古罗马的美术特点

古罗马的美术特点：

1、艺术风格的多样化；

2、多为帝王歌功颂德；

3、美术作品偏重于写实，人物形象个性鲜明；

4、罗马的建筑主要集中在公共性建筑方面；

罗马美术吸收了希腊美术成就，继承了埃特鲁斯坎美术传统，而将美术更加推向实用主义。

在内容上侧重描绘享乐性的世俗生活，在形式上追求宏伟壮丽的风格，在人物表现上强调个性化。其突出成就主要反映在建筑、肖像雕刻和壁画方面。

扩展资料

当人类的文明之光照耀大地时，古典美术开始萌芽。此时的四大文明古国的美术作品有着共同的概念：真实。“真实”总体来说是创作者对客观事物的模仿完成了造型艺术，又从人自身的生理和心理发展中协调人与外在的最简洁的形式。

公元前4000年左右，两河流域孕育出一种灿烂的文明，这种文明在公元3000就结出了硕果，这就是美索不达米亚文明，这一时期的苏美尔人与埃及人相比创作更加自由。

美索不达米亚文明在后来随着征战者的步伐被引入了古希腊、古罗马的艺术中。古希腊美术最有影响力的一种观念就是人神难以分清的关系，把那些强壮、敏捷、美丽、聪明的人看成是下凡的神。

随着古罗马帝国的扩张，古希腊文明被征服者承袭，古罗马美术作品中很多是对古希腊艺术品的临摹。这一时期的古典美术作品中流露出来的那种真实，不矫柔造作，充满了和谐之美。

罗马帝国分崩离析后，西罗马被北方的野蛮人攻占下来。由于这些统治者很多人目不识丁，文字这时已基本成为教会的专利，这也就注定了西方中世纪的艺术是以宗教性为特征。

伟大的文艺复兴随后来到了，除了米开朗基罗、拉菲尔、达芬奇文艺复兴三杰之外，优秀的艺术家浩若繁星。这是一个百花怒放的时代，油画在这个时代得到了很好的发展。

18世纪下半叶到19世纪中叶，新古典主义和浪漫主义开始出现。美术作品不仅仅表现传统，也开始关注当下的社会风貌。

--罗马美术

--古典美术

古罗马与古希腊艺术十分接近，古罗马艺术是古希腊艺术的延伸、继承和发展。他们共同奠定了西方文明的基础，成为西方文明的摇篮。 古希腊包括欧洲东南部的希腊半岛、爱琴海诸岛和小亚细亚西部沿海地区,他给后世留下许多神话传说。古希腊雕刻建筑多从中汲取材料。古希腊雕刻写实而优美，意境高雅，被称为西方古典现实主义典范。古希腊雕刻分三个时期：公元前7—前6世纪的“代达罗斯风格”，这一时期，与东方接触中推动了雕刻艺术发展。虽然尚未成熟，作品较为呆板，缺乏生气，但其人物形象刻画的理性而严谨。前5--前4世纪的“古典时期”，这时期艺术家展开对人体解剖探索，奠定古希腊雕刻的重要地位,使雕刻更富于动感。“古典时期”是希腊雕刻最辉煌的时期，这一时期雕刻艺术逐渐成熟，并形成独特的艺术特点，达到鼎盛的局面。他们雕刻多以男女裸体为主，但看上去坦荡无邪，姿态和表情都显示一种高贵的单纯。杰出的作品有《雅典娜处女像》《命运三女神》、《掷铁饼者》、《荷矛的战士》等等。公元前4世纪的古典后期，因各城邦混战不已，经济衰退，阶级矛盾激化，雕刻艺术改变原来崇高庄重气概，取而代之是优美柔和的风格，体现人们对现实平静生活的向往。古希腊雕刻最后一时期是公元前4—前2世纪“希腊化时期”，它是古典时期的继承与发展。由于社会矛盾日趋复杂化，社会生活不平静，雕刻题材也多样化。既有保持古典艺术特点的，如《维纳斯像》，又有反映屏门枫树的雕刻。在风格上表现肉体痛苦与激情成为主要趋势，如《拉奥孔像》，《垂死的高卢人》等古希腊建筑也有很高水平，尤其是神庙建筑。有诸多的建筑风格：身后朴实刚健和谐的多利亚式，轻快柔和自由流畅的爱奥尼亚式，风格华丽纤巧的克林斯式。希腊建筑以雅典卫城最负盛名。它不以宏大雄伟取胜，而以端庄典雅匀称，修美见长。卫城建筑配合白色大理石表现出神祉那种不近凡俗，不染尘嚣的美。希腊绘画多湮没不存，多不可考，但仅存的瓶画却形象生动，布局均衡饱满，达到工艺美术的高度成效，具有一定的艺术地位。公元前146年，罗马征服了希腊本土，公元前30年击败埃及的托勒密王朝，自此，原来为希腊所统治的广大地区，包括希腊本土，全部归入了罗马帝国的版图。罗马成为希腊之后的西方政治、文化的中心。

