我需要详细的浪漫主义音乐的资料 和代表人物

　　第四讲：浪漫主义音乐

　　浪漫主义音乐是指19世纪20年代到20世纪初的一批欧洲作曲家所创作的音乐。它是一种个性化的、富于诗意的、注重情感体现的音乐。

　　浪漫主义音乐突破了古典乐派中某些形式结构的限制，在和声、乐队以及旋律方面都有着不同程度的变化，使音乐创作有了新的发展。浪漫主义音乐常被分为早、中、晚三个时期。

　　浪漫主义音乐与古典主义音乐的不同之处就在于：强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其它艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感情的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多。

　　浪漫主义音乐是欧洲音乐发展史上成果最为丰硕的时期，它极大丰富和发展了古典主义音乐的优秀传统，并有大胆的创新，这一时期的许多音乐珍品至今仍深受人们的喜爱。

　　作者： 万金油年代 2005-8-2 20:13 回复此发言

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　　14 一、早期浪漫主义音乐

　　“浪漫歌剧的创始人”——韦伯

　　德国作曲家韦伯(1786—1826)出生在一个旅行剧团领班的家庭，他的父亲是一位热心的戏剧和音乐爱好者，有一副漂亮的歌喉，母亲是一位德国女高音歌唱家。

　　韦伯从小常常随着父亲率领的小剧团，沿着德、奥两国的小城镇流浪演出，受到剧院、舞台气氛的熏陶。这种流浪生活使他广泛地接触到了社会和民间音乐， 他的歌剧《自由射手》被公认为德国第一部民族歌剧。歌剧上演后，很快地传遍每个偏僻角落。著名诗人海涅在给友人的信中饶有风趣地描写了《自由射手》在群众中流传的盛况：清早从他窗户下走过的小学生用口哨吹着《出嫁时的花环》；理发师上楼时也唱这首歌；在他外出作客时，一位姑娘在钢琴上弹的也是这支歌。德国甚至还出现了“自由射手”牌啤酒，“自由射手”式女装。它也为欧洲浪漫主义的歌剧奠定了基础。

　　欣赏：

　　《邀舞》又名《华丽回旋曲》[柏辽兹配器]（8：46）提示：

　　引 子：描写一位绅士风度的男宾在舞会开始前，向一位青年贵妇人发出的邀请。

　　第一段：描写各种不同的舞蹈形象。基本主题雄健有力，表现热烈的舞会气氛和兴致勃勃地翩翩起舞的形象。 第二段：描写轻盈妙曼、回旋飞动的舞姿。

　　第三段：描绘轻若飞燕的舞步和眉笑目语、脉脉含情的意态。 第四段：描绘舞会进入了高潮和结束。 尾 声：描绘舞伴们相互致谢和告别。

　　作者： 万金油年代 2005-8-2 20:14 回复此发言

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　　15 回复：交响音乐赏析（一个抠门er老师的讲义）

　　“歌曲之王”—— 舒柏特

　　舒柏特(1797—1828)出生于维也纳近郊一个小学教员家庭。他8岁开始学习音乐；16岁担任助理教师，教授私人钢琴，以此谋生。1813年，当他毅然离家去维也纳作一个“自由艺术家”的时候，对未来充满了美好的向往。但他所处的时代正是法国资产阶级革命失败，欧洲处于反动王朝复辟的时期。

　　他一生共写下了1500首作品。包括14部歌剧、9部交响曲、100多首合唱曲及600多首歌曲等，其中最著名的有交响曲《未完成》、钢琴五重奏《鳟鱼》、声乐套曲《美丽的磨坊姑娘》等。

　　他创作的中心是歌曲，有“歌曲之王”的美称，他的歌曲优美、质朴而深刻，充分体现了诗歌的意境。作品中折射出那个时代小知识分子的苦闷与压抑、欢乐与痛苦，成为浪漫主义艺术的典范。

　　欣赏：

　　1、小提琴独奏曲《小夜曲》（2：46） 歌词大意：①“我的歌声穿过深夜，向你轻轻飞去，在这幽静的小树林里，爱人，我等待你！”

　　②“你可听见夜莺歌唱，她在向你恳求，它要用那甜蜜歌声，诉说我的爱情。”

　　2、A大调钢琴弦乐五重奏（鳟鱼）第四乐章（7：35）创作背景： 1817年，舒伯特创作了著名的歌曲《鳟鱼》，歌曲用二段体写成。第一段描写鳟鱼在清澈的小河中欢畅地戏游，第二段描写狡猾的渔夫把河水搅浑，得以浑水摸鱼。后来，创作《A大调钢琴弦乐五重奏》时，采用了这首歌曲的曲调，故又称《鳟鱼五重奏》。

