谁可以给我解释一下服装设计中的古埃及古希腊洛可可歌特和巴洛克这五个风格的特点

哥特风格 及 服饰特点

哥特风格 o"19{ D^

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关于“ Gothic”这个词的出处，最早来源于欧洲早期的一个叫做西哥特的部族，这个以破坏和掠夺为乐的部族以无知和缺少艺术品位而著称。 =cwdl7N&I

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中世纪的欧洲，一种以尖顶大教堂为最显著特色的建筑风格大行其道，产生了那一时期所谓的“哥特式”建筑风格。 `TDpi9OB

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在英国的维多利亚时期，以 EdgarAllanPoe、 Mary Shelly和 Bram Stoker等为代表的一批作家创作的恐怖小说也被称为“哥特”风格。至此，哥特风格中的恐怖颓废已经被补充得几近完美。 AcQmY

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哥特式服饰受建筑影响较大，其服饰上的特点是多采用纵向的造型线和褶皱，使穿着者显得修长，并通过加高式帽来增加人体的高度，给人一种轻盈向上的感觉。特别重视外表的浮雕效果和线条。女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。 /V"6Q'D

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中世纪，裙长是一种等级的标记，只有高贵的太太们才允许后摆拖地，并有权把它染成绿色。服装上的分割线、装饰线多采用纵向的、垂直的线条。 1x3>XN]a

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13— 15世纪欧洲服装中歌特风格最为流行。那尖尖的埃宁帽( henin)就像一个小尖塔，还有两个裤腿颜色各异的紧身裤，尖尖的翘头鞋，饰以不对称图案的上衣等。 9lR-

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时下流行的哥特式时装也常常是不对称的，但时下所谓的哥特式时装只不过是带有些许哥特式艺术的气息，它看起来带有更多的商业色彩，这使得“哥特式”听上去更像是一句促销口号。 H9Dw#em

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在 20世纪的最后几年中，“ Gothic”这个词在时装报刊上出现的频率越来越高。 iu$P-s

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现代时装中流行的哥特式艺术是一种浪漫型的艺术。所以，哥特式时装可视为当下正流行的新浪漫主义时装的一个分支。欧洲中世纪尖顶大教堂、恐怖哥特文学的代表作《吸血鬼纪事》，还有 20世纪 80年代的重金属乐团……与今天的哥特似乎都远了一些，在看过了世 Y0;66bfh}

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界顶尖服装设计师们热热闹闹的 2004年秋冬时装发布会后，一股悄悄现身于时装舞台的神秘力量———新哥特服饰风格( New Trend of Gothic)锁定了我们的视线。 +&Ybbhb

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新哥特式风格 G @8wv J

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新哥特流行有音乐、**助阵新哥特服饰风格与音乐有着千丝万缕的联系，它最初崛起于上个世纪 70年代末的西方音乐界。在非主流音乐的花园里，一些另类摇滚乐队逐渐孕育壮大成哥特摇滚乐派，小部分的异类并不会受大众潮流的影响，他们的音乐充斥着对于死亡、痛苦、黑暗、性欲的描述和体验，风格怪诞而又神秘，一出现便在商业上取得了极大成功。于是在音乐的催生下， 20世纪80年代，一股以此为潮流的服饰风格出现。 9FcH\2J

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黑衣流行是从 Bauhaus乐队开始的，这是一支性别取向不名的乐队。他们总是化着妖艳的妆，并把这种风气带到时尚潮流中去，男人们穿着带花边的衣服、高跟鞋、戴着珠宝首饰、高至大腿的靴子……总之是各种各样令人眼花缭乱的服饰。 01">$

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典型的哥特打扮是黑色高领紧身皮衣和有着复杂纹路的银饰，最关键是黑眼圈和悲伤麻木的表情。对他们来说，这意味着某种精神境界。 5{\;7(

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年轻人接受了它，并为之疯狂。青少年们开始模仿他们的穿着打扮，而且相当认真。 dz,4);Mg

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到了上个世纪90年代，哥特音乐失宠，但哥特文化却大行其道。那时恰逢好莱坞以哥特文学为背景的恐怖**复兴。在一系列卖座影片，如《剪刀手爱德华》、《吸血僵尸惊情四百年》、《夜访吸血鬼》里，偶像明星约翰尼·德普，薇诺娜·赖德苍白秀丽的容貌、清澈天真的眼神伴着**阴森诡异的氛围，时而浪漫时而恐怖的情节让人心醉不已。伴随**引发出的一股股热浪，哥特文化被注入了新的兴奋点。 fK; I0J

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哥特时尚也巧妙地随之改变，卷发、高马尾辫和战斗裤是一种风尚，长直发、维多利亚式的丝绒和花边也是一种风尚；皮革与塑料装也都成了风尚，但哥特时尚中永远流行的只有黑色紧身牛仔裤。你哥特么？找个镜子照一下。 &;:X )

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2001年，随着史诗般的魔幻大片《指环王》在全球获得空前成功，哥特文化横跨东西，成为全球的关注热点。于是，各大牌时尚杂志纷纷预言哥特风时装将引领新的潮流，设计师们也伺机而动。 K/|qn)

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2003年秋冬时装发布会后，这股神秘力量已悄悄现身于时装舞台。在 Gucci的时装秀上，模特尚未登场，整个环境便在群狼嚎叫及蝙蝠振翅的音响效果中显得鬼气十足， Tom Ford让模特们在脖子上挂起黑色十字架，扎上黑色宽领带，穿上黑色束腰缎子大衣，黑色斜裁长袍，向人们展示出他精心准备的哥特风格，优雅而又性感。 KgO ]T{6

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美国经典老牌 Ralph Lauren也将发布会变成了黑色的海洋，模特们身着长长的牧师披风、拖地鱼尾裙，系在脖子上的黑色丝带映衬得肌肤如雪，哥特式的菱形耳环在行走中摇曳生辉，显示出一派中世纪的神秘感，浪漫而富有韵味。 n{E9p3i

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Dior的一个珠宝展示会，索性搬到了里兹大饭店，把房间布置成闹鬼的城堡，将整个晚会命名为“吸血鬼的舞会”。淑女名流们彻夜狂欢，不醉不归，时尚成了一场追逐互动的游戏，被发起者和参与者演绎得神形兼备。 0khAi|PY

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心思缜密的人们在欣赏的同时也发现，人造皮革、 PVC面料、塑胶等在 20世纪 80年代哥特服饰里大行其道的面料不见了踪影，取代它们的是轻盈的雪纺、柔软的锦缎和奢华的皮草。在经典的黑色之外，一些浓郁华贵的色调，如暗红、深棕、宝蓝等也开始露面。而贴身裁剪的上衣、长裙，精心设计的项链、耳环无不勾勒出性感优雅的女性形象…… #bCzWg

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细观之下， T台上的哥特服饰风格经设计师的改良，早已嗅不出昔日濒临死亡式的颓废气息，那些鬼气阴森、幽暗恐怖的气氛原来只是他们故意布出，意图吸引视线的疑阵，擦一擦双眼，我们无条件地接受了眼前这股苏醒的“伪黑暗”势力。 ( X!J]G

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无论怎样，新哥特风格来了，时装迎来新哥特的世纪，模特们披散着黑色长发，画着浓重的黑色眼影，面无表情地鱼贯而出，无数设计师将他们的舞台变成了展示哥特时尚的秀场，新哥特服饰风格带起了新一轮的视觉冲击波…… 哥特式服装特点 <n)RP(or

