动漫角色设计研究

动画人物造型设计讲解出处:闪吧造型设计讲解

造型设计的基本要素 造型设计的基本要素的10个方面1．夸张与变形

①对自然形象进行夸张与变形，使其更接近角色塑造的需要。

②对非自然形象的创作设计更需要想象力

2．通过联想塑造角色

3．单纯化

4．体面、动态、个性

5．符号化

6．角色组合的造型关系

7．剪影的魅力

8．幽默感

9．写实的感染力

10．造型能力与技巧的练习 “工欲善其事，必先利其器。”作好造型的基础与技巧的准备，才能在设计时得心应手，但这不仅仅是靠“用功”就可以做好的，它需要进行科学而有效的练习。因为动画造型设计本身不是最终完成的作品，动画制作需经原动画设计，前、后景合成，后期配音、剪辑等许多环节才能最后完成。动画造型要在每个环节中接受检验，由于与背景的配合、色法的限定等因素的制约，规定了动画造型设计不可能是设计者随心所欲的创作。所以在进行造型设计基本功练习时，应对整部动画制作的每个环节的要求加以考虑，无论是写生或收集素材都应有更明确的目标和针对性，并能根据不同的动画风格进行相关的造型训练。

大多数动画片中的主要角色多是人物或动物。因此，对自然形象的特征、形态、体面进行归纳练习时，应先以人物和动物为主，然后进行其他形象的练习，如昆虫、植物等。作人物造型练习可分以下四个层次。 ①全身造型练习动画片中的人物角色或动物角色是依据体态语言、脸部表情及对白等来传情达意的，除了行走、跑跳等常规动态造型之外，细微的体型、动作变化同样能反映出性格、职业、年龄等的特征。 ②局部造型练习局部是指手、足的动态造型，通过手、足所传达的信息是其语言的延伸，手与足的动作不仅能够表现其本身的基本功能，它还可以成为表情“语言”的补充，在刻画动物或其他造型时，手与足必要时会作拟人化的处理，如鸟的翅膀会变成一只手的形状，直立的熊与狮等等。 ③角度与体面练习 在动画中会运用各种视角的镜头表现主题以丰富视觉变化的效果，如动画片《狮子王》中小狮子辛巴出生后被举起时那段跟移镜头就包含了辛巴造型的各个体面、角度。因而，在造型练习中，不单要表现一个视角的体面关系，正、侧、背、俯、仰各个视角的形态变化都应注意观察，熟练掌握其塑造的能力，以便在实际的造型设计中能结合原动画的设计提供足够的表现角度的参考与选择。练习可以全身和头部造型为主，以人物和常见动物为对象，着重观察和以描绘、体悟其最具美感和代表性的体面和角度，通过某个角度可以表现特别的情感、或给人以视觉上的新鲜感。与一般绘画的不同之处是动画的每一角色的任何角度都有其意义，都有可能应用于某些镜头之中，这也符合人们习惯调换视角去观察物体的心理。 ④各种表现形式的练习形式是风格的外化，也是内容的一部分。造型艺术中所有形式与手段都可以在动画中运用，只是加工时其简繁程度不一而已。同一形象可以尝试用各种形式进行造型练习，这对造型语言的丰富十分有效。动画形象是设计者人为主观塑造的，它承载着设计者的情感与审美取向；夸张、装饰、写实等都反映出创作者的主观意图。在平时的练习中，只有掌握丰富多样的表现手法，才能在造型设计中做到真正意义上的“随心所欲”、“随意赋形”，为内容找到最恰当的表达形式。在练习中，许多优秀的传统造型艺术都可借鉴和学习，吸收其精华，揣摩其造型规律；也可以通过“外师造化”，从写生中有感而发，创作出独具一格的表现形式。通过平时的积累，在进行后来的实际造型创作时才能呼之欲出、“厚积薄发”。 当然“完美的形式应是深人到内容并赋予内容以生命、而非给内容以外衣和修饰”------［法丹纳《艺术哲学》］

　　概念设计从大多数人的认识来说，是指受20世纪60年代先锋运动中的概念艺术所影响的设计模式。从具体的使用操作上，是指设计者针对设计与产品的要求，将自己繁复的感性和瞬间思维上升到统一的理性思维形成设计概念，并以设计概念为主线，贯穿整个设计过程，最终完成整个设计的设计方法。这是概念设计广义上的定义，不同学者也有不同的理解和认识。在高成本的商业**制作中，前期概念设计草图是概念设计人员与导演沟通的重要工具，特别是在科幻**的制作中就充分体现了这一切的结合和应用。

