我国都有哪些不同风格的住房

我国都有哪些不同风格的住房

汉族由于分布地区广大，其传统住房因地区不同而有不同的样式。居住在华北平原的汉族，其传统住住房多为砖木结构的平房，院落多为四合院式，以北京四合院为代表；居住在东北的汉族，其传统住房与华北基本相似，区别在墙壁和屋顶，那里的住房一般都很厚实，主要是为了保暖；居住在陕北的汉族，则根据黄土高原土层厚实、地下水位低的特点挖窑洞为住房，窑洞不仅冬暖夏凉，而且不占耕地面积；居住在南方的汉族，其传统住房以木建房为主，讲究飞檐重阁和律卯结构。

由于南方各地习俗和自然条件不同，在住房建筑布局上也有差异。如丘陵山地的楼房依山而建，江浙水乡则注重前街后河，福建的土楼庞大而美观，苏州的楼阁小巧而秀丽。

西北地区多为屋顶平、墙体厚、窗户小,冬季保温、夏季防暑的“平顶土房”;

南方地区屋顶陡斜、四壁透风、房体高架、上下分层的干栏式“竹楼”、“木楼”等民居型别;

北方地区的传统民居内都有火炕、火墙等取暖设施,双层窗户

国内外有哪些不同风格的打击乐？

国外大部分打击乐来自非洲！西非那边：迦纳、塞内加尔的Djembe系列、有大的小的！还有一些小的零碎！还有拉丁系列、比如康佳鼓！邦戈鼓！等等！我了解的的打击乐都是鼓！我们是邯郸鼓动心灵打击乐俱乐部！

美国都有哪些风格的音乐

美国的乡村音乐有TheClassicOfCountryMusic

牛仔音乐有辛辛那提流行乐团。《嘻哈风潮：美国黑人文化的音乐型别：很多。

李白有哪些不同风格的诗？越多越好。

①李白只有一种风格的诗。

②李白风格

豪迈奔放，清新飘逸，想象丰富，意境奇妙，语言奇妙，浪漫主义，立意清晰。

③主要作品：

《望庐山瀑布》，将进酒，蜀道难，梦游天姥吟留别，侠客行，春思，秋歌。

④李白（701年2月8日—762年12月），字太白，号青莲居士，又号“谪仙人”，汉族。是唐代伟大的浪漫主义诗人，被后人誉为“诗仙”。与杜甫并称为“李杜”，为了与另两位诗人李商隐与杜牧即“小李杜”区别，杜甫与李白又合称“大李杜”。其人爽朗大方，爱饮酒作诗，喜交友。

谁知道中国不同风格的房屋

北京合院，实际就是合院建筑之一种，所谓合院，即是一个院子四面都建有房屋，四合房屋，中心为院，这就是合院。合院在北京的胡同中，东西方向的胡同，南面一大排，为南面的合院；北面一大排，为北面的合院，一户一宅，一宅有几个院。合院以中轴线贯穿，北房为正房，东西两方向的房屋为厢房，南房门向北开所以叫作倒座

一家人有钱，人口多时，可建前后两组合院南北相连。再有钱的人家摆阔气，可以建设三个或四个合院，亦为前后相连。在合院中植花果树木，以供观赏。

合院小者，房屋13间，大者一院或二院，25间到40间，房屋都是单层。厢房的后墙为院墙，拐角处再砌砖墙，大四合院从外边用墙包围，都做高大的墙壁，不开窗子，表现出一种防御性。全家人在合院里，院中住的人十分安适，晚上关闭大门，非常安静，适合于以家族为中心的团聚生活。

到白天，院中花草树木，十分美丽，夜里花香，空气清新，晚间家人坐在院中乘凉、休息、聊天、饮茶，全家合乐。家里人在院子里，无论做什么，外人看不见的，这符合中国人的习惯。

四合院住房分间分房，老人住北房（上房），中间为大客厅（中堂间），长子住东厢，次子住西厢，佣人住倒房，**、女儿住后院，各不影响。

北京合院设计与施工比较容易，所用材料十分简单，不要钢筋与水泥，青砖灰瓦，砖木结合，混合建筑，当然以木构为主体标准结构，重量轻，如遇地震，无论多大震级也不害怕，说明合院是可以防震的。整体建筑色调灰青，给人印象十分朴素，生活非常舒适。

其它地区的合院也与北京合院是基本相同的，不过有大有小，有高有低，材料相差不多，式样亦大同小异，这些合院是中国人民的重要建筑遗产。

北京合院与各地合院之不同有下列各点： 以北京为主的周围地区用四合院，以中轴为对称，大门开在正南方向的东南方向，大门不与正房相对，也就是说大门开在院之东南。这是根据八卦的方位，正房坐北为坎宅，如做坎宅，必须开巽门，"巽"者是东南方向，在东南方向开门财源不竭，金钱流畅，所以要做"坎宅巽门"为好。

因此北京四合院大门开在东南方向。这是根据风水学说决定的，只有北京周围才是这样做法，其它地方并非如此。

傣家竹楼的造型属干栏式建筑，它的房顶呈“人”字型，云南南部属属热带雨林气候，降雨量大，“人”字型房顶易于排水，不会造成积水的情况出现。一般傣家竹楼为上下两层的高脚楼房，高脚是为了防止地面的潮气，竹楼底层一般不住人，是饲养家禽的地方。上层为人们居住的地方，这一层是整个竹楼的中心，室内的布局很简单，一般分为堂屋和卧室两部分，堂屋设在木梯进门的地方，比较开阔，在正中央铺着大的竹席，是招待来客、商谈事宜的地方，在堂屋的外部设有阳台和走廊，在阳台的走廊上放著傣家人最喜爱的打水工具竹筒、水罐等，这里也是傣家妇女做针线活的地方。堂屋内一般设有火塘，在火塘上架一个三角支架，用来放置锅、壶等炊具，是烧饭做菜的地方。从堂屋向里走便是用竹围子或木板隔出来的卧室，卧室地上也铺上竹席，这就是一家大小休息的地方了。整个竹楼非常宽敞，空间很大，也少遮挡物，通风条件极好，非常适宜于版纳潮溼多雨的气候条件。

湘黔滇古镇民宅

湘黔滇古建筑组群比较密集，城镇中大型组群（大住宅、会馆、店铺、寺庙、祠堂等）较多，而且带有楼房；小型建筑（一般住宅、店铺）自由灵活。屋顶坡度陡峻，翼角高翘，装修精致富丽，雕刻彩绘很多。以清秀灵逸的风格见长。

川渝古村民宅

巴蜀文化博大精深，川渝古村民宅既有浪漫奔放的艺术风格，又蕴藏着丰富的想象力。依山傍水的建筑与当地的少数民族风俗紧密联络在一起，有着十分独特的文化气息，既有豪迈大气的一面，又有轻巧雅致的一面。

岭南古村民宅

岭南地区的古村民宅有着鲜明的地方特色和个性特征，蕴涵着丰富的文化内涵。除了注重其实用功能外，更要注重其自身的空间形式、艺术风格、民族传统以及与周围环境的协调。

江南水乡民宅

江南水乡的古村与民宅盛于明清时期，当地有利的地质和气候条件，提供了众多可供选择的建筑材质。表现为借景为虚，造景为实的建筑风格，强调空间的开敞明晰，又要求充实的文化氛围。建筑上着意于修饰乡村外景。修建道路、桥梁、书院、牌坊、祠堂。风水楼阁等。力图使环境达到完善、优美的境界，虽然规模较小，内容稍简，但是具体入微。在艺术风格上别具一番纯朴、敦厚的乡土气息。

徽系民宅

民宅是历史上最早出现的建筑型别。民宅建筑景观的形成和发展主要受自然因素和社会因素的影响。徽派古代民居风格自然古朴，隐僻典雅。不矫饰，不做作，自然大方，顺乎形势，与大自然保持和谐，以大自然为依皈；它不趋时势，不赶时髦，不务时兴。笃守古制，信守传统，推崇儒教。

北方古城与民宅

民宅是历史上最早出现的建筑型别。民宅建筑景观的形成和发展主要受自然因素和社会因素的影响。北方的大院建筑气势威严、高大华贵、粗犷中不失细腻，平面而又立体的表现形式，彰显出四平八稳的姿态，处处是以礼为本的建筑特色。

澳门不同风格的建筑群有哪些功课需要，急

澳门是一个很杂的地方，既有中国传统式建筑，也有欧洲风情建筑，有小檐翘瓦式的旧中国建筑，也有高墙平顶的新中国建筑，有巴洛克主义的建筑，也有古典主义的建筑，当然都属于南欧式建筑，也有西欧式建筑，极少建筑有古罗马和古希腊式样的，不过都用来装饰。

说多了没用，大概就这些，主要都是由葡萄牙人带来的欧洲中世纪建筑艺术的精华。

十首不同风格的对联

春盈四海 百业兴旺 春和景丽 梅开五福

花漫九州 五谷丰登 国泰民安 竹报三多

港澳归帆在望 迎春丹青焕彩

台澎去雁将回 辞岁翰墨飘香

原野雪消千里绿 九州瑞气迎春到 绿满川原山滴翠

神州光泽万家春 四海祥云降福来 春回大地路飘香

奇花异草增春色 尽如人意花常好

雅菊幽兰缀市容 巧夺天工蝶地迷

不同风格的婚礼哪些仪式不一样

这个跟婚礼的风格没有多大关系哦，要看你选择西式婚礼还是中式婚礼了。分享西式婚礼的礼仪。

西式婚礼仪式八大注意事项

无论是中式婚礼还是西式婚礼，婚礼上的讲究都很多。所以婚礼新人们一定要注意细节哦。我为大家介绍西式婚礼仪式的十大注意事项，看看婚礼上有哪些雷区吧!

1婚礼礼仪之入场——Step-touch走步方式

传统的入场仪式非常庄重，特别是教堂婚礼，讲究step-touch的走步方式，即所谓的“step-touch-right，step-touch-left”方法，也就是右脚迈出之后，左脚跟着迈前与右脚合并，停顿两秒钟，然后左脚再继续往前迈出，随即右脚迈前至左脚处合并、停顿。在走步时，注意步幅应比平常走路的时候小，新娘和新郎的步幅和速度要保持一致，步态讲究轻缓稳重。走步时，新娘右手挎新郎左胳膊，注意不要拉着新郎的衣服，或紧紧环住新郎的胳膊。另外，新郎胳膊自然弯曲就好，不要用力紧扣住新娘的手腕，而且两人的距离保持在15cm左右比较合适。

2婚礼礼仪之站姿——腰板挺直，挺胸收腹

笔挺的站姿会使人看起来更精神。正确的姿态是双脚并拢，腰板挺直，挺胸收腹，背部要有向上的伸展感，面带笑容，眼睛正视前方。注意双臂不要紧紧贴近身体，肩膀要放松，这样就可舒缓紧张姿态，同时也避免显得身体十分僵硬。如果想避免因长时间站立而感觉不适，脚尖可以稍微分开一点点。另外，新人在站立时，新郎应在新娘的右边。这是古老的习俗，传说新娘在自己的左方，方便新郎必要时用右手拔剑与敌人对决，可以更好的保护好新娘。

3婚礼礼仪之转身——幅度轻缓，动作利索

新娘在婚礼中要体现高贵的气质，应避免任何大动作。需要转身时，身体应该随着脚步同时转动，转身幅度要轻缓，动作既要利索，又要避免给人匆忙不稳重的感觉。如果婚纱或礼服裙䙓较大，在转身时可以用与旋转方向相反的手轻轻抓住裙边和裙撑稍微向上提。

4婚礼礼仪之亲吻——要深情但不忘情

新人亲吻是在仪式中宣布两人正式成为夫妇之后进行。亲吻时可以自然大方的深情投入以表达幸福的感受，但要避免过分忘情。在正式庄重的婚礼中，过分疯狂的行为会使人感觉新人的形象缺乏尊贵。