一 面料 `]m/z a%7

哥特式服装的面料多选用蕾丝，鱼网，pu皮，漆皮，软羊皮，雪纺，绸缎，羽毛，有弹力的棉，麻等。 Nj|~3 KO

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二 辅料 DY!mq91

常用的辅料有金属或银制的搭扣，铁链，拉链，铆钉，珍珠，钻饰等 {uji7TB

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三 颜色 }3#y "

哥特风格的颜色选择以黑色为主，给人神秘，性感和高贵的感受。其次选用红色（大红，暗红），深紫色（茄色），墨绿，湖兰以及灰色与黑色搭配使用。 z{dn

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四 款式特色 } P/ x@N

现今的哥特式服装继承了中世纪服装的特点，又在社会的发展中不断结合新的概念，派生出实用性强的，非舞台夸张效果的服装，只强调一种感觉，哥特式的神秘感觉。另外与苏格兰格相结合而产生的略带punk风格的哥特服装，代表着从post punk 到gothic转型的过程。还有将淑女风格的洋装，娃娃服加入哥特元素形成的lolilta风格。 1PdxoRa4=

哥特风格注重的是细节与整体的协调性。通过一些细节的处理突显哥特味道。 h2#S

1 镂空： V0' _PR@;

蕾丝与面料的叠加产生很好的镂空效果。从黑色花纹网中透出的红或紫色，产生神秘而性感的视觉感受。在镂空面料的服装下隐约透出苍白的皮肤，这正是哥特风格的特点之一。 ; #^Jy#)

2 面料上的暗花纹： I6,sN9` K

这种在面料上的暗花多以图腾或圆线条为主，也有花草图案，通常是直接织或绣在面料上，而印花并不常用。这种面料不显张扬却也不失内容，更代表了哥特族人的细腻与考究，充满了贵族的气质。 | l6S

3 捆绑束腰 8/ 6&#-

带有自虐色彩的女士束胸衣代表着中世纪对女性的压迫，虽然已经被现今舒适服帖的胸衣所取代，但是这种装束仍延用到现在的哥特服装中。加上漆皮，金属打造的捆绑式sm装束，更呼应了哥特风格中性与虐恋的主题。没有什么比丝带捆绑出的纤细腰枝更能让人激动的了。 aok,qn'j

4 繁杂的褶皱与简约的线条 /]#+;;%

褶皱堆砌出的层叠效果给哥特装增添了一丝奢华，大荷叶边的领口，袖口，巨大的裙摆延续了十八世纪没落贵族华丽的颓废。而与之相对应的细线条简约风格的裁剪不但可以修长身型，塑造魔鬼般的身材，更体现出沉稳与凝重，这正与哥特族的内心世界不谋而合。 J>Uzd, /

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五 塑造哥特风格的关键 jboQ)NxT!,

在女款服装中，我们多用柔软的雪纺面料和绸缎，纱，蕾丝来表达女性婀娜与性感。特别是轻薄的雪纺，衣者宛若从地狱飘来的邪恶天使，让人渴望却不可及。男装中除用华丽的绸缎面料外还采用了合成面料，皮与帆布来表现男性刚强与坚韧。让男性充满了统治者的风范。 1 GL@tS

1 领 >4}2~;

高耸的立领 _Aki\

夸大的荷叶领 |zotEh

V字领 ' of5v6:8

2 肩 ;qF#!Kb5

高垫肩 @|^2 +K/

小窄肩 n|oAfJUk,

3 袖 = hx+-'

高袖笼 ]'UO]i/

修长的窄袖 $LF

收紧的袖口与散边的袖口 |eis1)

4 腰 G/Xa`4"_

高腰身 Pb| 'f(

束胸衣 AE)<ee%\\

5 裙 Odr@9MJ

修长的礼服裙 q(Y<cJX

大下摆的公主裙 e_wz8]K)n

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紧身鸡腿裤 26E"Ui5q

宽大的裙裤 vyHj-

7 鞋 B(mxW8y

厚底松高鞋，超长细鞋跟，尖头长靴，鞋上的金属与铁链永远都不嫌多

:7_5jpg 洛可可为法语rococo 的音译，此词源于法语 ro- caille(贝壳工艺），意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。 巴洛克艺术尽管有呆板的礼仪，有形式上的骄矜和夸张，但它毕竟是一个阳刚的时期。而紧随其后的时期，即洛可可艺术，是大约自路易十四 1715年逝世时开始的，则显得更为讲究，更为矫饰，更为呆板，因而也更为柔弱。可以认为，这个时期的一个标志是18世纪初欧洲瓷器使用的普及。原先，人们一直是用笨重的银制餐具饮食，用大块的石头创作巨大的雕塑，而现在则是用易碎的瓷器来做餐具，也制作小巧玲珑的瓷塑像，从而反映了这个风流时期的精神。 君主政体和教会的绝对权威在17世纪促进了那些有活力的表现形式向前发展，而它们正是专制主义的代表人物为了自我表现以及具体解释他们的专横权力要求而需要的。在18世纪，这些权威人物丧失了威望，这不仅因为一些世俗和教会的贵族由于放荡的品行而在思想道德上威风扫地，还因为自然科学和哲学发展了理性思维，使人们有能力认识到了旧社会制度的缺点。这种依据批判性思维得到的充满乐观的自信，以及与此相连的对自身能力的无限自信，最终也导致了个人感情价值的高雅化。人们喜欢牧歌式的轻松愉快的抒情，喜欢阿那克里翁式的诗篇，不愿再要17世纪悲剧中那种符合道德的歌颂义务、荣誉和意志的英雄史诗，而是更喜欢喜剧的真实及其贴近现实的典型化和精彩的对话风格。 在这个时期里，造型艺术是这个在思想道德上得到解放的社会的一个忠实的仆人。尽管如此，洛可可艺术并不是一种独特的、创造性的或者与巴洛克艺术截然不同的艺术风格，因为又是椭圆形的，并且，还有两个比较小的椭圆厅介于中央大厅和西厂之间。总之，在教堂内部，椭圆厅和圆厅反复交叉渗透，这种“多声部性”简直可以跟巴赫创作的一首赋格曲相比。 洛可可艺术风格的倡导者是蓬帕杜夫人(1721～1764)，她不仅参与军事外交事务，还以文化“保护人”身份，左右着当时的艺术风格。蓬帕杜夫人原名让娜·安托瓦内特·普瓦松，出生于巴黎的一个金融投机商家庭，后成为路易十五的情人，接着成为国王的私人秘书，路易十五封她为蓬帕杜侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡导下，产生了洛可可艺术风格，使17世纪太阳王照耀下有盛世气象的雕刻风格，被18世纪这位贵妇纤纤细手摩挲得分外柔美媚人了。 洛可可建筑洛可可世俗建筑艺术的特征是轻结构的花园式府邸，它日益排挤了巴罗克那种雄伟的宫殿建筑。在这里，个人可以不受自吹自擂的宫廷社会打扰，自由发展。例如，逍遥宫或观景楼这样的名称都表明了这些府邸的私人特点。尤金王子的花园宫就是一个节奏活泼的整体，由七幢对称排列的楼阁式建筑构成，其折叠式复斜屋顶从中间优美匀称地传至四个角楼的穹顶处（图202）。上面有山墙的单层正厅具有几乎是中产阶级的舒适，两个宽展的双层侧翼则显示出主人的华贵，却又没有王公贵族的骄矜。两个宽度适中的单层建筑介于塔式的楼阁之间，而楼阁的雄伟使整个建筑具有坚固城堡的特点——总之，极为不同的建筑思想，却又统一在一种优雅的内在联系中。正是这种形式与风格简直相互矛盾的建筑群体漫不经心的配置，清楚地体现出了洛可可艺术的精神。 维尔茨堡大主教府的楼梯厅为巴罗克晚期建筑的优雅留下了一个好印象。诺伊曼在这里大手大脚地浪费空间，设计了两个互相对称的楼梯厅，但只有其中一个建成。然而，仅只这一个就足以赋予这宏伟的内部空间一种壮观的气氛了，并且，这种气氛又由此传给了前厅、花园厅和朝觐厅等一系列建筑（图207）。威尼斯人堤埃坡罗在楼梯厅和朝觐厅画的天顶画，把建筑艺术的魅力发挥到了无可比拟的程度。天花板被600平方米的巨大天顶画化解为五颜六色的光，它们就像是从敞开的天空射进室内来的。这天空充满了光怪陆离的形象，它们巧妙地掩盖了建筑与绘画的界限（例如，狗就像是站在凸出的横线饰上）。石膏花饰也挤入了画中，而画中的人物则利用他们手上的雕塑物品占有建筑空间。凭借着这种幻觉手法，实现了绘画、雕塑和建筑艺术的完全统一。①曲线趣味，常用C形、S形、漩涡形等曲线为造形的装饰效果。 ②构图非对称法则，而是带有轻快、优雅的运动感。 ③色泽柔和、艳丽、轻快，给人轻松舒适感。 ④崇尚经过人工修饰的“自然”。 ⑤人物意匠上的谐谑性、飘逸性，表现各种不同的爱，如浪漫的爱、性爱、母爱等。巴罗克时装跟样式主义和西班牙时装的那种几何形状的严谨相反，深受生气勃勃的生命意识影响，这是与建筑和造型艺术的情况相同的。轮状细褶皱领过去曾跟平展的或者衬垫的衣领形成鲜明的对比，而现在不经僵硬地垂下来，后来又干脆让平披在肩上的花边领取代了。帽子都有宽边，可以按各人的气质制成宽式、高式或斜式，头发自由散披。如果缺少天生的头发，可以用假发。自路易八世起，特别是在法国，假发成了给人印象最深的特征。那种长假发在头顶部位蓬松鬈曲，然后分为两翼垂至肩上和胸前。 洛可可家具男装仍继续采用那种下摆宽松的上衣，也可以紧贴腰身缝制。衣袖为花边袖口，或者是只有胳臂四分之三那么长的短袖，露出里面的镶了花边的衬衫。裤子呈袋状宽松地垂至长袜处，在那儿用玫瑰花饰带子系起来。1675年前后，男装出现了迄今仍然流行的三件套。上衣演变为长至膝盖的坎肩，外面再套装饰颇多的紧贴腰身缝制的外套，裤子是细长至膝的短裤，下面是丝织长袜和带扣襻的鞋子。 巴罗克女装放弃了西班牙钟式裙那种几何形状的严谨，可是保留了宽大的髋部和紧身的胸衣。在一条颜色不同的衬裙外面，套钟形的长裙，大多在前面打褶裥，身后拖着裙裾。洛可可女装变得爱卖弄风情，有褶裥、荷叶边、随意的花边和隆起的衬裙。一种穹顶形的鲸骨圈取代了古老的钟式裙，造成了巴罗克晚期那种典型的女性剪影效果，从过于宽大的裙子到瘦削的肩膀，再到发型高耸的头部，整个人显现出一个圆锥形。