一、角色设计

角色造型设计是前期设计工作中的重点，每一个角色都有自己的性格、外貌特征和身份背景，角色身上全部可视特征的设计都是为了强调身份、性格和因剧情表演的需要而设定的。设计精美、恰当的角色才能够将剧情表演得生动、精彩。角色设定要求概念设计工作者画出真实的立体效果角色设计稿，使导演能更好地根据角色性格去安排剧情。

角色创作，首先必须明确一个原则，就是创作一个由几何体积构成的立体角色，而不是创作一个由平面形状合成的平面角色。每一个角色都应该看上去很真实，角色设计的目的是给剧情发展加入移情作用的焦点，这也是概念设计非常重要的一点。移情作用是指观众在剧情的进行中，由第三人称视角不自觉地转变为第一人称视角，也就是说，观众忘记是在观看**，而将自己当成影片中的角色置身于戏中。做到这一步，这个角色的塑造才算成功。

其次，为了让角色更加真实可信，还需要设计出角色的不同形态、装束、表情等各种细节。在制作**《变形金刚》中机器人的表情时，概念设计人员也考虑到机械体难以很形象地模拟出人类复杂的情感语言，所以只能用肢体或者头部运动来表达它们的意识情感，使本来冷冰冰的机械体仿佛变成了一个有血有肉的人类。正是这种理想化的概念设计，使角色更具亲和力。

二、场景道具设计

根据剧本提供的故事背景、人物活动环境、情节设置，剧本提供的分场、情绪、人物调度、机位调度、整体的美术风格和声音效果要求，来进行视觉及空间设计。除了角色以外，所有可以动的物体都划为道具类，而其中重要场景、道具的设定，更是要严格参照剧本的要求来进行。如设定场景时要考虑镜头的摆放，人物如何走位，如何让场景配合角色表演，或者说，要设计一个供角色表演的舞台，所有一切都需要符合概念设计的理想化表现手法，才能够更好地烘托角色的表演。在影片《阿凡达》中，导演詹姆斯・卡梅隆总是尽可能地用现场实拍破坏和爆炸特效，这样既节省了后期合成的费用和时间，同时也增加了影片效果的真实性。

不过，《阿凡达》毕竟是一部科幻片，角色在场景里以什么样的方式出现？如何用视觉暗示来烘托情节发展？这些都是在前期设计工作中要考虑好的。片中纳美人涅提妮的出现是在美丽的潘多拉星球，宏伟的自然景观和千奇百怪、形形色色的植物，色彩斑斓、绚丽多姿的美景实在是令人神往不已，这些场景是将地球上的景观实体采样，然后再经过电脑的混合处理，将整个场景以整体质感真实地展现在观众眼前。设定场景道具必须服从角色的需要，不同身份的角色使用不同类型的场景道具，以强调其主人的身份，所以，概念设计中的感性成分多在其中体现，以更好地展现影片中的科幻人物。

三、色彩设计

一部好的科幻**，能吸引人的地方除了故事情节、演员的表情、视听效果等因素外，还要能调动观众的情绪，而最常用的手段就是影片的色调。影片的色调设计也就是“镜头效果样板设计”，对于中后期的生产部门，尤其是灯光材质部门起到重要的色彩参考作用。对于一些特别重要的镜头，概念设计起到了重要作用，运用色彩和空间构成最大限度地扩张了画面的冲击力和戏剧性。

纯净的蓝色毫无疑问是《阿凡达》的主色调，许多场景甚至主人公的肤色都是这种让人冷静同时又略显伤感的色彩，这也许正是詹姆斯想要通过影片传递的一种悲悯情怀，那种人与自然相生相依的境界，也正是现代人所缺失而又从心底里向往的。另外，每一场戏都有自己的独特氛围。颜色设定稿非常简单粗略，但能够让制作人员直观地知道需要表现的色调和光影效果，概念设计在其中起到了推动的作用。

