族的音乐,以此与德国音乐对抗还有人大胆探索高度半音化的音乐,使其逐渐向现代音乐过渡后其浪漫乐派的重要代表人有:弗朗克主要作品有：《钢琴与小提琴A大调奏鸣曲》等、布拉姆斯、布鲁克纳、柴科夫斯基主要作品有：《第一钢琴协奏曲》《弦乐小夜曲》《天鹅湖》等、马勒：主要作品有：《第一巨人交响曲》等、雷格、理查斯特劳斯主要作品有：《玫瑰骑士》等、西贝柳斯主要作品有：《悲伤圆舞曲》等

除作曲方面,浪漫派音乐在演奏方面也有很大发展,个性的表现不只是作曲的要素对演奏家也渐渐成为必要的条件其结果自然会考虑到演奏效果,演奏家发挥高度的演奏技巧,受到听众的热烈喝彩,其代表人物如小提琴演奏家帕格尼尼此外,当时的作曲家兼演奏家如李斯特,肖邦,维尼亚夫斯基等人,对改造发展演奏法,也有着卓越的贡献

民族乐派

公元1866年初春的布拉格,一个以捷克民族语撰写的角本歌剧与观众见面了,这个以波希米亚农村的农民为背景的歌剧,由于具有浓厚的波希米亚色彩,而被公认是捷克民族歌剧的典范作品此歌剧名为《被出卖的新娘》,由斯美塔那作曲,作者的另一首交响诗套曲《我的祖国》包含了著名乐章《伏尔塔瓦河》,开民族乐派之先河,斯美塔那死后,当时的波希米亚首都布拉格,一跃而成为民族乐派的发源地,

民族乐派是十九世纪后半叶来的一种强调本民族特性的音乐流派,属于这一乐派的作曲家往往采用本民族的民间歌谣和舞蹈节奏,并选择其本民族历史上和生活中的故事情节,作为歌剧与交响诗的创作题材从音乐风格来讲,民族乐派开始时可以说是在浪漫派音乐的基础上延续发展而来浪漫派的作曲家中,如伟伯、肖邦、李斯特、瓦格纳等人,不论有意还是无意,在其作品中,都可以嗅到浓厚的民族味道从十九世纪中叶起,不少国家与民族要求摆脱当时以德国音乐风格为统治的意识越来越强烈。1860年，民族乐派在波希米亚、挪威及俄国兴起,除捷克民族音乐之父斯美塔那的著名作品外,捷克民族音乐家德沃夏克的管弦作品《斯拉夫舞曲》等也都较著名挪威作曲家格里格,则以祖国的民间乐调为基础,运用欧洲音乐的作曲技法,创作了《培尔金特》等著名的交响组曲俄罗斯民间音乐之父格林卡则以俄罗斯传奇为题材,创作了第一部用俄语演唱的歌剧《伊凡苏萨宁》,继而有俄罗斯强力集团,由巴拉基列夫、居易、鲍罗丁、穆索尔斯基和李姆斯基—科萨柯夫等五人组成后来民族乐派又转到芬兰,西贝柳斯曾一度属于这一流派

二十世纪的某些现代音乐家,如匈牙利的巴托克与柯达伊英国的佛汉威廉士罗马尼亚的艾涅斯库美国的哈利斯与格什文等人,均可称为民族乐派的杰出代表

现代音乐流派

公元1894年,德彪西的印象派管弦乐奠基之作《牧神午后》前奏曲在巴黎首次演出,获得极大好评这以二十年前莫奈的油画《印象—初升的太阳》因首次在巴黎展出而遭到“印象主义”罪名的嘲笑,形成了鲜明的对比

在西凡音乐史上,现代音乐流派一般从印象主义音乐算起

音乐的现代与否,本是一个以一定时代风格相联系的相对概念不同的时代,不同的角度,“现代”一词的含意各有不同有人将这个历史范畴划分的比较窄,认为现代音乐仅仅指第二次世界大战以后的最激进的音乐流派,有人划分的比较宽:将印象主意音乐也纳入到现代音乐的范畴还有人划分的更宽:以瓦格纳的音乐剧《特里斯坦与伊索尔德》为新的音乐时代的开始,尽管划分的宽窄各有不同,然而对现代音乐基本阶段的细分却大同小异,如果我们以1856年的《特里斯坦与伊索尔德》为现代音乐的序幕,以两次世界大战为分界,那就可以大致将其基本阶段作一下细分:

近代音乐 现代音乐

第一期 第二期 第三期

1856年 1900年 1918年 1945年 1987年

因此:一般可以说,现代音乐主要指二十世纪来特别是二战后的西方新音乐流派如果说,十九世纪末后期是浪漫派为主的近代音乐,那么,现代音乐的第一期则基本上建立在上述音乐的延线上,以德彪西的印象主意和勋伯格的表现主义为代表第二期以新古典主义为代表第三期则出现了形形色色的先锋派音乐和多种多样式并存

从技术特点来看:这种现代音乐至少可以包括以下一些类别:

一:扩展调性的音乐—这种音乐扩展到了调性的边缘,在调性飘浮的情况下,运用了频繁的半音,及远关系的“变化和弦”,极其复杂的不协和和弦,多种调性的同时结合等手法

二:各种无调性的音乐—这种音乐根本没有传统概念的调性中心,如某些十二音体系音乐和其它各种序列音乐等等

三:形形色色的先锋派音乐—有些作品以极其复杂的数字运算来安排,有的大量使用录音或计算机作为作曲的主要手段,诸如又称具体音乐的一种磁带音乐,电子音乐,电子计算机音乐等此外,还有偶然音乐,直观音乐等等不一而足

现代音乐简介:

1:印象派音乐:是受印象主义绘画和印象主义文艺影响而出现的一种音乐流派作品多以诗、画、自然景物为题材,着意表现其感观世界的瞬间印象,其代表人无,除德彪西外,在其发源地法国,尚有拉威尔和杜卡等著名作曲家,在西班牙有德法亚英国有戴留斯和司格特意大利有莱斯庇基,美国有雷夫斯基等等著名音乐家,印象主义唯美的幻景,在继巴黎公社的失败的历史状态中,自觉不自觉的反应出对美好生活的太虚幻境界的臆想和对当时残酷现实的逃避

2:表现派音乐:产生于二十世纪初,流行于二三十年代,创立者是奥地利的音乐家勋伯格,他的学生贝格与威伯恩继承并加以发挥表现主义最早是在美术上真对印象主义画派提出的一中艺术理论印象主义主张对客观世界的“所见之物”作纯客观的描写;而表现主义则强调直接表现人的心灵世界和心灵所见的客观姿态它是资本主义开始发展到帝国主义时期后,大城市中的“小人物”的一种艺术其重要的创作手法之一是十二音体系这一技法是由勋伯格所始创按照这一体系,半音音阶中的十二个音均处于同等地位,将这十二个音排成某一音列,并运用该音列的基本形式,倒置,逆行,逆行倒置等技法加以处理,在这个音列的十二个音未全部出现之前,其中任何一音不得重复十二音体系的音乐多为无调性或自由调性的音乐

3:原史主意音乐:它是十九世纪到二十世纪西欧艺术(主要是造型艺术)中的一种流派法国画家昂利卢棱被认为是现代原史主义的头头,画家毕加索等人在他们的作品中也有以原史主义的手法及高度的技巧创造了色彩鲜明的作品 原史主义在音乐中的表现并不是一个稳定的流派,就斯特拉文斯基而言,仅是早期的某些作品属于这一范畴,如他的芭蕾舞音乐剧《春祭》就是典型的原史主义音乐其它的一些现代音乐家如巴托克,奥涅克等人,也只是在个别作品中有所表露此外:也有人对采用及其简单的某种现代手法写作的音乐称为原史主义,如著名的西德作曲家沃尔夫就写过这类作品

4:反法西斯乐派:这是一种并非以音乐风格划分的一种音乐流派在第二次世界大战前后流行于欧洲各地的反抗纳粹残暴统治的各种音乐作品,皆属这一范畴有影响的作品如勋伯格的《华沙幸存者》,此作品揭露了第二次世界大战中纳粹集中营迫害犹太人的残绝人寰的暴行此作品在世界各地无数次的演出,均受到观众的欢迎

5:新古典主义音乐:它是本世纪二十年代兴起的一中现代音乐六派,是真对后期浪漫派在音乐的标题性,主观性而产生的一中创做思潮它主张音乐回到“古典”中去,回到离巴赫更远的时代中去这中主张是由意大利的布索尼首次提出的,他创作的《喜剧序曲》和《钢琴小奏鸣曲》即为此类作品亨德米特也是重要的新古典主义者,然而,这一流派影响最大的人物还是斯特拉文斯基,他写的《圣诗交响曲》和《士兵的故事》可以说是古典型的新古典主义作品

6:微分音流派:现代音乐中以采用微分音进行创作的作品,均称为微分音流派所谓微分音就是指比钢琴键盘上的半音还小的音程在我国的民间音乐中,就常见比键盘上某音略高或略低的情况,这种比半音还小的音程通常用“↑”或“↓”的符号加注明微分音流派的体裁不一,有的将一个八度内划分十九个音,二十个音,三十一个音,甚至四十三个音;也有不按全音平均分的,还有不以八度划分音程的,不一而足意大利的现代作曲家布棱尼就考虑到使用三分之一音捷克的哈巴就是微分音流派的代表人物

