艺术设计中的服装设计，动漫人物设计

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现学人体素描、色彩搭配？

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临摹时装画如时尚时装杂志上。

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等你有了时装画的功底后，可以选择专业的课程。例如纸样、裁剪、车衣，有时间的话，了解一下印花、绣花知识也是对你将来非常有帮助。这一部分你就要找真正的老师来教你了，有这些知识的话，你设计的时候就不会犯生产上的错误

一个好的设计师，不止要懂得设计，还要懂得如何安排生产。^^

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提高自身审美

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比例分配法

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最后就是坚持不懈了。无论做什么事都要努力。半年以后会有收获的。

学习美术是最基本的条件，另外也不能荒废了其他功课。不要听信某些说法，认为学习艺术就可以放松对自己的要求，看上去容易的路往往不好走。服装设计师除了良好的基本功，还有就是追求完美的性格和超人的创造力。这些是你现在很需要培养的。多看一些好书，要做服装设计的话就更要看些国际化的作品，开阔你的头脑。好好学习是基本，打开思路是条件。建议你去上一些比较专业的美术课程培训，或者升高中的时候选择美术类高中。大概科目需要素描、色彩、速写和美术史服装史。你也可以尝试画些服装效果图。正式学习服装设计的时候会教你打版之类其他的东西色彩的搭配：1暖色调。即红色、橙色、**、赭色等色彩的搭配。这种色调的运用，可使主页呈现温馨、和煦、热情的氛围。

2冷色调。即青色、绿色、紫色等色彩的搭配。这种色调的运用，可使主页呈现宁静、清凉、高雅的氛围。

3对比色调。即把色性完全相反的色彩搭配在同一个空间里。例如：红与绿、黄与紫、橙与蓝等。这种色彩的搭配，可以产生强烈的视觉效果，给人亮丽、鲜艳、喜庆的感觉。当然，对比色调如果用得不好，会适得其反，产生俗气、刺眼的不良效果。这就要把握“大调和，小对比”这一个重要原则，即总体的色调应该是统一和谐的，局部的地方可以有一些小的强烈对比。

好看的班服图案很多，要看你们班喜欢什么风格的了，可以弄CP男女款分开的啊，然后设计上可以有潮牌班服设计、卡通动漫设计设计、古风班服设计、还有青春风格，国潮风格等等，哈哈还有表情包也可以放到班服上~

po一些图哈，网速比较慢，就不多放图了。

潮牌风格班服设计：

动漫风格班服设计：

古风班服设计：

青春活力风格班服设计：

和服类：女：地狱少女，异国迷宫十字路口

男：绝望老师，明日的与一

表演服：百变之星（几乎每集换一件衣服）

巫女服：神无月的巫女，我家有个狐仙大人

校服：幸运星，圣母在上

哥特服：蔷薇少女，潘朵拉之心

其他：圣魔之血，刀剑神域，天元突破，fate系列

剩下的我就不一一举出了

如何设计动漫人物服饰？1动漫人物服饰的设计首先要确定服装的风格类型和定位。比如动漫中的场景要根据卡通的风格进行定位，其中漫画中的人物一般都是动物或是生物，动漫中最好的角色都是动漫中的角色。2选定动漫人物服饰的风格类型一般来说，一般我们服装的风格主要分为两个方面，一个是卡通的。在这两种风格的基础上，我们需要选择合适的卡通服装，然后根据这两种风格的服饰大致布局自身的款式和颜色，以及其他特点，确定服装的主题风格，从而形成相匹配的系列。3主题服装的风格可以根据产品的特点进行分类，如服装款式风格。根据不同类型的服装，它的主题要多元化。比如休闲类服装的主题可以是浪。在我国，民族服饰图案很好地结合了当地的民俗元素。

动漫服装如何设计。动漫制作在服装中经常要对服装的装饰进行处理，对服装的外形进行设计制作，服装的图案也是服装的灵魂所在，服装的造型、色彩、图案、款式是服装造型设计的重要组成部分，同样它的设计也是服装的重要构成部分。服装造型也就像人们所感知到的外部形态一样，是造型的外在表现。服装造型的特点在服装的服饰形态中占据着重要的位置。服装造型的要素有很多，主要包括外形、色彩、肌理、视觉效果等因素，各种服装造型还可以通过一定的表现技法产生不同的视觉效果。对服装造型还可以通过其他造型的手段来实现。比如，对服装的线条进得充实和延伸，有宽松当然也是严肃和紧凑。

服装设计手绘图样式比较多，根据你的喜好以及兴趣选择把

　　服装设计要具备以下6点的能力!