四、视觉特效设计

奇异和华丽的视觉特效会为影片增色不少，观看《阿凡达》和《变形金刚》时应该没多少观众会走神，精彩的特写设计为影片带来更多的看点。虽然考虑到成本和技术的局限性，但制作人员尽可能地把观众的眼球粘在屏幕上。三维特效部门会将图纸变为连续的动画，概念设计被更多地渗透运用其中，目的就是让画面更惊艳绚丽。在《变形金刚》中，负责视觉特效的是以光影合成著称的大名鼎鼎的“工业光魔”，他们负责建立机器人变形前后的静态模型，以及角色变形动画。动画过程完成后，还要处理灯光及纹理渲染，以使它们与背景更为融洽。最后，要加入烟火、灰尘、火花等外部效果，将变形为机器人的“金刚”们更好地与现实环境协调，让他们看起来更真实。《变形金刚》中的“蝎子”偷袭部队的镜头，大家可以看到合成人员把蝎子与实拍的场景结合之后的效果非常真实，就像它真的存在一样。

结语

总之，一部科幻作品的成功与否取决于其前期概念设计工作的完善程度，特别是当前数字技术在科幻片的生产创作过程中的普遍运用、分工细致的生产流程，决定了前期创意与美术设计在整个产业中的决定性地位。因此，我们有理由相信：概念设计在科幻**中的运用，定会给未来**等诸多艺术实践创造出愈来愈广阔的发展空间。

作者单位：济南大学艺术学院

（责任编辑：贺秀梅）

在整个游戏生涯中，用户接触时间最长的就是游戏内的角色，尤以RPG类游戏尤为突出。所以游戏角色设计的好坏，很大程度上影响了用户的体验。

我将角色定义为游戏世界的灵魂载体。只有通过角色，玩家才能深入其境的感受到游戏的恢宏与内涵。让玩家产生感情的，除了友情，更多的是一个角色养成时的情感，所以角色的设计很重要，谁也不想日夜陪伴自己的角色，丑到爆是不是？

言归正传说正题。这篇文章就带大家来认识一下， 一个合格的游戏策划如何提交一份靠谱的角色设计方案！

正式提供一份角色设计策划方案之前，要先进行充分的思考，个人认为，如果设计一个角色，我会考虑从几种维度出发，去勾画一个需求相对明确的角色形象。

以上这些，只是一个去思考的角度，我们还可以根据实际情况去细化，这个细化是多方面的，比如：

通过上一步，将角色勾勒出轮廓后，我们就要将方案落在笔头，形成一个设计文档，去交给美术实现我们的想法，一般角色的策划方案，可以用Word或Excel的方式进行输出。

我个人更喜欢Excel，因为表结构可以将所有游戏中的角色全部罗列一并交给美术，这样清晰、方便也好管理。

举个例子：

NPC的需求可以相对简单，将NPC的整体描述写在一起即可，并配合参考，可以更好的让美术理解你的需求。

面对游戏职业的美术需求，则可以将表格补充的更加丰满，更加相识。

身为一个合格的策划，不光要提美术上的表现需求，还要了解美术相关的制作流程，达到 “知其然，也要知其所以然” 的境界。这样你提出的需求会更加靠谱，而不会出现，你提出的需求，美术无法实现的问题。