7:序列主义音乐:其是一中将音的高低、音的长短、音的强弱、音的色彩以及不同的演奏方法全面按即定的流程进行作曲,即为序列主义音乐它是二十世纪中期开始,流行于西方的一种新的流派其主要代表人物有布列兹、威伯恩、梅西安、诺诺等人六十年代起,序列主义音乐又常以电子音乐相结合

8:电子音乐:一种二十世纪五十年代兴起的先锋派音乐它是用电子音响方法制造而成的音乐具体的说,就是把磁带的速度改变,或将其频率改变,或将其频率过滤,振幅过滤,修改频率与振幅,运用回声技术等等,在经过其它电子仪器和录音技术加以剪接处里,使之再生,复合,组成作品其代表人物有史托克豪森、凯奇等人

9:具体音乐:一种直接用自然界真实的音响在磁带上制作而成的音乐,这种自然音响无所不包,诸如火车的隆隆声,驳船的嘟嘟声,人们的低语、叹息和咳嗽声,厨房的碗盘,刀叉和炖锅声等等其代表人物有舍弗尔、昂利等人

10:偶然音乐:一种用机遇的方法制造的音乐其代表人物有凯基等人“偶然”(Aleatory)的概念源于拉丁字:alea iacta est,指骰子时的偶然性,所以又称偶然音乐为色子音乐它有许多种类,有的通过占卜,掷色子,丢硬币等方法来却定作品的音高、节拍、音色、强度:也有的将地图、星座图等作为创作依据偶然音乐者认为;我们通常听到的音乐与现实世界的音响毫无关系,认为这些音乐属于虚构的美认为音乐是一种无目的的游戏它真正的美应该产生于与听众同时存在的瞬间,即偶然发生的音响偶然音乐者主张:“用一切有可能的方法来制造音乐”这种现代音乐流派,在西方也有人评判它是不可取的,认为这样的作曲家失去了作为创作者的职责(其实只是所处的立场不同而已)

11:爵士音乐:它是一中娱乐性的舞蹈音乐,二十世纪初其产生与美国新奥尔良等地,从美国黑人音乐的劳动歌曲、灵歌、布鲁斯(怨曲)及拉格泰姆(散拍乐)演变而来自1914年传入欧洲后,经过资本主义流行音乐商业化的扭曲,而逐渐失去了民间音乐的本来面目(现在好想有些爵士乐又回到民间音乐的行列中了)

12:普普音乐:西方流行的通俗音乐的总称普普为通俗一词的音译,其音乐包括西方各种流行舞曲,流行歌曲等爵士音乐亦属此范畴五十年代中期,在西方兴起了一中摇摆滚乐,六十年代以摇摆乐的名称而风靡西方世界其中著名的摇摆舞乐对有:“甲壳虫乐队”“滚石乐队”以及瑞典的“艾巴乐队”七十年代末,迪斯科音乐代替了摇摆舞曲而进入西方社会的各个领域,其特点是速度快,基本速度达到一分钟125拍,节奏强烈呆板狂热至痉挛的程度

从西方音乐某些作品中怪诞的,精神质的音响,可以看出作者自觉不自觉的反应了世界大战前后资本主义世界的某些侧面,其中包括人们对战争的恐怖,对未来的绝望,以及空虚孤独的心理状态等等以布拉赫—艾克的《抽象歌剧第一号》为例,尽管连唱词也是“啊、鸣、嘎”之类的抽象字眼,但只要看到舞台的天幕上放射出的“恐惧、恐惧”,五排大字,就说明它不是那么抽象又如约翰凯奇的《四分三十秒》,由一位钢琴家静坐四分三十秒而什么也不弹,这种奇特的作品,至少反应了作者内心世界的空虚当然,从技术角度来讲,依然要对这些五花八门的音乐有所了解,以便知道什么是可取的,什么是必需批判的同时,在世界现代音乐中,由于存在这各种不同的音乐作品,其中,既有很优秀的,也有很消极的作品,这是不言而喻的因此,这就应该以实事求是的态度对具体作品作具体的分析

　波兰的比得哥熙诺沃维伊斯基音乐学院受到不少音乐生的喜爱，那么这所大学怎么样呢？跟着来看看吧!欢迎阅读。

　比得哥熙诺沃维伊斯基音乐学院解读

　学院简介：

　全名为比得哥熙诺沃维伊斯基音乐学院，其历史追溯到1927年，当时是由波兰著名音乐家Zdzisław Jahnke建立的市立音乐学院。1979年成为完全独立的国立高等音乐学校并以波兰著名作曲家诺沃维伊斯基的名字命名。1982 年成为国家音乐学院。

　学院设施完善，配有教学楼、讲演厅、课堂 、风琴堂、阶梯教室、音乐厅 ，图书馆以及两栋宿舍楼，同时，还拥有自己的音乐棚和出版社。

　著名校友：

　卡塔琳娜·齐德隆·波波娃(Katarzyna Popowa-Zydroń)教授：原籍保加利亚，是目前波兰乃至欧洲非常著名的钢琴家、教育家。2005年肖邦国际钢琴比赛冠军拉法尔·布雷查兹的恩师。她本人曾经在1975年参加肖邦国际钢琴比赛并获得荣誉提名奖，目前任教于本院。

　耶日戈齐舍夫斯基(Jerzy Godziszewski)：波兰著名钢琴家， 1998年为波兰国立广播电台录取了席曼诺夫斯基的作品，自1978年在本院任教。

　拉法尔·布雷查兹(Rafał Blechacz)(1985年6月30日)：2005年的肖邦国际钢琴比赛中冠军。截至到2005年,他是唯一同时囊括所有乐曲种类的最佳演绎奖的钢琴家(包括波兰舞曲、圆舞曲、玛祖卡舞曲和奏鸣曲)。而他的获奖，也标志着主办国波兰在30年后重新获得此项著名钢琴赛的冠军。拉法尔·布雷查兹光荣毕业于比得哥熙音乐学院。

　名师简介：

　神话般的钢琴教育家——卡塔琳娜·齐德隆·波波娃

　卡塔琳娜·齐德隆·波波娃，保加利亚原籍，波兰钢琴家、教育家。被波兰乃至世界音乐界和教育界亲切地称为——神话般的钢琴教育家，现任肖邦国际钢琴比赛评委会主席。

　波波娃教授1973年毕业于格但斯克国立音乐学院，1975年参加华沙国际肖邦钢琴大赛并获得最高荣誉奖。同年，在意大利车尔尼国际钢琴大赛中获奖，并于1978年慕尼黑国际钢琴大赛中获荣誉奖项。目前，卡塔琳娜·齐德隆·波波娃在波兰比德哥熙国立音乐学院任教，为钢琴系负责人。

　自2014年开始，波波娃教授担任肖邦国际钢琴比赛的评委会主席。同时他还担任着世界上许多钢琴大赛的评委以及钢琴大师班，研讨会和国内外众多知名音乐学院客座教授。多次参与国内外众多世界级交响乐团和室内乐团的比赛和演出。她演奏的曲目包括从巴洛克风格的作品，以及横跨20世纪众多音乐大师： 莫扎特， 贝多芬， 舒伯特， 舒曼， 肖邦， 德彪西， 巴托克等。可以说，她是波兰当代音乐的****。七十年代波兰国家级音乐家。

　音乐评论家这样评价她：卡塔琳娜·齐德隆·波波娃的演奏，现代，简单而充满爆发力。对于贝多芬，肖邦等知名音乐家作品的演绎，完整而独树一帜。她所表现出的，丰富多彩的钢琴音色和超强的键盘控制能力，是这位钢琴大师一流的音乐技巧和精湛个性的完美结合。使人情不自禁地陶醉在她轻松而浪漫的音乐世界中。

　1996年，卡塔琳娜·齐德隆·波波娃与同事创办了格但斯克音乐家音乐爱好者协会。组织了多次国际性音乐艺术节和室内音乐会，同时开设钢琴大师班，研讨会和公开课。吸引了国内外多所音乐学院的优秀学生赴波兰学习参观。其开办的一系列钢琴音乐会中独特而生动的音乐教学方法，获得了国内外音乐教育家的一致认可和好评。为波兰的艺术教育事业做出了巨大的贡献。2004年，由波兰总统授予卡塔琳娜·齐德隆·波波娃公爵奖章。2005年，由全国教育委员会授予其“凯莱弦乐”奖牌和波兰复兴十字勋章的至高荣誉。

　卡塔琳娜·齐德隆·波波娃的学生，遍布世界各地，并常常出现在世界钢琴大赛德领奖席上。第十五届国际肖邦大赛冠军拉法查兹，就是卡塔琳娜·齐德隆·波波娃的亲传弟子。可以说，卡塔琳娜·齐德隆·波波娃在国际乐坛中拥有其不可撼动的权威性和地位。

　波波娃教授于2010年4月首次来华讲授钢琴大师课，并举办个人独奏音乐会，受到了业内一致好评。中国钢琴泰斗周广仁先生，吴元教授亲自到场祝贺。著名小提琴表演艺术家盛中国教授携夫人濑田裕子到场祝贺。