问题一：洛可可，形容一个人是什么意思？ 主要是可爱的意思 洛可可原为一种18世纪20年代起源法国的一种建筑风格，主要表现在室内装饰上。色彩和纤巧的装饰，家具也非常精制而偏于繁琐。不象巴洛克风格那样色彩强烈、装饰浓艳。 由此据理，应该说你算是小家碧玉很可爱然后有种温馨的感觉

问题二：什么叫洛可可风格啊 什么是洛可可风格？

洛可可风格是一种建筑风格，主要表现在室内装饰上。18世纪20年代产生于法国，是在巴洛克建筑的基础上发展起来的。

洛可可风格的特点是：室内应用明快的色彩和纤巧的装饰，家具也非常精致而偏于繁琐，不像巴洛克风格那样色彩强烈，装饰浓艳。德国南部和奥地利洛可可建筑的内部空间非常复杂。

洛可可装饰的特点是：细腻柔媚，常常采用不对称手法，喜欢用弧线和 S形线，尤其爱用贝壳、旋涡、山石作为装饰题材，卷草舒花，缠绵盘曲，连成一体。天花和墙面有时以弧面相连，转角处布置壁画。

为了模仿自然形态，室内建筑部件也往往做成不对称形状，变化万千，但有时流于矫揉造作。室内墙面粉刷，爱用嫩绿、粉红、玫瑰红等鲜艳的浅色调，线脚大多用金色。室内护壁板有时用木板，有时作成精致的框格，框内四周有一圈花边，中间常衬以浅色东方织锦。

洛可可风格反映了法国路易十五时代宫廷贵族的生活趣味，曾风靡欧洲。这种风格的代表作是巴黎苏俾士府邸公主沙龙和凡尔赛宫的王后居室。

问题三：rococo是什么意思？ rococo [ru'kuku, ,ruk'ku] 基本释义 同近义词 adj 洛可可式的；旧式的；过分修饰的 n 洛可可式（18 世纪后半期盛行欧洲的一种建筑装饰艺术风格）[ 复数rococos ] adj洛可可式的；旧式的；过分修饰的ropey, old-style

问题四：洛可可风格服装的概念与特点是什么？ 洛可可服饰在色彩和装饰上的特点

（一）柔和艳丽的色彩和自然形态的装饰

洛可可服装的显著特点是柔媚细腻、 纤弱柔和，这使整个服装风格趋于柔美化、繁复化。 在服装中大量运用夸张的造型、柔和艳丽的色彩以及自然形态的装饰，给人以奢华浪漫的视觉效果。 洛可可时期色彩常用白色、金色、粉红、粉绿、淡黄等娇嫩的颜色。 服饰上的色彩也表现为柔和艳丽的色调，例如甜美的香槟色和奶油色洛可可服饰追求柔媚细腻的情调。 为了模仿自然形态，服装上的装饰物等部件也往往做成不对称形状，变化万千。 来自大自然的装饰题材的运用，使洛可可装饰艺术充满了女性惬意的轻松感，处处体现着新兴资产阶级上升阶段强调满足自身感官愉悦的审美趣味。 自然形态在服饰上的体现就是大量自然花卉为主题的染织面料。 这个时期法国的印花织物就好似花的帝国――曼妙而唯美。 当时主要采用的花卉是蔷薇和兰花， 在处理上采用写实的花卉，再用茎蔓把花卉相互连接起来，形成蔓延的动感，表现出人们对自然的崇尚。洛可可服装形态的演变经历了奥尔良公爵摄政时代、 路易十五时代和路易十六时代三个时段。洛可可服装在装饰上也极其纤弱柔和，多处使用金线、彩绘、蕾丝、穗子等装饰手法。 例如：在室内装饰风格的影响下， 法国式罗布衣袖比早期更加合身，袖口制作更是不同寻常，精细而复杂，并且带有边饰。 在华托式罗布中带翼的袖口被细丝褶边所取代。 这种褶边通常是两层，上面镶有穗子、金属饰边和五彩的蕾丝。 袖子下边露出内衣袖口双层或三层褶边。 褶边由细而宽，边缘装饰有蕾丝，这就是当时最迷人的“荷叶边皱褶袖”的经典造型。