俗话说：“理想很丰满，现实很骨感”嘛！

首先，策划将需求提交给 美术原画，原画根据你的描述与参考，进行绘制，最后会将角色以三种视角呈现在画纸上：

如果人物细节过于丰富，原画还会将特殊的配饰、鞋子等都会单独画出来，以便后期建模人员对贴图的细节处理。

根据原画所做内容，策划可以提出自己的修改意见，如果没有修改意见，这一个角色的原画设计就算完成了。

根据原画，建模师要对具体的角色进行模型的搭建与贴图的设计。

一般在游戏研发中，模型的搭建主要使用3D MAX，制作模型，有几个步骤：

1、建模

先将人体基本型捏出

其次，在基础型上进行细节的制作

2、贴图、展UV

模型在制作完毕后，就可以开始绘制模型的皮肤了，在绘制之前，要做的就是展UV。

什么是展UV？

展UV包括UV位置、大小，尽量避免拉扯、对不上接缝等。 在游戏制作过程中，一定要做到能省则省，千万不要浪费贴图空间。

根据UV布局，最后将贴图绘制完毕，就是如下图的效果

接着，将贴图贴在模型上，像下图所示

头部、后背的贴图细节

调整完贴图细节，最后就可以将模型整个保存导出，用于游戏了。

以上是3D游戏角色的设计流程。接下来你还要了解2D游戏的制作方法。

2D、3D的制作方法比较直接。

2D直接用Photoshop进行手绘制作角色、场景，将他们放到游戏里使用。

3D通过3D Max等3D软件，进行建模、贴图、渲染、导出成模型文件，直接放到游戏里制作。

什么是3转2呢？

3D转2D，简称“3转2”。即 利用3D建模软件，将角色、建筑模型制作完成，再通过渲染，导出一张成品，最后用Photoshop进行后期修饰所得到的一种美术资源。

使用3转2技术，对于开发来说，有几个好处：

1、比单纯的手绘表现力更丰富，可以将视角统一、利用引擎的效果，做出更自然的角度。同时也可以让模型、角色看起来细节更丰富、更立体增强表现力。

2、通过3D的方式，可以减少后期资源调整、维护的成本。只需对应的模型修改贴图即可。这要比2D纯手绘修改来的方便的多。

3、对于公司来说，资源通用性得到提升，即2D项目做完，可直接用于其他的3D或2D项目，节约了开发时间与开发成本。

1、 确定摄像机和灯光

3转2模型制作和纯3D不太一样，要根据俯视45度的灯光摄像机来确定比例、透视关系和造型制作。首先，我们在max里设置灯光摄像机，建立一个box和plane来模拟兵器店和地面，供灯光和摄像机的调试，如图：

2、 模型制作

注意模型形体比例以摄像机视角渲染出来为准，因为我们最后需要得到的是一张摄像机视角的渲染图。如下图：

大面制作完成之后，调整大小、比例，然后开始添加模型的细节。如下图：

3、 材质贴图

绘制材质贴图的布局及文理

接着对贴图文理进行填色处理，将模型的质感、层次体现出来。

4、渲染出图

给模型赋予材质贴图之后，开始对模型进行渲染

经过简单的渲染测试设置就可以对模型进行渲染出图了，如下图

5、 Photoshop后期修图

在渲染出模型图后，我们需要再将资源导入至PS里，进行后期合成、加工，增补一些细节，让整个场景更饱满，色彩更丰富。最后的效果如下：

这篇文章，用来总结一个游戏策划如何提一份相对靠谱的角色设计方案需要注意的问题，也包含了，一些新人策划对一些术语的不理解。

希望我的文章可以在你工作的时候给你带来一些便利与启发。

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从米老鼠著名的三个手指(20世纪20年代当这个角色被搬上荧幕的时候，当时是为了节省制作时间所以只画了三个手指)，到简约的《辛普森一家》，角色设计都没有离开过保持简洁的主线。

关于角色设计，除了干净的线条和通俗易懂的人物特征外，你还需要知道些什么呢你需要知道什么地方需要夸张、什么地方需要低调、如何有效的提示人物的背景和内涵、如何展示人物个性。刚开始接触人物设计时你会对这些问题比较棘手，一旦你开窍了就不一样了。以下这些技巧将能帮助你更好地激发你的灵感。

1、确定受众

谁是角色的受众应该是设计过程中首先被考虑的事情

为你的受众考虑。举个例子：为孩子设计角色的话，一般情况下都会根据基本的形状和明快的色彩进行设计，如果你是为一个客户工作，那么形象的目标受众通常已经预先设定好了，澳大利亚艺术家Nathan Jurevicius解释说：“委托形象设计通常更具限制性，但并不缺乏创造性。客户有特定的需求，但又希望我能做出自己的作品。通常我会分解核心的特征和性格。比如：当眼睛是重点时，我就会把设计重点放在整个脸部，再次强化突出眼睛这个最核心的特征。”

2、考虑它会在哪里出现

形象设计在哪里可以看到，这将直接关系到你去如何设计你的人物。例如：如果它是一个手机屏幕，就没有必要设计很多复杂的细节和功能了。

Nathan Jurevicius说：“无论设计什么样的方案，概念构思过程的开始阶段总是类似的：伴随着纸、铅笔、一杯绿茶开始你的工作，写下想法，在速写本上的反复涂鸦等等。”

3、研究其他同类设计

做好调查有助于帮助我们解答为什么有些形象能成功，有些却失败了。我们身边不乏有这样的研究材料、插图人物等是无处不在的：电视广告、麦片盒、商店标志、水果贴纸、手机的动画。研究这些形象的设计，想想其中成功的因素和你最喜欢的部分。