　　1、 绘画基础与造型能力

绘画基础与造型能力是服装设计师的基本技能之一。当然，以前的设计大师也有个别不会画画的，但他需要在其他方面有更杰出的表现。但有些人即使通过在学校系统地学习和培训，仍然不能很好地用绘画方式表达设计意念的话，那将为自己的创作带来很大的困难。

只有具备了良好的绘画基础才能通过设计的造型表现能力以绘画的形式准确地表达设计师的创作理念，另一方面在设计图的过程当中也更能体会到服装造型重的节奏和韵律之美，从而激发设计师的灵感。

20世纪初包豪斯曾经提出“设计的目的是人而不是产品”，特别是服装，本身就是人体的外部覆盖物，与人体有着密切的关系，作为设计师只有对人体比例结构有准确、全面的认识，才能更好地、立体地表达人体之美，这是设计的基础。

　　2、丰富的想象力

　　独创性和想象力是服装设计师的翅膀，没有丰富想象力的设计师技能再好也只能称为工匠或裁缝，而不能称之为真正的设计市。设计的本质是创造，涉及本身就包含了创新、独特之意。自然界中的花鸟树木、我们身边的装饰器物/丰富的民族和民俗题材，音乐、舞蹈、诗歌、文学甚至现代的生活方式都可以给我们很好的启迪和设计灵感。千百年来，服装的历史长河中正是由于前人丰富的想象力和独创的精神才给我们留下了丰厚的宝贵财富。

在西方服装设计史上，那些备受瞩目的署名服装设计师们均以其独特的创造力和想象力再设计上出其巧思。特别是20世纪30年代颇具影响力的意大利女设计师——夏波瑞莉竟将鞋子设计成帽子扣在头顶，将口袋设计成抽屉状，其丰富的想象力及形象幽默、大胆别致的设计风格备受后人推崇。

　　3、对款式、色彩和面料的掌握

　　服装的款式、色彩和面料是服装设计的三大基本要素。

服装的款式是服装的外部轮廓造型和部件细节造型，是设计变化的基础。外部轮廓造型由服装的长度和纬度构成，包括腰线、衣裙长度、肩部宽窄、下摆松度等要素。最常见的轮廓造型有“A"型、“X"型、T型、H型、O型等。服装的外部轮廓造型形成了服装的线条，并直接决定了款式的流行与否。部件细节的造型是指领型、袖型、口袋、裁剪结构甚至衣褶、拉练、扣子的设计。

服装的色彩变化是设计中最醒目的部分。服装的色彩最容易表达设计情怀，同时易于被消费者接受。火热的红、爽朗的黄、沉静的蓝、圣洁的摆、平实的灰、坚硬的黑，服装的每一种色彩都有着丰富的情感表征，给人以丰富的内涵联想。除此之外，色彩还有轻重、强弱、冷暖和软硬之感等，当然，色彩还可以让我们在味觉和嗅觉上浮想联翩。

熟练掌握和运用服装面料特质是以未成熟的设计师所应具备的重要条件，设计师首先要体会面料的厚薄、软硬、光滑粗涩、立体平滑之间的差异，通过面料不同的悬垂感、光泽感、清透感、厚重感和不同的弹力、垂感等，来悉心体会其间风格和品牌的迥异，并在设计中加以灵活运用

不同质地、肌理的面料完美搭配，更能显现设计师的艺术功底和品位。服装款式上的各种造型并不仅仅表现在设计图纸上，而是用各种不同的面料和裁剪技术共同达成的，熟练地掌握和运用面料设计才会得心应手。

服装的款式、色彩和面料这三部分缺一不可，是设计师必须掌握的基础知识。对款式、色彩、面料基础知识的掌握和运用也一定程度能反映出一个设计师的审美情趣、品位和艺术功底。