　本科和硕士阶段招收专业

　一、乐器演奏表演专业

　1、键盘乐器：钢琴、管风琴、 羽管键琴、手风琴

　2、弓弦乐器：小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴

　3、拨弦乐器：吉他

　4、管乐器：长笛、单簧管、双簧管、巴松管、萨克斯(仅限爵士萨克斯)、小号、长号、圆号、大号

　5、打击乐器

　二、声乐表演专业

　三、作曲和音乐理论专业

　四、指挥专业

　1、交响指挥

　2、合唱指挥

　学制

　1年预科;3年本科(声乐专业本科4年);2年硕士。

　学费

　预科阶段：

　器乐专业7000欧元，声乐专业7500欧元。

　本科以及硕士阶段：

　器乐专业6000欧元/年，声乐专业6500欧元/年。

　注册费：200欧元/年。

　(本科)预科入学要求

　高中毕业，能提供高中3年成绩单及高中毕业证

　有高考成绩(暂无分数要求)

　学习音乐专业，并需要参加现场录取考试。

　(硕士)预科入学要求

　音乐以及相关专业大学本科毕业，能提供本科4年成绩单及大学毕业证书、学士学位证书;

　需要参加现场录取考试。

一、文艺复兴时期

1、尼德兰乐派：创作内容多为弥散曲与经文歌等宗教音乐，也有世俗音乐。代表人物有迪费、若斯坎、班舒瓦、奥克冈等。

2、威尼斯乐派：威尼斯乐派的宗教音乐音响恢弘，色彩绚丽，采用双合唱队（甚至达到五个合唱队），有乐器伴奏，如管风琴、号角、维奥尔琴等。代表人物有维拉尔特、叔、侄加布里埃利。

3、罗马乐派：一个专门创作服务于宗教作品的乐派，以无伴奏合唱的形式为主。代表人物有帕勒斯特里那等。

二、巴洛克时期

1、蒙特威尔地（Claudio Monteverdi, 1567～1643）

2、史卡拉第（Alessandro Scarlatti, 1660～1725）

3、佩戈莱西（Giovanni Pergolesi,1710～1736）

4、科莱利（Arcangelo Corelli, 1653～1713）

5、韦瓦第（Antonio Vivaldi, 1678～1741）

6、塔替尼（Giuseppe Tartini, 1692～1770）

7、德国的许茨(Heinrich Schutz, 1585～1672)

8、柏格兹特胡德（Dietrich Buxtehude, 1673～1707）

9、泰勒曼（Georg Philipp Telemann, 1681～1767）

三、古典主义时期

1、海顿：著名的奥地利作曲家，维也纳古典乐派的最早期代表。

2、莫扎特：1756年1月27日生于奥地利（神圣罗马帝国时期）的萨尔茨堡一位宫廷乐师的家庭。最出名的乐剧是《安魂曲》、《费加罗的婚礼》 和《唐璜》和《魔笛》。

3、贝多芬：路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven，17701216—18270326），男，德国作曲家、钢琴家、指挥家。维也纳古典乐派代表人物之一。

四、浪漫主义音乐

1、舒伯特：创作中心是艺术歌曲，艺术歌剧是诗歌和音乐的结合，这是浪漫主义音乐派作曲家抒发诗情画意的理想领域。

2、李斯特：中期浪漫主义音乐派的代表人物之一，他出生在匈牙利，他的一生对音乐突出的贡献主要是丰富了钢琴技巧的表现力。

3、理查德·施特劳斯：晚期浪漫主义音乐派作曲家。作为一位作曲家，施特劳斯的贡献主要表现在交响诗方面，他完善了交响诗的结构形式，精心创作主导动机以及专门描写人物、地点、情景的音乐片断。

扩展资料：

浪漫主义音乐与古典主义音乐有所不同。它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。

如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；

提倡标题音乐；

强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，没有矛盾，是理想的境界；

重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。

在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。

参考资料：

-文艺复兴音乐

参考资料：

-巴洛克时期

参考资料：

-古典主义时期

参考资料：

-浪漫主义音乐

理查德·瓦格纳

理查德·瓦格纳（RichardWagner，1813年—1883年），出生于德国莱比锡，浪漫主义时期德国作曲家、指挥家。

1833年，正式开启音乐家生涯，于同年创作了歌剧《仙女》。1843年，《漂泊的荷兰人》在德累斯顿歌剧院首演，瓦格纳的名声亦由此确立。1845年，《汤豪瑟》在德累斯顿宫廷剧院首演。1849年，瓦格纳开始了长达十余年的流亡生涯。1850年，弗朗茨·李斯特在魏玛指挥首演了《罗恩格林》。1864年，路德维希二世因欣赏瓦格纳的才华，决定为其偿还债务，瓦格纳的命运也由此发生转折。1865年，《特里斯坦与伊索尔德》在慕尼黑宫廷剧院首演。1868年，《纽伦堡的名歌手》在慕尼黑首演，该剧确立了瓦格纳在德国音乐中的主导地位。1874年，《尼伯龙根的指环》四联剧长达26年的创作历程划上了句号。1876年，《尼伯龙根的指环》在汉斯·里希特的执棒下在拜罗伊特首演，引起欧洲文化界的轰动。1882年，《帕西法尔》在第三届拜罗伊特音乐节上进行了首演。1883年2月13日，因心脏病发作，在威尼斯逝世。

理查德·瓦格纳是欧洲浪漫主义音乐达到高潮和衰落时期的具有代表性的作曲家，也是继贝多芬、韦伯以后，德国歌剧舞台上的重要人物。此外，他还是剧作家、哲学家、评论家和社会活动家。所以，瓦格纳不仅在欧洲音乐史上占据重要的地位，而且在欧洲文学史和哲学史上也具有一定的影响。

中文名：威尔海姆·理查德·瓦格纳（全名）

外文名：WilhelmRichardWagner

国籍：德国

出生日期：1813年5月22日

逝世日期：1883年2月13日

职业：作曲家、剧作家、指挥家

毕业院校：莱比锡大学

代表作品：《尼伯龙根的指环》《特里斯坦与伊索尔德》《纽伦堡的名歌手》《罗恩格林》

早年经历

1813年5月22日，理查德·瓦格纳出生于莱比锡，其父卡尔·弗里德里希·威廉·瓦格纳是该市警察局文书，于同年11月23日去世。1814年8月28日，瓦格纳的母亲再嫁给演员、诗人路德维希·盖耶尔，并举家迁往德累斯顿。

1820年，瓦格纳在德累斯顿郊区波森多夫的一所小学读书，并在牧师克里斯蒂安·魏策尔的指导下上了几节钢琴课。1821年6月，作曲家卡尔·马利亚·冯·韦伯的歌剧《自由射手》首演于德累斯顿，幼小的瓦格纳被该剧吸引，并通过继父结识了韦伯。

1826年秋假，他用古希腊作品《奥德赛》中的内容改编、创作了他最早的三首颂歌；年底，瓦格纳一家迁往布拉格，他本人仍留在德累斯顿，寄居在同学贝姆家中。

1827年，其全家搬至莱比锡，瓦格纳由此转到莱比锡尼古拉中学就读，在此之前，瓦格纳在学校一直用理查德·盖尔这个名字，进入尼古拉中学就读后，学名又改为理查德·瓦格纳；在此期间，他置学业于不顾，热衷于莫扎特和贝多芬的音乐以及莎士比亚、歌德和席勒的戏剧，并在叔父阿道夫的影响下，养成了阅读和研究的习惯。

1828年，完成了第一部长达五幕的悲剧《劳伊巴德》，为了给该作谱曲，开始自学洛吉尔德《通奏低音的方法》，并私下随莱比锡交响乐团的米勒学习和声。1829年，在莱比锡听了女高音施洛德·戴夫里恩特演唱的《费德里奥》中的作品后，决定放弃其他志向，确立以音乐为奋斗目标。

1830年，将贝多芬《第九交响曲》改编成钢琴曲；6月，为了获得大学的入学资格，转入托马斯学校就读；12月24日，《降B大调序曲》成为其首演作品，此时他还写有一部弦乐四重奏和各类奏鸣曲与序曲（大多以散失）。

1831年2月23日，在莱比锡大学注册为音乐学院学生；同年秋，师从圣托马斯教堂唱诗班的主唱韦恩利希学习和声与对位，得到了后者的悉心指导；在此期间，瓦格纳创作了《D小调音乐会序曲》，并将自己首次出版的《降B大调钢琴奏鸣曲》题献给韦恩利希，以谢师恩。

1832年11月，《C大调交响曲》在布拉格音乐学院首演，随后又在莱比锡布业音乐厅上演；在此期间，在帕施塔伯爵的女儿珍妮的恋情激励下，创作了第一部完整的歌剧脚本《婚礼》（DieHochzeit），但后因姐姐罗莎莉（一位戏剧演员）认为质量不佳被瓦格纳撕毁，该剧的音乐也大多遗失。

人物经历

生涯初期

1833年开始，正式步入职业音乐家生涯；1月，在哥哥阿尔贝特（一位歌剧演员）的引荐下，担任维尔茨堡剧院的合唱指挥，得以接触到韦伯、凯鲁比尼、罗西尼、奥柏等人的剧作；在此期间，创作了童话题材的浪漫主义歌剧《仙女》。

1834年1月，带着刚完成的《仙女》总谱返回莱比锡，希望在莱比锡剧院上演此剧，但计划落空；同年夏，到波西米亚短暂度假期间，开始构思、创作歌剧《爱情禁恋》，该剧根据莎士比亚的《一报还一报》写成，带有喜剧色彩，音乐上则受到贝利尼、奥柏等意大利和法国作曲家的影响；7月底，应邀担任贝特曼巡演剧团的音乐总监，并与剧团中一位小名为明娜的女演员克里斯蒂娜·普拉内相恋；同年，撰写了论文《德国歌剧》。