（二）对装饰效果的注重与表现

洛可可女装由内部的紧身胸衣、倒三角形脚片（斯塔玛卡）、裙撑（帕尼埃）和罩在裙撑外华丽讲究的衬裙以及最外面的罩裙（罗布）组成。 紧身胸衣和裙撑这对孪生姐妹在很大程度上缔造了洛可可女装浪漫、迷人的华贵风情。 作为洛可可女装最具代表的灵魂，其夸张的造型、超大的服装表面给设计师足够的装饰空间，使精致温婉的服饰艺术表现得栩栩如生。紧身胸衣一直是西方女装造型最重要的手段之一。 穿着紧身胸衣时，胸前通常配有呈倒三角形的胸兜，这是独立制作的服装部件，穿着时把它系在前开紧身胸衣的带子下面，也可以遮挡胸衣的开口，可以说是洛可可女装装饰的重要部分。 肚兜上面常有精美的装饰，这个部位是细节装饰美和工艺美的表现。裙撑作为洛可可女装的重要部分，和紧身胸衣一起把女人塑造成完美的 X 型。初期“帕尼埃”为钟形，后来“帕尼埃”越变越大，逐渐变成椭圆形，前后扁平、左右宽大。 “帕尼埃”外层面积的增大给表层的装饰创造了更多的机会。 前部敞开的罩裙以及裙子层次繁多是西方近代女装的重点。 在外裙下通常有内裙、衬裙和底裙。 层层叠叠的裙子以它细腻精致、变化丰富的装饰形成着层叠的视觉效果，成为 18 世纪追求娇柔矫饰和官能享乐的象征。这种立体饰褶、服装面料的缝缀再造增加了服装在视觉上浮雕感、立体感。蕾丝是一种有透孔的网眼花边的织物， 通常织有图案。 最早是手工编织的织物，18 世纪由于纺织技术的进步，蕾丝的生产制造进入鼎盛时期。因为其华美的材质、 精致的手工和昂贵的价格是穿着者地位和财富的象征。 蕾丝荷叶边的装饰是洛可可艺术的装饰经典。 洛可可时期女装的袖子由肩部到肘部是窄紧贴体的，蕾丝边饰由肘部垂下，自然的张开。蕾丝袖边不仅起到装饰作用，而且还有造型功能，使袖子整体呈现倒三角型的外观。这样的袖型在倒三角的躯干和矩形的下裙之间起到很好的视觉调和作用，与服装整体造型轮廓相搭配，从而把蕾丝从最初是身份、地位、财富的象征演变为代表女性性感的服饰符号。花朵这个主>>

问题五：什么是洛可可艺术风格 洛可可(Rococo)艺术风格产生于法国18世纪。“洛可可”是法文“岩石”的复合词，意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。

洛可可艺术风格的倡导者是蓬帕杜夫人(1721～1764)，她不仅参与军事外交事务，还以文化“保护人”身份，左亥着当时的艺术风格。蓬帕杜夫人原名让娜・安托瓦内特・普瓦松，出生于巴黎的一个金融投机商家庭，后成为路易十五的情妇，被封为侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡导下，产生了洛可可艺术风格，使17世纪太阳王照耀下有盛世气象的雕刻风格，被18世纪这位贵妇纤纤细手摩挲得分外柔美媚人了。

18世纪法国艺术是洛可可的天下，而且，已经成为欧洲近代文明中心的法国宫廷，把这种靡丽之风传出国界，甚至传到中国的圆明园。

洛可可风格是宫廷艺术，这种风格是由于当时一些不严格遵循法国古典主义法则的因素而产生的，它并不是意大利巴洛克风格的必然后果。它的遵循理论是“师法自然”。人们都在谈论“师法自然”，但是，我们从现代角度去看，他们所谓的对自然的模仿只是让自然服从于社会的心血来潮，而这个社会并未完全做好使人真正感受到生活在自然之中，并且充满着对生活的神秘醉意的准备。这时的艺术家们对贵族俯首帖耳，同时贵族阶级又要求他们唯命是从。法国人的这一发明使教会中心真正转向沙龙中心，而这时的沙龙已与过去不同，各种绘画展览都被称之为“沙龙”。画家、雕塑家、木刻家、铜板画家、珠宝商、金银器皿商、细木家俱商、理发师、裁缝、制靴匠，所有的人都对洛可可这种在结构脆弱的高雅文化基础上绽开的美艳之极的花朵趋之若鹜。在每个角落，在高谈阔论的男子和楚楚动人的女子周围，从木器、水晶器皿、糕点、大理石、地毯到陈列柜及里面的餐具，从四轮马车到轿子，从前厅到卧室，洛可可风格无所不在。这是上流社会的艺术，它滥用着并且吸干了艺术家们的殷勤，用窃来的爱情和移植的花朵分散了艺术家们的注意力。这种不断向上攀缘的结构尽管放射出璀璨的光辉，但它却被禁锢在高雅文化周围，渐渐地疏远了其天然的源头。令人遗憾的现象出现了：这种蜿蜒缠绕的曲线，限制了装饰师们在空间中实现全面发展的自由，并且总是把它导向为使人难以摆脱的社交活动服务的轨道，而这种装饰艺术正是顺应这一需要才得以问世的，它成了王公贵族的俘虏。

洛可可艺术的灵魂式人物是绘画大师弗朗索瓦・布歇。他在天花板、屏风、车把手、门的正面、首饰盒和瓷器上，可以说在任何地方，都绘制了牧歌式和田园曲式的爱情神话故事题材。布歇和蔼可亲，慷慨大方，注重享乐，受到男男女女的喜爱。他和自己的时代不断地交换看法，询问个人和这个时代应该做些什么来爱这些男女，并获得他们的热爱。他因此获得“皇家首席画家”的称号。

问题六：洛可可风格与巴洛克风格有什么区别，各自有什么特点。 巴洛克与洛可可都很繁复，奢华，。

巴洛克 有豪华的特色，既有宗教的特色又有享乐主义的色彩。它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂。

洛可可风格的基本特点是纤弱娇媚、华丽精巧、甜腻温柔、纷繁琐细。

总的来说，巴洛克比较有宗教色彩，比较辉煌大气，洛可可相比女性的色彩多一些，比较温和柔美。

这个是罗马教堂，巴洛克风格

这是巴黎苏俾士府邸公主沙龙 ，洛可可风格。

问题七：哪位帮忙解答洛可可与罗可可的区别？？？ “罗可可”又名“洛可可”，所谓\罗可可\原是一个派生词,本意是指描写那种贝壳似的装饰图案。这种偏好艳丽色彩与优雅装饰的风气取代了巴罗克时代雄健奔放的趣味,表现出一种轻松活泼的特点。它由法国路易十五宫廷形成后流行开来,波及到德、奥和其他国家, 以至形成了18世纪在欧洲占统治地位的\罗可可\风格的艺术形式。 查看原帖>>

问题八：洛可可一次源于德语 洛可可风格起源于18世纪的法国，最初是为了反对宫廷的繁文缛节艺术而兴起的。洛可可Rococo这个字是从法文Rocaille和coquilles合并而来。Rocaille是一种混合贝壳与小石子制成的室内装饰物，而coquilles则是贝壳。洛可可后来被新古典主义取代。

在德国，斯都格的孤独城堡和奥拉宁堡的中国宫、维斯的巴伐利亚教堂和波茨坦的无忧宫都是欧洲洛可可风格建筑的例子。

1730年代，洛可可在法国高度发展，并受到中国风的影响。这种风格从建筑和家具蔓延到油画和雕塑，表现在让-安东尼・华托和佛朗索瓦・布歇的作品中。洛可可保留了巴洛克风格复杂的形象和精细的图腾。不过在这一点上，它已经开始与大量不同的特征融合，包括东方风格和不对称组合。