5婚礼礼仪之笑容——微笑是最美的妆容

微笑是最好的美容方式，在婚礼上更应该保持微笑，与亲友们分享幸福喜悦的心情。笑容不仅仅表达了你的心情，同时也会使你看上去更漂亮。避免因长时间微笑而引起的表情僵硬，秘诀在于你会不会让眼睛也带有笑意。在与客人有目光的接触时，同时展示笑容，必要时还可以对客人点头致意，有交流的笑容，会使你的表情更自然，不会变得僵硬呆板。新娘要避免大笑，这样会使唇边粉底的纹路加深，破坏整体妆容。

6婚礼礼仪之鞠躬——身体前倾15-20度

鞠躬是中国传统的行礼方式，鞠躬的深浅，即身体前倾的角度大小是表达向对方致意答谢程度的高低。传统的中式婚礼中，要求深度鞠躬，即90度鞠躬，以表达最高程度的谢意。不过，现在常用的鞠躬礼节并不需要完全采用深度鞠躬之礼。一般来说，身体前倾15-20度即可，并停顿2秒钟。

新娘要注意避免为了防范走光把手捂住胸前，这样的姿势既不美观，又显得缺乏对客人的真诚和尊敬。事实上防范走光绝不是用手去遮挡，而是要注意衣服的合身和得体。另外，需要提醒的是新娘和新郎行鞠躬礼时，动作要和谐一致。

7婚礼礼仪之交换戒指——千万莫紧张

在教堂婚礼中，除了花童，通常还有一个托戒指的小朋友(ringbearer)跟在新人身后，一同步入仪式现场。如果没有安排ringbearer，新郎的戒指应该由伴娘保管，新娘的戒指则由伴郎保管，等到仪式中新人交换信物的时候，伴娘把新郎的戒指交给新娘，然后新娘才为新郎把戒指戴在他的左手无名指上。戴戒指时，新郎应弯曲肘部，把手伸到自然的高度，新娘用左手托新郎的手，右手的拇指，食指和中指握戒指，戴入新郎的无名指。如果因为紧张戴不上时，一定不要着急抬起他的手，放到自己的眼前仔细套上戒指，这样拍出的照片会很不美观。新郎一方也是同样的做法。

8婚礼礼仪之抛花球——喻意将婚姻的幸福传送给未婚姐妹们

抛花球的仪式喻意将婚姻的幸福传送给未婚姐妹们，据说接到花球的幸运女子将会很快成为幸福的新娘。新娘在抛花球的时候，应面带笑容，手臂自然弯曲，不要伸开过直，稍微用力将花球向高处靠后的位置丢掷即可，动作幅度不要过大。

DJ打碟有哪些不同风格么

迪士高（Disco）：

迪士高音乐的出现标志著舞曲音乐时代的到来。它源自于70年代早期日益兴盛的律动导向的声音以及疯克（Funk）音乐，节奏开始凌驾于一切之上，甚至高于歌曲的自身。通常，迪士高唱片是不分曲目没有时间限制而连在一起的，用来保持节奏的连贯性。随着80年代的到来，迪士高音乐逐渐的推出，而被其繁衍和进化的风格，诸如：House、Techno等音乐所取代。

浩室（House）：

80年代初期的迪士高音乐已经逐渐流行化，世俗化。一种新的声音在人们的需求中诞生。这就是至今对舞曲音乐产生非凡影响的浩室音乐。通过加入电子合成器、拉丁舞曲、雷鬼音乐、说唱音乐甚至是爵士乐等元素，使舞曲音乐更加多样化。而浩室音乐最明显的识别标志就是其永恒不变的4/4节拍。日后，随着浩室音乐的演变，逐渐产生了Ambient House（氛围浩室）、Acid House（酸浩室）等等亚种。

酸爵士（Acid Jazz）：

主要吸收了爵士乐、疯克音乐以及Hip Hop（嘻蹦乐）等音乐元素，酸爵士产生于80年代晚期，节奏器乐的分量很重，并且主要用于现场的演出。主要流行于欧洲，当时并有Acid Jazz同名厂牌来推广酸爵士音乐。现今，酸爵士音乐的影响范围已逐渐减小，只有在少量的俱乐部中才能现场聆听到酸爵士音乐。

电子乐（Electronica）：

电子乐是个涵盖面非常广的一个术语，出现于90年代。由于底特率Techno的兴起，带动了新的电子/舞曲音乐革命和创新的全面爆发。由于分类繁多，而且很多新的音乐形态尚不稳定，并不断的更新，人们就用Electronica这个术语来称呼这些新音乐。

电子疯克（Electro/ Elector Funk）：

融合了70年代的疯克音乐、80年代的早期电子合成器音乐以及刚刚兴起的嘻哈音乐，电子疯克在一段时期内成为新的舞曲指标。然而，电子疯克音乐对于后世影响远远的超过了当时。比如那时演绎电子疯克乐的DJ Afrikaa Bambaataa也成为嘻哈乐DJ的开山祖师。而现在许多的名牌DJ仍然热衷于推进电子疯克乐的程序。

科技舞曲（Techno）：

科技舞曲的演变很大程度上源自于80年代中期的底特律浩室音乐的革新。相对其他流行的浩室舞曲，底特律浩室（日后即成为底特率科技舞曲Detroit Techno）完全由更加机械化的节拍所取代，音乐也愈加冰冷话。从80年代的兴起，在90年代突然爆发，成为世界上最为重要的电子音乐风格。很自然，有着数不清的DJ热爱科技舞曲，也就有了令人眼花缭乱的变种。

恍惚舞曲（Trance）

由90年代德国的Techno音乐分化出来的一种风格。主要标识在于整支舞曲中的不断重复的电子合成器部分。90年代的德国科技舞曲的发展越来越单调，而药品滥用却在蔓延，于是，恍惚舞曲的诞生仿佛给了新生代一个更新鲜的选择。通常，人们在恍惚舞曲中的能够感受到更多的迷幻状态，这也是这一音乐名称的部分由来。

Trip Hop音乐：

尚且无合适的中文意思命名这种音乐形态。Trip Hop音乐产生于90年代中期的英国。尤其以布里斯托的Portishead、Tricky和Massive Attack为代表。其音乐状态主要表现于黑色、幽暗的节拍音乐。融合了美国的嘻哈音乐、非洲的雷鬼音乐等等。主要作为欣赏性的舞曲音乐，并不经常出现于舞厅当中。

嘻哈舞曲（Hip Hop）：

嘻哈音乐开始于美国70年代，经历了80、90年代的发展，在新世纪爆发成为最热门的音乐形式。嘻哈音乐主要为节奏音乐，还包括节奏布鲁斯、迈阿密贝斯等形式。其主要的贡献并不仅仅在于将黑人的街头音乐带入主流舞厅，而是通过嘻哈乐的不断渗透和变种，促进了当今的电子舞曲音乐的变革。

丛林/鼓和贝斯音乐（Jungle/ Drum N Bass）：

产生于英国的Hardcore Techno（硬核科技舞曲）。特点在于使用极其快速的节奏和碎拍（Breakbeat）。用来满足人们对于舞曲中的速度和 的追求。Jungle音乐和鼓和贝斯音乐几乎难以区分，只是前者更加冰冷和凶猛、节奏更加紧凑，而后者以鼓和贝斯为主、有些时候更为飘逸、优美。

Chill Out/ Downtempo/ Lounge音乐：

通常，我们在舞厅或俱乐部中场休息的时候会发现这类轻快、慢节奏柔和的音乐。其主要目的就是为了人们在剧烈的肢体运动进行放松。越来越的俱乐部开办了专门的休息厅，专门播放这类音乐。同时，越来越多的乐迷也乐于将此类音乐带回家中做派对或独自欣赏。在欧洲的一些地方，学会欣赏Chill Out/ Lounge音乐代表着一种品位。

Dub音乐：

Dub是将雷鬼（Reggae）音乐中的歌声抽离只剩下音乐,再将贝斯和鼓声加重，并同时加入大量的回音效果等。这种来源于非洲的音乐和宣扬和平、爱和大麻的雷鬼音乐一样都容易让人产生迷幻的效果。并且现在，已经深深的影响了当代的主流电子音乐和实验电子音乐界。被认为是最有魅力的根源音乐。

准备结婚了，想买些与以往不同风格的大衣。现在喜欢可爱公主风格的衣服，都有哪些品牌呢？

结婚的话，肯定要做的合身的大衣最好咯，你可以在网上找你到你喜欢的款式，

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国名： 奥地利共和国 (The Republic of Austria)

独立日：4月27日（1945年）

国庆日：10月26日（1955年）

国旗：呈长方形，长与宽之比为3∶2。自上而下由红、白、红三个平行相等的横长方形相连而成，旗面正中是奥地利国徽图案。此旗的来历可追溯到奥匈帝国时期，据说当时的巴本堡公爵在与英王理查一世激战时，公爵的白色军衣几乎全被鲜血染红，只有佩剑处留下一道白痕。从此，公爵的军队采用红白红为战旗颜色。1786年约瑟夫国王二世把红白红旗作为全军战旗，1919年正式定为奥地利国旗。奥地利政府机构、部长、总统等官方代表和政府驻外机构均使用带国徽的国旗，一般场合不用带国徽的国旗。

国徽：为一只鹰。黑色的雄鹰头戴金冠，两爪分别握着金色的锤子和镰刀，胸前的盾面上为国旗图案，鹰爪上还套有被打断的锁链。鹰是奥地利的标志，璧形金冠象征市民，镰刀和锤子象征农工，锁链被打断象征奥地利人民获得自由、解放。

国歌：《让我们拉起手来》

国花：火绒草

国鸟：家燕

国石：贵蛋白石

国家元首：总统海因茨·菲舍尔（Heinz Fischer） ，2004年7月就任；总理沃尔夫冈·许塞尔(Wolfgang Schuessel )，2000年2月任职；联邦议会议长安娜·伊丽莎白·哈泽尔巴赫 (Anna Elisabeth Haselbach）, 2004年7月任职。

自然地理：面积为83858平方公里。位于中欧南部的内陆国。东邻斯洛伐克和匈牙利，南接斯洛文尼亚和意大利，西连瑞士和列支敦士登，北与德国和捷克接壤。山地占全国面积的70％。东阿尔卑斯山脉自西向东横贯全境，大格罗克纳山(Grossglockner)海拔3797米，为全国最高峰。东北部是维也纳盆地，北部和东南部为丘陵、高原。多瑙河流经东北部境内，长约350公里。有与德国和瑞士共有的博登湖及奥匈边界的新锡德尔湖。属海洋性向大陆性过渡的温带阔叶林气候， 年平均降水量约700毫米。

人口：811万（2000年），绝大多数为奥地利人，其中外国人758万人，占93%。少数民族有斯洛文尼亚人、克罗地亚人和匈牙利人，约占人口的0．52％。官方语言德语，98％的人讲德语。78％的居民信奉天主教。

首都： 维也纳 (Vienna) ，人口1563万人（2000年）。

行政区划：全国分为9个州，15个有自主权的城市，84个区和最低一级的2355个乡镇。9个州是：布尔根兰、克恩顿、上奥地利、下奥地利、萨尔茨堡、施蒂利亚、蒂罗尔、福拉尔贝格、维也纳。州以下设市、区、镇（乡）。

简史：公元前400年，克尔特人在此建立了诺里孔王国。公元前15年被罗马人占领。中世纪早期哥特人、巴伐利亚人、阿勒曼尼人入境居住，使这一地区日耳曼化和基督教化。公元996年，史书中第一次提及“奥地利”。12世纪中叶巴奔堡家族统治时期形成公国，成为独立国家。1276年被神圣罗马帝国侵占，1278年，开始了哈布斯堡王朝长达640年的统治。1699年获得对匈牙利的统治权。1804年弗朗茨二世采用奥地利皇帝称号，1806年被迫辞去神圣罗马帝国皇帝之称。1815年，维也纳会议后，成立了以奥为首的德意志邦联。1860—1866年向君主立宪制过渡。1866年在普奥战争中失败，被迫解散德意志邦联。翌年与匈牙利签订协议，成立二元制的奥匈帝国。第一次世界大战中，奥军战败，帝国随即瓦解。1918年11月12日奥地利宣布成立共和国。1938年3月被纳粹德国吞并。二次大战中作为德国的一部分参战。同盟国军队解放奥地利后，奥地利于1945年4月27日成立临时政府。同年7月，德国投降后，奥地利又被苏、美、英、法军占领，全境划分为4个占领区。1955年5月，4国与奥地利签署条约宣布尊重奥地利的主权和独立。1955年10月占领军全部撤走。同年10月26日奥国民议会通过永久中立法，宣布不参加任何军事同盟，不允许在其领土上设立外国军事基地。