罗马征服希腊后，掀起了一场希腊热，他们把希腊文艺作品当作典范，加以模仿，甚至抄袭。大量艺术品，尤其是雕塑和绘画当作战利品劫运到罗马，用来装点、充实罗马城。同时许多受过良好教育的艺术家、工艺师、工匠等被当奴隶和人质集中到罗马，这就为繁荣罗马文化提供了优越的条件。正如古罗马著名诗人贺拉斯所言：“被俘的希腊反使蛮族主人成为俘虏，她把艺术带给了粗野不文明的拉丁姆。罗马征服了希腊，在另一种意义上，希腊征服了罗马"罗马文化毕竟在罗马政治经济基础上发展起来的，庞大帝国在吸收融合东西方文化基础上创造了独具一格的古罗马文化。罗马人在相当长的时间里直接根据面具制作肖像雕塑。这种肖像酷似真人，没有艺术的创造性,不过它却奠定了罗马肖像特别注重人物面部细节刻画的特点。罗马肖像的精神气质主要通过头部表现，希腊人则通过身体姿态动作来传达，所以罗马雕像如果缺了头部，余下的部分就没什么意义了，而希腊雕像的生命充满身体各个部分，即使只剩下断臂残躯，仍然能给人以特有的生命和美感。古罗马建筑以希腊为楷模，但又具独特风格和特色。罗马建筑以圆顶大跨度为主，使用拱券结构，建筑规模宏大，形体壮观，体现英雄气概，也象征权力。古罗马强调英雄，强调人本身，追求美与力量的结合。角斗场作为古罗马建筑重要代表，流露出一种罗马帝国异常雄壮的霸气，一种略带看似不修边幅的粗犷。虽然万神殿是古罗马神庙建筑的杰出代表，但我认为角斗场更有气质,更能表现出古罗马特色。罗马和希腊都是奴隶制国家，又都是半岛国家，但罗马人主要依靠农业为生，在同自然的斗争中培养了对客观事物冷静思考和求实精神，所以务实是罗马人的风格，不同于“外向型扩张”的希腊人的那种浪漫主义气质。这就决定了罗马人的艺术观是求实、写实，缺乏幻想和想像力,更趋近于实用，是现实主义的体现，在形式上，罗马追求宏伟壮丽，与古希腊强调“和谐”不同。古罗马总的美学思想是“崇高”，有一种敢于参与世事争胜的气概，这同古希腊的宁静、理想化的完美迥然不同。

希腊人与罗马人共同创造了西方古典文化，构成了西方文明的源流。他们共同处在于含有民主性和科学性，但希腊与罗马又各有特点：与罗马相比，希腊更富于理想主义精神；与希腊相比，罗马更富于现实主义精神。用一句话概括，那就是：光辉的希腊，伟大的罗马！