4、使你的形象与众不同

Matt Groening利用**的肤色使辛普森一家人区别于大众

也许你正在创造一个猴子、机器人或者怪兽的形象，你必须知道外面有无数个这样类似的人设。你的人物角色设定需要在视觉上有很强力的冲击并且有趣，这样才能吸引观众的注意。

在构思辛普森一家人的时候，Matt Groening知道他必须给读者不一样的东西才行。他预判，当观众们浏览电视频道看到这个节目的时候，人物角色固有的明亮的黄皮肤会引起他们的注意力。

5、用线条和画风展现人物性格

组成你设计人物形象的线条能在某种程度上表明你的角色性格。厚的、平滑的、柔软的和圆润的线条会给人一种平易近人、可爱的性格;而尖锐、不规则的和不平滑的线条，则给人传递一种烦躁不安以及行为古怪的性格。

Sune Ehlers笔下的人物都是大胆鲜明的雀跃在纸上，这呼应了他豪爽的绘画方法。他解释到：“涂鸦就是操纵笔的过程，强有力的线条来自下笔的力量和节奏。”

6、采用夸张的角色特征

在设计你的角色时，极力夸大特征会让角色比现实更鲜活。夸张的特征也会帮助观众易于辨认角色的典型特质。夸张是卡通漫画的关键点，帮助强调特定的性格特征。如果你的角色是强壮的，不要只设计普通尺寸的手臂肌肉，要夸大手臂的臂围，可以使他们有正常的五倍粗!

7、用心去选择颜色

颜色能够帮助展现人物的性格。通常深色调的颜色，比如黑色、紫色和灰色描绘了充满邪恶想法的反面人物;浅色调的颜色，比如白色、蓝色、粉色和**则表达了纯真、纯洁以及美好。漫画书中，红色、**和蓝色在某种程度上赋予了一个人物设定以英雄的品质。

8、增加配饰

你一旦让你的卡通小人穿上了衣服或者手头有把玩之物，那他的形象就立刻鲜活了起来

小道具以及服饰能帮助我们更好地去诠释人物的特点和背景。比如：一件破烂的衣衫能展现一个贫穷的人物，大量的珠宝和blingbling的元素则能表现出一个没有品味的有钱人。而其他的一些配件同样也能拓展这个人物的性格，例如：站在海盗肩膀上的鹦鹉，或在食尸鬼头颅中爬行的蛆虫。

9、2D或3D

根据你为角色设计所做的计划，你可能需要画出它从各种不同的角度看起来的样子。一个看似平淡的角色从另外一面来看可能会变成一个全新的角色，就像它有一个巨大的啤酒肚。如果你将角色设定于一个3D环境里，作为一个动画甚至作为一个玩具，绘制其身高、体重和外形都是至关重要的。

10、给你的人物设定性格

仅仅是有趣的外形并不一定可以构建一个好的角色设计，关键在于它的性格。在某些情况下，我们可以看到一个角色的性格可以通过漫画和动画的形式来显示的。你的角色性格并不需要特别和蔼可亲，但必须要有趣(除非你的角色性格设定是呆滞的)。在角色的绘制过程中其性格已可以简单的表现出来了。

11、着重于面部表情的表达

面部表情是卡通人物的形象关键，就像世界动画**大师Tex Avery创作的Droopy这样

表情要表达出角色的不同情感，起起伏伏的情感表达会使你塑造的卡通形象更加的充实。根据不同的个性、人物的表情可以是细微的扭曲，或者是极度的夸张。

经典例子就是《传说中的特克斯艾弗里》：在他兴奋的时候，野狼的眼睛经常蹦出头顶。另一个关于表情如何传达情绪的例子是：Droopy拥有一张疲乏而无精打采的脸，他几乎没啥情绪变化。

12、给你的角色设定目标和梦想

一个角色个性背后的驱动力是它想实现的目标。缺少的这个“目标”无论是财富、女朋友或揭开一个谜底，都可以帮助你在创造冒险角色的时候增加戏剧性，往往不完美或有瑕疵的角色设计反而让它更有意思。