2005年5月11日，奥地利国民议会批准《欧盟宪法条约》。

政治：现行宪法于1920年11月10日生效。1925年和1929年先后通过两项附则。1934年宪法被废除。1945年奥重建后宣布1920年宪法和两个附则继续有效。宪法规定，奥地利为联邦制共和国。总统是国家元首，行使国家最高权力，由普选产生，任期6年。议会为两院制，由国民议会和联邦议会组成。国民议会制定法律，按比例代表制产生，任期4年。联邦议会代表各州的利益，其议员由各州按人口比例选派。国民议会和联邦议会联合组成联邦会议，主要职能是接受总统就职宣誓以及在必要时决定对外宣战。总理为政府首脑。

经济：奥地利地处欧洲中心，是欧洲重要的交通枢纽。奥地利的工业特点是国有化程度高，国有企业控制了95％的基础工业和85％以上的动力工业,其产值及职工人数均占其总数的70％。主要工业部门是采矿、钢铁、机械制造、石油化工、电力、金属加工、汽车制造、纺织、服装、造纸、食品等，采矿业规模相对较小。钢铁工业在国民经济中占有重要地位。奥地利化学工业原料丰富,如木材、石油、天然气和煤焦油等,为化工的发展提供了有利条件。主要化工产品有纤维素,氮肥和石化产品。机械制造业主要生产工业机械成套设备,如水轮发电机、多钻头采煤机、铁路筑路机、木材加工机和钻探设备等。汽车工业是奥地利机械制造业的又一主要部门。主要生产载重汽车、越野车、拖拉机、牵引车、装甲运输车及散件等。采矿业是奥地利的传统工业,主要开采铁矿、褐煤、钨、膏、菱镁矿、大理石、滑石、高岭士、石英。矿产主要有石墨和镁，另有褐煤、铁、石油和天然气等。森林、水力资源丰富。森林占国土面积的42％，有林场400万公顷，木材蓄积量约9．9亿立方米。农业发达，机械化程度高。农产品自给有余。服务业从业人员约占劳动力总数的56％，其中旅游业是最重要的服务行业，主要旅游点是蒂罗尔州、萨尔茨堡州、克恩顿州和维也纳市。奥地利对外贸易在经济中占重要地位。主要出口产品是钢铁、机械、交通工具、化工制品和食品。进口主要是能源、原料和消费品。农业发达。

新闻出版：2000年全国有各类报纸186种，其中日报28种，主要报纸有：《新皇冠报》、《信使报》、《新闻报》、《标准报》、《萨尔茨堡消息报》、《维也纳日报》。主要杂志三种：《新闻周刊》、《规格》周刊、《侧面》周刊。奥地利通讯社1946年建立，以向奥报纸和电台提供世界各大通讯社的消息为主，有时也发布奥官方消息。1924年建立广播电台。1999年共有4家电台，并用德、英、法、西四种语言对外广播。1957年开播电视节目。

文化：谈起奥地利，无人不知其音乐和歌剧。奥地利历史上产生了众多名扬世界的音乐家：海顿、莫扎特、舒伯特、约翰·施特劳斯，还有出生德国但长期在奥地利生活的贝多芬等。这些音乐大师在两个多世纪中，为奥地利留下了极其丰厚的文化遗产，形成了独特的民族文化传统。奥地利萨尔斯堡音乐节是世界上历史最悠久、水平最高、规模最大的古典音乐节之一。一年一度的维也纳新年音乐会可谓世界上听众最多的音乐会。建于1869年的皇家歌剧院（现名维也纳国家歌剧院）是世界最有名的歌剧院之一，而维也纳爱乐乐团则是举世公认的世界上首屈一指的交响乐团。

奥地利学龄儿童享受九年义务教育。学费、书费和上学交通费均由国家负担。凡持有高中毕业文凭者可免试上大学。著名的维也纳大学创立于1365年，系德语区最古老的大学。

在奥地利到主人家作客或应邀赴宴，可着深色装，也可着浅色装；较正式的重要场合（例如有较重要的人物参加）应着深色装，以示庄重，参加婚礼或生日庆祝活动可着浅色装；听音乐会、看歌剧须着深色装。奥地利的餐馆以"鸽子"作为餐馆的星级标志。"鸽子"越多，餐馆越高级，最高为四星级。宴请可分为工作宴请和私人宴请两种。如系工作宴请礼物可免；私人宴请则需带礼品。 趣闻： 日食五餐的奥地利人>>>

名胜：维也纳国家歌剧院(State Opera Theatre of Vienna)是世界上一流的大型歌剧院，是“音乐之都”维也纳的主要象征，素有“世界歌剧中心”之称。建于1869年，原是皇家宫廷剧院，其前身是17世纪维也纳城堡广场木结构包厢剧院，1869年迁到市区的环行街旁。1918年宫廷剧院变为国有，称国家歌剧院。二战时被炸得只剩下几处断垣残壁，战后重建，整修10年，恢复旧观。外貌古色古香，整个舞台区完全现代化，配有最先进的音响设备。1955年11月以演出贝多芬的费德利奥庆祝再生。歌剧院为罗马式宏伟建筑。前厅和侧厅都用大理石彻成，内部绘有精美壁画和挂有大音乐家和名演员照片。观众席共有6层，可容有座观众1600多人。

维也纳音乐厅(Music Hall Vienna)：奥地利维也纳最古老也最现代化的音乐厅，是每年举行“维也纳新年音乐会”的法定场所。始建于1867年，1869年竣工。是意大利文艺复兴式建筑。外墙黄红两色相间，屋顶上竖立着许多音乐女神雕像，古雅别致。1870年1月6日，音乐厅的金色大演奏厅举行首场演出。1872年到1875年间著名音乐家勃拉姆斯曾负责组织音乐厅的演奏会。1939年开始，每年1月1日在此举行维也纳新年音乐会，后因战争一度中断，1959年又重新恢复。厅内有收藏馆，馆分两室。一间是展览室，定期举行收藏品展览，供人参观；一间是档案室，一边的书架 上放满大量历代手写的、木刻的、铅印的音乐书籍和乐谱，另一边是一排铁柜，藏有音乐大师的乐稿、书信和其他手迹，其中有莫扎特的乐稿：最后一个交响曲等。屋子中间是一长排桌子，供研究者查阅资料之用。档案室原为勃拉姆斯的办公室，他临终前一再嘱咐，要把他珍藏的几千册音乐书籍和乐谱全部捐献给档案室。音乐厅属于奥地利音乐之友协会，协会拥有会员7000多人，据说是世界上历史最久、人数最多的音乐组织。

萨尔茨堡(Salzburg)是奥地利西北部萨尔茨堡州首府，濒临多瑙河支流萨尔察赫河，是奥地利北部交通、工业及旅游中心。这里是大作曲家莫扎特的出生地，素有“音乐艺术中心”之称。萨尔茨堡1077年设市，公元8世纪—18世纪为天主教大主教驻地和活动中心。1802年萨尔茨堡脱离宗教统治，1809年，根据《舍恩布龙条约》归巴伐利亚，维也纳会议（1814—1815年）决定归还给奥地利。这里的建筑艺术堪与意大利的威尼斯和佛罗伦萨相媲美，有“北方罗马”之称。城市分布在萨尔察赫河两岸，偎倚在白雪皑皑的阿尔卑斯山峰之间。城市被苍郁的陡山围绕，充满魅力。河右岸南山坡的霍尔亨萨尔茨堡（11世纪），历经900年风雨，仍巍峨挺立，是中欧地区保存最完好、规模最大的一座中世纪城堡。本尼狄克隐修道院建于7世纪末，长期以来是当地布道活动的中心。圣方济会教堂建于1223年。模仿罗马圣教堂的大教堂建于17世纪初，是奥地利第一座意大利式的建筑。大主教宅邸是16—18世纪的一座文艺复兴式宫殿。米拉贝尔宫原是17世纪为萨尔茨堡大主教建造的皇宫，18世纪又经扩建，现在是包括宫殿、教堂、花园、博物馆等的游览中心。城市南部是17世纪建造的皇家花园，以“水的游戏”著称。花园内建筑物的门旁檐下，道路两旁都有暗道水管不时喷射，水花飞溅，雨帘雾障。走进花园内一座人工堆砌的山洞，潺潺的流水发出了26种鸟鸣的声音，组成一曲悦耳动听的空山鸟语。在一处由机械装置控制的舞台上，通过水流的作用，156个活动小人再现了这里300多年前小镇生活的情景。走进萨尔茨堡，无处不见莫扎特的踪迹。1756年1月27日，大作曲家莫扎特出生在城中粮食街9号。1917年莫扎特的故居被辟为博物馆。

莫扎特故居（Mozartst Seburtuts）奥地利18世纪著名音乐大师莫扎特出生的地方。它坐落在萨尔茨堡市粮食大街9号。这是一座金**的6层楼建筑。公元1756年1月27日莫扎特就诞生在这里，并度过了他的童年。昔扎特14岁被任命为宫廷乐师。1781年，他向宫廷提出辞呈，迁居维也纳，从而打开维也纳古典音乐的大门，直到1791年1月5日逝世。为了纪念他，1917年把这里辟为莫扎特故居博物馆。馆内陈列着莫扎特生前使用过的小提琴、木琴和钢琴、亲笔写的乐谱、书信以及亲自设计的舞台剧蓝图等。馆内如今还珍藏着莫扎特的一缕金色头发。故居前面是莫扎特全身铜像。莫扎特故居是到萨尔茨堡的游客们必到之处。在博物馆内陈列有莫扎特的一缕金发和少年时使用的小提琴、乐谱。馆前的莫扎特广场上竖有莫扎特全身铜像。广场附近还有莫扎特音乐专科学校等；连商店出售的巧克力糖果等也都以莫扎特命名。萨尔茨堡历史上就以音乐之城闻名，该城每年都举行国际音乐节活动。包括萨尔茨堡国际音乐节（为期5周），萨尔茨堡复活节音乐节（为期2周），萨尔茨堡国际艺术节（为期5周）。其中萨尔茨堡国际音乐节的前身即1877至1910年举行多次的莫扎特音乐节。它以维也纳国立歌剧院（世界十大剧院）和维也纳爱乐管弦乐团（世界三大爱乐管弦乐团之一）为主，广泛接纳世界各国的著名交响乐团、指挥家、独奏家和独唱家。萨尔茨堡国际音乐节已成为世界音乐盛会。

维也纳多瑙塔(Donau Tower in Vienna)位于市区北面的多瑙河公园内，于1964年建成。塔高252米，塔底直径31米。多瑙塔高耸入云，为维也纳市容划出一条新的空中轮廓线。塔内设有两部高速电梯，游人可乘电梯从塔底直升到165米高的电梯终点。在电梯终点上下各5米处，分别是露天咖啡馆和室内咖啡馆。登上170米高的露天咖啡馆，顿感冷风扑面，寒气逼人，但俯首下看却有人上九天之感。进入160米高的室内咖啡馆，顿觉温暖如春。凭窗极目远眺，远方巍峨的阿尔卑斯山和穿城而过的蓝色多瑙河尽收眼底。由于两个咖啡馆环塔而建，其地板构架同塔轴相连，故能以3种速度围绕高塔转动，形成别致的旋转咖啡厅，咖啡厅每隔39分钟自转一周。随着咖啡厅的转动，窗外的景色也随之慢慢移动。游人可边品尝饮品，边领略维也纳繁华的都市风貌和城郊的田园风光。