　　维多利亚风格

　　形成于18世纪的维多利亚风格，在艺术上影响深远，具体到室内设计而言，它的色彩绚丽、用色大胆、色彩对比强烈。黑、白、灰等中性色与褐色和金色结合突出了豪华和大气。星级酒店和豪华住宅常采用这种风格。它的造型细腻、空间分割精巧、层次丰富、装饰美与自然美完美结合。维多利亚是唯美主义的真实体现，大量的细部造型元素至今为行业经典。这种风格的设计和施工工艺成为追求豪华与异域风情者的首选 「维多利亚风格」在当今台湾室内设计市场之中，仍是具有相当份量的设计方向；虽然并不受年轻、强调理性的族群欢迎，但对于欧洲印象有强烈喜好的屋主而言，不啻是个统合整体的理想风格。矫饰古典细部配合繁复线板及壁炉，搭配水晶灯饰、蕾丝窗纱、彩花壁纸、精致瓷器和细腻油画，这些都是体现维多利亚风格缺一不可的要素。

　　试着在google那儿拜访一下victorian style,你至少可以得到28000个相关检索，你会发现这个词语已广泛应用到生活的各个方面：人名，地名，家具，时装，器皿等，乃至成为一种生活方式的代名词。这个最具英国气息的词汇包容的岂止是殖民地奢华、装饰、绚丽等特征，可以说，它是19世纪英国维多利亚女王在位期间（1837——1901年）形成的艺术复辟的风格，它重新诠释了古典的意义，扬弃机械理性的美学，开始了人类生活中一种全新的对艺术价值的定义，这就是“维多利亚风格”。

　　对于19世纪这个政治、经济、社会皆飞速变化的时代来说，其最显著的结果就是富裕的中产阶级的剧增。财富的拥有及身份的提升唤起了中产阶级改变居住环境和室内装饰样式的意识，他们急于在住宅建筑上明确和标榜他们的成就。于是，以装饰为主的“维多利亚风格”应运而生。工业革命使得批量生产成为可能，那么“安样式”设计制造便成为一种方便、廉价、普遍的标准，这为喜欢对所有样式的装饰元素进行自由组合的维多利亚式风格带来了最简便的机会，并使之最终击败了其他各种样式。事实上，你很难对维多利亚样式进行准确的分类，它其实包括了各种装饰元素，样式的混合和没有明显样式基础的创新装饰的运用，是当时家具和其它用品设计的典型特征。

　　在建筑上，最直接的表现就是历史上各种建筑式样的复兴在整个维多利亚时期形成一种风尚。哥特复兴样式在英国首先备受推崇，新兴的富商、资产阶级渴望与贵族有同等的生活，他们对风格的准确性没有兴趣，因此经常随机地使用几种风格的元素：文艺复兴式、罗曼式、都铎式、伊丽莎白式或意大利风格。只是，维多利亚时期对这些风格的重新演绎并非只是简单的复制，而是加入了更多现代的元素，并运用了新的建筑材料，改进了原有的建造方法，从某种意义上说是对原有风格进行了完善，是对多种风格所作的融合。毫无疑问，以当时英国在世界上的地位以及影响，美国以及当时的英国殖民地澳大利亚、新西兰、南非、印度等地也开始风行维多利亚风格。不一样的是，他们都采用了地方性的可利用材料和制作工艺，并按当地不同的气候条件来适时改造住宅的式样。例如，在美国，这个时期至少形成了八种不同的风格，如一开始的哥特复兴式和意大利风格，接下来的粘贴式风格，19世纪后期的美国安妮女王风格、理查德森罗曼式、屋顶风格和殖民复兴风格等，同时，埃及和东方特征也融入其中，这些风格在时间上相互重叠，没有特别明显的开始和结束，多数的住宅都是混合风格，个人化的演绎非常丰富。