　　作者： 万金油年代 2005-8-2 20:19 回复此发言

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　　16 回复：交响音乐赏析（一个抠门er老师的讲义）

　　“标题交响乐奠基人”——柏辽兹

　　柏辽兹（1803——1869）是法国浪漫乐派音乐的创始人。1803年12月11日，出生在法国里昂近郊的一个医生家庭。童年时学习过长笛和吉他，1826年进入巴黎音乐学院学习作曲。1830年，获罗马大奖赴意大利留学，一年后回国进入创作的全盛时期。于1869年3月8日病逝于巴黎。

　　他的作品中最具有代表性的当推《幻想交响曲》，还有戏剧交响曲《罗密欧与朱丽叶》、《罗马狂欢节》序曲、《拉科奇进行曲 》等都是深受人们喜爱的作品。此外，他撰写了著名论著《配器法》，还留下了大量的音乐评论，对高尚音乐的鉴赏等方面都产生了重要的影响。

　　他的音乐热情奔放，富于幻想。他开创了浪漫主义标题音乐的先河。他首创了“固定乐思”的手法，在配器方面他是管弦乐大师，他大胆创新，探索各种乐器组合的可能性，使管弦乐队的色彩焕然一新。

　　欣赏：

　　1、“拉科奇进行曲”（4：55） 又名《匈牙利进行曲》，是戏剧康塔塔《浮士德的沉沦》第一部分的选曲。作品取材于德国文学家歌德（1749——1832）的诗剧《浮士德》第一部。内容为：浮士德独自漫步在匈牙利原野上，天色破晓，田野上响起农民的合唱和民间舞曲。突然，远处传来雄壮的号角声，出征的匈牙利军队列队走来。

　　2、《幻想交响曲》一至五乐章片断（14：10） 演奏：阿姆斯特丹音乐厅管弦乐团 指挥：伯纳德-海廷克

　　作者： 万金油年代 2005-8-2 20:22 回复此发言

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　　17 回复：交响音乐赏析（一个抠门er老师的讲义）

　　“最幸福的音乐家”——门德尔松

　　德国著名作曲家、浪漫乐派的杰出代表。1809年2月3日，生于汉堡，父亲是大银行家。4岁随母亲学习钢琴，12岁开始作曲，17岁成名，20岁时开始以钢琴家、指挥家、作曲家的身份游历了欧洲各国，从此名声大振。1843年，创办了莱比锡音乐学院，由于常年过度劳累，损害了他的健康，加上亲人逝世的打击，使他心力交瘁，不幸于1847年11月11日逝世，年仅38岁。

　　他的作品旋律流畅、结构完整、温柔舒适、极少矛盾冲突、富于诗意幻想。由于生活经历所限，音乐难免缺乏深刻的思想表达，但其幽雅、宁静、精致、诗意的音乐境界却很少有人可以做到的。他的交响曲《苏格兰》、《意大利》，序曲《芬格尔山洞》、《仲夏夜之梦》及《e小调小提琴协奏曲》都是著名作品。除此之外，由于他的发掘、推崇和亲自指挥，巴赫的作品才受到重视。他还独创了“无词歌”的器乐体裁，他也是早期标题音乐的代表。以他为代表的莱比锡乐派对19世纪德国音乐生活产生了很大的影响。

　　欣赏：

　　1、钢琴独奏曲《春之歌》[巴伦勃依姆]（以）（2：02） 这首小品于1842年创作的。是他的四十八首《无词歌》中最流行的一首。它为我们描绘出一幅春光明媚、生机勃勃的春的图画。它将永远唤起我们对春天的眷恋和向往。

　　2、《e小调小提琴协奏曲》第一乐章 [海费兹]（11：00） 第一乐章：奏鸣曲式，热情的快板，e小调，2/2拍。 第一主题：独奏小提琴首先奏出一个充满幸福，又荡漾着忧愁的优美旋律。第二主题：由长笛和单簧管奏出的一首幽静的抒情诗，显得有些多愁善感，随后独奏小提琴用更温暖、更美丽的声音来歌唱它。

　　作者： 万金油年代 2005-8-2 20:24 回复此发言

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　　18 回复：交响音乐赏析（一个抠门er老师的讲义）

　　“德国浪漫乐派领袖”——舒曼

　　舒曼（1810——1856）德国作曲家、音乐评论家，德国浪漫乐派的领袖。他出生于一个书商家庭，从小受到良好的教育。7岁学习钢琴，1834年他创办了音乐杂志《音乐时报》，1840年与他钢琴老师车尔尼的女儿克拉拉结婚，幸福的生活给他带来了一系列创作上的灵感。在创作的同时他开始写音乐评论，他是第一个肯定柏辽兹、肖邦、李斯特、勃拉姆斯的音乐才华的人。1854年资产阶级革命失败，他由于只看到革命的败局，看不到未来的革命曙光，内心非常痛苦，以致精神失常，自投莱茵河。他虽然被救起来，但最后还是在精神病院中悲惨地死去。