维也纳舍恩布龙宫(Schonbrunn Castle in Vienna)舍恩布龙宫位于奥地利首都维也纳西南部，亦称“美泉宫”，是奥地利哈布斯堡王室的避暑离宫。1694年由玛利亚·特利萨女王下令修建。整座宫殿占地2．6万平方米，稍逊于法国的凡尔赛宫。宫内共有1400个房间，其中44间是以18世纪欧洲流行的洛可可式建筑风格修装的，纤巧华美、优雅别致；此外，还有以东方古典样式装修的厅堂，如镶嵌紫檀、黑檀、象牙的中国式和饰以泥金和涂漆的日本式。房间内部的饰品和陈设也与建筑风格相一致，在琳琅满目的陶瓷摆设中，尤以明朝万历年间的彩瓷大盘和描花古瓶最为珍贵。宫内有哈布斯堡王朝历代帝王设宴的餐厅和华丽的舞厅，现在奥地利政府仍在那里举行舞会或款待各国外交使节。在宫内，供人参观的几辆玛利亚·特利萨女王加冕大典时使用的鎏金马车，豪华无比，引人驻足。在长廊上，挂满了哈布斯堡王朝历代皇帝的肖像和记录他们生活场景的图画以及玛利亚·特利萨女王16个女儿的肖像画，其中最惹人喜爱的是法国国王路易十六的皇后玛丽·安东涅特少女时代的画像，其优雅细腻的笔调将当时王朝豪华的盛景和奢丽的生活尽现于画上。后来，在这座宫殿里长大的玛丽皇后同其夫君路易十六一起在法国大革命中被送上断头台。在房间和回廊的拐角处是各种式样的火炉，其中俄式的大火炉造型最为奇特，堪称一景。在宫殿后面是一座巴罗特式的大花园，每当百花盛开之际，园中奇花异卉芬芳怡人，令人留连忘返，更增添了离宫之美。拿破仑曾两次占领过维也纳，两次都居住在这里。著名作曲家莫扎特幼年时期也曾在离宫的宫廷舞台上为女皇演奏过钢琴。拿破仑战败后，1814年9月—1815年6月，这里曾举行过有名的瓜分欧洲的维也纳会议。当时的奥地利首相梅特涅以其纵横捭阖的手腕，在欧洲诸列强之间玩弄均势平衡外交，显赫一时。

历史名人：沃尔夫冈·莫扎特 （Wolfgang Mozart，1756－1791)：奥地利伟大的作曲家，维也纳古典乐派的杰出代表。出身于萨尔兹堡宫廷乐师家庭，很小就显露出极高的音乐天赋，即兴演奏和作曲都十分出色，六岁即创作了一首小步舞曲，并在欧洲旅行演出获得了成功，被誉为“神童”。1773年任萨尔斯堡大主教宫廷乐师，1781年不满主教对他的严厉管束而愤然辞职，来到了维也纳，走上了艰难的自由音乐家道路。莫扎特的全部作品中洋溢着他追求民主自由的思想，并迸发出在巨大社会压力下的明快、乐观情绪。他广泛采用各种乐曲形式，成功的把德、奥、意等国的民族音乐和欧洲的传统音乐有机的联系在一起，赋予它们深刻的思想内容和完美的形式，为西方音乐的发展开辟了崭新的道路。其创作手法新颖，旋律纯朴优美，织体干净细致，配器注重音色效果，发挥了复调音乐的积极作用，对后世音乐创作产生极大的影响。他在短促的一生中共创作了七十五部作品，留下了《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《后宫诱逃》、《魔笛》等著名歌剧，使歌剧成为具有市民特点的新体裁。并作有大量交响曲、协奏曲、钢琴曲和室内乐重奏。

弗朗兹·舒柏特（Franz Schubert，1797－1828）：作曲家、浪漫主义音乐的开创者之一。生于1797年1月31日，父亲是维也纳近郊的一所小学的校长，有19个孩子，舒柏特最小。他自幼喜欢音乐，8岁开始随父、兄学习提琴和钢琴，11岁时进入免费寄读的神学院合唱团。1811年创作第一首歌曲《哈加尔的悲哀》，16岁到他父亲的小学里当教员。他一边教课、一边进行音乐创作。17岁为歌德的诗篇《纺车旁的葛莱卿》、《野玫瑰》等谱曲。18岁那年，一天午后，他拿起歌德的叙事诗《魔王》来读，忽然心情激荡，一小时后，脍炙人口的世界名曲《魔王》诞生了。这首名曲，立即轰动了维也纳，使他从此走上音乐创作之路。舒柏特只活了33岁，但他一生却写了634首艺术歌曲。此外，他还写了8部交响曲、一些重奏、奏鸣曲，即兴曲和其他音乐作品，《小夜曲》以其深情、优美为世人所赞赏。舒伯特采用和声上的色彩变化，用各种音乐体裁形式来刻划个人的心理活动，富有大自然的和谐和生命力的气息，他将瞬息间的遐想行之于乐谱，把感受到的一切化为音乐形象，构成了他独特的浪漫主义的旋律。他很崇拜贝多芬，1822年，舒柏特带着新发表的作品去见贝多芬，恰好贝多芬出去了。后来贝多芬在病中发现这首曲子，说“这作品充满了神奇的火花”。可是，当舒柏特再去拜见贝多芬时，贝多芬已病危不能说话了。舒柏特临终时要求亲友将他葬在贝多芬旁边，现在他俩的铜像并立在维也纳广场上。

小约翰·施特劳斯（Johann Strauss，1825－1899）：老约翰·施特劳斯的儿子，奥地利著名的轻音乐作曲家。出生在风行跳舞的维也纳一个音乐家家庭，与父亲同名。其创作以《蓝色的多瑙河》、《维也纳森林的故事》、《艺术家的生活》、《春之声》等一百二十余首维也纳圆舞曲著称，被后人冠以“圆舞曲之王”的头衔。他曾带领乐队访问欧洲各国，使维也纳圆舞曲风靡全欧洲。他的圆舞曲独具特色，旋律酣畅，柔美动听，节奏自由，生机盎然，是每年维也纳新年音乐会的主要曲目。他还作有《雷鸣电闪》等一百二十多首源自捷克的波尔卡舞曲及几十首其他舞曲。1870年起创作了《蝙蝠》、《罗马狂欢节》、《阿里巴巴与四十大盗》、《吉卜赛男爵》等十六部轻歌剧，对于欧洲轻歌剧的发展有着相当深远的影响。

斯蒂芬·茨威格 （stephen zweig1881～1942）：奥地利著名小说家、传记作家，出身于富裕的犹太家庭。青年时代在维也纳和柏林攻读哲学和文学。后去世界各地游历，结识罗曼·曼兰和罗丹等人，并受到他们的影 响。第一次世界大战时从事反战工作，成为著名的和平主义者。二十年代赴苏联，认识了高 尔基。1934年遭纳粹驱逐，先后流亡英国、巴西。1942年在孤寂与感觉理想破灭中与妻子双双自杀。茨威格在诗、短论、小说、戏剧和人物传记写作方面均有过人的造诣，尤以小说和人物传记见长。代表 作有小说《最初的经历》、《马来狂人》、《恐惧》、《感觉的混乱》、《人的命运转折点》、《一个陌生女人的来信》、《象棋的故事》、《一个女人一生中的二十四小时》、《危险的怜悯》等；传记《三位大师》、《同精灵的斗争》、《三个描摹自己生活的诗人》等。茨威格对心理学与弗洛伊德学说感兴趣，作品擅长细致的性格刻画，以及对奇特命运下个人遭遇和心灵的热情的描摹。

弗洛伊德·西格蒙德（Freud Sigmund 1856-1939）：奥地利精神科、神经科医生、心理学家，精神分析学派的创始人。1856年5月6日出生于摩拉维亚一犹太商人之家，是其父母八个子女中的长子。他4岁时随家人迁居维也纳。17岁考入维也纳大学医学院，1881年获医学博士学位。后开业行医，担任临床神经专科医生，终生从事精神病的临床治疗工作。在探寻精神病病源方面，弗洛伊德抛弃了当时占主流的生理病因说，逐步走向了心理病因说，创立了心理分析学说（Psychoanalysis，又译精神分析），认为精神病起源于心理内部动机的冲突。他思考敏锐、分析精细、推断循回递进、构思步步趋入，探讨问题中，往往引述文学、历史、医学、哲学、宗教等材料，揭示出人们心灵的底层。主要著作有：《梦的解释》（1900年）、《性学三论》（1905年）、《心理分析导论》（1910年）、《文明及其缺陷》（1929年）。1886年与马莎·伯莱斯结婚，育有三男三女，女儿A·弗洛伊德后来也成为著名的心理学家。

卡夫卡 （Franz Kafka，1883～1924）：奥地利小说家。1883年7月3日生于布拉格一个犹太商人家庭，18岁入布拉格大学学习文学和法律，1904年开始写作，主要作品为4部短篇小说集和3部长篇小说。可惜生前大多未发表，3部长篇也均未写完。卡夫卡是欧洲著名的表现主义作家。他生活在奥匈帝国行将崩溃的时代，又深受尼采、柏格森哲学影响，对政治事件也一直抱旁观态度，故其作品大都用变形荒诞的形象和象征直觉的手法，表现被充满敌意的社会环境所包围 的孤立、绝望的个人。成为席卷欧洲的“现代人的困惑”的集中体现，并在欧 洲掀起了一阵又一阵的“卡夫卡热”。其最著名的作品有借小动物防备敌害的胆战心理，表现资本主义社会小人物时刻难以自保的精神状态和在充满敌意的环境中的孤立绝望情绪的短篇小说《地洞》（1923年）；通过小职员萨姆沙突然变成一只使家人都厌恶的大甲虫的荒诞情节，表现现代社会把人变成奴隶乃至“非人”的“异化”现象的短篇小说《变形记》（1912年）；写土地丈量员K在象征神秘权力或无形枷锁统治的城堡面前欲进不能，欲退不得，只能坐以待毙的长篇小说《城堡》；借银行职员约瑟夫· K莫明其妙被“捕”，又莫明其妙被杀害的荒诞事件，揭露资本主义社会司法制度腐败及其反人民本质的长篇小说《审判》等。

外交：1955年10月宣布永久中立。冷战之后，奥地利对其以中立政策为核心的外交政策进行了调整，致力于开展积极的全方位外交。

与中国关系：1971年5月28日，奥地利与中国建交。2005年4月奥地利总理许塞尔访华。

　　CLASSICAL MUSIC

　　中世纪时期（Medieval Period）（1450年前）

　　这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教 堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。 推荐：GREGORIAN CHANT

　　巴洛克时期（Baroque）（约为公元1600—1750）

　　这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性: 华丽、复杂、藻饰、扭曲, 著重于超现实和雄伟宏奇, 这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代(以及后来的古典时代)代表著井然的秩序和澄澈的表现, 那么巴洛克时代 (及后来的浪漫时代)就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声, 以及加上文字指示和弦的「数字低音」 (figured bass) 都产生于巴洛克时代；旧有的教会调式消逝, 大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起, 是巴洛克时代大事。另外, 节奏思想也在这个时代萌芽, 也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿(古幻想曲) 。

　　古典主义时期（Classicl）（约公元1750—1820）

　　因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。

　　浪漫主义时期（Romanticism）（约为公元1820—1900）

　　这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情，对自然景物的表现也愈加突出，创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。19世纪中后期出现了以振兴本民族音乐为己任的民族乐派。在音乐体裁上出现了新的器乐独奏体裁，如夜曲，即兴曲，叙事曲，谐谑曲，幻想曲与无词歌等。此时期作品风情万种，各自独具特色，入门曲目有舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》；萧邦夜曲、钢琴协奏曲第二号；门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲第一、二号；华格纳歌剧序曲集；布拉姆斯交响曲第一、三号；柴可夫斯基小提琴协奏曲第一号、钢琴协奏曲第一号；拉赫曼尼诺夫钢琴协奏曲第二号、《帕格尼尼主题与变奏》；拉罗《西班牙交响曲》；拉威尔钢琴协奏曲G大调。

　　20世纪的作品有布列顿的《青少年管弦乐指引》、《小交响曲》，斯特拉文斯基的《保钦奈拉》、《彼得洛希卡》，以及普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲第七号、钢琴协奏曲第一号。在此推荐德国作曲家亨德密特的《韦伯主题交响变奏曲》、《画家马席斯》交响曲，以及美国作曲家科普兰的《马术竞技会》、《一个平凡人的号角》。