　　维多利亚时期新材料和新技术的发展使得物品的种类面目一新，胶合板、铁与黄铜管都能制造出简单而实用的物件，也适用于装饰设计，他们使得装饰变得丰富起来。大部分的维多利亚式的设计是装饰性的，家具采用曲线的形式，凸出的装饰和复杂雕饰的框架，用机器复制装饰细部。室内的家具既要舒适，又要显得华丽，垫子于木框匹配，倾向于厚和突出，有些褶皱和束卷，垫子里的弹簧用以支撑柔软而饱满的表面，带有精制而艳丽的编织图案是其外部覆盖材料的标准。这些家具都有大的尺度和过分的装饰，它是展示身份的象征。在维多利亚时期，装饰性的顶棚深受人们喜欢，大型住宅中的顶棚为石膏提供了大量的机会，石膏的玫瑰、圆形大浮雕从新古典的时代一直持续下来，在各种不同复兴风格中被广泛使用。精细的垂花、肋状物和花卉以及结彩。如同檐口的图案一样，都充分表现出他们的本质特征。浅浮雕广泛流行，它是一种压缩的轻质带有线脚的墙纸，用在平淡的顶棚上增加质感。墙纸也是特别流行的墙壁处理方式，可用在木墙板上或朴素的粉墙上，其图案也许是几何形的，花卉的，甚至风景，墙纸边缘设计一蛋箭或希腊线脚来收头，以创造出合适的构图。在一些朴素的住宅中，一般使用平松木地板，并用地毯覆盖，然后用蜂蜡和松脂对其分色和磨光，用小块不同着色的硬木铺设成几何图案，也是不错的选择。大厅通常采用有装饰的油彩的瓷砖，铺设成几何图案。花饰瓷砖提供了一个耐久且易清洗的表面，在过厅及浴室中都很流行，丰富的色彩和肌理市的地面色彩纷呈。

　　维多利亚式的四柱床有了强烈的哥特式细节——拱形的雕刻装饰运用到了床的本身。

　　在这个乡村气息浓郁的卧室，四柱床占主导地位，拥有强烈的早期维多利亚的特征。

　　紫色和**的主题在当时的美国卧室内非常流行。精致的联邦式大床、帝国式的装饰柜、顶上带有鹰图案的的镜子，以及相对简单的窗帘和织物，都是早期美国维多利亚风格的典型特征。

　　18世纪的维多利亚风格是国际设计史上重要的一笔，对于中世纪歌德风格的推崇和流行，使得设计表现上更多的体现了皇室的艺术需要。

　　视觉设计上的矫揉造作，繁琐装饰，异国风气占了非常重要的地位。

　　但不可否认，维多利亚风格带来的是视觉上的绝对华丽与分割取舍，人类对于自然和装饰的唯美体现得到了最大化的发挥，因此，在现代设计中，它不但没有消失，更有了新时代的发展。

　　维多利亚风格的工艺品、家具、建筑装潢有着如下明显可辨特征：

　　1造型庞大，饱满，装潢不拘一格。

　　2从各种复古风格中衍生的母题，比如罗可可涡卷纹、哥特风格的尖塔纹、文艺复兴式的绞缠纹等等，常常混用。

　　3开始使用多种新的工艺技术制造家具、工艺品，多层版胶合板，电镀等等。

　　4装潢中的走兽、飞禽、花卉果实以写实风格呈现

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　　罗马式风格

　　罗曼建筑（英文：Romanesque architecture）是10～12世纪，欧洲基督教流行地区的一种建筑风格。罗曼建筑原意为罗马建筑风格的建筑，又译作罗马风建筑、罗马式建筑、似罗马建筑等。罗曼建筑风格多见于修道院和教堂。

　　罗曼建筑承袭初期基督教建筑，采用古罗马建筑的一些传统做法如半圆拱、十字拱等，有时也用简化的古典柱式和细部装饰。经过长期的演变，逐渐用拱顶取代了初期基督教堂的木结构屋顶，对罗马的拱券技术不断进行试验和发展，采用扶壁以平衡沉重拱顶的横椎力，后来又逐渐用骨架券代替厚拱顶。平面仍为拉丁十字。出于向圣像、圣物膜拜的需要，在东端增设若干小礼拜室，平面形式渐趋复杂。