1835年，创作了序曲《克里斯托弗·哥伦布》；7月至8月间，为了挑选歌唱演员，第一次到拜罗伊特。1836年3月29日，歌剧《爱情禁令》在马格德堡歌剧院首演，瓦格纳担任指挥；此后不久，剧院因财政不力解散，他和明娜来到柯尼希斯堡；11月2日，与明娜在特拉哥亥姆教堂举行婚礼。

1837年4月1日，出任柯尼斯堡剧院乐队指挥；同年，因经济等方面原因，与明娜关系恶化，致使她与一位名叫迪特里希的商人私奔，瓦格纳后来劝回明娜和好，但两人的分歧已为日后的离异埋下伏笔；7月25日，来到里加，出任歌剧院的音乐总监；在里加期间，根据英国作家爱德华·布尔沃·利顿的小说《黎恩济》开始创作同名歌剧。

1838年1月，完成《黎恩济》的脚本；8月7日，开始为该剧谱曲；同年，因瓦格纳负债累累，当局没收了他和妻子的护照。

1839年7月10日，与妻子明娜为了躲债从里加秘密出逃；8月，在经历数次暴风雨的历险航行后抵达伦敦，此次海上历险是其创作《漂泊的荷兰人》重要的灵感来源；9月17日，在伦敦作短暂停留后抵达目的地巴黎，但等待瓦格纳夫妇的是贫困潦倒的日子和失意受挫的心境；在此期间，瓦格纳为生计所迫，不得不四处举债，同时不情愿地从事非创造性劳作，如为家用市场改编歌剧流行唱段的钢琴谱，校对乐谱，为一般性音乐杂志撰稿。

1840年1月12日，创作了《d小调浮士德序曲》；11月，完成歌剧《黎恩济》的总谱写作，几乎与此同时，又根据北欧民间传说、海涅的短篇小说以及海上航行的亲身经历，开始了歌剧《漂泊的荷兰人》的创作。

1841年5月，完成《漂泊的荷兰人》脚本，7月至11月间开始谱曲；6月29日，在作曲家迈耶贝尔的推荐下，德累斯顿王家剧院接受了《黎恩济》上演的要求。

1842年4月7日，与明娜返回了阔别六年的故乡德累斯顿；6月22日至7月8日，在波西米亚山区度假时，以格林（JGrimm）的《德国神话》为蓝本，开始酝酿歌剧《汤豪瑟》的草稿；10月20日，《黎恩济》在德累斯顿歌剧院首演。

德累斯顿时期

1843年1月2日，《漂泊的荷兰人》在德累斯顿歌剧院首演，该剧寓意深远、音乐生动，一般认为是其真正显露水准的第一部作品，瓦格纳的名声亦由此确立；3月，完成了《汤豪瑟》的脚本创作。1844年12月14日，作曲家韦伯的灵柩移葬回德累斯顿，瓦格纳为此创作了《挽乐》（Trauermusik）。

1845年4月13日，完成了《汤豪瑟》的总谱创作；7月，在波西米亚度假疗养期间，写成了《纽伦堡的名歌手》的第一份草稿；8月3日，写出了《罗恩格林》的大纲，并于同年11月完成了该剧的脚本创作；10月9日，《汤豪瑟》在德累斯顿宫廷剧院首演，该剧从1845年完稿到1875年由瓦格纳自己最后一次指挥演出前，总谱在不断修改。1846年4月5日，在茨温格尔的德累斯顿旧歌剧院第一次指挥演奏了贝多芬的《第九交响曲》。

1848年4月28日，完成《罗恩格林》的总谱创作，全剧通过圣杯卫士的传说故事，探索圣洁爱情与身份认同之间的辩证矛盾关系；6月，加入带有政治倾向的“祖国联合会”，发表了关于君主政体与共和政体的政治言论，并以演说者的身份进行鼓动演讲，呼吁成立民主政体、推翻贵族，论文《德国和他的侯爵们》正是这一时期的产物；10月，草拟了《尼伯龙根的指环》的散文草稿；11月，进入《齐格弗里德之死》的脚本写作，它后来演化为《尼伯龙根的指环》系列乐剧的最后一部《众神的黄昏》。

1849年5月，普鲁士军队开始掌控局势，瓦格纳作为一个背叛当局的社会名流被通缉，在作曲家弗朗茨·李斯特的帮助下，途经魏玛逃到苏黎世，因不祥预感又逃亡巴黎，在一无所获后，于7月又回到苏黎世；11月，撰写了论文《艺术与革命》和《未来艺术》，并开始了长达十余年的流亡生涯。

流亡时期

1850年8月28日，李斯特在魏玛指挥首演了《罗恩格林》，瓦格纳因遭通缉不能到场；此外，在李斯特的激励下，瓦格纳重拾信心，继续写作《尼伯龙根的指环》的文字脚本。

1851年，撰写了论文《歌剧与戏剧》，并在文中系统地勾勒了自己梦想中的歌剧观念，批判性地回顾了歌剧发展的历史。

1852年，在完成《歌剧与戏剧》后，依次（与故事发生的顺序刚好相反）写作了《青年齐格弗里德》《女武神》《莱茵的黄金》的脚本剧词，并对《青年齐格弗里德》（后更名为《齐格弗里德》）和《齐格弗里德之死》（后更名为《众神的黄昏》）进行修订，整部《尼伯龙根的指环》的脚本写作宣告完毕。

1853年5月18日、20日、22日，在苏黎世举行5月音乐会。1854年9月26日，完成了《莱茵的黄金》的总谱创作；6月，未等《莱茵的黄金》总谱杀青，瓦格纳又开始了《女武神》的音乐创作。1855年，于伦敦指挥演奏八场音乐会。

1856年3月20日，完成《女武神》的总谱创作；9月，进入《齐格弗里德》的音乐写作；在此期间，瓦格纳通过友人介绍，开始着迷于德国哲学家亚瑟·叔本华的学说，其论点对瓦格纳日后的艺术发展和人生观均产生了多方面的影响。

1857年4月，魏森东克特邀瓦格纳全家搬至苏黎世郊区自家别墅的小屋内居住，在与魏森东克一家的接触中，瓦格纳与魏森东克夫人玛蒂尔德之间产生了感情，该段秘密恋情直接导致了《特里斯坦与伊索尔德》的创作；8月，完成《齐格弗里德》前两幕的创作后，就暂时中断《尼伯龙根的指环》之后的音乐写作，转身投入《特里斯坦与伊索尔德》的创作。

1858年，为玛蒂尔德的五首诗歌谱曲，创作了《魏森东克歌曲》，这五首歌曲在音乐风格上是《特里斯坦与伊索尔德》一剧的预示性尝试；4月，瓦格纳与玛蒂尔德的私情被妻子明娜察觉，导致了一场严重的情感危机；8月17日，瓦格纳听从了玛蒂尔德的劝告，离开苏黎世前往威尼斯躲避风头。

1859年3月，迁居到瑞士的琉森；8月，完成了《特里斯坦与伊索尔德》的总谱；9月，来到巴黎，为该剧能在当地上演作准备。1860年1月至2月，在巴黎的意大利剧院举行了三场音乐会。

1861年3月13日，《汤豪瑟》在巴黎上演，但因有人暗中破坏，加之瓦格纳拒绝在第二幕塞入巴黎观众习惯的芭蕾舞，导致演出失败；5月15日，《罗恩格林》在维也纳宫廷剧院演出；8月11日至18日，萨克森国王大赦，瓦格纳第一次返回德国；11月，受魏森东克夫妇之邀，到威尼斯修养，并开始了《纽伦堡的名歌手》的创作。

1862年，与妻子明娜的关系彻底破裂，两人自同年11月后在没有见过面；同年夏，指挥家汉斯·冯·彪罗带着妻子、李斯特的女儿柯西玛来到瓦格纳家中做客。

1863年3月至4月，在彼得堡和莫斯科举行音乐会；7月，在布达佩斯举行音乐会；11月，在布拉格和卡尔斯鲁厄举行音乐会；12月，返回维也纳。

慕尼黑、特里普胜与拜罗伊特

1864年初，在财政上已彻底破产，被迫于3月23日离开维也纳，以免因债务锒铛入狱；5月3日，接到了巴伐利亚刚登基的国王路德维希二世的传话，要他立即前往慕尼黑听旨，路德维希二世欣赏瓦格纳的才华，答应为瓦格纳偿还债务，并奖赏瓦格纳四千古尔盾的年俸，以便让其潜心完成《指环》，瓦格纳为此创作了《效忠进行曲》，以表谢意；10月，经路德维希允许，搬入位于慕尼黑市中心的住房；同年，瓦格纳的感情生活出现转机，彪罗的妻子柯西玛开始与瓦格纳相爱，作为瓦格纳的崇拜者，彪罗内心虽然痛苦，但最终接受了现实。

1865年6月10日，《特里斯坦与伊索尔德》在慕尼黑宫廷剧院首演，该演出由彪罗指挥，并获得了成功；同年，路德维希二世对瓦格纳的宠信和过度资助引发冲突，瓦格纳与柯西玛之间的感情亦引发争议，在公众舆论的压力下，路德维希二世只好对瓦格纳下了逐客令；12月6日，瓦格纳离开了慕尼黑。