　　POP

　　有说法是它起源于80年代中期，BPM在100拍-130拍，POP所指的是流行音乐和舞曲节奏相融合的一种舞曲形式。当前一些有别于经典曲风的舞曲,以及较难区分的舞曲多可列入POP舞曲的范畴中来。

　　流行榜（pop chart）本身就是一个大的Crossover排行榜，因为那上面根本就是一个大杂烩，不管是爵士、古典、还是摇滚，只要热门起来，就都挤上了这个榜单。而那时候的排行榜类别，还体现出黑与白的种族划分。当一位黑人歌手的唱片打入白人唱片排行榜时，即便音乐风格差不多，也被认为是“Crossover”。 Crossover在美国是跟排行榜密不可分的。而排行榜不仅是唱片业的销量指针，也是文化生态的一种体现。在上世纪五、六十年代，Crossover指某些在不同类别的排行榜上登榜的唱片。

　　jazz

　　早期爵士乐

　　早期的爵士乐（1900—1917）曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调；有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调；还有12小结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。布鲁斯乐曲的和声节奏最慢，但它的独奏旋律线的变音转调较多，起音不一，音高变化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以“布鲁斯”作名称，而实际上是流行歌曲或别的什么同源形式。

　　早期爵士乐队的设置平均为8位乐师。在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。有时添一支短号和一件节奏乐器，有时加一把小提琴为领奏。在演奏过程中，乐队的每个成员，不仅仅是独奏者，都要做即兴演奏。彼此之间自发的互相谦让与合作，只受和弦进行结构的限制，这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出，它就是“爵士乐”。

　　自由爵士

　　自由爵士产生于60年代，这种全新的音乐刚一出现，就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。

　　自由爵士不同于以往爵士乐，在和声、旋律方面没有太多的限制，演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念，节拍、对称性被统统打乱，同时，它也强调音乐本身的强度与张力，加入大量的不谐和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起，采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子设备及打击乐器，因此，有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。

　　摇摆乐

　　二十年代末，美国出现大萧条，爵士乐也随之流行于一些秘密酒店、酒吧、妓院等场所，致使出现了一些更适合跳舞的爵士乐队——摇摆乐大乐队。最早出现的摇摆乐队是Fletcher Henderson（费莱切·汉德森）的大乐队，但使摇摆乐真正确立乐坛的要算是1935年Benny Goodman（本尼·古德曼）大乐队的成功，直到1946年大乐队时代结束为止，摇摆乐一直是流行乐坛上一支重要的力量。摇摆乐不同于早期的爵士乐，在演奏过程中不太注重合奏，反而更加强调独奏。个人的即兴主要以旋律为基础，与以前的演奏相比，这更具有冒险性。

　　这时期许多爵士艺术家经常与一些欧洲经典乐艺术家一起交流、探讨、相互借鉴，所以在摇摆乐中你也可以听到贝多芬、勃拉姆斯的回响。

　　摇摆乐继承了早期爵士乐的一些传统，同时也开辟了个人表演的新领域，许多大乐队的乐手后来都成为爵士巨星。

　　Cool爵士

　　1950年，Miles Davis九人小组推出的专辑《The Birth of The Cool》，标志着Cool爵士的产

　　生。

　　Cool爵士选用的音调是轻柔的、淡雅的，音质柔和干爽。独奏中，带给你一种柔和舒缓、克制的感觉。其重奏部分微妙深奥，有时让你联想起欧州经典室内乐。Cool爵士虽然也揉进了Bop的音调、旋律与和声的优势，但是比Bop的即兴演奏更舒缓平滑，音色更加和谐，与Bop相比，Cool爵士乐经常突出体现一种松弛感，而没有Bop那么强的内在张力。

　　Cool爵士鼓手也更加安静，不干扰其他音色，总而言之，Cool爵士风格是节制的，“点到为止”，这正是为什么其乐迷称之为“Cool”的原因。

　　Fusion

　　二十世纪七十年代，Fusion音乐渐渐发展起来，它的最初定义实际上是一种融合了爵士乐即兴和摇滚乐节奏的音乐。然而随着流行音乐、节奏布鲁斯以及各种音乐形式在世界乐坛逐渐繁荣，Fusion音乐又将这些音乐风格加以借鉴，我们现在所熟悉的Fusion音乐，其实已经成为一种冠有爵士乐名称的混合型音乐。

　　Regtime

　　Regtime（拉格泰姆）爵士乐融合了欧洲古典音乐和欧洲军乐的特点而产生的。他打乱了古典音乐中严格的节拍规律，有演奏者掌握节奏的迟缓。乐曲的进行通常是起奏延缓，随即强调音节，这种风格在当时的钢琴演奏中极为常见。Regtime爵士乐在二十世纪出的十五年中非常盛行，虽然这种风格对爵士乐的形式具有非常重大的影响但是因为 它缺乏Blues的感觉和没有即兴感觉，所以并不能称之为真正的爵士乐。

　　Bebop

　　“Bebop”一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节（或无意义的狂喊乱叫）。比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的“长一短”音型突然结束，而这个节奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。

　　Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组，还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。

　　Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱，这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次（如果是12小节的布鲁斯则演奏两次），接下来是在节奏组（一般是钢琴、低音提琴和鼓）伴奏下的几段即兴独奏叠句，再重复第一叠句的旋律结束全曲。节奏组自始至终重复着全曲的和声音型（包括变化音型），以保持乐曲的结构。

　　如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等

　　GOSPEL MUSIC 福音音乐

　　作为被剥夺文化的奴隶，早期非洲-美国黑人认为只有教堂才是他们能抒发和抚慰在新处境里心境的地方，并通过寓言和歌唱形式传播单纯的“转世投胎”的理论，使黑人教堂在19世纪异常繁荣。他们早期通过口耳传播非洲化的基督教圣歌，由此转化、形成了黑人精神——和谐的福音音乐。

　　像汉克·威廉斯(WILLIAMS， HANK)的《破旧的十字架》(The Old Rugged Cross)、《与你亲密无间》(Just a Closer Walk with Thee)和《我看到了曙光》(I Saw the Light)。此外还有托马斯·多尔西(Thomas Dorsey)的一些作品，这些乡土音乐都曾流行一时。如果不是这些乡村音乐家运用福音音乐的要素。创作出大量成功的作品，那么也就没有福音音乐的今天。

　　rock music

　　摇滚乐的正式产生是在50年代中期，但是这个名词却在50年代初期就已出现。1951年，克利夫兰电台唱片节目主持人艾伦·弗里德（Alan Freed）从一首节奏布鲁斯歌曲《我们要去摇，我们要去滚》（We're Gonna Rock ，We're Gonna Roll）中创造出了"摇滚乐"（Rock n' Roll）这个名词。1955年，**《黑板丛林》（Blackboard Jungle）的上映对摇滚乐的产生带来了巨大的影响。它讲述的是一群学生造反的故事。一位中学教师面对这群学生唱起了一首歌，这首歌就是影片的插曲《昼夜摇滚》（Rock Around The Clock，例16）。这首歌曲在青少年中引起了极大的轰动。1955年7月，《昼夜摇滚》在波普排行榜上获得第一名，标志着摇滚时代的到来。它的演唱者比尔·哈利，也因此成了青少年崇拜的第一个摇滚乐偶像。从此，摇滚乐开始风靡全国。

　　RAP

　　说唱乐的起源可以追溯到黑人音乐根源中吟咏的段落中，到了70年代说唱乐正式确立了自己的风格，其中最主要的功劳要归根于当时流行的迪斯科舞厅中的DJ们，他们将黑人当时正在风行的FUNK节奏混入流行的迪斯科节奏中，并且在唱片机上反复重复同一张的唱片的内容，做自己的LOOPS，随着那些在现在广为人知和DJ们普遍应用的“打碟”法出现，说唱开始被街头黑人文化所流传，并且衍生出相当丰富的分支，诸如西海岸说唱乐(West Coast Rap)、南部说唱乐(Southern Rap)、流行说唱乐(Pop Rap)、老派说唱乐(Old Schold)、中西部说唱乐(Midwest Rap)、拉丁说唱(Latin Rap)、硬核说唱(Hardcore Rap)、黑帮说唱(Gangsta Rap)、外来说唱乐(Foreign Rap)、东海岸说唱乐(East Coast Rap)、过渡说唱乐(Crossover Rap)、喜剧说唱乐(Comedy Rap)、基督教说唱(Christian Rap)、另类说唱乐(Alternative Rap)等等，我们现在所谓的HIP-HOP正是由这些流派综合了当今流行元素而诞生的新词汇。尽管早在90年代初期就有人认为这种絮絮叨叨，满是脏话粗口，叛逆词语的音乐会很快消失，而事实上，在90年代末，随着一批新进的说唱乐手和以白人为主的说唱摇滚的风行，曾经被黑人抛弃的音乐又重新回到了流行音乐的前端，至少在新世纪的现在，这个风潮还不会消退

　　RAP是美国黑人音乐中的重要组成部分，是街头文化的主要基调，是世界流行音乐中的一块“黑色巧克力”。本文试图通过介绍几支美国当红RAP歌手/团体，让歌迷了解这些人的背景资料，找到自己喜欢的RAP明星。 首先，先简单的介绍一下关于Rap说唱乐的起源和发展过程

　　New Age

　　喜多郎——新音乐的先驱

　　可以说，早在70年代便开始致力于研究电子合成音乐的喜多郎（kitaro），是New Age音乐的首席代表，他的作品有着日本New Age音乐开路先锋的独特风格。将古典、流行、爵士融入电子音乐，这种不同于西方音乐的东方魅力，使得kitaro从首部作品《天界》面世开始，就得到了世界上越来越多的听众的肯定（当然很多人对于他的音乐比对他本人更为熟悉）。

　　《丝绸之路》系列的推出以及佳作《敦煌》的面世，都让国内的听众备感亲切。对中国题材音乐如此情有独钟，难怪喜多郎先生一直坚持“中国文化才是日本文化的根”。

　　沉浸在喜多郎的音乐宇宙里，你就会发现自己犹如沉醉于自然万物的流动韵律，只要闭目聆听，便有意想不到的美妙天籁应运而生了。

　　如果此刻你正打开音响感受喜多郎，那么你发现流淌在你周身的音乐给你带来什么变化了吗？请同样好好感受这一次——自己的深呼吸……

　　雅尼——音乐也讲创新

　　雅尼现在已经成为全世界最具有创新精神的作曲家和演奏家之一，他成功地掀起了一阵热潮。他最擅长的事情是通过音乐与人达到共鸣，无论是通过他的音乐会还是通过电视和电台的广播，或者通过他的音乐专辑。

　　强力推荐的是他的专辑《雅尼雅典卫城音乐会》，作为他的第十个个人专辑包含了他那些最经典的音乐作品（专辑包括了“桑巴林岛”，“给想象钥匙”和他那首白金热门曲“热情的反射”），管弦乐队在新版本中并不是追加的，而是作为整个音乐的整体。作为一个作曲家，Yanni从来不去遵守那些过去确立的规则，在这个专辑里也不例外，他打破了交响乐团那些传统的经验，这么做的结果是产生了丰富的节奏并且优雅的音乐。

　　班得瑞——自然全接触

　　班得瑞乐团是由一群年轻作曲家、演奏家及音源采样工程师组成的，1990年发迹瑞士。他们从开始执行音乐制作，便深居在阿尔卑斯山林中，直到母带成品完成。置身在自然山野中，让班得瑞乐团拥有源源不绝的创作灵感，也拥有最自然脱俗的音乐风格。班得瑞的音乐里，展现了他们独特的编曲手法，以清爽的配乐架构出零压力、零负担的乐曲，他们细酌每一轨声道的解析度，使音域更宽广，音场效果更具空灵感，完全让你融入到大自然中去……

　　目前，其流行世界的作品有《仙境》、《寂静山庄》、《蓝色天际》以及新推出的音乐情诗《风之羽翼》等。

　　神秘园——怎能不神秘

　　神秘园是一支著名的新世纪音乐风格的乐队，它由挪威作曲家兼键盘手（罗尔夫·劳弗兰）和爱尔兰女小提琴手（菲奥诺拉·莎莉）组成。乐队融合了爱尔兰空灵飘渺的乐风以及挪威民族音乐及古典音乐，乐曲恬静深远，自然流畅，使人不知不觉便已融入其中。

