韩国热门女装品牌大全排行榜2015(韩国服装品牌有哪些,韩国有哪些衣服品牌?)

2021年韩国服装十大品牌排行榜，前十名分别是稻草人/MEXICAN、花花公子/PLAYBOY、南极人、初语/Toyouth、恒源祥、皮尔卡丹/PIERRECARDIN、吉普/JEEP、红蜻蜓/REDDRAGONFLY、衣阳指、富贵鸟。

EXR，ELAND衣恋，basichouse百家好，TOMBOY

一、TOMBOYJEANS

韩国服装品牌TOMBOYJEANS隶属于纤维公司，创立于1997年发展至今，集团已经拥有以下下属公司：星都纤维、机车、汤保伊国际贸易有限公司、户外生活公司等。

TOMBOY初期建立的至今仍占有市场的品牌有“TOMBOY”、“COMODO”、“TOMBOYJEANS”、“TOMKID”、“TOMBOYWIZ”、”TOMSTORY”等。

是韩国寿命最长的服装品牌，并在以往的30年内占据着最高地位。

二、Roem

韩国服装品牌ROEM在荷兰语中指水仙花，即取水中仙子、婷婷玉立之意。

ROEM是比较有代表性的少淑女装品牌，在韩国ROEM是品牌知名度前5位的最有名的淑女装品牌之一。

其服装注入了浪漫主义风格以及时尚感的现代淑女装品牌概念，让每个追求独立的女性，无时无刻不散发引人瞩目的女人味和追求时尚的优质品味。

其品牌2008年曾由宋慧乔代言。

三、abfz

韩国服装品牌abfz，在韩国创立于1996年，到2005年在韩国的卖场已扩大到80家，目前在中国的卖场也发展到了16家。

它的服装如同通过各种兹穆组合构成的许多单词一样，含有通过颜色和设计的组合来创造许多时尚服装的含义。

四、brannyko

韩国服装brannyko是韩国贝兰妮国际服饰集团专事服饰产业，其店铺遍布全球各地，产业规模和产值排名同行业前三甲。

它的中国总部不仅集设计、研发、织布、彩印、电脑刺绣、珠绣、制衣等生产体系于一体，更精通市场之道，拥有一批实战经验丰富，视角独特，创意无限的市场营销精英。

公司独创的“中国式投资”模式一直被业界称道。

五、ECA

韩国服装品牌ECAECA是韩国星城国际服饰实业集团公司旗下主力品牌之一。

主要产品是时尚女装，旨在为新的时尚个性一族打造靓丽、自信的青春形象，并展示现代都市女性激情、动感、品位的流行时尚。

六、DECO

DECO作为领导潮流的韩国品牌，一直是高贵身价和品位的象征，受到许多知性女子的青睐，04年秋冬装的季节主题为前卫的休闲、古典的现代和温柔的理性，它的设计风格表现出新时代女性对美的渴求，面料多以毛、丝配以化纤来勾勒设计的风格。

七、SJSJ

SJSJ被誉为韩国国宝级时装品牌，SJSJ自诞生之日起就一直被年轻艺术家们所推崇。

SJSJ在设计、材质、色彩上处处流露出与众不同的上流艺术气息，被认为是通过线条和细节的设计展现年轻的高雅的代表性品牌。

华丽而迷人的风格通过SJSJ的全新演绎体现别致的流行款式。

专为上流社会设计的感性表现得年轻而充满动力，通过压条法表现出新的奢华的休闲装。

八、SYSTEM

来自于韩国的SYSTEM品牌一直提倡“高级搭配”的路线，在品牌近20年的发张中，“搭配”成为SYSTEM品牌的核心。

通过现代精致的剪彩，纤细内敛的细节以及时尚摩登的面料，洒脱地展现出新世纪的感性着装风格；为熟悉的古典风格的面料和款式注入新的构思和创意，体现了对于线条和曲线美的新的诠释；大胆地体现最顶级的流行趋势，展现高雅、迷人、温柔的女人整体形象，同时兼顾独特的细节和色调。

九、ONON

onon韩国服装品牌隶属于华尚汇旗下，成立于1992年在韩国，主要面向20多岁的年轻女性消费群体，生产各式职业装、休闲装及饰品。

onon韩国服装品牌作为有代表性的韩国女装品牌之一，深受广大女性消费者的喜爱。

其每个季度都会推出300多个新款，除了部分在中国加工的服装外，绝大部分直接从韩国进口。

十、SCOFIELD

scofield服装品牌是韩国衣恋集团38个品牌中高档商务休闲品牌。

SCOFIELD是展示英国皇室贵族悠闲生活的知名品牌。

其服装以其简洁流畅的线条、经典雅致的图纹及细致独特的点缀将优雅浪漫的女性气质充斥时尚圈。

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(FXLeyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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时装插画基础|时装人体比例详细图文步骤教程