这种艺术形式在法国迅速蔓延至德国和西班牙等地区，并与当地的风格融合。18世纪，英国一直视洛可可风格为“法国品味”，较少用于建筑上，主要表现在银器、陶瓷等。当时意大利移民的艺术家像Bagutti和Artari都以石膏作品尝试将洛可可风格带入英国。而爱尔兰的法兰契尼兄弟也作出同样的尝试。随着拿破仑在法国的崛起，洛可可被拿破仑从法国剔除出去。

问题九：巴洛克服饰与洛可可服饰的区别是什么？ 巴洛克艺术风格与服饰

巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财富、大量使用贵重材料的建筑风格，也因此牵动影响到当时艺术全面性的变革。

巴洛克的字义源自葡萄牙语，意指变了形的珍珠，也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克虽然承袭矫饰主义，但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，甚至用巴洛克风格一词，来代称17世纪欧洲的服装款式。

洛可可艺术风格与服饰

洛可可一词源自法国字汇“Rocaille”，由此演变而来，其意思是指岩状的装饰，基本是一种强调C型的漩涡状花纹及反曲线的装饰风格。这种风格源自1715年法国路易十四过世之后，所产生的一种艺术上的反叛。

洛可可艺术风格与巴洛克艺术风格最显着的差别就是，洛可可艺术更趋向一种精制而幽雅，具装饰性的特色。这种特色当然影响到当时的服装，甚至以洛可可一词代表法国大革命之前18世纪的服装款式。

问题十：洛可可，形容一个人是什么意思？ 主要是可爱的意思 洛可可原为一种18世纪20年代起源法国的一种建筑风格，主要表现在室内装饰上。色彩和纤巧的装饰，家具也非常精制而偏于繁琐。不象巴洛克风格那样色彩强烈、装饰浓艳。 由此据理，应该说你算是小家碧玉很可爱然后有种温馨的感觉

第一次世界大战之后，装饰艺术在法国得到了更大发展，设计机构纷纷成立。1923年法国海外领地艺术展览又启发了后来装饰艺术中的原始情调。为重建法国自洛可可式风格以来在装饰艺术领域中的领导地位，法国装饰艺术家协会早在1910年就提出了举办巴黎国际装饰艺术博览会的建议，要求联合一切艺术家和所有装饰艺术，包括建筑、实用物品和装饰品，共同创造一种彻底的现代艺术，并坚持摒弃一切模仿和拼凑。但由于种种原因，这次博展览会迟至1925年才举行，它的全称是“国际现代装饰与工业艺术博览会”，艺术装饰风格的名称由此而来。这次展览将法国最优秀艺术家的作品集合在一个令人眼花缭乱的豪华展示之中。这些展品的设计者们雇用技艺高超的手工匠人来制作自己的设计，所用材料大都是珍贵而富于异国情调的，如硬木、生漆、宝石、贵重金属和象牙等，色彩也很艳丽。这种富有而豪华的风格是当时法国人对于装饰的态度的缩影，体现了法国的新富足。正是在这次博览会上，柯布西埃展示了他的“新精神馆”，在一派奢侈之风中以其清新朴素而独树一帜。

第一次世界大战后，法国人对于现代建筑与设计的兴趣不断增加。早在1917年，法国人卡迪埃（LouisCartier）设计的“坦克”表就反映了第一次世界大战对于文化的影响，机器意识开始渗入到了文明之中。战前手表的设计总是显得有些娇弱，多为女子所用，但在战争中士兵们无暇掏出怀表看时间，因此手表也被男人接受了。卡迪埃的坦克表得名于美军的坦克部队，在风格和名称上，它都反映了机器美学。在珠宝设计中，一些女性用的饰物开始用规整的几何构图，而不是繁复的传统纹样。有的饰物甚至以机器零件为主题，巴黎珠宝商以重炮弹壳的形式来制造吊饰，并在手镯上安置滚珠。到20世纪20年代中期，不少设计师尝试将现代主义严格的形式感和富有的主顾对于豪华、时髦的向往揉为一体，图8-7所示的几何体银质台灯就是这一趋势的体现。它反映了曾经迷恋于历史风格的上流社会开始接受新的美学形式。与此同时，传统的木制家具已开始受到金属家具的挑战，包豪斯严谨的钢管家具与贵重的材料和精湛的手工艺相结合，出现于许多中产阶级的家中。

博览会之后，各方面的订货源源而来，这种装饰风格立即被商业化了。随着塑料之类新材料的出现而取代了昂贵的材料，以及手工制作让位于批量生产，艺术装饰风格进入了更大的市场。略带贬义的法语单词“摩登（Moderne）”成了“艺术装饰”风格的同义语，以描述这一现代美学与巴黎奢侈豪华的畸形儿。希利埃（BevisHillier）在《艺术装饰风格》一书中写道：“艺术装饰风格是一种明确的现代风格，发展于20世纪20年代，在20世纪30年代达到顶峰。它从各种源泉中获取了灵感，包括新艺术较为严谨的方面、立体主义和俄国芭蕾、美洲印第安艺术以及包豪斯。与新古典一样，它是一种规范化的风格，不同于洛可可和新艺术。它趋于几何又不强调对称，趋于直线又不囿于直线，并满足机器生产和塑料、钢筋混凝土、玻璃一类新材料的要求。它最终的目标是通过使艺术家们掌握手工艺和使设计适应于批量生产的需要来结束艺术与工业之间旧有的冲突和艺术家与手工艺人之间旧有的势利差别。”这种“摩登”风格在20世纪30年代由法国影响到了其他欧洲国家，其金字塔状的台阶式构图和放射状线条等艺术装饰风格的典型造型语言（图8-9）被作为“现代感”的标志而到处使用。在美国，艺术装饰风格被好莱坞发展成了一种以迷人、豪华、夸张为特色的所谓“爵士摩登”（JazzModerne），并为批量生产所采用，波及了20世纪30年代早期从建筑到日常生活用品的各个方面，成为人们逃避经济大萧条的一剂药方。

周大福不在欧洲开店的是市场获利低。根据查询相关公开信息显示，欧洲作为珠宝首饰高要求地方，世界知名珠宝品牌，曾受到众多欧洲皇室及贵族的青睐。欧洲先后流行巴洛克和洛可可风格，这也反应在珠宝设计中。随着欧洲各国国力增强，高级珠宝也取得了长足发展。随着资产阶级的壮大，珠宝不再仅仅是贵族专属，而是受到资产阶级，还是全球前沿的金银珠宝制造商，国际知名时尚珠宝品牌，集时尚珠宝设计、生产、销售于一体的企业，在欧洲的投放是不有效益的发展规划中。

1、洛丽塔服装：

穿着超短裙，化着成熟妆容但又留着少女刘海的女生。但是流传到了日本，Lolita成为了天真可爱少女的代名词，用一个字形容，就是“萌”。主要分三大风格：甜系；经典系；哥特系。

2、巴洛克服装：

以宫廷为背景，服饰偏保守，束腰有宗教特色，注重光影效果。这种风格的时装和配饰表现出来的尽是奢华和古典的面貌。必要元素：夸张、浪漫 、抽绳、混搭 、褶皱、花朵、水晶、繁复、蕾丝、贵族、花边、复古、束腰、花。