　　他的主要作品有：钢琴曲《狂欢节》、钢琴套曲《童年情景》、交响曲四首、协奏曲及歌曲集等等。他的作品充满了浪漫主义的激情，他大量深刻生动、尖锐泼辣的评论，对引导社会音乐思潮的健康发展，抨击庸俗落后的音乐观念起到了积极重要的作用。

　　欣赏：1、《梦幻曲》选自《童年情景》[格鲁米欧]（2：39） 它刻画了一个童年的梦幻世界，表现了儿童天真、纯洁的幻想。乐曲分三段，第一段是主题的呈示，宛如已坠入沉思的梦境，接着梦中出现美丽的世界。然后梦幻升腾，像是进入一层比一层更美、更奇异的梦境。 中段没有新的音乐素材，仅是主题旋律的变化反复，节奏与第一段相同，因而仍然保持了幻想的情绪。但由于旋律有了一定的变化，仿佛在梦幻中从一幅图景又转入另一图景。

　　音乐进入第三段时，再现了第一段的主题。最后以无限深情而富于诗意的乐思结束了全曲。

　　2、《a小调钢琴协奏曲》第一乐章片断（5：45） 演奏：弗兰兹、维也纳爱乐乐团 指挥：伯恩斯坦

　　作者： 万金油年代 2005-8-2 20:27 回复此发言

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　　19 回复：交响音乐赏析（一个抠门er老师的讲义）

　　“钢琴诗人”——肖邦

　　肖邦（1810——1849）波兰钢琴家、作曲家。生于华沙附近的一个教师家庭，父亲是侨居波兰的法国人，并是一位长笛演奏家，母亲是波兰贵族世家的女儿，钢琴弹得很好。他从小喜欢音乐，6岁接受严格的钢琴教育，9岁就在音乐会上公开演出。16岁时进入华沙音乐学院，跟随院长艾尔斯纳学习音乐理论。1830年，20岁的肖邦出国作旅行演出。他来到了巴黎，当时的巴黎是群星荟翠的艺术之都。他在这里以作曲家、钢琴家的身份获得了盛誉。1849年10月17日，他在巴黎病逝。

　　他的音乐潇洒、飘逸、含蓄、柔情，而这一切又都是在浓郁、鲜明的民族风格和热烈、深沉的富爱国热情中表现出来的。，人们称他为“钢琴诗人”。他为后世留下了二百余首钢琴珍品，有以《c小调革命练习曲》为代表的27首练习曲，有富于民族风格的51首玛祖卡舞曲，有着阳刚之美的《降A大调波兰舞曲》（也叫波罗涅兹舞曲），而他的21首《夜曲》更是钢琴音乐中的精品，另外还创作了许多钢琴奏鸣曲和协奏曲等。

　　欣赏：

　　1、《降D大调一分钟圆舞曲》 （小狗）（1：51）

　　2、《f小调第二钢琴协奏曲》第二乐章（15：06）演奏：伦敦交响乐团、钢琴：鲁宾斯坦 、指挥：安德列-普列文

　　（注）安德列-普列文（1929--）出生在德国的柏林，犹太人。二战期间随家人到了美国，从1963年开始指挥生涯，先后担任过美国圣路易斯交响乐团、休斯顿交响乐团、匹兹堡交响乐团和英国伦敦交响乐团的音乐指导和常任指挥。

　　作者： 万金油年代 2005-8-2 20:30 回复此发言

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　　20 第五讲：浪漫主义音乐（中、晚 ）

　　“钢琴魔王”——李斯特

　　李斯特（1811——1886）是19世纪欧洲乐坛上声名显赫的匈牙利钢琴家和作曲家。1811年生于匈牙利的雷丁，父亲是贵族庄园的管家，业余音乐家。他6岁起学习钢琴。8岁开始作曲。9岁已成功地举办了钢琴独奏会。10岁时，全家迁往维也纳，他跟车尔尼学习钢琴，跟萨列埃里学习作曲。13岁创作了歌剧。40年代末，进入了创作的黄金时期。1886年7月31日逝世。

　　他在作曲方面，主张标题音乐，创造了交响诗这一体裁（注：一种单乐章的表现诗情画意和文学性内容的管弦乐曲）。他一生创作了许多交响乐作品，如《浮士德》、《但丁》等等，此外，还创作了19首匈牙利狂想曲、12首高级钢琴练习曲、13部前奏曲等作品。

　　做为一代钢琴巨匠，他将钢琴的演奏技巧发展到了顶峰。在钢琴上创造了管弦乐的效果，被称为钢琴上的帕格尼尼，因此获得了“钢琴魔王”的美称。

　　欣赏：《匈牙利狂想曲第二号》（钢琴版）[希福]（9：07） 这首作品写于1851——1854年。它运用了匈牙利的民间舞曲《查尔达什》（这种舞曲的前半部称“拉索”，速度缓慢；后半部称“弗里斯”特点是速度迅急，常用切分节奏）写成的。 第一段：缓慢的第一部分全是匈牙利的歌曲，委婉的旋律充满内在的激情，它唱出了匈牙利人民的悲痛、苦难和对美好生活的向往。许多奇特的音响效果，都是模仿匈牙利民间乐器在演奏的情景。 第二段：音乐速度加快，出现了舞曲部分，描绘了民间节日里，身着盛装的人们在欢欣起舞的热闹场面。