13、构思一个背景故事

如果你打算为你的角色设计漫画和动画，那么背景故事就很重要了。它来自何方、如何出现在大家的视野里、以及它经历了什么颠覆性的事件，这些都有助于塑造强大的角色性格并赋予其某种信念。有时一个角色的背景故事可以比人物当前的冒险更有趣。(也不一定，比如说星球大战前传这种片子)

14、不断试验

Yuck的角色设计在很大程度上取决于他那天的情绪

不要害怕尝试，忽略所有有关规划和制定角色外观的规则。与那些理所当然的所谓正确的设计方法背道而驰可能创造出意想不到且令人兴奋的结果。

当艺术家Yuck创造卡通形象时他并不知道他将画出什么。他说道：“我只是听着音乐，所画的东西全部取决于我当下的心情：怪诞或是可爱。我一直想要创作一幅让我自己觉得有趣的画，然后感到某个角色可以延伸的时候，我会花更多心力在角色的雕琢上。”

15、使你的角色设计有更大的灵活性

对你的形象设计早期规划来说，有足够的软硬件来工作是有用的，但不是必需的。很多在数年前设计的了不起的形象，都是在没有个人电脑和PS图象处理软件的年代完成的。你画的形象应该是简单且呈现在纸上也依然生动的，如Sune Ehlers指出：“你的角色应该是，即使用沾了泥的木棍在沥青上画出来的，也够生动。”

16、用画笔替代鼠标

Ian在I Like Drawing中创作了一些不用电脑和速写本，并和外部环境有互动的形象设计。他说：“我真的很喜欢这些和周围的环境相互影响的形象。环境通常会暗示一个想法，接下来我只需要让想象力填满画面。比起用电脑，我更喜欢用画笔在真实的世界涂涂画画，因为那样的感觉非常棒而且还会有奇妙的事情发生。”

17、收集他人的反馈

向人们展示你的创作并询问他们的想法，不要只是询问他们是否喜欢。相反，看看他们是否可以接受你的人物个性和特点，找到你认为合适的或理想的观众，问一下他们对你作品有什么看法。

18、磨练，规划和打磨你的设计

恐怖女孩的Nathan Jurevicius的创作者会为他的角色设计做大量的准备工作

绘画或涂鸦是没有太多的前期规划的，Nathan Jurevicius倾向于采取不同的方法。他说：“我花很长的时间完成最终形象的草图，并且会继续思考人物可以如何扩展，甚至是3D扩展，我的角色设置在一个特定的世界里将如何说话和行为”。

19、为你的性格创造合适的环境

为你的角色创造背景，你需要创造环境来帮助你进一步巩固你的创作的可信度。角色生活和互动的世界在某种程度上会让角色的身份更有说服力。

20、调整细节

考究你的创意中的各个元素，特别是面部的一些细节，就算是极细微的调整也很有可能影响你的角色。

插画师Neil McFarland建议：“在设计过程中不要忘记‘人物’的深层意义，要赋予你设计的人物以生命，让他们变得生动起来，让大众对你设计的人物产生期待，看到它们的时候会想着这些人物的生活是怎样的、会遇到什么人、会有什么样的举动。我认为把卡通形象设计归入图形设计的分支是很奇怪的。”

作为角色设计的重要一环，设计图必须包含以下7项内容。首先是角色的立绘图，包括前方、侧方、后方和俯视图等。通过这些角度的呈现，能够让角色的形态更加形象化。

其次是角色的面部表情图。面部表情图能够让角色更加生动有感情，展现出不同的情感状态，这非常重要。同时，角色特征也需要在面部表情图中得到体现。

第三是角色的配饰图，如饰品、法器等。配饰能够进一步增强角色的特征和魅力，让角色更加立体。这也是角色设计的重要设计点之一。

第四是角色的动作设计图，包括站立、行走、攻击等。通过这些动态的表现方式，能够让角色更加生动有趣。

第五是背景图，角色的背景和故事情节是非常关键的，所以需要有与之匹配的背景图，以便更好地呈现角色的特征和个性。

第六是配色方案图，配色是角色设计中非常重要的一环。通过合理的配色，能够让角色更加与众不同、引人注目。

最后，设计图还需要包含角色的技能图，展现出角色的技能和特点，也能更好的代表角色的个性和能力。

以上是角色设计的必须设计图的七项内容，只有每项都做到极致，才能设计出一位生动有趣的角色，让玩家喜爱。