时装人体也被称为“草图”人体,是基本的时装体形,我们可以在画出人体的基础上设计服饰或绘制平面图,这也是时装插画的起点。

勾画时装人体草图

首先,必须要先熟悉比例的一些规则。

时装人体用“头长”来计量,每个头长代表1英寸。正常情况下时装人体基本是10头长的,但不代表9或11头长就完全不正确了,更多时候是需要根据绘制的服饰特点来决定。比如宽松的衬衫,大衣袖或大领子,而且有很多紧身胸衣的细节时,可能要有更长的腰部和脖子;如果是夸张的蝙蝠袖,手臂应该更长一些。如果是裙子,就需要腿部更长一些。

不同的服饰需要不同的焦点,不同的焦点需要不同的夸张画法。

下面以10头长人体举例:

1在纸上画一条垂直线,然后等分成10个区间。最顶端的线为0,最底端的线为10。

每条线都代表着人体不同的部位。

2头部:在0~1之间,画一个椭圆。下巴正好位于线条1上。

3肩颈:在1~2之间画出脖子和肩膀。肩宽大约为15个头长(特殊款式的服饰可能不同)。

4腰臀:从肩膀两端(肩线)分别向下画一条线到腰线位置,腰部宽度大约为头长的3/4。从腰身两端(腰围线)分别画一条线到臀部(臀部最高点4),臀部宽度大于头长和腰部,小于肩宽。

5腿部:从臀部两端分别画一条逐渐收细的直线,从4~10。

6脚部:在腿部下端外侧分别画一个三角形。三角形的底边为脚趾,在线条10上,三角形顶点为脚踝。

7手臂:在肩线位置分别向下画逐渐收细的线条至手腕处。

8手部:用矩形和三角形粗略画出手部,指尖在线条5上。

现在已经画出一个粗略的基本人体了。

9修匀人体的各部位。(头部,脖子与肩部自然衔接,腋窝到腰部,上臀围的线条,臀部,胯部到脚踝,双脚,手臂)

关于时装人体理想的体型比列问题,其实需要灵活看待,并且还要接受时装的变化。某个年代看起来完美的东西,在另一个年代看起来可能会特别奇怪。比如用现在的标准来看20世纪50年代的梦露,可能很多人会觉得她有点胖~

以下标准决定了某个时代的“完美”时装人体:

那个时代的模特或名人

强调身体的部位和人物的某种姿态

合身的服饰和内衣或者其他装饰,或没有装饰

总体来说时装人体必须比普通人体更高一些,这样才能更好的展示时装,在照片或者艺术作品中凸显时装的效果。

感谢你常来!

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当下最红、最引人注目的时尚插画在此！

当红时尚插画师HelenDownie作品

时尚插画作为元老级视觉传达媒介,在新时代不仅没有停止发展,更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品,你知道几个

时尚插画的黄金时代

早期,时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说,那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。

Harper'sBazaar杂志封面

时尚插画与时尚品牌的碰撞

到了数码时代,摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结,但时尚插画行业并未因此沉睡,而是朝着新方向不断发展、进化着。

时尚插画与时尚品牌合作,便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌,经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。

以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是,这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇,她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似,让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。

HelenDownie作品

虽然已是一位母亲,但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛,奇特又充满童趣。

HelenDownie作品

然而,这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前,此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。

从纽约到伦敦、米兰到上海,凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现,实属罕见,所以当艺术墙面的一发布,立刻就引起了网络上的一阵骚动。

AlexMerry作品

除此之外,Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖,让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面,观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出,时尚插画的风格早已不再单一。

AlexMerry作品

说起时尚插画与品牌的跨界合作,那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上,品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作,可见他作品的受瞩目程度。

JamesJean与OliverSchrauwen作品

此次,JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品,就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。

与此同时,作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格,与Prada未来感的时装风格相结合,显得相得益彰。

JamesJean作品

同年在Prada的女装秀上,品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师:StellarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。

她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外,还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时,也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。

时至今日,时尚插画作品早已不再墨守成规,只要你愿意动笔,人人皆可创作出属于自己的插画作品。

GraceCoddington作品

先锋时尚插画

除了与时尚品牌跨界合作外,还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时,将时尚插画的绘画形式进行延展、探究,揣摩出了自成一派的风格。