1866年4月，瓦格纳租下瑞士琉森湖边的特里普胜别墅。1867年10月23日，完成了《纽伦堡的名歌手》的总谱，并将其题献给路德维希二世作为圣诞礼物。

1868年6月21日，《纽伦堡的名歌手》在慕尼黑宫廷剧院首演，该剧由彪罗执棒，确立了瓦格纳在德国音乐中的主导地位；11月8日，在莱比锡结识了哲学家弗里德里希·威廉·尼采。

1869年3月，中断达12年之久的《尼伯龙根的指环》重又开始；9月22日，《莱茵河的黄金》在慕尼黑首演；同年秋，完成《齐格弗里德》第三幕总谱创作；10月，开始了《众神的黄昏》的音乐创作。

1870年8月25日，与柯西玛在日内瓦正式举行了婚礼；同年，为了纪念儿子齐格弗里德的出生，瓦格纳专门为柯西玛创作了《齐格弗里德牧歌》，该曲于同年圣诞节清晨（适逢柯西玛33周岁生日），由15人组成的小型乐队在柯西玛卧室外的楼梯上进行了首演。

1871年之后，瓦格纳一方面谱写《指环》，另一方面花费大量精力进行“节日剧院”的构想和建造，并最终确定在拜罗伊特小镇建造专供演出自己乐剧的理想剧院，对此瓦格纳进行了公开募捐；5月，在柏林受到俾斯麦的接见。

1872年4月22日，迁居拜罗伊特；5月22日，在瓦格纳59岁生日之际，拜罗伊特节日剧院举行了奠基典礼。1873年，剧院的建设工程遇到困难，有人提议将其易地建设，但被瓦格纳拒绝。

1874年4月28日，迁入万弗里德别墅；11月21日，完成了《众神的黄昏》的总谱创作，四联剧《尼伯龙根的指环》长达26年的创作历程划上了句号。

1876年，拜罗伊特节日剧院落成，建造中因路德维希二世两次拨款，才得以竣工；8月13日、14日、16日、17日，《尼伯龙根的指环》四联剧在汉斯·里希特的执棒下在拜罗伊特首演，共演出三轮，包括德国皇帝威廉一世在内的多国政要和各界人士出席了演出，并在欧洲文化界引起了轰动；10月底，在索伦托最后一次与尼采见面。

晚年生涯

1877年2月，完成《帕西法尔》的草案；3月至4月，完成了该剧的脚本写作；同年，首届拜罗伊特音乐节虽在艺术上取得成功，但财政亏损严重，关键时刻幸得路德维希二世的帮助，即先以低息借给瓦格纳一笔款项偿还债务，并约定通过作品演出版税日后逐步偿还，从而解除了瓦格纳的财务危机；5月17日，英国女王维多利亚在温莎宫接见了瓦格纳；9月，全力投入《帕西法尔》的谱曲。

1880年，撰写了论文《宗教与艺术》，并完成了自1865年开始的传记《我的一生》。1882年，撰写了论文《英雄精神与基督教精神》。

1882年1月，完成《帕西法尔》的总谱创作；7月26日，《帕西法尔》的首演，在第三届拜罗伊特音乐节上举行，共演出16次，由赫尔曼·列维指挥；在最后一次演出中，由瓦格纳执棒指挥最后一幕，并获得热烈欢迎；9月，因身体不佳，携全家到威尼斯修养。

1883年，撰写论文《关于人类中的女性》；2月13日，因心脏病发作，在威尼斯逝世，其遗体被葬在拜罗伊特瓦格纳住宅（即万弗里德别墅，现为瓦格纳博物馆）的花园内。

主要作品

音乐戏剧作品

管弦乐

声乐曲

钢琴曲

著述

以上主要作品来源

创作特征

基本概念

乐剧

“乐剧”（Musikdrama），在1833年由德国作家特奥多·蒙特在论文集《批评之林》中用以称呼普通歌剧，此时没有后来瓦格纳歌剧的那种意思。但瓦格纳的追随者们读到这个词，赋予了新的含义，用来称呼瓦格纳改革的歌剧。但瓦格纳本人并不同意，1872年他专写了一篇文章：《关于“乐剧”的命名》，说明这个称呼容易让人误会。但瓦格纳又觉得他的作品不同于一般的戏剧，也不能简单地称之为戏剧。他说：“认真地说，它的名称的意义应当理解为：一种安置在音乐中的真正的戏剧。因此，重点应当落在戏剧上，这种戏剧应当跟迄今为止的歌剧剧本完全不同，尤其不同的是，在这种戏剧中，剧情绝不仅仅是根据哪种传统的歌剧音乐的需求而安排的，恰恰相反，倒是一种真正的戏剧的性格需求支配着音乐的构思。”

关于这种戏剧的名称，鉴于古希腊戏剧常在节日演出，故瓦格纳称他的歌剧为“剧场节日剧”，并将其最后一部“乐剧”《帕西法尔》称作“剧场庆典节日剧”。但人们却不把瓦格纳的歌剧称作节日剧，还是叫它“乐剧”。

总体艺术作品

“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk），是瓦格纳自己创造的德语复合词，首次出现在他写于1849年的《未来的艺术作品》中。“总体艺术作品”是一种“普遍的艺术”，就是把音乐、诗歌、舞蹈、雕塑、建筑等各种艺术部门融为一炉，从中不复找到单独的艺术门类的分野，它们全都交织在一起，并由此升华出一种崭新的“未来艺术”。

剧作特征

人物特征

瓦格纳的戏剧取材于古代神话传统，把英雄人物当作象征，作为哲学的体现。他用音乐来表现被文明所压制的人类本性。他不写人物性格的戏（《名歌手》除外），他试图以原始形式的观点来看待神话，把它看作一种观念、一种哲学，一种象征，这种抽象的象征是脱离人物性格的。

瓦格纳的剧中人多是与环境分离，不强调他们的个性，只满足于揭示其性格的主要特点。其剧中人物虽有交往，但当两个或更多的人物相对时，交响音乐就把他们的个性湮没在一股音乐潮流之中。他们只是一些人物，但并非戏剧中的人物。此外，他剧中的女英雄人物容易消失在奇异的气氛中，变得更加神话化而非人性化。尽管以其爱情的原始力量感动人，但她们没有温柔、优美，没有妇女的特征。

情节

情死（或殉情）早在瓦格纳的第一部歌剧《结婚》中就已出现。这种因素贯穿在之后的一些歌剧中，如《漂泊的荷兰人》中的森塔，《汤豪塞》瓦尔特堡的歌咏比赛会中的爱丽莎白，《罗恩格林》中的爱尔莎，《特里斯坦与伊索尔德》中的伊索尔德。“情死”在瓦格纳歌剧中，实际是一种象征，一种观念，是酒神超脱的喜悦之情的体现。

音乐特征

通谱体

瓦格纳采用逻辑严密的通谱体方式写作，每一幕由常见的AAB或ABA式乐段构成，放弃传统以歌曲为单位的编号式写法，并采用“无终旋律”技巧，造成段落之间悬而未解的过渡，强化歌剧的交响化展开，力图使作品成为一个连续而严密有序的整体。

无终旋律

“无终旋律”（UnendlicheMelodie），是由瓦格纳的追求者们使之流传开的。瓦格纳本人仅在1860年写的《未来音乐》一文中提到这个概念，之后未用过。他说：“音乐家使沉默变有声的可靠形式是‘无终旋律’，亦即‘旋律始终保持在必须不间断的潮流中”。“旋律”在此也不同于一般概念，是指交响乐队产生的“音响流”，它与剧情的进展紧密结合，不断如“潮流”样地涌出，而剧情就在“无终旋律”的潮流中推进，歌唱与交响乐、声乐与器乐形成“复调”，此起彼伏，音乐与戏剧融为一体。

可以说，“无终旋律”的特征就是不间断性，为此音乐结构要始终保持开放和展开性，避免歌曲形式的封闭结构或段落感。瓦格纳经常使用的术语“不间断的旋律”就是此意。

主导动机

主导动机（Letimotif）是瓦格纳写作中的一个重要手法，即运用一系列短小的动机或主题代表特定的人物、事件、物体、地方、情感等，大都短小而凝练，贯穿在作品中。它可以根据剧情变化、发展和变形，以起到提示即将出现的事情或人物、建立联想，统一全曲等作用。从《漂泊的荷兰人》开始，瓦格纳就有意识地运用主导动机。在“乐剧”中，主导动机是“总体艺术作品”思想的产物，并为“总体艺术作品”服务，是“总体艺术”不可分割的要素。此外，主导动机这个术语并非是瓦格纳提出的。据他的妻子柯西玛的日记记载，瓦格纳在1879年1月31日以前，从未提过这个词，而是他的追随者、《拜罗伊特报》的编辑沃尔佐根在19世纪70年代根据瓦格纳的实践总结出来的。