　　作者： 万金油年代 2005-8-2 20:36 回复此发言

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　　21 回复：交响音乐赏析（一个抠门er老师的讲义）

　　“新古典主义者”——勃拉姆斯

　　勃拉姆斯（1833——1897）德国著名作曲家、钢琴家，19世纪新古典主义最杰出的代表人物。1833年5月7日，生于汉堡的一个音乐家庭。父亲是业余乐师，母亲是裁缝，家境非常贫困。自幼随父亲学习小提琴，7岁学习钢琴，10岁开始学习作曲。20岁时，舒曼发现了他，并在《音乐时报》上发表了一篇引人瞩目的文章《新的道路》，热情赞扬了这位青年音乐家。

　　当时德国音乐界有两种流派，一派是魏玛乐派，他们主张标题音乐，提倡综合艺术，代表人物有李斯特等人。另一派是以门德尔松、舒曼组成的莱比锡乐派，他们搞无标题的纯音乐，不写歌剧，只写器乐作品。因为勃拉姆斯固守传统，有人说他是生活在浪漫主义盛行时期的一个“古典主义者” 。

　　他的代表作品中以《c 小调第一交响曲》（1876年）最引人注目（曾被称作贝十），还有《D大调小提琴协奏曲》（1878年）、《降B大调第二钢琴协奏曲》（1881年）和管弦乐曲《匈牙利舞曲》21首等，都是广大音乐爱好者喜欢的作品。

　　欣赏：

　　1、《c小调第一交响曲》第一乐章（14：20）VCD 演奏：波士顿交响乐团 指挥：小泽征尔

　　注：小泽征尔（1935--）生于中国的沈阳。第二年他们全家迁到了北京，一直到太平洋战争爆发的前夕，全家才回到日本东京。他是卡拉扬和伯恩斯坦的学生。从1962年先后在日本广播协会、美国芝加哥、加拿大多伦多、美国旧金山和波士顿交响乐团担任音乐指导和常任指挥。他与印度指挥祖宾-梅塔一起誉为世界级东方指挥家。

　　2、《匈牙利舞曲第五号》（乐队）[阿巴多]（2：22）

　　作者： 万金油年代 2005-8-2 20:38 回复此发言

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　　22 回复：交响音乐赏析（一个抠门er老师的讲义）

　　“俄罗斯音乐巨匠”——柴科夫斯基

　　柴科夫斯基（1840—1893）生于乌拉尔一个采矿工程师的家庭。自幼学习钢琴，10岁考入法律学校学习，毕业后在司法部工作。1862年进入彼得堡音乐学院学习作曲，毕业后赴莫斯科音乐学院任教。后与他的学生米留科娃结婚，这不幸的婚姻使他极度失望，从而陷于绝望。就在这个时候，一位富孀冯-梅克夫人给予了他精神和物质的支援。1893年，柴科夫斯基染上霍乱，同年11月6日在彼得堡去世，终年53岁。

　　他广泛地吸收意大利的歌剧、法国的芭蕾舞、德国的交响乐和歌曲的精华，他的音乐着重刻画人的内心世界，具有强烈的戏剧性和温暖的抒情性，旋律和配器都极富表现力。 他的代表作品是交响曲：第四、五、六（1878、1888、1893年）；管弦乐：《罗米欧与朱丽叶》（1869年）；歌剧：《奥涅金》（1878年）、《黑桃皇后》（1890年）；芭蕾舞剧：《天鹅湖》（1876年）、《睡美人》（1889年）、《胡桃夹子》（1892年）；协奏曲：《降b小调第一钢琴协奏曲》（1875年）、《D大调小提琴协奏曲》（1878年）等。此外，还有序曲、室内乐、歌曲等大量优秀作品。

　　欣赏：

　　1、《第一弦乐四重奏》第二乐章“如歌的行板”6：35 第一段：由第一小提琴奏出的第一主题是原民歌主题，抑郁、沉静。第二主题含有祈求和疑问。

　　第二段：在情调上更加忧郁。诉说性的主题发展到高潮时，已成为哀告式的了。 第三段：是第一段的不完全再现，在它后面加了一个尾声。音乐不像原来那样平静了，而表露出一些激动而愤怒的感情。但结束是平和的，有如把憧憬寄予梦幻之中。

　　2、芭蕾舞剧《天鹅湖》选段DVD（1：00：56、1：23：30、1：26：30）剧情：描写的是一位王子齐格弗里德和一位被魔法师罗德伯特变成天鹅的公主奥杰塔的恋爱故事。他们两个忠诚坚贞的爱情终于战胜了魔法师，公主恢复了人形，和王子幸福地生活在一起。