先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条,与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出,他一直奉行着现代主义的美学理念。

VelwynYossy作品

而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。

他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合,用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大,赋予了静态为主的时尚插画几分动势。

ErnestoArtillo作品

他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上,而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说:“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样,我会寻找当中的平衡,也会找寻怎么可以打破现有的状态。”

ErnestoArtillo作品

纵使时尚插画的黄金时期已逝去,但不可否认的是,时尚插画依然在时尚领域占有一席之地,并同时饱含极高的艺术价值。

时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业,而当下受到追捧的插画作品的不断涌现,更是增添了时尚插画继续前行的可能。

JamesJean动态时尚插画作品

了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品,大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡,也许就是你。

精彩回顾:

[编辑、文/陈卓]

la是拉夏贝尔。

La Chapelle

目前在市场上的品牌风格定位独树一帜，经历了十年的发展历程，La Chapelle

获得了市场高度的认可，设计和销售适合都市女性的流行服饰。她崇尚精神性的外在表达，时尚浪漫、追求内涵，探索真实的美。

品牌风格：精致优雅·魅惑智慧。

品牌愿景： 拉夏贝尔(La Chapelle) 将浪漫经典的大众名牌服装融入每个女性的生活。

扩展资料

La

Chapelle的女性从来都是优雅的，时尚的，内敛之中透着不尽的妩媚，有张力而不张扬。无尽的色彩，细腻的，端庄而优雅，时而喧闹热烈，时而静寂幽然。这就La

Chapelle是所解读的时尚言语，时尚与经典的完美结合，古典与前卫当任不让。

拉夏贝尔定位于白领时尚淑女装，别致精美的面料选择与全包容性的原型裁剪。体现着流畅、柔和、修身的线条，简洁大方的款式以及多元丰富的色彩酝酿。时尚而不张扬的设计精髓，特别符合有一定文化素养和艺术品位并追求完美的现代知识女性和时尚女孩对服装的要求。

-拉夏贝尔

时尚并没有那么复杂，我们在日常生活中更需要的简单舒适的搭配，比如，图中的这位美女**姐的穿搭就非常具有时尚感，而且简单的服装搭配让整个人表现的神清气爽，清新又可爱，美丽又优雅，落落大方的感觉非常吸引人。那么服装的搭配又要从什么方面进行选择呢？也许每个人的心中都有一个自己的标准，都有一个自己喜欢的风格，那么我们就要在风格上选择贴合的服装，比如图中的这位**姐更倾向于简单与自由风格，因此，选择的服装也是简单的白色T恤和普通的牛仔裤，但是这样简单的设计不仅仅没有让服装失去时尚感，反而增加了一些让人感觉到舒适的元素，夏日的浪漫与自由也随之而来。那么小编带着大家一起看看这位美女是如何搭配夏日清爽系服装的吧！

白色T恤+蓝色牛仔裤

图中的这位美女**姐上身身穿一件白色T恤，纯白色的T恤让**姐的气质感瞬间增加，带给人一种清新又温暖到感觉。简简单单的纯白色给人纯净又浪漫的感觉，白色像一只夏日里的小精灵，可爱又俏皮，活泼又善良。**姐这件白色T恤是较为修身的款式，显瘦又显身材曲线，性感又迷人，女性魅力四射。这件白色T恤的低圆领设计让**姐的锁骨曲线完美展现，颇具个性魅力。

**姐下身搭配了一件蓝色牛仔裤，蓝色的牛仔裤颇具艺术感，纯蓝色又代表着无尽的大海，浪漫又多情，非常具有艺术美感。牛仔裤的颜色大多数也是以蓝色为主，简单的配色让美女的整体风格多了一份成熟与稳重，大气与尊贵。

咖色编织帽+黑色人字拖

**姐头上搭配了一个咖色与黑色融合设计的编织帽，非常具有特色与时尚感，艺术与自然的气息也随之而来。

**姐最后搭配了一双黑色人字拖，自由随性的搭配让她的服装搭配整体感提升，自由的感觉也让人放松又具有活力，这样的搭配简单又大方，你们喜欢吗？

国内外现象趋于审美一致。

浪漫主义服装国内外的现象，现在对浪漫主义的服装审美基本区域一致，所以制造出来的服装各个国家的人都深受喜爱。

国内外指的是国家以内和国家以外就是地球上所有的国家进行比较。