3、洛可可服装：

以资产阶级沙龙文化为背景，服装偏重于华丽，蕾丝盛行，礼服上常常有大量的蕾丝和褶边，还有大量的绢花等，突出女性柔美曲线感。

4、哥特服饰：

以黑色或者暗色系列为主的衣服，颜色搭配一般为红黑、全黑或黑白，佩带着很多显眼的宗教饰物，但却几乎天天改变信仰，永远不戴金首饰。主要体现为高高的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角的感觉。

巴洛克、洛可可、哥特都是最先体现在建筑上的；洛可可与巴洛克的关系是衍生的，洛可可可以视为是女性的巴洛克。还有波西米亚风格、后现代主义风格、未来主义风格、印第安风格等。

扩展资料：

哥特最高来源于建筑风格。「歌特」（Gothic）这个特定的字汇，早先指涉的是西欧的日耳曼部族。出现于18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，当时的「歌特复兴」（gothic revival）是将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓窖挖掘出来。 

哥特这个词汇，主要存在于建筑，音乐，文学和服装当中。

受建筑风格的影响，哥特服装风格主要体现为高高的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角的感觉。而织物或服装表现出来的富于光泽和鲜明的色调是与哥特式教堂内彩色玻璃的效果一脉相通的。

现在所指的哥特风是指在八十年代，由音乐风格发展而来的一种着装风格，染黑的长发、苍白的皮肤、紧身黑衣、尖皮靴和大量银饰。

-洛丽塔风格

-巴洛克

-洛可可艺术

-哥特服饰

请问一下现在很流行的时尚插画有什么应用领域呢？可以详细介绍一下吗？

时装插画大多数是以艺术欣赏与广告宣传为主要目标,其较为重视绘画技巧的运用与画面的视觉冲击力。整体上,其画面效果更加趋近于绘画艺术,有着极为明显的艺术性和鲜明的个性特征,经常被用在样品宣传和广告海报当中,所起到的作用是引导消费者进行消费,并进行流行风格的预告。

受众在日常生活当中也会关注和收集当前流行的时尚元素,例如,很多插画设计师在进行设计时会大量搜集流行用语和流行色彩,也会关注人物流行彩妆和较为受欢迎的造型,并从这些时尚审美当中进行时尚元素的抽离,将其转化为时装插画设计所需的图形要素,灵活地融入到时装插画当中,如此才能够真正设计出优秀且带有独特艺术性的时尚插画。在创作时通常需要提高其对时尚元素的搜集能力和将流行色融入插画设计的掌控能力。

1时尚元素的收集

时尚元素是在商业和艺术领域应用广泛,引领各种产品设计和艺术的表现形式。服装的时尚元素它可以是一种廓形也可以是一种搭配方式,甚至可以是一个配件,如玛·穆露比(MarMurube)1979年出生,非常年轻的时候就开始作画,是国际时尚界最著名的插画师之一,她的作品涵盖时尚杂志、广告、产品设计、包装与出版等各个领域,她的作品的特点是有很强的时尚元素,色彩鲜明,非常清新有朝气[2]。建议大家平时收集一些时装杂志,比如《VOGUE》《Tatler》《InStyle》《MarieClaire》《ELLE》等,了解当下流行的时尚元素,进行人物服饰与搭配的临摹,以此来充实自己的创作素材。

2流行色的应用

流行色与服装材料、款式等多个元素共同组成了服装美,对大部分群体来说,“流行色”是代表时尚的名词,同时也表明了流行的趋势,是可以与时俱变的颜色,其有着流行快但周期短的特点。

一般来讲,流行色不会一成不变,它是色彩应用在某个阶段得到大众的认可、追随与模仿,使之形成某种倾向,就出现了流行色。其总是在一定时间内发生演变。所以,流行色就是流行的风向标,掌握了流行色的风舵,就能引领潮流方向。通过一些著名服装品牌的时装新品发布会就会发现,每年都会设计一个专门说明流行色的发布会,通常流行色不会局限在一种单色上,而是一种有着流行时尚风格的配色。一般而言,服饰的基本色在服饰中所占的比重相对较大,而流行色所占比重较小,因此,在制定和发布下一年度流行色时,往往是采取两种或两种以上的流行色与服饰的基本色共同搭配,使其在保留自我独特性基础上凸显出当前的时尚潮流。如可以准确预测流行色,并将其融入到插画主色调中,则时装插画作品必然会快速被大众所追捧,并被大家记住。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

阿方斯·穆哈服装画作品及简介

阿方斯·穆哈(AlfonsMariaMucha,1860-1939),新艺术运动大师,1860年7月24日出生于奥地利统治下的摩拉维亚(Moravia)小镇Ivancice(在现今的捷克共和国境内)一个虔诚的宗教家庭。他童年时是摩洛维亚布鲁诺(Brno)圣彼得罗马天主教堂唱诗班的成员,这座教堂保存着丰富的巴洛克风格的艺术品,每次穆哈进入这所教堂,都会被这些美妙的艺术深深感染。在完成高中学业后,穆哈决心要成为一个画家,而没有按照他父亲的意愿在本地的法庭工作。后来他在维也纳、慕尼黑和巴黎等地求学,他的绘画作品中饱含着思乡之情。穆哈创作的插画都具有细腻的色彩,采用了完全个性化的花草装饰元素。最突出的插画系列当属他的家具、艺术品、金银制品和首饰题材的插画,多变的形状和花饰、叶饰、发绺、脸部以及女性的优美线条,可以说是家庭艺术最惊喜的发现之一。穆哈的作品吸收了日本木刻对外形和轮廓线优雅的刻画,拜占庭艺术华美的色彩和几何装饰效果,以及巴洛克、洛可可艺术的细致而富于肉感的描绘。他用感性化的装饰性线条、简洁的轮廓线和明快的水彩效果创造了被称为“穆哈风格”的人物形象。经过他的加工,所有的女性形象都显得甜美优雅,身材玲珑曲致,富有青春的活力,有时还有一头飘逸柔美的秀发。他的画面常常由青春美貌的女性和富有装饰性的曲线流畅的花草组成。1912年,穆哈在一个巨大的剧院帷幕上创作出“斯拉夫人在史前地区”(THESLAVEPIC)。画作中天空的轮廓非常大,穆哈意在借此表现自然的力量,那种人类根本无法抗拒的力量。这组作品表明,穆哈的内心深处极度依恋年轻时的民族主义情结,他借助欧洲绘画的表现方式,向全世界展示“斯拉夫人的智慧和力量。”招贴画本身的作用是为戏剧演出作宣传,这些招贴画通过拉伸的体形、高贵的气质、与悲剧女主人公的神似的相貌,给观众留下了深刻的印象。

在穆哈的《茶花女》招贴画中,茶花女身着几乎透明的白色长裙,这张招贴画得了招贴画评论家的一致好评。在穆哈的作品中,最引人注目的是色彩的协调性和多样化,这也是他获得巨大成功的一个原因。

穆哈为《喔喔喔》杂志创作的作品尤其出色。他在作品中画上一个女子和一只公鸡。杂志封面在每一期都有所变化,穆哈尝试多种手法突出主题,如果公鸡不明显,就通过它的羽毛或是引吭高歌来表现。

从1897年秋开始,穆哈为1900年举行的“宇宙博览会”的一个展示橱窗制作招贴画和模型。这是他的草图和设计图:被截去一段的埃菲尔铁塔,支撑着一个世界地图和具有象征意义的雕塑。整幅作品应该很大,这只是其中的一部分,在拱门下,在建筑物的台阶上,还有许多人物。

穆哈接到的最重要的一笔订单是为波斯尼·厄尔戈维纳“国民堤岸”旁的一座陈列馆装饰大厅设图。在大厅的三个侧面,有三个建筑性的装饰框,底部则是在展览中使用的作品——《萨哈热瓦全景一览》。高处的装饰框上描绘了一些地方传说,通常是悲剧。