　　作者： 万金油年代 2005-8-2 20:40 回复此发言

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　　23 回复：交响音乐赏析（一个抠门er老师的讲义）

　　晚期浪漫主义音乐的代表——马勒

　　马勒 （1860——1911）奥地利作曲家、指挥家。生于波西米亚（捷克）的一个犹太小商人家庭。6岁时参加钢琴比赛，被誉为“钢琴天才”。15岁考入维也纳音乐学院学习钢琴、作曲、指挥，成绩优异。19岁时开始了他的指挥和创作生涯，他受聘于维也纳皇家歌剧院。1907年他侨居美国继续他的指挥和创作活动，但每年都回到维也纳度假。1911年5月18日，因心脏病死于维也纳。

　　他开创了音乐的新形式——声乐交响曲（注：艺术歌曲与交响乐相结合的一种艺术形式）。他的代表作品有10部规模宏大交响曲，晚年根据中国唐诗谱写的《大地之歌》（注：马勒称它是一部男高音、女低音和乐队的交响曲）等。 作为19世纪和20世纪之交的音乐家，马勒在创作手法上进一步强化了浪漫音乐的发展方向，如在音乐语言上更加个性化，感情表现更加激烈夸张，和声方面极度半音化，这些对20世纪的现代音乐产生了深远的影响。

　　欣赏：

　　1、《大地之歌》第一乐章《愁世的饮酒歌》（8：23） （一部男高音、女低音和乐队的交响曲） 唱词是李白的《悲歌行》的诗句（“悲来乎，悲来乎主人有酒且莫斟。”）写的是诗人热爱生活，向往自然，但“悲哀来到，心灵的花园一片荒凉”，无可奈何，只能借酒消愁。音乐以颂赞生活开始，而以悲痛欲绝告终。

　　2、《第一交响曲》“第一乐章”片段[伯恩斯坦，维也纳爱乐] 14：16

分类: 艺术 >> 器乐

问题描述:

越详细越好

解析:

古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有平衡，明晰的特点，注重形式的美感，被认为具有持久的价值，而不仅仅是在一个特定的时代流行。

古典音乐(classical music)本来是专指德奥1750-1830年间以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐，即所谓“维也纳古典乐派的音乐”(有不确切的翻译为”维也纳古典主义音乐”的)。这就是狭义的古典音乐。

从这个狭义的古典音乐概念出发，我们可以向前追溯到巴赫，亨德尔乃至更早的天主教基督教宗教音乐，向后延伸到浪漫主义，民族乐派，以及20世纪西方的现代音乐。这些都是广义的古典音乐。界定古典音乐，也就是基于这个传统的，无论是继承和发扬这个传统，还是试图以创新来突破这个传统的音乐创作尝试，都可以归入古典音乐之内。而在这个传统外独立发展的音乐，虽然有借鉴和影响古典音乐创作的，但是一般也不归入古典音乐之内，比如爵士乐，摇滚乐，以及东方一些民族的音乐。

古典音乐作为音乐中类别的称呼，是相对于轻音乐，通俗音乐等门类而存在，它本身并没有严格明确的解释或者定义。在轻音乐范围里，有时也采用“古典”的概念来指某些经过时间检验，被人们奉为楷模的轻音乐作品，如古典轻歌剧、古典爵士乐等，这里的classical，理解为“古代+经典”，似乎更为合适一些。

浪漫主义主要用于描述1830到1850年间的文学创作，以及1830到1900年间的音乐创作。

浪漫主义音乐比起之前的维也纳古典乐派的音乐，更注重感情和形象的表现，相对来说看轻形式和结构方面的考虑。浪漫主义音乐往往富于想象力，相当多的浪漫主义音乐受到非现实的文学作品的影响，而有着相当大的标题音乐成分。浪漫主义的因素，则包含在从古至今的音乐创作当中，而不仅仅局限于某一个时代，因为音乐创作本身，就是想象力的一种表现，而浪漫主义恰恰是想象力的最佳体现。

轻音乐是用通俗的手法进行改编，用小型乐队演奏，来营造温馨浪漫的情调，旋律轻松优美，带有一种休闲性质。轻音乐结构简单，节奏明快，旋律优美动听。它没有深刻的内涵，只想带给人们轻松的享受，因其轻松活泼，所以把它称为轻音乐是非常贴切的。但它不同于以流行歌曲为核心的流行音乐，流行音乐具有鲜明的时代特征，也不象热门流行歌曲很快会过时，优美的旋律会经久不衰。它介于古典和流行之间，是二者鲜明对比的折中，可谓第三种势力。它古典气息和现代风味兼有之，华丽而不俗艳，浪漫而不轻浮，抒情而不缠绵，既通俗易懂，又格调高雅，风度不凡，可谓雅俗共赏。轻音乐一出现就受到广泛欢迎，成立于30年代后期的曼托瓦尼乐队是轻音乐诞生的标志。曼托瓦尼以极柔和动听，优美醉人的演奏，使轻音乐迅速在通俗乐坛上奠定自己的地位。60至70年代是其全盛时期，一大批轻音乐队纷纷建立，如詹姆斯——拉斯特乐队，保罗——莫里亚乐队等等。他们在欧美不断举行轻音乐会，录制大量精美唱片，畅销世界各地。这种音乐让古典乐迷们耳目一新，就好比常穿西装的人换上了随意自然的休闲服装一般。而流行爱好者在声嘶力竭的呐喊冲击之后，轻音乐就象一杯清凉爽口的饮料。