瓦格纳认为舞台上所演的不应只是根据一个故事轮廓或一篇用诗写成的故事唱出一段一段的歌曲来，而应该是一部戏剧艺术的严肃作品。其中的音乐，无论声乐、器乐，均应表现处一直不停的剧情的发展。根据这种观念，他使用了一种有旋律意味的宣叙调，只有剧情进行到紧要关头（如《女武神》中的诀别、魔火，《齐格弗里德》中的相会场面等），该种宣叙调才延伸成长旋律。这种宣叙调不时地有着旋律，它们简短而富有表现力，其中巧妙地运用着主导动机。这些主导动机代表着剧中人或支配着剧情发展的重要势力。有时为了表现复杂的境遇、势力、情感或行为，这些主导动机就巧妙地在交织在一起；有时，声乐部分代表一方面，而管弦乐队则代表另一方面。例如，《莱茵的黄金》中就有代表“莱茵河”的动机、莱茵水仙的动机、雾魔的奴役动机、莱茵的黄金动机、指环的动机、弃绝爱情的动机、瓦尔哈拉动机、干戈动机、契约动机、弗莉卡的动机、奔跑动机等等。总之，乐剧中人物、地点、行动、自然事物等各有各的动机，不时地按剧情的要求而出现、变化、发展、交织。

调性

瓦格纳把大小调体系进一步发展。虽然他还未敢越界，但不断展开的漩涡般转调，常让人无法找到其基本调性，因为终止式被冲淡了，正常的调性关系被放弃了，它要求自由、脱离调性约束，脱离声部进行，脱离古典终止式及调性的决定曲式的诸要素。

管弦乐队

瓦格纳的歌剧通常采用庞大的三/四管编制，乐队的表现力得到提高，管弦乐织体丰富，色彩充满变化。

人物评价

瓦格纳是首屈一指的人。在他身后很长时间没有任何成果，其他一切都在他所具有的意义前逊色，而这个意义人们并没有立刻理解或给予应有的评价。（作曲家约翰内斯·勃拉姆斯评）

瓦格纳是德国歌剧或者音乐戏剧的奠基人。（作曲家弗朗茨·李斯特评）

如果仅仅从德国和德国文化的价值来评价的话，理查德·瓦格纳始终是个大问号，也许可以说是德国的不幸，不管怎样却也是个命运：然而这又能怎样呢？他难道不是比一个单纯的德国事件丰富得多吗？我甚至以为，他倾听德国的声音比任何其他声音都少，德国没有为他准备任何东西，在德国人中间他这种人简直是陌生的，古怪的，未被理解也是无法被理解的。（哲学家弗里德里希·尼采评）

瓦格纳的艺术是德意志民族最令人震惊的自我表达和自我批判，它长于表现，甚至会使一头外国驴子对德意志特性感兴趣；热心致力于这个艺术，就是热心致力于研究被艺术批判加美化地进行颂扬的德意志特性。（作家托马斯·曼评）

在戏剧方面他是个伟大的学者。他在戏剧中压制那些轻佻的游戏和微不足道的插曲，而只把戏剧集中在内心生活，集中在有生命的灵魂上。正因为如此，他是我们的大师，尽管他有谬误，他仍不失为一个比他同时代的所有戏剧大师更诚实，更直爽，更坚定，更出色的大师。（作家罗曼·罗兰评）

后世影响

瓦格纳基金会

1973年，瓦格纳基金会正式成立，该组织专门负责管理瓦格纳的文献档案和不动产，瓦格纳家族移交了拜罗伊特节日剧院和瓦格纳全部历史文献给基金会，而万弗里德别墅则捐给了拜罗伊特市政府。

瓦格纳博物馆

1976年，为了庆祝拜罗伊特百年庆典，原联邦德国政府拨款创建瓦格纳博物馆，瓦格纳生前居住的万弗里德因此得到了全面整修，并按照一百年前的原样重建。该博物馆的馆藏包括理查德·瓦格纳家族文献和万弗里德文献两部分；后院还有瓦格纳与柯西玛的墓地。

瓦格纳纪念币

1983年，为纪念瓦格纳逝世100周年，原民主德国发行一枚面值10马克的纪念银币。银币正面有国徽、国名、面值以及发行年份，背面为瓦格纳

海顿：奥地利

莫扎特：奥地利

贝多芬：德国

舒伯特：奥地利

路德维希·凡·贝多芬（Ludwig Van Beethoven，1770-1827），德国最伟大的音乐家之一。 出身于德国波恩的平民家庭，很早就显露了音乐上的才能，八岁开始登台演出。1792年到维也纳深造，艺术上进步飞快。贝多芬信仰共和，崇尚英雄，创作了有大量充满时代气息的优秀作品，如：交响曲《英雄》、《命运》；序曲《哀格蒙特》；钢琴奏鸣曲《悲怆》、《月光》、《暴风雨》、《热情》等等。一生坎坷，没有建立家庭。二十六岁时开始耳聋，晚年全聋，只能通过谈话册与人交谈。但孤寂的生活并没有使他沉默和隐退，在一切进步思想都遭禁止的封建复辟年代里，依然坚守“自由、平等”的政治信念，通过言论和作品，为共和理想奋臂呐喊，写下不朽名作《第九交响曲》。他的作品受十八世纪启蒙运动和德国狂飙突进运动的影响，个性鲜明，较前人有了很大的发展。在音乐表现上，他几乎涉及当时所有的音乐体裁；大大提高了钢琴的表现力，使之获得交响性的戏剧效果；又使交响曲成为直接反映社会变革的重要音乐形式。贝多芬集古典音乐的大成，同时开辟了浪漫时期音乐的道路，对世界音乐的发展有着举足轻重的作用，被尊称为“乐圣”。

瓦格纳 Richard Wagner(1813-1883)

作家生平的作品：《漂泊的荷兰人》、《纽伦堡的名歌手》、《尼伯龙根的指环》、《汤豪舍》

瓦格纳的3幕歌剧《漂泊的荷兰人》，作于1841年，1843年首演于德累斯顿。由瓦格纳自己根据德国诗人海涅的《施纳贝莱沃普斯基的回忆》第7章自撰脚本。剧情描述荷兰人乘红帆船在海上航行，魔鬼罚他终生漂泊，7年方可登陆一次。只有找到一个忠贞地爱他的女子，方可得救。船长达兰德的女儿森塔从画中认识了荷兰人，对他产生思慕之情，渴望救他上岸。一天，荷兰人在海上漂泊又满7年，上岸寻找救星，被船长约到家里，见到森塔。两人一见倾心，荷兰人为自己即将得救而暗自庆幸。此时恰逢森塔以前的恋人，猎人埃里克前来求婚，并提醒森塔不要忘记过去的誓言。荷兰人闻言大失所望，离开森塔，沮丧地奔回船去。森塔追到海边，见红帆船远去，悲不自胜，投海而死。红帆船此时亦沉人海中。剧终时，海中庄严地出现荷兰人与森塔的身影，他们在朝阳中拥抱着，向天空升去。

《纽伦堡的名歌手》序曲又名《纽伦堡的名歌手前奏曲》。三幕歌剧《纽伦堡的名歌手》完成于1867年，但其序曲早在1862年便已创作。歌剧的脚本为瓦格纳本人所作，取材于十六世纪德国纽伦堡的一个民间故事。这部作品不仅在瓦格纳的歌剧创作中具有非常特殊的地位，也是歌剧史上最著名的杰作之一。这部歌剧构思的时间很长，所要体现的中心思想几经更迭，在这一过程中它的形象和情节不断深化。因此在瓦格纳后期创作中，这部歌剧显得十分突出。

《尼伯龙根的指环》瓦格纳的不朽歌剧。是瓦格纳最优秀的作品之一，也是世界歌剧史上最有影响力的其中一部。《尼伯龙根的指环》是瓦格纳根据冰岛历史学家施图鲁孙的北欧神话《埃达》与12至13世纪德国民间史诗《尼伯龙根之歌》，自撰脚本，提赠给巴伐利亚国王路德维希二世。整套歌剧于1876年在拜鲁伊特首演。全剧由四部分组成：莱茵河的黄金、女武神、齐格费里德、众神的黄昏。

瓦格纳的3幕歌剧《汤豪舍》，作于1842-1845年，完整标题为《汤豪舍以及瓦尔特堡的歌咏比赛》，由瓦格纳自己根据古代传说撰脚本。剧情描述游吟歌手汤豪舍与图林根的庄园主赫尔曼的侄女伊丽莎白相爱，但经不住爱与美之神维纳斯的诱惑，离开图林根瓦尔特堡在爱神的山庄住了一年，后因感到厌倦，又回到人间，伊丽莎白喜出望外。汤豪舍参加歌手比赛，赫尔曼规定必须唱爱的赞歌。汤豪舍竟在歌中称颂他自己与维纳斯的私情，因此触犯了神。赫尔曼令汤豪舍随朝觐者去罗马求教皇赦免。教皇却声称，如要他赦免汤豪舍，除非拐杖发芽。汤豪舍走后，伊丽莎白因相思而成病，竟死去。汤豪舍回庄园途中，遇伊丽莎白的棺木，痛苦至极，在维纳斯召唤下，他叫喊着“神圣的伊丽莎白啊，为我而乞求吧，”倒在伊丽莎白身旁死去。这时朝觐者拿着教皇送给汤豪舍的拐杖出现了，拐杖上长出了枝叶，说明汤豪舍的罪过得到了赦免。音乐以小号的号角式的合奏揭开了典礼的序幕。随后，音乐进入舒展优雅的“高雅主题”，使人们仿佛看到了潇洒的绅士和端庄的贵妇人的行进队列