　　4、对结构设计、裁剪和缝制的理解

　　对结构设计、裁剪技术的学习，也是服装设计师必须掌握的基础知识。结构设计是款式设计的一部分，服装的各种造型其实就是通过裁剪和尺寸本身的变化来完成的。如果不懂面料、结构和裁剪，设计只能是“纸上谈兵”。不要以为在公司里结构设计、裁剪是打版师傅的事情，只会画图、不懂打版的设计师肯定不是一个完美、成熟的设计师。不懂纸样和结构变化，设计就会不合理、不成熟，甚至无法实现。

学校里的学生经常会遇到这样的问题，由于自己还不会打版，参加大赛的服装只能请师傅打版，但自己画的是一种效果，做出来完全走了型，没有达到想要的效果。由此可见，打板本身直接决定了服装的造型和整体效果。20世纪里有许多大师都是直接从服装的裁剪和结构入手，并把这些作为十分重要的设计语言，如巴伦夏卡、朗曼、威奥内特、三本耀司等。仔系研究大师们的作品我们可以看到，服装的结构设计深富内涵、表现力独特，其深沉、含蓄而不张扬的风格非常值得细细品味。如果不精通裁剪和结构设计，我们对作品的欣赏只会停留于肤浅的表面，设计也只能是一个空架子、经不起推敲和考验。

缝制也是服装设计的关键，不懂的各种缝制技巧和方法，也会影响我们对结构设计和裁剪的学习。缝制的方式和效果本身也是设计的一部分，不同的缝制方式能产生不同的外观效果，甚至是特别的肌理效果。有的设计师借助“缝纫效果”作为设计语言来尝试新的效果，这种手法在诚意设计中非常普及。这就要求设计师要熟知服装行业中的各种加工设备及服装缝制专用机件，对针织、梭织的加工工艺了如指掌，才能在设计运用中得心应手

　　5、对服装设计理论及历史的了解

　　服装设计的初级阶段是对一些基础技法和技能的掌握，而成功的服装设计师更重要的是应具备设计的头脑和敏锐的创作思维，只掌握基础技能、能画漂亮的效果图是远远不够的。现在的艺术院校服装设计专业都开设有服饰理论课程，学生通过这些课程可以了解中外艺术史、设计史、服装史和服饰美学等理论知识，同时还能开阔学生的眼界、拓宽设计思路，启发他们的设计灵感。

特别是学习中外服装发展史，其源远流长的服饰演变能为我们提供诸多的设计灵感，古埃及风格、古希腊风格、哥特风格、巴洛克、洛可可风格这些在现代服装大师的作品中随处可见。只有了解中西服装发展的历史，理解现代服饰的演变，才能在设计史立足于现代并预测未来。了解中西服装发展史的变化，也会使你更深地体会中西服饰的差异，市自己明白身为东方的服装设计师应该如何面对西方服饰、如何在设计中体现民族风格、如何在世界服饰舞台中赢得一席之地。

　　6、对20世纪服装发展史和大师风格的掌握

　　了解和掌握2世纪服装发展史及大师的风格是成为服装设计师的一条快捷之路。从20世纪初期的CHANNEL到本世纪初的加里亚诺，每一位设计大师都为我们在服装史上留下了恒美的一笔：20、30年代优雅浪漫的低腰露背装;50年代典雅富贵的高级时装;60、70年代叛逆怪异的嬉皮士/朋克服饰;80年代宽肩、松身男性化职业女装;90年代型甘迷人的蕾丝、透视服饰……只有深入学习20世纪服装的发展历史，才能理解那个时代大师们的设计风格和艺术表现，从而借鉴到自己的服装设计当中。

20世纪80至90年代，德国的设计大师卡尔•拉格费尔任CHANNEL公司的首席设计师，为了扭转CHANNEL公司当时的困境、为其注入新的活力，卡尔•拉格费尔首先从熟悉夏耐尔品牌的设计风格开始着手，以致于对CHANNEL几十年历史中的每一个款式，他都可以一边默写一款一边讲解。在充分了解CHANNEL风格和设计历史之后，卡尔•拉格费尔一改CHANNEL套装的沉闷和单调，推出了90年代粉彩、性感的CHANNEL套装，使CHANNEL服饰重振旗鼓，再次赢得年轻女性的喜爱，从而恢复了CHANNEL品牌往日的活力。

可见，每一位设计师都要付出相当的努力，方能使设计的作品获得认可和成功。