　　其首张专集《Song From A Secret Garden》的伤感绝对能杀死人，让人像迷失在神秘的丛林里，黑暗的看不到天，找不到出口。沉溺在这样的黑暗中，像一个人孤独地坐在路边大树的阴影下，静静看路上人来人往，别人看不到你，你也不想被看到，因为你害怕，因为你孤独，你知道这不是什么好事，但只有这样，受伤的心才能感到一丝安全，这样的孤独一直在诱惑你。其中的《田园》（Nocturne）一曲是乐队的成名作，曾获1995年欧洲歌唱大赛冠军。另一曲《来自神秘园的歌》（Song From A Secret Garden）在组建乐队前就在挪威发表并流行。迷幻之乐配以天籁之音，整首曲子让人听完后如同经受了一次心灵的洗礼。难怪身边总有人按下REPEAT键，一次又一次让这段旋律在耳边回旋。

　　莎拉布莱曼——纯粹的月光女神

　　莎拉布莱曼说：我只是尽我所能，发挥上帝赐予我的天赋。在美丽、冷艳的外表后面，她游走于音符之间，放任在流行与古典的边缘。她的歌声充满了个人特质，让人充满迷惑与想象，能给航行在海上的水手带来一种方向感、归依感。她的音质纯净、通透，尤其演唱不食人间烟火的角色时格外惹人怜惜。

　　作品首推其巅峰之作《LA LUNA》�月光女神　。这是一张以“月亮”为概念的专辑，其中收录了古今欧美知名的与月亮有关的单曲，包括流行歌曲、**配乐，甚至是古典音乐重新填词，再经过高雅精致的编曲混音，搭配上莎拉布莱曼独一无二的空前美声，该专辑绝对给你一种充满迷惑与想象的轻松飘逸感。

　　恩雅——天使的声音

　　恩雅，这位80年代末到90年代初崛起的爱尔兰女歌手，有着中世纪的幽静和飘逸。身为音乐奇才的她在专辑中集作曲、演唱、编曲和演奏于一身，甚至连混音与合成都一手包办。她周游于流行乐和古典传统乐之间，天籁般美妙的嗓音迷煞了世界上大部分的听众。

　　《星空彩绘》、《牧羊人之月》、《居尔特人》、《水印》、《树的回忆》，她的专辑一度成为唱片行最热销的碟片。其中，《A Day Without Rain》（雨过天晴）获得了本届Grammy最佳New Age专辑奖。

　　但是这里要推荐的是她为风靡全球的影片《指环王：魔戒首部曲——护戒使者》所作的主题曲《may it be》，该曲给人置身于人间天堂的感觉，飘渺的旋律中所流露出的丝丝惆怅和影片略带忧伤的结尾配合得非常巧妙，浑然天成。难怪《魔戒》在第74届的奥斯卡奖评选上获得“最佳**配乐”的奖项。

　　英格玛——中世纪魅力

　　Enigma（谜）这支来自德国的乐队，是早期准许引进内地的国外音乐之一。对于Enigma来说，他们喜欢用现代电子乐来表现神秘主义的主题，使人产生一种时空交错的奇妙感觉。乐曲中的人声也非常美妙：女声亮丽动人，如夜莺一般悦耳；男声低沉隐约，令人着迷。这是一种天生的美国式的圣歌，一种通过西方流行音乐节奏表现出来的遥远的非洲部落或严肃的宗教的回声。

　　1990年首张发行的Enigma大碟《神秘古国之声》（Sadness Part）中，有着中世纪教堂唱咏以及极具诱惑力的女声独白，**配乐式意境在House Beat上，构成宗教意味加神秘色彩的舞曲……

　　女巫医——梦呓神曲

　　可能《女巫医》本身远比它的作曲新纪元音乐全才梅德温来的更有名气。该专辑的乐器演奏，运用南美的轻松节奏，直笛、键盘及敲击乐器演出天籁之音，让人闭上眼可以想像出一幅热带雨林的奇异景色，百听不厌。梅德温说：“我的音乐使人们减轻压力并放松精神，它具备某种精神和你心灵深处的灵感，它具有震动的音调，不猛烈的节奏。我的音乐与其说是我的创造，不如说是对灵魂的洗涤。我不想让人们睡觉而是让他们进入能做任何事情的梦境；鼓励他们发挥他们自己的创造力。”

　　入乎内无风无浪，出乎外亦风亦浪

浅谈音乐剧与歌剧之间的异同

歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。

音乐剧（Musical theater）是由喜歌剧及轻歌剧（或称“小歌剧”）演变而成的，早期称作“音乐喜剧”，后来简称为“音乐剧”，是19世纪末起源于英国的一种歌剧体裁，是由对白和歌唱相结合而演出的戏剧形式。音乐剧熔戏剧、音乐、歌舞等于一炉，富于幽默情趣和喜剧色彩。它的音乐通俗易懂，因此很受大众的欢迎。音乐剧在全世界各地都有上演，但演出最频密的地方是美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区。因此百老汇音乐剧这个称谓可以指在百老汇地区上演的音乐剧，又往往可是泛指所有近似百老汇风格的音乐剧。

关于音乐剧与歌剧之关系，迄今为止，仍众说纷纭、莫衷一是。有人认为，音乐剧属于歌剧之一种，即音乐剧从属于歌剧；也有人主张，音乐剧是与歌剧相提并论的独立的音乐戏剧品种，并不属于歌剧范畴。而据笔者看来，无论是从艺术学还是从文化学的视角考量，也无论是从艺术发生学、美学、艺术构成学等层面考量，音乐剧与歌剧都有明显不同，二者并不属于同一范畴，而是各自独立的两个概念。

一、艺术环境与文化背景不同

从艺术发生学的视角来比较，二者形成与发展的艺术环境与文化背景，具有十分明显的不同。

一是产生的时间不同。歌剧一般指西洋歌剧，产生于16 世纪末，以1594 年佩里与卡奇尼采用里努契尼的台本创作的《达芙纳》（Dafne） 为历史上第一部歌剧。1597 年该剧首演于柯尔齐（Corei）宫邸，获得很大成功。但遗憾的是这部歌剧的音乐已失传。直到1600 年，佩里与卡奇尼又根据里努契尼的台本合写了《尤里狄茜》，成为目前尚存的世界上最早的一部歌剧；而音乐剧则产生于三百多年之后的19 世纪末、20 世纪初。二者的产生相距三百余年，又怎么会混为一谈呢？

二是产生的地点不同。歌剧最早产生于音乐之乡意大利，后逐渐流行于欧洲各国，纯属欧洲戏剧；而音乐剧则产生于美国纽约的百老汇，故又称“ 百老汇歌舞剧”。二者的“ 出生地”一个在欧洲，一个在美洲，相距万里之遥，又怎么可以泾渭不分呢？

三是产生的艺术环境不同。歌剧产生于声乐艺术高度发展的意大利，各种声乐流派异彩纷呈，如波隆学派、拿波里学派、罗马学派、威尼斯学派、米兰学派等等，构成百花齐放、百家争鸣的大格局；而音乐剧则集中产生于百老汇（ Broadway），原为纽约市曼哈顿区一条街道，并包括时报广场、联合广场等。该大街集中了著名的旅馆、百货公司、影剧院、音乐厅、夜总会等娱乐场所，为美国商业和娱乐活动中心，故“ 百老汇”一词又常作为美国戏院业、娱乐业的代称。这与我国上海的“ 大世界”有某些相似之处。二者产生的艺术环境，一个是意大利全国的“ 大音乐”，一个是美国一条街的“ 小音乐”，又怎么可以含混不清呢？ 四是产生的文化背景不同。歌剧产生于意大利文艺复兴运动前后，它以复兴古罗马、古希腊文化为标榜，以反对旧宗教思想、提倡“ 人的个性解放”的“ 人文主义”思想为核心，

赞扬对生活的热爱、追求自然客观的真理、背叛神的观念，歌颂人与人间纯真的爱情。并以诗歌、绘画、雕塑、建筑、音乐等形成群体艺术的大复兴，是欧洲新兴资产阶级思想意识在文化观念上的必然反映；而音乐剧则以现代平民百姓的现代文化观念为主要标态。二者的文 化背景差异明显，又怎么可以彼此不分呢？

二、艺术风格与文化特色不同

从审美特征与文化属性的视角来比较，二者的艺术风格与文化特色，也具有十分明显的不同。在艺术风格上，歌剧属于严肃戏剧范畴，总体风格是庄重典雅、富丽堂皇、丰富多彩、博大精深。它不仅拥有《茶花女》、《卡门》《蝴蝶夫人》等一大批闻名全球的经典性剧目，而且拥有重量级名演员卡鲁索、吉利、夏里亚宾等，更拥有顶尖大腕明星、世界“ 三大歌王”———帕瓦罗蒂、多明戈、卡雷拉斯；而音乐剧则属于通俗戏剧、总体风格以轻松自由、活泼欢快、通俗浅显、流行时尚为标态。

在文化特色上，歌剧属于雅文化范畴，其演出场所大多在大剧场，观众也大多具有较高文化修养。在演出过程中，演员与观众的交流，也是在一种雅文化的“ 交流场”中互动的。更为重要的是，歌剧本身的文化特色，便具有高雅的本体属性；而音乐剧则属于俗文化范畴，其演出场所多半在小剧场乃至广场、街头，观众也大多并不一定具有较高文化修养。在演 出过程中，演员与观众的交流是在俗文化的“ 交流场”中互动的。更为重要的是，音乐剧本身即具有通俗浅显的本体属性。

三、艺术构成与文化品质不同

艺术构成与文化品质是艺术环境与文化背景、艺术风格与文化特色的有效载体与主要表现手段。如果说，艺术环境与文化背景、艺术风格与文化特色是“ 软件系统”的话，那么艺术构成与文化品质就是“ 硬件系统”。而在艺术构成与文化品质上，音乐剧与歌剧同样具有十分明显的不同。

在艺术构成上，歌剧以声乐（歌唱）为主，以舞蹈及其表演为辅。歌剧的声乐艺术，又属于“ 美声唱法”，“ 主要是指18 世纪到19 世纪初意大利盛行的一种注重声音华彩优美，咏叹性重于朗诵性，或者具有强烈戏剧效果的歌唱风格”。③此种“唱法”，属于欧洲古典主义音乐与浪漫主义音乐范畴。不仅发声科学，而且有一整套严格的声音训练方法。其声乐艺术，也显得高贵典雅、厚重多彩，许多歌剧的选曲，都成为艺术歌曲的重要组成部分，在世界各国传唱，堪称声乐艺术的经典。例如《茶花女》中的《饮酒歌》《罗密欧与朱丽叶》中的《 我的太阳》《蝴蝶夫人》中的《晴朗的一天》《费加罗的婚礼》中的《美妙的时刻将来临》等等，都是其中的代表作。歌剧中的舞蹈，只起表现剧情、刻画人物、帮助表演等辅助作用。其舞蹈的构成，也属于优雅潇洒的华尔兹（俗称“ 三步舞”）、布鲁斯（俗称“ 四步舞”）等交际舞（也称“ 交谊舞“”、舞厅舞”）系列。总之，无论是声乐还是舞蹈，都使歌剧登上大雅之堂，并流行全球，受到许多观众，尤其是中老年观众与知识层观众的青睐。

而音乐剧，则是载歌载舞、歌舞并重的，即声乐与舞蹈各占“ 半壁江山”。其中的声乐，属于现代流行音乐范畴，被称为“ 通俗唱法”，即“ 现代工业社会电子传播技术广泛运用后出现的一种歌曲演唱法，它往往需要演唱者手持话筒进行演唱，对演唱者本人的声乐训练倒没有太多严格的要求”④。现在，又发展为用耳麦、胸麦等演唱。它以嗓音自然质朴、亲切时尚为特点，又分为喊声唱法、直声唱法、柔声唱法、气声唱法、轻声唱法、假声唱法等诸种。