轻音乐的曲目大多是改编而来。其中，欧美流行歌曲占很大比重，很多都是上了英美排行榜的热门歌曲，“昨天”、“雨的节奏“、“我爱巴黎”、“兰色的爱”、“莉莉——玛琳”等。这些歌曲经过改编后，淡化了原歌中的流行因素，突出了优美旋律，使音乐更加优美悦耳。至今，很多热门歌曲已被人们忘记，但轻音乐改编的曲目却深深地留在人们的脑海中。

欧美**尤其是好莱坞**，音乐剧，舞台剧的主题音乐或插曲，是轻音乐的另一改编来源。像“月亮河”、“时光流逝”、“爱情故事”等乐曲，都成为轻音乐的经典曲目。

用通俗音乐语言演绎古典名曲，是很多轻音乐队热衷的。好的改编和演奏，既保留了原曲的古典精神，又融入了鲜明的现代气息，古典乐迷感到别有韵味，使那些对古典音乐敬而远之的人觉得于古典音乐的距离缩短了，提高了欣赏兴趣。改编成轻音乐的巴赫的“圣母颂”、舒伯特的“小夜曲”、贝多芬的“月光”等，听来别具一格，满耳生辉。

世界各地的民族民间音乐也是改编对象。如英国的“夏天最后一朵玫瑰”、意大利的“重归苏莲托”、加拿大的“红河谷”和拉丁音乐等。此外，一些广为流传的浪漫小曲如“少女的祈祷”、“爱的浪漫曲”、“绿袖”等也是轻音乐队经常演奏的曲目。

什么是古典音乐的标准？

什么是古典音乐的标准？“古典（派）的”这一词汇本身包含平衡、节制、简洁和精致的概念。这些概念例如可用于“古典”建筑，但用以表达古典风格还不够贴切，古典风格音乐可以具有暴风雨般的气势和复杂的内容和形式。简而言之，古典风格是指那些可以从18世纪最伟大和最著名的作曲家海顿、莫札特和贝多芬的音乐中听到的风格。那么，他们的音乐区别于前承的巴洛克音乐和后继的浪漫主义音乐的基本要素又是什么呢？

形成古典风格空前绝后特徵的部分原因是历史性的。有一点可以确认，如果古典风格中出现民族化的倾向，就会使18世纪中叶的作曲家们惊讶不已，因为那是到19和20世纪才出现的。虽然他们认识到他们的作品与巴洛克晚期的作品形成强烈的反差，但其渐变过程都比历史的动因更为缓慢。

也许采用奏鸣曲曲式是古典音乐最典型的特徵，这种曲式是许多18世纪末期作品，共同采用组织音乐素材的基本方法，但它作为整整一代的主要曲式，一直使用到古典乐派衰亡之后，并为浪漫主义时期的许多作曲家提供了灵感。

古典作曲家对奏鸣曲形式的描述，从未像我们现在这样彻底。更重要的是，18世纪中叶的作曲家喜欢运用表达的概念。莫扎特在写给父亲的信中，为他的创作意图提供了一条重要的线索，他当时这样谈到了他的钢琴协奏曲的创作：“极难与极易之间的愉快媒介，它们都是非常辉煌和悦耳的，而且十分的自然流畅。乐曲中不时伸入一些过门，鉴赏家可以从中得到满足；但是这些过门都写得不深奥以免曲高和寡。”通俗易懂正是莫札特音乐生命力所在。

简单易懂的音乐语言发展是与18世纪启蒙运动的思想密切联系。它为了解下列现象必然会发生的原因提供一个线索：即1740年前后，滋生了一种对老学派假定的晦涩传统方法不耐烦的情绪。这种传统方法讲究作曲的对位法技巧，当时的作曲家希望写出一些具有开放和声（和弦中各音位置排列为分散的和聱）的简单乐曲。但是最要紧的是不要混淆古典风格的主流发展。因为到海顿、莫扎特和贝多芬时代，这些革命性的变化已经被音乐语言所吸收：人们可以从海顿早期的交响曲看到这种演变过程，亦可（以完全不同的角度）从莫札特的交响曲中看到。而且成熟古典风格还有一个重要特点（显然正是它使我们感到糊涂），就是回归到巴洛克鼎盛时期的对位原理（contrapuntal principles）。