　　罗曼建筑的典型特征是：墙体巨大而厚实，墙面用连列小券，门宙洞口用同心多层小圆券，以减少沉重感。西面有一、二座钟楼，有时拉丁十字交点和横厅上也有钟楼。中厅大小柱有韵律地交替布置。窗口窄小，在较大的内部空间造成阴暗神秘气氛。朴素的中厅与华丽的圣坛形成对比，中厅与侧廊较大的空间变化打破了古典建筑的均衡感。

　　随着罗曼建筑的发展，中厅愈来愈高。为减少和平衡高耸的中厅上拱脚的横椎力，并使拱顶适应于不同尺寸和形式的平面，后来创造出了哥特式建筑。罗曼建筑作为一种过渡形式，它的贡献不仅在于把沉重的结构与垂直上升的动势结合起来，而且在于它在建筑史上第一次成功地把高塔组织到建筑的完整构图之中。 罗曼建筑的著名实例有：意大利比萨主教堂建筑群、德国沃尔姆斯主教堂等。

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　　拜占庭

　　兴盛时期（4-6世纪），主要是按古罗马城的样子来建设君士坦丁堡。在6世纪出现了规模宏大的以一个穹隆为中心圣索菲亚大教堂。

　　中期：（7-12世纪），由于外敌相继入侵，国土缩小，建筑减少，规模也大不如前。其特点是占地少而向高发展，中央大穹隆没有了，改为几个小穹隆群，并着重于装饰，如威尼斯的圣马可教堂。

　　后期：（13-15世纪），十字军的数次东征使拜年占庭帝国大受损失。这时建筑既不多，也没有什么新创造，后来在土耳其入主后大多破损无存。 拜占庭建筑的风格

　　主要有四个方面：第一个方面是屋顶造型，普遍使用“穹窿顶”。

　　第二个特征是整体造型中心突出。那体量既高又大的圆穹顶，往往成为整座建筑的构图中心。

　　第三个特点是它创造了把穹顶支承在独立方柱上的结构方法和与之相应的集中式建筑形制。其典型作法是在方形平面的四边发券，在四个券之间砌筑以对角线为直径的穹顶，仿佛一个完整的穹顶在四边被发券切割而成，它的重量完全由四个券承担，从而使内部空间获得了极大的自由。

　　第四个特点是色彩灿烂夺目。

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　　巴洛克

　　“巴洛克”是一种风格术语，指自17世纪初直至18世纪上半叶流行于欧洲的主要艺术风格。该词来源于葡萄牙语barroco，意思是一种不规则的珍珠。文艺复兴时期的人文主义作家用这个词来批评那些不按古典规范制作的艺术作品。巴洛克风格虽然继承了文艺复兴时期确立起来的错觉主义再现传统，但却抛弃了单纯、和谐、稳重的古典风范，追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界。巴洛克风格的在绘画方面的最大代表是佛兰德斯画家鲁本斯，在建筑与雕刻方面的主要代表是意大利的贝尔尼尼。

　　自十八世纪以来，艺术史家和考古学家们特别重视风格的研究。所谓"风格" 意味一件作品是依照某种特定的组合方式而构成的，它本身有着的内在谐和一致，但又明显地区别于其它的风格，故能给人以深刻的印象。风格的形成，当然是某一个时代和作者艺术发展成熟的表现。

　　不过，巴洛克作为一种风格，却一直是美术史家们有争论的问题。"巴洛克"一词的原义，含有不整齐、扭曲、怪诞的意思，大约是十八世纪古典主义者奉赠给自己不太赞同的前辈艺术的一个称号。从时间上说，"巴洛克"流行于十七世纪至十八世纪初。所以有人把整个十七世纪各国的艺术--意大利、西班牙、弗兰德尔、荷兰、法国。。。。。。都列在"巴洛克"范围之内。