与其说音乐剧是一个新的艺术形式，倒不如说音乐剧是传承了歌剧艺术而形成的现代歌舞剧。虽然它具有艺术手法的综合性，但就艺术形式来说它依然独具歌剧的传统。仔细分析；

如果话剧不用道白，舞剧不用舞蹈，那么我们肯定不会称之为话剧和舞剧了，因为道白和舞蹈是它们各自唯一重要的特征。可是，音乐剧要是没有了道白和舞蹈，它依然是音乐剧，因为他属于歌剧的类型，它传承的是歌剧的特征，它不能没有音乐，不能没有歌唱。它只是属于戏剧的一个范畴。从歌剧，轻歌剧，喜歌剧，音乐剧到充满歌剧色彩的音乐剧。音乐剧在牛津简明音乐词典中的注解是这样：MUSICAL歌舞剧，一种近似轻歌剧[OPERETTA]的戏剧体裁，但通常指美国的从纽约百老汇发展起来的音乐表演。比起音乐喜剧[MUSICALCOMEDY]显得更为复杂精致而更接近歌剧。假如我们用德国伟大的歌剧大师瓦格纳对歌剧的论断来看音乐剧；即“歌剧是用音乐展开的戏剧”。那么，我们也可以这么说“音乐剧是用音乐展开的戏剧”。他们之间的差异只是音乐风格的不同而已。

我们不能不承认这样一个现实，近一百年来，歌剧越来越被当作“阳春白雪”高搁于艺术殿坛之上，有代表性的创作作品凤毛麟角，真正能欣赏歌剧的观众也是非常少的，因为这类观众必须是建立在有一定的歌剧常识和音乐涵养的基础上，它需要观众具备一定的审美条件，因此，它的观众在很大一部份是我们所谓的“圈内人”。但同时，在从后工业化时代转变为资讯时代，**、电视、网络对大众产生了深刻的影响力，它在很大程度上改变了大众的审美需求，人们对娱乐的取向已经变得更加广泛，单就一种艺术形式也需要能得到更多的信息，因此，音乐剧以其时尚、大众、流行等现代特性，逐渐占据了歌剧的市场份额成为现代音乐戏剧的主流。

以下是国内最著名的室内设计师及其生平介绍：1梁思成梁思成是中国室内设计的开拓者之一，也是现代中国建筑史上的杰出人物。他曾参与多个著名的设计项目，如北京人民大会堂和北京大学各楼建筑等。梁思成不仅在实践上发挥了重要作用，而且在教育领域也给中国建筑教育带来了极大的贡献。2 黄碧仁黄碧仁是中国著名的室内设计师，他主张以人为本、以生命为本、以环境为本的理念，他的设计从孩子的视角出发，让孩子们可以自由指挥和支配空间。黄碧仁的设计风格很优雅，既简单又精致，深受人们喜爱。3 武穆武穆是中国室内设计领域的重要代表人物之一，他曾参与设计了大量影响深远的项目，如北京天安门广场中央花坛及其水系统、上海虹桥机场出入境大厅等。他的设计创新、富有思想性，注重社会效益的同时也强调艺术性，被誉为中国建筑领域的“三大奇才”之一。4 张永琦张永琦是中国当代室内设计建筑师，他的设计理念注重空间、文化和环境之间的和谐关系，创造出了独特的设计。他的作品屡获殊荣，如上海中华艺术宫大厅和北京首钢工业博物馆室内设计等。5 Tracy TaiTracy Tai是一位独具匠心的室内设计师，她注重将空间、材料和人的情感有机的结合在一起。她曾经带领设计团队为多家知名企业和品牌设计了室内空间，如华为、小米等。她的作品体现出东方文化的精神和现代的设计，被大量的人所喜欢。

在革命的最初年月里，有些音乐家对革命不理解而流亡国外；有的虽留在国内，但持观望态度而著名作曲家：格拉祖诺夫、伊波利托夫·伊万诺夫和格利埃尔(他们当时分别担任彼得格勒、莫斯科和基辅音乐学院院长)、卡斯塔利斯基、瓦西连科；钢琴家：戈利坚韦泽尔；音乐学家：阿萨菲耶夫；男高音歌唱家：索比诺夫；民歌改编家：皮亚特尼茨基……等人则与苏维埃政权合作，在保护和传播俄国和外国古典音乐遗产方面，在音乐教育、演出和评论等活动中，发挥了积极作用。

1918～1922年，新生的苏维埃政权经历了外国武装干涉和国内战争的艰苦岁月。歌曲是这个时期最有代表性的音乐作品。其中有用旧曲填新词的，也有新创作的。作者既有专业的，也有业余的。这些歌曲在继承以往革命歌曲优良传统的基础上，呈现了崭新的面貌。它们生动地记录了年轻苏维埃共和国的保卫者和建设者的丰功伟绩，表现了他们对革命事业的必胜信念和对祖国的一片忠诚。代表作品有《送行》、《我们勇敢地去作战》、《我们是红色的战士》、《英雄夏伯阳走遍乌拉尔》、《布琼尼进行曲》、《跨过山谷，越过丘陵》、《青年近卫军》、《我们的火车头》等。

20年代初～30年代末音乐事业的发展　1922年国内战争结束后，苏维埃共和国进入了和平建设的新时期，音乐文化生活也日益繁荣。工矿、农村、部队、群众业余音乐团体大量涌现，许多专业音乐演出团体，如苏联国家交响乐团、列宁格勒爱乐交响乐团、皮亚特尼茨基俄罗斯民间合唱团、苏军红旗歌舞团等相继成立。各种音乐演出活动日愈活跃。各民族艺术会演，全苏业余和专业音乐比赛会陆续成立。歌剧院、音乐厅不仅广泛上演国内外古典音乐名作，尤其注意扶持苏联作曲家的创作。音乐教育事业获得了新的发展，在阿塞拜疆、亚美尼亚等地陆续建立了音乐学院。音乐院校培养的青年演唱、演奏家在国际音乐比赛会中屡次获奖，使苏联音乐表演学派的声誉驰名国外。对民族民间音乐进行大规模收集、整理和研究的工作，在各地广泛展开，许多著名俄罗斯作曲家纷纷到中亚各加盟共和国帮助当地发展本民族的音乐文化，各加盟共和国的音乐艺术事业获得迅速发展。

这期间，围绕着苏联音乐的任务和道路的争论，出现了众多的派别，音乐界队伍和组织形式呈现出复杂的局面。成立于1923年的俄罗斯无产阶级音乐家协会（简称“拉普姆”），主要由一些年轻的音乐理论家（如B克尔德什，B日托米尔斯基等）组成。他们主张音乐密切配合政治斗争，强调音乐的思想性，但存在着庸俗社会学的倾向。他们片面推崇群众歌曲，轻视古典遗产和专业音乐技术。这个组织在相当一段时间里对苏联音乐界处于发号施令的地位，影响较大。与其对立的是1924年成立的现代音乐协会（简称“阿斯姆”）：其主要成员是一批较年长而有声望的作曲家，如米亚斯、米亚斯科夫斯基沙波林、沙波林、阿萨菲耶夫以及年轻的、舍巴林'、舍巴林和肖斯塔科维奇、肖斯塔科维奇。他们主张宣传介绍国内外的现代主义音乐创作，重视创作手法的更新，但在音乐的思想内容方面，态度淡漠。在当时国内思潮压力下，该组织逐渐瓦解，至1931年已不复存在。处于上述两大派之间，还有一些规模较小的团体，如1925年从“拉普姆”中分裂出来的一些作曲家(有瓦西里耶夫-布格、瓦西里耶夫-布格莱，科尔奇马廖夫等)组成了革命作曲家和音乐活动家联合会（简称“奥尔基姆德”)，他们反对“拉普姆”的宗派主义倾向，但是他们的创作仍然只限于配合当前政治任务的小型作品，构成了所谓“宣传音乐”。而由达维坚科、达维坚科别雷、别雷科瓦利、科瓦利等人于1925年成立的莫斯科音乐学院作曲学生创作集体（简称“普罗科尔”），力求以俄罗斯民歌和工人歌曲的音调为基础，创作革命内容的群众音乐（歌曲与合唱等）。他们的创作活动与工厂企业的合唱团体有密切联系。4年后，核心成员加入拉普姆”，从此其思想创作也纳入了“拉普姆”的轨道还有一个称为“莫斯科作曲者协会”（缩写AMA，简称“阿马”）的组织，专门从事轻音乐的写作，作品吸收了西方爵士乐的因素参加者有布兰特、布兰特、C米柳京、杜纳耶夫斯基、杜纳耶夫斯基、波克拉斯、波克拉斯(兄)等。上述各派的对立，尤其是占主导地位的“拉普姆”的左倾思潮和宗派情绪对音乐界产生了重大影响，1932年4月23日，联共（布）中央通过了《关于改组文学艺术团体》的决议，在音乐界取消了“拉普姆”（与此同时，其他音乐派别组织也相应消失），成立了全苏统一的苏联作曲家协会。

在卫国战争爆发前将近20年的和平时期里，苏联音乐创作得到了极大的繁荣，几乎在所有的音乐体裁和形式中都留下了有价值的作品。其中成绩最显著的是歌曲领域。一大批苏联作曲家都在这个领域作出了自己的贡献。他们所写的体裁多样、风格各异的优秀作品不仅在国内家喻户晓，激励着苏联人民的爱国热忱，同时也流传到国外，鼓舞着各国人民为民主进步事业而斗争。代表性作品有：达维坚科的《布琼尼骑兵》、《第一骑兵旅》、《步枪》，别雷的《全世界无产者联合起来》，科瓦利的《青年时代》，杜纳耶夫斯基的《祖国进行曲》、《快乐的人们进行曲》，亚历山德罗夫、亚历山德罗夫的《苏联国歌》，扎哈罗夫、扎哈罗夫的《沿着村庄》、《有谁知道他》，K利斯托夫的《机枪马车》，肖斯塔科维奇的《相逢之歌》，布兰特的《卡秋莎》，波克拉斯兄弟的《假如明天战争》等。

在大型声乐作品领域，产生了一些气势宏伟、史诗性的作品，典型的有达维坚科的合唱《大街喧腾》、《在十俄里的地方》，亚历山德罗夫的《斯大林康塔塔》，普罗科菲耶夫的康塔塔《亚历山大·涅夫斯基》和《庆祝十月革命二十周年》，沙波林的交响曲-康塔塔《在库利科夫战场上》，科瓦利的清唱剧《叶美良》、《·普加乔夫等》。

在舞台音乐创作方面，最早出现的一批歌剧，如《保卫红色彼得格勒》、《雄鹰暴动》、《突破》等，虽采用革命的题材，但由于艺术水平不高，很快从舞台上消失。接着出现了另一批歌剧，有肖斯塔科维奇的《鼻子》和《姆岑斯克县的麦克白夫人》（又名《卡捷琳娜·伊兹迈洛娃》）、捷尔任斯基、捷尔任斯基的《静静的顿河》、、加吉别科夫'、加吉别科夫的《基奥尔－奥格雷》、卡巴列夫斯、卡巴列夫斯基的《哥拉·布勒尼翁》、赫连尼科夫、赫连尼科夫的《冲向暴风雨》、普罗科菲耶夫的《谢苗·科特科》等。这些歌剧尽管内容、风格不同，艺术水准高低不等，其中一些作品还引起了社会的强烈褒贬，酿成音乐界的重大事件。但是，无论在题材的深度和广度方面，还是在艺术的纯熟和开拓方面，都比以往前进了一大步，成为苏维埃歌剧艺术的重要里程碑。在舞剧创作方面，格利埃尔的《红**花》是苏联第一部有影响的舞剧，其内容表现苏联海员对被压迫的中国劳动大众的友谊和同情，但是情节太多虚构痕迹，缺乏真实性；音乐以俄罗斯传统风格为主，点缀了一些中国五声音调肖斯塔科维奇的3部作品《黄金时代》、《螺丝钉》和《清澈的小溪》，因剧本缺陷没有成为舞台上的保留节目。而阿萨菲耶夫的《巴赫切萨拉伊的泪泉》、AA克赖因的《劳伦西娅》和普罗科菲耶夫的舞剧《罗密欧与朱丽叶》均取材于古典文学名著，前两部舞剧在艺术上更多地保持了古典音乐的传统风格，后者则采用了现代的音乐语言，更具有个人的独创性。