在古典风格音乐中，对比的思想是本质特徵，就像在奏鸣曲形式中的描述一样，“强烈”的第一主题与通常有节制的第二主题形成对比。尽避在巴洛克晚期音乐中已有许多著名的例子，其中强烈的对比概念是极重要的。例如像韩德尔的清唱剧和歌剧中的戏剧性合奏那样。另一方面，在古典风格的范畴中也可以找到这样的作品，即在某一乐章中几乎放弃了对比的概念，以追求一致性的表达：韩德尔的交响曲和弦乐四重奏中的许多乐章，被认为是单一主题的，或建立在一个主题的基础之上。有时它们可能表现出动态的对比性，但实际上保持音乐素材的统一性，与我们对古典风格的简单认识相矛盾。另外一些例子可在莫扎特早期一些钢琴协奏曲里，流畅和优美旋律的乐章中找到。

如果有一个区分古典与巴洛克音乐结构的标准的话，那么肯定就是调高或调性的运用，这是作品中的戏剧性要素。古典乐派作曲家建立了一套运用不同主调之间，对文与平衡的全新表现技巧。例如：海顿四重奏乐章中的大多数新奇感，来自于当听众的注意力被导向希望听到某一确定的调性时，而听到的却是另一调性。还有节奏上的新奇感和旋律上的新奇感，但是表现这类新奇感的重要方法则是透过调性之间的对比来实现。

我们不必像19世纪的评论家那样产生过分理性化的倾向，但只要我们抓住这种调性构成的实质，对古典风格的基本推动力就一目了然了。我们可立即看出它的范围是多么宽广，因为调性配合的可能性范围是非常大的；但它又是有限的，因为丰富的半音和声（chromaticharmony）尚未被开发，半音和声后来速渐发展成主导浪漫主义音乐的一种技巧。

因此，我们可以看到，古典风格虽然是一种富于表现力的风格，既可以表现强烈和热情的情感，又能表现抒情和丰富的情感，但它始终受到常规的限制。18世纪末期，大作曲家的音乐处于这些常规的制组之下，但又始终遵循这些常规，在这种意义下来理解古典风格比任何形式上的描述都更为重要。

何为“轻音乐”？

“轻音乐”是音乐范畴里的一个品种。形象地说，它是音乐中的轻武器，和文学里的小品文、笑话、抒情诗等大致相同。它具有轻便、通俗、小巧玲珑、易懂和易被人接受的特点。它和交响乐、协奏曲、大合唱、管弦乐等大型艺术形式形成鲜明的对照。在人民群众中间，轻音乐十分普及，具有广泛的社会意义和精神作用。但是，在轻音乐形式的作品中，也有很多作品是低级**的，因此，轻音乐就其政治内容来讲，有好的也有坏的，有进步的也有落后的。

轻音乐的种类较多，它包括一般的生活歌曲、抒情歌曲、诙谐歌曲、讽刺歌曲，还包括一些轻歌剧、圆舞曲、小型管弦乐序曲、小夜曲，以及部分管弦乐曲小品、**歌曲、舞蹈音乐等。

轻音乐的风格和特色，较之其他音乐形式更为轻快活泼，富有风趣，特别是它的曲调格外动听。一些交响乐、管弦乐、大合唱等作品，在手法上往往要借用和声、配器、复调等技术手段的帮助，而轻音乐除此以外，更重要的还要靠旋律的优美来完成。因此，轻音乐对于曲调优美轻快的要求，比其他音乐形式更为严格。一首抒情歌曲应该是优美委婉的；一个圆舞曲必须节奏鲜明，音调悠扬，一个诙谐的歌曲要给人们以欢乐愉快的感染，一首讽刺歌曲，应该是辛辣犀利的。这些轻音乐独具的表现特色，也就形成了它自身的风格。

走进温馨浪漫的诗意之国——漫谈轻音乐（一）

音乐中的“第三种势力”

所谓轻音乐（LIGHT MUSIC）是相对古典音乐而言的，即用通俗流行手法进行改编诠释，用小型乐队进行演奏，以营造温馨浪漫情调、轻松优美氛围为宗旨，带有休闲性质的一种通俗音乐。众所周知，古典音乐具有厚重的织体，庞大的结构和规模，凝重的乐思，深刻的思想内涵，最主要的特征是严肃端庄。轻音乐则相反，织体轻盈，结构小巧简单，节奏明快舒展，旋律优美动听。它没有什么深刻的思想内涵，也不想拥有这种内涵，只想带给人们轻松优美的享受，其主要的特征是轻松活泼。因此，把这种音乐命名为轻音乐是非常贴切的。

但轻音乐也不等同于以流行歌曲为核心的流行音乐。它不像流行音乐那般具有鲜明的时代特征和对社会的批判意识而显得温文尔雅，也不像流行音乐那般媚俗、煽情而具有较高的审美品味，商业气息也相对较少。热门流行歌曲很快就会过时，优美的轻音乐乐曲却会经久不衰。总的来说，轻音乐介于古典音乐和流行音乐之间，是对二者鲜明对立的一个折中，可谓是音乐中的“第三种势力”。它古典气息和现代风味兼而有之，华丽而不艳俗，浪漫而不轻浮，抒情而不缠绵，既通俗易懂、平易近人，又格调高雅、风度不凡。古典乐迷不觉得粗俗，流行音乐爱好者也能够接受，可谓雅俗共赏。