1898年,穆哈将装饰艺术原则付诸实施,创作了一系列压印织物模型。在穆哈的作品中,可以看出他对服饰和豪华首饰的喜好,不禁让人联想到东方世界。穆哈在作品《罗摩》中描绘了一系列珠宝首饰,后来在乔治·富凯的帮助下,这些首饰被制作出来。

穆哈创作的插画都具有细腻的色彩,采用了完全个性化的花草装饰元素。最突出的插画系列当属他的家具、艺术品、金银制品和首饰题材的插画,多变的形状和花饰、叶饰、发绺、脸部以及女性的优美线条,可以说是家庭艺术最惊喜的发现之一。

20世纪初,穆哈希望自己能够成为一名官方肖像画家,他在该时期最好的作品是“斯拉维亚”。这幅作品是资助商查理·克尔纳女儿的一幅肖像画,正是查理帮助穆哈实现了他多年的梦想:完成了由20个巨型画作组成的“斯拉夫史诗”,作品讲述了斯拉夫人民在真实历史或传说中的光辉时刻。

1912年,穆哈在一个巨大的剧院帷幕上创作出“斯拉夫人在史前地区”。画作中天空中的轮廓非常大,穆哈意在借此表现自然的力量,那种人类根本无法抗拒的力量。这组作品表明,穆哈的内心深处极度依恋年轻时的民族主义情结,他借助欧洲绘画的表现方式,向全世界展示“斯拉夫人智慧的力量”。

其实，要是说道美女比较多的国外国家，我们心中想到的就是俄罗斯，还有就是另外一个国家，那便是今天小编要说的拉脱维亚了，这里也是一个美女集中的国家，而且男人数量也没有女人多的国家之一。

来到这里，很多人都想着看见美女，其实这里有着很多的特色旅游景点，那么，今天小编就来告诉大家拉脱维亚旅游，有什么景点可以看吧！

伦达尔宫

伦达尔宫是拉脱维亚最典型的巴洛克和洛可可风格建筑，其附近的法国洛可可风格花园是波罗的海地区最大、最华丽的花园。

宫殿在意大利建筑师拉斯特雷利(Bartolomeo

FrancescoRastrelli)的指导下，建造于1736-1768年间。拉斯特雷利也是俄罗斯圣彼得堡冬宫(现在的艾尔米塔什博物馆)的设计师。

伦达尔宫是库尔兰和瑟米利亚公国的君主ErnstJohannvon

Biron的夏宫。这座宫殿的内部和外部最大程度上保留了当时的建筑风格。

宫殿里装饰奢华，摆满了不计其数的油画、雕刻、家具、挂毯、瓷器、玻璃、银器和许多其他文物。

伦达尔宫有一座10公顷的玫瑰花园，里面有一片特别的区域，被称作“蓝玫瑰”，这片花田由四种玫瑰花按照花朵绽放的形状栽种。

这个玫瑰园是波罗的海地区最大的，玫瑰品种多达2600余种。每年，伦达尔宫都举办早期音乐节和巴洛克园艺节。古典音乐会和巴洛克音乐也会定期在这里举办，这里提供俄语、英语、德语的导游服务。

里加圣彼得教堂

里加圣彼得教堂(StPeter'sChurch,

Riga)是拉脱维亚首都里加的一座高耸的教堂，高123米(战前高136米)，始建于1209年，15世纪初由罗斯托克石匠扩建。

目前的钟楼完成于1746年，历史上曾遭雷电袭击，其中两次造成坍塌(1666年和1721年)。二战以前，这是欧洲最高的木制建筑。战争期间，屋顶和钟楼毁于大火。

1970年代，苏联工程师重建教堂，并安装了一部电梯，使人们可以在70米高处眺望里加风光。

里加圣彼得教堂是典型的哥特式建筑，不论墙还是塔都是越往上越玲珑，装饰也越多，而且顶上都有锋利的、直刺苍穹的尖顶，这是老城的最高点。

整个教堂处处展示着向上的冲力，这种强烈的向上动势是教会弃绝尘寰的宗教思想的体现。在教堂顶端上有一个生铁铸成的公鸡，鸡身一面为金色，一面为黑色。

这只公鸡也叫风信鸡，有着辨别风向的作用，当金色一面对着城市时表示顺风，海上的船只可以进港;当黑色一面对着城市时，表示逆风，船只不能进港。

而在当地，公鸡又认为是能驱鬼辟邪的，鸡叫三遍，天就亮了，魔鬼就要返回地狱，所以公鸡是当地的吉祥标志。

拉脱维亚国家历史博物馆

拉脱维拉脱维亚国家历史博物馆亚国家历史博物馆位于拉脱维亚首都里加，建立于1869年。从1920年开始，此博物馆就坐落在了里加城堡里。而从1924年，它就成为了正式的国家历史博物馆。

此博物馆的主要使命是“收集、保护、研究和推广有关拉脱维亚和全球从古至今的精神和物质文化，主要涵盖了考古学、人种学、钱币、历史或艺术意义、拉脱维亚国家和人民利益等相关领域。”

拉脱维亚国家历史博物馆是最大的拉脱维亚物质文化贮藏室，这里收藏了大约一百万件从公元前9000年至现今有关拉脱维亚历史的藏品，其藏品主要分为五大部分。

这些文物主要包括考古挖掘、古首饰和钱币、民族服饰、传统工具、实用美术、照片、资料、地图、雕刻品、绘画和其他拉脱维亚历史文物等。

拉脱维亚国家历史博物馆的永久展览主要展出反映拉脱维亚历史至1940年的历史文物，一些单独的展览则更加具体的展示了有关拉脱维亚历史上特定主题的展览。

博物馆每年会举办四到五次的临时展览，很受游客欢迎。

里加汽车博物馆

里加汽车博物馆是环波罗的海沿岸国家之中最大的古董级汽车博物馆，建立于1989年，是在拉脱维亚古董汽车俱乐部的提议下而建立的。

里加汽车博物馆的建筑是由拉脱维亚国家建设设计院的建筑师维克多哇嘎木(Viktors

Valgums)设计建造的，博物馆内设有咖啡馆和运动俱乐部等。

里加汽车博物馆自1992年起开始成为国家级博物馆，由拉脱维亚国家交通部负责经营管理。里加汽车博物馆在欧洲及世界其他地方广为人知，自1992年起，该博物馆就成为了国际运输和通讯博物馆的会员之一;

自1994年起，它成为了拉脱维亚博物馆协会的会员;而自2002年起，它则成为了拉脱维亚运输发展和教育协会会员之一。

里加汽车博物馆展示了不同年代生产的汽车，包括古典名牌车劳斯莱斯及苏联汽车，前苏联领袖用过的车子也在展览之列，如斯大林的座车，座车内还有斯大林的蜡像!