在器乐创作领域，如肖斯塔科维奇的第四交响曲、《第五交响曲》、《第六交响曲》，米亚斯科夫斯基的《第十六交响曲》、《第二十一交响曲》，舍巴林的交响曲《列宁》，哈恰图良、哈恰图良的《钢琴协奏曲》和《小提琴协奏曲》，普罗科菲耶夫的《第二小提琴协奏曲》和肖斯塔科维奇的《钢琴五重奏》等。在哲理的深度上，在反映新生活的面貌和苏维埃人的精神气质方面，以及音乐语言和艺术手法的创造性方面，均有不少突破，达到了较高的水平。

除了音乐创作外，苏联音乐理论研究工作也开始起步。出现了一批有价值的音乐学著作，如阿萨菲耶夫的《交响习作》、《十九世纪初以来的俄罗斯音乐》，索列尔京斯基的浪漫主义，其一般美学和音乐美学，MC佩克利斯的两卷本《俄罗斯音乐史》，TH利瓦诺娃和B费尔曼的两册《西欧音乐史》(1940)，以及、马泽尔'、马泽尔秋林、秋林、斯克列布科夫、斯克列布科夫斯波索、斯波索宾等人的作曲技术理论著作等。

卫国战争时期～50年代末的音乐 1941年6月，德，开始了伟大的卫国战争。战争激起了作曲家的创作热情，在很短时间里涌现了一批优秀的群众歌曲。代表作品有《神圣的战争》、《第聂伯河之歌》、《炮兵之歌》等战斗进行曲；《勇敢的人之歌》、《啊，我的雾，茫茫大雾》、《布良斯克森林在喧嚣》、《珍贵的石头》等叙事性歌曲，《海港之夜》、《夜莺》、《在前线的森林中》、《瓦夏-瓦西廖克》等抒情歌曲和幽默歌曲。

在大型体裁方面，最引人注目的是肖斯塔科维奇题献给列宁格勒的《第七交响曲》。这部作品以逼真的写实手法和震撼心灵的艺术力量，既揭露了法西斯敌人的凶恶残暴，又表达了苏联人民捍卫祖国的钢铁意志，它如同一座不朽的音乐纪念碑，铭刻在人们的记忆里。此外，肖斯塔科维奇的《第八交响曲》、普罗科菲耶夫的《第五交响曲》、哈恰图良的《第二交响曲》、沙波林的清唱剧《为俄罗斯土地而战的传说》和乌克兰作曲家什托加连科、什托加连科的交响曲-康塔塔《我的乌克兰》等，以不同方式对战争事件作出了反映，其中或直接描写严酷的战争现实或充满哲理的思考，音乐兼有戏剧性和史诗性的特征。战争期间创作的音乐舞台作品成功的不多，其中只有普罗科菲耶夫的歌剧《战争与和平》（初稿完成于1943年，当时只上演了片断，全剧首演是在1955年）和哈恰图良的舞剧《加雅涅》是例外，前者既鲜明地刻划了人物性格，又展示了壮观的历史场景，具有高度的艺术水平；后者表达了苏维埃人对生活、对祖国的热爱，音乐以鲜艳的民族色彩和强烈的节奏而引人入胜。适应战争环境的需要，军乐（吹奏乐）获得了很大发展。不少作曲家专为军乐队写作品。其中最有代表性的作品是伊万诺夫-拉德克维奇的 《加斯特洛大尉》、《人民复仇者》等军乐进行曲。

战后的10多年，苏联音乐创作的面貌和规模又有新的发展。首先，反映卫国战争、歌颂人民英雄业绩的题材占据重要地位。代表作品有普罗科菲耶夫的《第六交响曲》和歌剧《真正的人》（取材于波列伏依的同名小说）、卡巴列夫斯基的歌剧《塔拉斯一家》（取材于戈尔巴托夫的小说不屈的人们）、梅图、梅图斯的歌剧《青年近卫军》（取材于AA法捷耶夫的同名小说）以及大量群众歌曲，如索洛维约夫-谢多伊、索洛维约夫-谢多伊的《共青团员告别歌》，布兰特的《太阳落山》等。

其次，采用历史、古典名著、民间神话题材，以及具有哲理、抒情、幽默、讽刺特色的各种内容和形式的作品大量涌现。其代表性作品：歌剧方面有沙波林的《十二月党人》、舍巴林的《驯悍记》（取材于W莎士比亚同名喜剧）、鞑靼作曲家日加诺夫、日加诺夫的《贾利尔》等；轻歌剧有卡巴列夫斯基的《春天在歌唱》和肖斯塔科维奇的莫斯科李花村；舞剧有格利埃尔的《青铜骑士》（据普希金同名诗剧）、普罗科菲耶夫的《宝石花的传说》、阿塞拜疆作曲家卡拉耶夫、卡拉耶夫的《七美人》、哈恰图良的《斯巴达克》、格鲁吉亚作曲家A马恰瓦里阿尼的《奥赛罗》（根据莎士比亚剧作）等。在大型器乐作品方面，米亚斯科夫斯基的《第二十七交响曲》、普罗科菲耶夫的《第七交响曲》、肖斯塔科维奇的《第十交响曲》和《第十一交响曲》（《1905年》）、乌克兰作曲家H利亚托申斯基的《第三交响曲》、格鲁吉亚作曲家塔克塔基什维利、塔克塔基什维利的《第二交响曲》、卡巴列夫斯基的《小提琴协奏曲》等。声乐创作方面的著名作品有：肖斯塔科维奇的声乐套曲《犹太民间诗歌选》、无伴奏合唱《十首诗》(采用革命烈士诗)、斯维里、斯维里多夫的《纪念谢尔盖·叶赛宁的诗》和《热情清唱剧》（用马雅可夫斯基诗），以及大量群众歌曲，如索洛维约夫-谢多伊的《莫斯科郊外的晚上》，杜纳耶夫斯基的《丰收之歌》，扎哈罗夫的《岁月流逝》等。

在音乐学领域，科学研究的水平又有所提高，出现了一系列有份量的专著，如阿萨菲耶夫的《格林卡》和《作为过程的音乐形式》的第 2部《音调》、阿尔什万格的《柴科夫斯基创作经验分析》德鲁斯金的《歌剧的音乐戏剧结构问题》和《俄罗斯革命歌曲》、克尔德什的3卷本《俄罗斯音乐史》、克列姆廖夫、克列姆廖夫的《弗雷德里克·肖邦》、马泽尔的《论旋律》以及涅斯季耶夫、丹尼列维奇等人的音乐评论著作等。

60年代以来的音乐状况　由于对以往的信条有所突破，苏联音乐家们在言论和创作上显得比较大胆自由。许多从前被否定的作品重新上演，许多受到过批判的作曲家被恢复了名誉，对西方现代派音乐的看法也越来越宽容。随着对外文化交流广泛开展，西方现代音乐、包括先锋派音乐、爵士乐、摇滚乐、流行音乐得到传播。同时，苏联音乐家出国访问，参加国际音乐活动与世界各国同行的交往日愈频繁。长期侨居国外的作曲家IF斯特拉文斯基于1962年9月访苏，受到了热烈而隆重的接待。一些苏联青年作曲家一度热衷于西方先锋派的各种音响技术的试验。

自60年代以来，苏联音乐的发展道路并不平坦。但是和以往比较，由于加强各民族音乐文化的相互交流和相互促进，呈现出新的面貌。至今在苏联，民族民间音乐、俄国及外国的古典音乐、具有光荣传统的革命群众歌曲和严肃题材的苏联专业音乐创作，以及各国的进步音乐，仍然是剧场、音乐厅、广播、电视、**等各种音乐场合中的主角。

与此同时，西方流行音乐、苏联自产的轻音乐、游艺音乐在国内也有广泛市场。一度出现过大批自发形成的自编自弹自唱的歌手和音乐演出小组，其中不少歌曲内容消极庸俗，艺术水准低劣，受到社会舆论的谴责和政府的取缔，很快就消失了。但是在一些旅游点、舞厅、饭店、酒吧间、俱乐部等公共场所，仍然充斥着一些趣味低下、不健康的音乐，并且以震耳欲聋的音响刺激着人们的神经。如何对待流行音乐，是社会舆论和音乐界长期争论的问题。

这个时期，所谓“公民性”的题材，诸如歌颂党、祖国、人民、民族友谊、征服宇宙等，在苏联音乐创作中占据了主导地位，其中尤为突出的是歌颂列宁的作品。歌曲《列宁之歌》(AH霍尔明诺夫曲)、《列宁永远和你在一起》（图利科夫曲），歌剧《乌里扬诺夫兄弟》（梅图斯作曲）、《十月》（穆拉杰利作曲）以及肖斯塔科维奇的《第十二交响曲》（《1917年》）和合唱套曲《忠诚》、谢德林、谢德林的清唱剧《列宁在人民心中》等作品，都以各自不同的方式表现列宁形象，强调列宁既是时代的伟大领袖，又是和蔼的同志和朋友，给人以亲切温暖之感。

与此同时，描写革命和战争的文学名作，重新点燃了作曲家们的创作热情。出现了歌剧《乐观的悲剧》（根据维什涅夫斯基同名剧作，霍尔明诺夫作曲）《维丽涅娅》（根据谢夫林娜同名小说，斯洛尼姆斯基作曲）、《震撼世界的十日》（根据J里德同名著作，卡尔明斯基作曲）、《一个人的遭遇》（根据肖洛霍夫同名小说，捷尔任斯基作曲）和《这里黎明静悄悄……》（根据瓦西里耶夫小说，莫尔恰诺夫作曲）等。

对于诗歌文学的广泛兴趣，导致了大量声乐-器乐作品的诞生其中有肖斯塔科维奇的声乐交响诗《斯捷潘拉辛的死刑》和《第十三交响曲》（均根据叶夫图申科诗）、《第十四交响曲》（用F加西亚·洛尔卡等人的诗），卡巴列夫斯基的《追思曲──纪念反法西斯斗争的牺牲者》（根据罗日杰斯特文斯基诗），谢德林的《诗学》（用沃兹涅先斯基诗）；舞剧《安娜·卡列尼娜》（根据托尔斯泰同名小说）和歌剧《死魂灵》（根据果戈理同名小说）等。

此外，有些作品以题材和形式的新颖而引人注目，如彼得罗夫的歌剧《彼得一世》是由称为“交响壁画”的清唱剧式作品改写而成布茨科的白夜和霍尔明诺夫的《外套》属于仅有一、两个角色演出的室内歌剧。

在创作技巧上，苏联作曲家经过一段对各种新奇的现代手法的迷恋和试验之后，逐渐又转向常规的传统技法。许多作曲家在掌握现代手法的同时，追求音乐语言的民族性和群众性，努力挖掘民歌的宝藏，并取得了进展。其中代表性的作品有：斯维里多夫的《库尔斯克之歌》、塔克塔基什维利的《古里歌曲》、布茨科的《婚礼歌曲》、谢德林的管弦乐《喧闹的对句歌》等。

60年代以来，苏联音乐表演艺术又有新的发展。这时期活跃在舞台上的名家有：指挥家基塔延科、图尔恰克，钢琴家巴什基罗夫，小提琴家克利莫夫，大提琴家沙霍夫斯卡娅，歌唱家韦杰尔尼科夫、涅斯捷连科、涅斯捷连科、奥布拉兹措娃、奥布拉兹措娃等。苏联举办的柴科夫斯基国际音乐比赛被公认为是世界最高水平的比赛盛会之一。常年举行的莫斯科之秋、俄罗斯之冬、现代音乐等音乐节，丰富着苏联人民的艺术生活。

在音乐学著作方面，近20年来，不仅出版了许多研究苏联著名作曲家的专著，并且发挥集体智慧，编写了 4卷本的《俄罗斯苏维埃音乐史》、5 卷本的《苏联各民族音乐史》、6 卷本的《音乐百科全书》、多册的《外国音乐史》、4 册《20世纪的音乐》、以及各种音乐技术理论和音乐美学著作等。这些著作对苏联和世界音乐的历史和现状以及各类专题进行了多方面的、系统的研究和分析，其中许多理论上的探讨和概括，富有积极的成果。