　　"巴洛克"成为独特的风格，是由于它在艺术精神和手法上，与盛期文艺复兴有明显的区别。如果文艺复兴可以归为"古典主义"，"巴洛克"可以归为" 浪漫主义"。它是在封建天主教复辟后，随着贵族统治的巩固而发展起来的。 但是，不能简单地把"巴洛克"艺术和它的代表们，称谓"反"的，"倒退"的艺术。个人固然受制于历史，但个人又反射着各种历史因素(包括一切以往的传统)，而给当代的历史带来新的东西。这才形成了历史的变化多端、丰富绚丽的形象。

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　　洛可可

　　洛可可式建筑风格（Rococo Style），于18世纪20年代产生于法国并流行于欧洲，是在巴洛克式建筑的基础上发展起来的，主要表现在室内装饰上。洛可可风格的基本特点是纤弱娇媚、华丽精巧、甜腻温柔、纷繁琐细。它以欧洲封建贵族文化的衰败为背景，表现了没落贵族阶层颓丧、浮华的审美理想和思想情绪。他们受不了古典主义的严肃理性和巴洛克的喧嚣放肆，追求华美和闲适。洛可可一词由法语ro-caille（贝壳工艺）演化而来，原意为建筑装饰中一种贝壳形图案。1699年建筑师、装饰艺术家马尔列在金氏府邸的装饰设计中大量采用这种曲线形的贝壳纹样，由此而得名。洛可可风格最初出现于建筑的室内装饰，以后扩展到绘画、雕刻、工艺品、音乐和文学领域。

　　洛可可建筑风格的特点是：室内应用明快的色彩和纤巧的装饰，家具也非常精致而偏于繁琐，不像巴洛克风格那样色彩强烈，装饰浓艳。德国南部和奥地利洛可可建筑的内部空间显得非常复杂。

　　洛可可装饰的特点是：细腻柔媚，常常采用不对称手法，喜欢用弧线和 S形线，尤其爱用贝壳、旋涡、山石作为装饰题材，卷草舒花，缠绵盘曲，连成一体。天花和墙面有时以弧面相连，转角处布置壁画。

　　为了模仿自然形态，室内建筑部件也往往做成不对称形状，变化万千，但有时流于矫揉造作。室内墙面粉刷，爱用嫩绿、粉红、玫瑰红等鲜艳的浅色调，线脚大多用金色。室内护壁板有时用木板，有时作成精致的框格，框内四周有一圈花边，中间常衬以浅色东方织锦。

　　洛可可风格反映了法国路易十五时代宫廷贵族的生活趣味，追求纤巧、精美又浮华、繁琐，别称为「路易十五式」，一度风靡欧洲。洛可可风格的装饰多用自然题材作曲线，如卷涡、波状和浑圆体；色彩娇艳、光泽闪烁，象牙白和金黄是其流行色；经常使用玻璃镜、水晶灯强化效果。洛可可风格装饰的代表作是尚蒂依小城堡的亲王沙龙（1722，让·奥贝尔设计）、巴黎苏比斯饭店的沙龙（1732，热尔曼·博夫朗设计）和德国波茨坦无愁宫。

　　Catherine_Palace_ballroom洛可可世俗建筑艺术的特征是轻结构的花园式府邸，它日益排挤了巴罗克那种雄伟的宫殿建筑。在这里，个人可以不受自吹自擂的宫廷社会打扰，自由发展。例如，逍遥宫或观景楼这样的名称都表明了这些府邸的私人特点。尤金王子的花园宫就是一个节奏活泼的整体，由七幢对称排列的楼阁式建筑构成，其折叠式复斜屋顶从中间优美匀称地传至四个角楼的穹顶处。上面有山墙的单层正厅具有几乎是中产阶级的舒适，两个宽展的双层侧翼则显示出主人的华贵，却又没有王公贵族的骄矜。两个宽度适中的单层建筑介于塔式的楼阁之间，而楼阁的雄伟使整个建筑具有坚固城堡的特点——总之，极为不同的建筑思想，却又统一在一种优雅的内在联系中。正是这种形式与风格简直相互矛盾的建筑群体漫不经心的配置，清楚地体现出了洛可可艺术的精神。

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