音乐史书上称莫扎特为稀世之才，他英年早逝，却留下了那么丰富的作品。他的创作几乎涉及了音乐的所有领域，但他最重要的成就当推歌剧。他继承格鲁克歌剧改革的理想，而且更进了一步。与格鲁克不同的是，莫扎特主张“诗必服从音乐”。他的歌剧具有强烈的音乐感染力，旋律非常优美、流畅自然而深情，宣叙调也富于歌唱性。不同类型的音乐，将各种人物形象、性格塑造得鲜明而生动。重唱形式，被莫扎特作为安排戏剧性冲突和高潮的重要手段。序曲简练、个性化，在音乐的性质上与全剧有了更多的内在联系。这些重要的探索，使莫扎特在德国歌剧艺术的开拓史上立下了不朽业绩。其中以《费加罗的婚礼》、《唐璜》和《魔笛》最为杰出。

交响乐也是莫扎特创作中的重要部分。他最有代表性的交响曲是他最后的三部，即降E大调、g小调和C大调交响曲。其中《降E大调第三十九交响曲》明朗愉快、充满诗意；《g小调第四十交响曲》富有戏剧性，有海顿式的乐观主义情绪，但在技法上又完全不同于海顿，被称为莫扎特的“英雄”交响曲；《C大调第四十一交响曲》（通常被称为《朱彼特》）宏伟豪迈、东观向上，预示了贝多芬的英雄性的交响曲的出现。莫扎特的交响曲（尤其是最后三首），是贝多芬之前的全部交响曲创作的最高成就。他的突出贡献在于各乐章之间的主题之间的对比性。

莫扎特一生中最后的两年是经济最困难的时期，他曾说道：“我的舌头已经尝到了死的滋味，我的创作还是乐观的。”1791年12月5日这位伟大而优雅的天才在维也纳的贫民窟里离开了这个让他多灾多难的世界。

当时妻子正患重病，家里没有一个零用钱，三十五岁的莫扎特就被埋葬在穷人的无名公墓里，没有一个亲属给他送葬，荒草隐蔽，雨露冲洗，让今天无数对他崇敬的后人欲祭无处。他为未能完成《安魂曲》而抱憾终生，但如今全世界都在赞美他的天才，他的灵魂真正可以安息了。

总的来说，莫扎特的创作成就遍及各个领域。它们反映了十八世纪末，处在被压迫地位的德奥知识分子摆脱封建专制主义的羁绊，对美好社会和光明、正义、人的尊严的追求。他的音乐风格具有诚挚、细腻、通俗、优雅、轻灵、流丽的特征，大都充满了乐观主义的情绪，反映了上升时期的德奥资产阶级向上的精神状态，在维也纳后期的创作中，也出现了悲剧性、戏剧性的风格，对社会矛盾的反映更趋深刻。

肖邦的创作生涯，以1830年为界可以分为两个时期，即华沙时期与巴黎时期。在第一个时期，他完成了这一时期最重要的作品《第一钢琴协奏曲》和《第二钢琴协奏曲》。在后半生的巴黎时期，他有与波兰民族解放斗争相联系的英雄性作品《第一叙事诗》、《降A大调波兰舞曲》，有充满爱国主义热情的英雄性作品《革命练习曲》、《b小调谐谑曲》，有哀痛祖国命运的悲剧性作品《降b小调奏鸣曲》，还有不少的幻想曲与小夜曲。

当他1831年9月初赴巴黎时得知起义遭沙俄镇压、华沙陷落的噩耗，精神受到强烈震动。《c小调练习曲》（别称《革命练习曲》，1831）、《d小调前奏曲》（1831），即是这时完成的。激愤、悲痛之情同严整洗练的艺术形式之间达到了高度完美的统一，成为肖邦早期音乐创作中的杰作。巴黎时期是肖邦思想艺术高度成熟、创作全盛的时期。深刻的民族内容、富于独创性的艺术形式和音乐风格，使其创作达到了炉火纯青的地步。肖邦在全部生涯中只开了三十次音乐会就建立了一种传奇式的荣誉，这在钢琴演奏史上别无他例。肖邦尊重并继承古典音乐传统，但他的琴艺具有独特的风格。特别是在他的玛祖卡和波罗奈兹舞曲中，创造性地运用民族民间调式、和声和特性节奏，显示出一个道地的“玛祖尔人”对民族性格、风格、情趣及对艺术语言的熟悉和理解。

肖邦是十九世纪欧洲乐坛上的一颗明星。他那些诗意浓郁、充满着震憾人心的抒情性和戏剧性力量的不朽作品，代表着“黄金时代”的浪漫主义音乐。同时，他的创作又具有强烈的波兰民族气质和情感内容，在欧洲音乐史上占有十分重要的地位。他一方面以欧洲浪漫主义音乐家的杰出代表著称，另一方面以欧洲十九世纪民族乐派的奠基人载入史册。肖邦之所以伟大，也正因为他把浪漫主义的时代风格和爱国主义的精神内容紧密地融合在音乐作品中。

从音乐史的角度而言，能同海顿相提并论的并不多。他确立了古典奏鸣曲式的结构，交响曲的规范，新时期的清唱剧，室内乐形式……将罗可可时期的审美情趣和作曲方式更明确地典范化进而开创了古典主义的巅峰时代。他最伟大贡献是把交响乐固定为四个乐章的形式，并在配器上形成一整套完整的交响乐队编制，为现代交响乐的发展奠定了基础。为此海顿有“交响乐之父”的美称，为后经莫扎特、贝多芬等人开花结果的古曲乐派，奠定了牢固的基础。

规矩的和声和转调，自然音阶的旋律写作，分散和弦基础上的动机与主题，均匀对称的乐句和平衡的曲式，这些是大部分海顿作品的特征，也是古典时期中庸限制的审美典范。

莫扎特的音乐细腻、华贵、含蓄、典雅，风格明朗，旋律优美，结构严谨，具有强烈的古典色彩和超然物外的特点。

莫扎特短暂的一生共创作了四十一部交响曲，为交响曲的发展作出了重要的贡献。他六十年代的交响曲明显地受到JS巴赫的影响，都是些稚气幼嫩的作品。七十年代他在访问维也纳、米兰、慕尼黑、曼海姆、巴黎时，接触了当时欧洲最著名的交响乐团，从而使他进一步地了解和掌握了交响乐的特点。八十年代在维也纳是他交响乐创作的成熟时期。这些作品同海顿的四乐章套曲形式的古典范式一致，但第一乐章奏鸣曲式两主题的对比被大大加强，有时甚至同一主题的内部也有对比性的乐思，从而使主题的发挥更具戏剧性；另外，他还在整部曲子风格统一的前景下，突出了各乐章之间的对比，增加了作品的感染力，从而达到了更高的艺术境界。莫扎特的交响曲首先吸收了他歌剧富有表情的、如歌的曲调和其戏剧对比的因素；其次在以主调和声的基础上，广泛采用了复调手法；第三是旋律灵活,但不失宏大的气魄;第四是肌体透明,纯净而富有表情。

贝多芬一生只有九部交响乐。但要论及贝多芬的作品风格，就一定得看看他的交响乐。交响乐是他的最高的创作成就。他的九部交响曲的风格发展恰好体现了他走向成熟的成长过程，是他革命精神的完美体现。贝多芬的交响曲以表现革命斗争的英雄为中心，这在当时最能激动人心。他的创作的构思之宽广，形象之宏伟，感情之深邃，对比之鲜明，都使他偏重于采用并扩充奏鸣曲形式；同时，他创作的形象丰富多样，运用在他的每一部作品中的奏鸣曲形式又各有其特点。他对奏鸣曲形式的处理，在音调和形象上都达到了内在的统一——他不仅在一个乐章的范围内使各个主题形成相互间的统一，而且在整个套曲的不同乐章中也是这样。例如，《第三交响曲》第一乐章第一主题的英雄性号角式的音调，也在其他乐章中出现，《第五交响曲》第一乐章的第一主题甚至起了主导动机的作用。。他还把歌剧创作的戏剧性手法应用到他的交响乐创作中去，使交响曲成为一种深具戏剧性的器乐体裁；他把交响曲中原来的小步舞曲乐章改为诙谐曲，扩大了表现力的范围。

小结：莫扎特和贝多芬在交响乐领域风格比较表现为：

1 曲式上：两者都采用奏鸣曲式，但贝多芬使之大大扩充发展，并且赋予了深刻的内涵。

2 结构上：莫扎特采用的是海顿的古典式的三乐章或四乐章结构，小巧玲珑，规范精致。贝多芬保留了古典四乐章形式，但把第三乐章的“小步舞曲式”改为悲壮深刻的“诙谐曲”（名称上如此称呼而已，其实并不幽默诙谐）；首度创作了五乐章的《田园交响曲》，并赋予每个乐章一个小标题；音乐史上第一次在交响乐中引入人声（《合唱交响曲》）。

3 配器上：莫扎特使用了十八世纪后半叶的交响乐队一般采用的双管编制，即长笛、双簧管、单簧管、大管、法国号和小号各两只（有时他连这样的乐队编制都没全部采用），这样的编制特点使音乐的音响格外纯净，透明而富有表情，如同使乐器发出人的声音一般。贝多芬的交响曲使用的乐队以完整的双管编制为基础。木管方面，本来在海顿和莫扎特的交响曲中还难得看到的单簧管已经确立了他的牢固地位，铜管乐器声部不用长号，由两个法国号和两个小号组成。他只是在个别交响曲中，才添加了短笛、低音大管和长号，在《第九（合唱）交响曲》中甚至用到四个长号。他很重视木管乐器，让它演奏十分重要的声部，他的《第一交响曲》已经明显表露出这个特点。值得注意的是：由于配器上的不同处理，他的《第一交响曲》和《第七交响曲》虽然都是双管编制，但其音响效果却迥然不同。