此外，馆内最值得观看的其中一部车是1938年汽车联盟赛车D型，这部车是拉脱维亚古董汽车俱乐部主席维克多卡伯格(Viktors

Kulbergs)全力从即将废弃车中营救出来的。

锡古尔达城堡

锡古尔达城堡通常被人们称作锡古尔达新城堡，主要是为了区分其旁边坐落的建于19世纪末的锡古尔达中世纪城堡遗迹，它们都坐落于拉脱维亚的锡古尔达(Sigulda)地区。

锡古尔达是位于拉脱维亚维泽梅地区的一个小镇，距离拉脱维亚首都里加53公里。

锡古尔达城堡是一栋石筑建筑，整体建筑风格大气典雅，它曾经见证了多个时代的变迁。在1878-1881年，它是科柔颇肯(Kropotkins)大家族的庄园。

在第一次世界大战之后，这栋建筑则服务于拉脱维亚绘画协会，主要作为作家和记者休闲娱乐的地方。

在1935-1937年间锡古尔达城堡得到了重建，其室内设计由拉脱维亚艺术家威利斯瓦萨瑞(Vilis

Vasari)、尼克拉夫思创科(NiklāvsStrunke)、

佩特锐欧叟林(PēterisOzolin)和卡利斯三尼恩(Kārlis

Sūni)等人进行了精心设计。在第二次世界大战以后，这里还被用作苏联卫生部的疗养中心。

在1993年至2003年期间，锡古尔达城堡是锡古尔达市议会中心，而现在则是锡古尔达区议会中心。

采西斯城堡

采西斯城堡位于拉脱维亚最美丽的古老城镇之一采西斯，经历了多次毁灭与重建，现在的采西斯城堡可追溯至16世纪早期，当时的立沃尼亚骑士团的首领Wolter

von

Plettenberg下令建造新的城墙、护城河和塔楼来加固防御工事。

采西斯城堡曾经是立沃尼亚骑士团最坚固的堡垒，经受过历次战争的考验，如今是拉脱维亚保存最完好的城堡遗迹，同时也是波罗的海诸国最宏伟的城堡遗迹。

从1949年开始，采西斯历史博物馆就进驻了修复后的新采西斯城堡，在它前方院子里的粮仓和马厩经改造后也成为了博物馆的展厅。

城堡的花园里有古代珠宝商铺，介绍古代拉脱维亚的珠宝匠和他们的工作，游客在这里有机会亲手尝试。

此外，这里有拉脱维亚最古老的啤酒厂，建于1878年的采西斯啤酒厂(Cēsu

alus

darītava)，每年在这里举办的啤酒节活动都吸引了数以千计的游客。

建于1812年的采西斯城堡公园环绕着采西斯城堡，公园的布局颇有浪漫特色，这里有蜿蜒曲折的小径，奇花异草，以及环绕古城堡的池塘。

陶格夫匹尔斯

陶格夫匹尔斯位于首都里加东南方约230公里的道加瓦河两岸，被多个湖泊包围，与白俄罗斯和立陶宛接壤，是拉脱维亚的第二大城市。

也是拉脱维亚北部的重要文化中心，有着丰富的旅游资源，如数量众多风景宜人的湖泊、美丽的冰宫、古老的陶格夫匹尔斯要塞、积极活跃的各类文艺活动等，堪称一座国际性的、美丽的旅游城市。

当地最为著名的景点是陶格夫匹尔斯要塞，是现存的没有明显变化的、19世纪早期东欧知名的军事堡垒，其每一处细节都采用沙皇俄国与欧洲最好的建筑学校的经验设计建造。

位于军事要塞附近的阿森纳建筑即陶格夫匹尔斯罗斯科艺术中心也是旅游的好去处，是一座集现代艺术、文化和教育的多功能大楼，也是东欧唯一能够看到著名画家和抽象表现主义创始人马克罗斯科的原始作品的地方。

陶格夫匹尔斯极具丛林特色、有着各类奇异动物的动物园、别具一格的陶格夫匹尔斯粘土艺术中心、独特的俄罗斯文化中心、魅力雕塑园等景点也千万不能错过。

让姿娜国家公园

让姿娜国家公园位于拉脱维亚加尔地区，是于2007年最新成立的国家公园，占地面积达532平方公里。建立此国家公园的主要初衷是保护让姿娜湖泊及其周边的地区，同时也为了保护整个加尔地区的文化和自然景观。

让姿娜国家公园内分布着众多的湖泊，比如，面积达5756平方公里的让姿娜湖就是拉脱维亚境内的第二大湖泊。由于此湖泊周边分布着许多柔软的沙滩，所以它也被当地人们亲切的称为加尔海。

湖泊里生活着很多鱼类，冬天的时候在湖泊的冰窟窿里钓鱼是一件相当有趣儿的事，而且此时的鱼肉非常的鲜美。此外，让姿娜湖周边还分布着许多便利的休闲娱乐设施，人们可以在这里划船，也可以在沙滩上嬉戏。

让姿娜国家公园里还坐落着拉脱维亚第三大高山——里拉斯里飘侃(Lielais

Liepukalns)，海拔289米，虽然不是特别高，但也丰富了公园内的地形，山上的动植物亦非常的丰富。

让姿娜国家公园作为拉脱维亚最年轻的国家公园，真是值得游客们来此一行，您不仅可以在这里看到壮丽的自然美景，而且还可以深入了解充满魅力的加尔地区，这里的人们热情友善，当地的文化与传统也颇具特色。

凯麦里国家公园

凯麦里国家公园位于拉脱维亚著名海滨城市尤尔马拉(Jūrmala)西边，建立于1997年，以38165平方公里的覆盖面积而位居拉脱维亚第三大国家公园。

公园内分布着众多的森林、湿地和沼泽等，其中，森林占地达公园总面积的57%，沼泽占24%，草地占6%，温泉、河流、湖泊等水域面积占10%，其中最重要的就是广阔的凯麦里沼泽地。

公园内的湖泊都是数千年前波罗的海从这里退去留下的泻湖，这里的开捏瑞斯(Kaieris)湖泊是受国际保护的拉姆萨尔湿地。

公园里的天然温泉和泥浆非常受欢迎，几个世纪以来，这些温泉都具有非常好的天然养生疗效，在19世纪的时候，温泉周边建立了许多酒店、浴场和疗养所。

凯麦里国家公园分布的的动植物亦非常丰富，除了繁茂的森林和沼泽地里的芦苇之外，这里还生长着苔藓植物、兰花等，动物主要包括当地的蛇、蚌、鹳、水獭等。

游客可以划着小船在园内游荡，自由自在的享受满眼的自然美景。

斯里特国家公园

斯里特国家公园位于拉脱维亚的西海岸，在库则马地区的塔尔西县。虽然它正式建立于2000年，但此区域以前曾经是斯里特自然保护区，是波罗的海诸国中最古老的自然保护区之一。

公园覆盖面积达2649平方公里，其中1013平方公里是波罗的海，它是拉脱维亚最小的国家公园。

斯里特国家公园以其前海岸线上的阔叶林和独特的沙丘及沼泽而著名，大多数阔叶林位于被人称作“蓝山”的地方，这是该公园最明显的特点之一。大约在数千年以前，“蓝山”由古老的波罗的海湖泊海岸而形成。

公园内30%的区域分布着针叶林，有数百种植物和苔藓植物，其中29种是当地特有的。

斯里特国家公园处在波罗的海候鸟迁徙所经的路线上，使得这里成为了拉脱维亚最佳观鸟地点之一。

事实上，几乎拉脱维亚境内所有的鸟类都能在这里看到，尤其是在春季和夏季的候鸟迁徙季节，每隔一个小时大约就能看到6000种鸟类从天空飞翔而过。

该公园其他种类的动物亦非常的丰富，包括大灰狼、欧亚猞猁、麋鹿等，还有一些稀有的昆虫和蛇。在公园里靠近波罗的海的海岸上，还能看到波罗的海灰海豹，珍稀的环斑海豹偶尔也能看到。

拉脱维亚有着景色壮美的森林公园，好几处，还有着古老的城堡建筑和博物馆，这里是资源种类丰富的，自然风光和历史风光并存，如果你来到这里，定也是不会后悔的。