4 精神内涵上：由于莫扎特的交响乐创作时间跨度较长，所以很难找出其中同一的精神线索。然而莫扎特的交响曲虽然有时具有一些悲剧性因素，但更多的是抒情歌唱，灵动活泼，调皮嬉戏。贝多芬则把英雄的主题放在他的交响曲中的首位，赋予他所表现的英雄以哲学家与战士的品格和思想家的头脑。他所塑造的英雄生活在人民中间，把为人民争取自由作为生活的目的，他为实现正义的事业而奋斗，他在同敌对势力的斗争中甚至牺牲了自己，直至赢得了斗争的胜利。贝多芬曾说过：“我们的时代需要精神健壮的人物。”因此，我们可以打这样一个比方：莫扎特是少年维特，贝多芬是埃格蒙特；莫扎特是调皮的苏珊娜，贝多芬则是勇敢的列奥诺拉；莫扎特是机智的费加罗，而贝多芬则是革命斗争的英雄。

初期（19世纪10-20年代）：威伯、舒伯特、贝多芬（晚期）等。

中期（盛期）（19世纪30-40年代）：柏辽兹、舒曼、门德尔松、肖邦等。

中后期（19世纪40-80年代）：李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯、弗兰克、柴科夫斯基等。

晚期（19世纪90年代到20世纪初）：布鲁克纳、普契尼、沃尔夫、马勒、理查·施特劳斯等《e小调小提琴协奏曲》《第八交响曲》《C大调幻想曲》《德意志安魂曲》《蓝色多瑙河》《流浪少年之歌》《革命练习曲》《浮士德交响曲》

欢，一个在中国家喻户晓的名字，一个早在十年前(1993年)的抽样调查中知名度就已达87%的流行歌手，自1985年荣获北京高校英语、法语歌曲比赛两项冠军以来，一直屹立于歌坛之巅，成为当之无愧的中国流行歌坛“大哥大”。刘欢拥有最多的代表作，拥有最广泛的听众群，他演唱的歌曲在中国大地广为流传、深入人心、经久不衰。刘欢创作和演唱的作品虽获奖无数，但他本人却置之度外，淡漠名利，荣辱不惊，多年来知识的积淀和文化的内敛更使他历练成为一位受人尊敬的艺术家。刘欢还以他的执著和不容低估的影响力为在中国消除音乐间的隔膜和树立流行音乐的形象方面做出了贡献。

多年来，一直关注着刘欢的媒体曾经毫不吝啬地为他冠以各种各样的美名：“中国歌王”、“中国流行音乐第一人”、“中国主流音乐的教父级人物”、“中国流行乐坛的一面旗帜”、“流行乐坛的常青树、不倒翁”、“中国最好的声音”、“歌坛大哥大”、“刘欢，只有自己才能打倒自己”、“著名歌唱家”、“著名音乐家”、“流行音乐家”┅十八年的磨砺使刘欢历久弥新，他甚至成了中国演出市场“确保品位和档次提升的标志”。

刘欢，1963年8月26日生于天津，1985年毕业于北京国际关系学院法国文学专业，现任教于对外经贸大学，教授《西方音乐史》。

二、简历

[四十不惑]刘欢音乐生活中的四十件要事：

1、夺得北京首届高校英语、法语歌曲大赛双料冠军(1985年)

2、随中央讲师团自愿赴宁夏石咀山支教一年，主授音乐(1985-1986年)

3、参加中央电视台《**世界》文艺晚会录像，演唱英、法文歌曲《乡村摇滚》、《我的路》以及**《德黑兰43年》、《野鹅敢死队》主题曲，这是第一次进棚录音，也是首次录像(1986年)

4、首次为电视剧录音---电视连续剧《雪城》主题歌《心中的太阳》、《离不开你》(1987年)

5、获《人民日报》主办的由全国读者投票评选的“八八十大金星”称号，得票数位居第二(1988年)

6、为时事政论片《世纪行》创作主题曲(1988年)

7、连续三届当选“全国影视十佳歌手”(1988年、1990年、1992年)

8、籍由歌曲《丁香雨》、《黑船》荣获《中国青年报》举办的“全国十大青年作曲家”创作、演唱双奖(1990年)

9、参加1991年中央电视台首次赈灾义演电视直播晚会演唱《世界需要热心肠》，因“迟到”遭“封杀”达三年之久(1991年)

10、与韦唯共同发起北京演艺界赈灾义演，募集捐款1600万元人民币，并与众明星合作录制和演唱专为此创作的歌曲《共有的家园》(1991年8月4日)

11、为电视连续剧《北京人在纽约》创作音乐(1993年)

12、与韦唯合作应邀录制格莱美奖获得者乔奥专为北京申奥创作的歌曲《祝福北京》英文版随北京奥申委赴摩纳哥参加2000年奥运会举办国揭晓典礼(1993年)

13、《北京人在纽约》荣获北京电视艺术家协会颁发的“电视剧优秀音乐创作奖”(1994年)

14、应邀赴美国纽约参加在举世闻名的音乐圣殿卡耐基音乐厅举行的演唱会(1994年)

15、与韦唯合作演唱第十一届亚运会歌曲《亚洲雄风》(1990年)、第七届全运会主题歌《五星邀五环》(1992年)、首届东亚运动会主题歌《崛起的东亚》(1993年)和第八届全运会主题歌(1996年)

16、应邀赴日本参加第十二届广岛亚运会开幕式演唱自己的作品《让我们同行》(1994年)

17、为**《带轱辘的摇篮》创作音乐(1994年)

18、为电视连续剧《东边日出西边雨》创作音乐(1995年)

19、应邀赴罗马尼亚担任布拉索夫国际流行音乐界评委(1995年)

20、被全国新闻记者协会评选为中国十年来“十佳词曲作者”(1996年)

21、为电视连续剧《胡雪岩》创作音乐(1997年)

22、签约索尼音乐和上海声像，发行首张个人精选辑《记住刘欢》(1997年)

23、为下岗工人演唱公益歌曲《从头再来》(1997年)

24、应邀担任领队带团参加香港亚洲国际流行音乐节(1998年)

25、应著名作曲家谭盾先生之邀与世界大提琴大师马友友同台合作参加在人民大会堂举行的庆祝香港会归一周年音乐会《天地人》(1998年)

26、为国产首部美术大片《宝莲灯》创作并演唱主题歌《天地在我心》(1998年)

27、在CCTV和MTV举办的首届“音乐盛典”中获“最受欢迎男歌手”奖(1999年)

28、作为全球唯一男歌手被载入美国出版全球发行的《百年SONY MUSIC(原CBS)》大型精装纪念册；作品《爱之无奈》同时入选《百年SONY MUSIC(原CBS)》纪念版(2000年)

29、应邀担任CCTV第九届、第十届全国青年歌手电视大奖赛决赛评委(2000年、2002年)

30、《从头再来》、《天地在我心》两首歌曲入选1999年度中国原创歌曲排行榜“十大金曲”，并获此排行榜最高奖项“杰出成就奖”(2000年)

31、获CCTV和channel[V]颁发的“新千年杰出男歌手”奖(2000年)

32、以“著名音乐家”的身份被收入国家邮政局发行的“新时期中国艺术家”大型明信片集(2000年)

33、应邀录制申奥歌曲《我们可以》赴莫斯科参加凤凰卫视中文台制作的2008年奥运会举办国揭晓仪式直播节目(2001年)

34、《少年壮志不言愁》、《千万次的问》和《好汉歌》三首歌曲同时入选北京百姓投票评选的新中国建国以来“我最喜爱的电视十佳歌曲”(2001年)

35、与毛阿敏合作演唱第九届全运会主题歌《又见彩虹》(2002年)

36、连续四年分别在世界著名的莫斯科克里姆林宫、伦敦千禧宫、雅典卫城和约翰内斯堡曼德拉剧院举行的“为中国喝彩”大型演出(1999年-2002年)

37、应中国爱乐乐团首席指挥余隆先生之邀参加北京第五届国际音乐节闭幕式演出(2002年)

38、应邀参加在人民大会堂举办的北京新年音乐会(2002年12月31日)

39、获第三届《音乐风云榜》“终身成就奖”〔2003年〕

40、首次以制作人的身份推出个人演唱专辑《六十年代生人-给我的同龄人及后代》(2003年)

此外，刘欢多次荣获全国各地电台、电视台举办的各种评比及排行榜“最佳男歌手”、“最受欢迎男歌手”、“最有成就男歌手”等称号；应邀先后出访过法国、新加坡、日本、意大利、荷兰、比利时、卢森堡、葡萄牙、奥地利、美国、巴西、阿根廷、秘鲁治理、厄瓜多尔、摩纳哥、、罗马尼亚、香港韩国俄罗斯、德国、英国、希腊、南非等国家和地区；先后应邀在中国政法大学、中国人民大学、北京外国语大学、北京大学、清华大学等首都著名高等学府进行音乐专题讲座。