轻音乐的这种特征使得它一出现就受到广泛的欢迎。30年代后期成立的曼托瓦尼乐队是轻音乐诞生的一个标志。该乐队以极为柔和动听、优美醉人的演奏，使轻音乐迅速树立了自己独特的形象和气质，在通俗音乐乐坛上奠定了自己的地位。60～70年代是轻音乐的全盛时期，一大批各具特色的轻音乐乐队纷纷建立，如詹姆士·拉斯特乐队、保罗·莫里亚乐队、享利·曼西尼乐队、珀西·费斯乐队、斯坦利·布莱克乐队、贝尔特·肯普弗尔特乐队、维尔纳·缪勒乐队、阿尔费雷德·豪泽乐队、弗兰克·普赛尔乐队等。这些乐队在欧美各地不断举办轻音乐演奏会，录制了大量精美唱片，畅销世界各地。这种小巧精致的音乐让古典乐迷们感到两耳一新，风味别具，就好比穿久了正儿八经的西服后，换上了随意自然的休闲服一般。而流行音乐爱好者在领略了声嘶力竭的呐喊冲击之后，轻音乐就像是一杯清凉爽口的饮料。

走进温馨浪漫的诗意之国——漫谈轻音乐（二）

新瓶装旧酒

轻音乐的曲目大多是通过改编而来。其中，欧美流行歌曲占了很大的比重，很多都是上了英美排行榜的热门歌曲，如《昨天》、《雨的节奏》、《我爱巴黎》、《爱情是兰色的》、《莉莉·玛琳》等。这些歌曲被改编成轻音乐后，淡化了原歌中的流行因素，突出了优美的旋律，使音乐情调一变，更加优美悦耳。至今，很多热门歌曲已经被人们忘记，但轻音乐改编曲却留在了人们脑海中。

欧美**尤其是好莱坞**、音乐剧、舞台剧的主题音乐或插曲，是轻音乐的另一个重要改编来源。像《月亮河》、《时光流逝》、《雨点不断地掉在我头上》、《泉水里的三枚硬币》、《说你，说我》、《爱情故事》、《教父》、《日瓦哥医生》，《阿根廷，别为我哭泣》、《回忆》等乐曲，都已成为轻音乐的经典曲目。

用通俗音乐语言诠释古典名曲，这是很多轻音乐乐队都十分热衷的。好的改编和演奏，既保留了原曲的古典精神，又融入了鲜明的现代气息，古典音乐迷不嫌浅薄而感到别有韵味；那些对古典音乐敬而远之的人则发现与古典音乐的距离缩短了，提高了欣赏兴趣。改编成轻音乐的巴赫《圣母颂》、舒伯特《小夜曲》、莫扎特《第二十一号钢琴协奏曲》、贝多芬《月光》、《悲怆》奏鸣曲中的柔板、李斯特《爱之梦》、斯美塔那《伏尔塔瓦河》、马思涅《冥想曲》、肖邦《即兴幻想曲》等，听来别具一格，满耳生辉。

世界各地的民族民间音乐也是轻音乐的改编对象。如英国的《夏天最后一朵玫瑰》，意大利的《重归苏莲托》、《桑塔·露琪亚》，罗马尼亚的《霍拉舞曲》、加拿大的《红河谷》、美国的《牧场上的家》、古巴的《鸽子》、吉普赛的《流浪者之歌》和拉丁音乐等。此外，一些广为流传的浪漫小曲如《少女的祈祷》、《爱的浪漫曲》、《绿袖》等也是轻音乐乐队经常演奏的曲目。

走进温馨浪漫的诗意之国——漫谈轻音乐（三）

独特的韵味和美感

轻音乐所具有的韵味和美感既不同于古典音乐，也不同于流行音乐。动人的旋律、优美的和声、新颖的配器、丰富的音色、浓郁的浪漫情调都给人以全新的感受，产生了轻音乐特有的美感。曼陀瓦尼乐队演奏的《魅力》这首乐曲，集中体现了这种美感。那极其悦耳动听的音响，像醉人的芳液一般流进人们的心中，令人情不自禁地在心中喊到：“太美了！”该乐队演奏的《时光流逝》、《秋叶》、《昨天》等乐曲带给人的美感也是难以用言语来表达的。

听保罗·莫里亚乐队的演奏，令人感到每个音符都渗透着法兰西民族特有的浪漫情调，让你联想到葡萄酒、玫瑰、郁金香的芬香；地中海的阳光，情人的欢笑和眼泪。他把各种浪漫的情思和生活中的诗意展现出来，令人产生了强烈的共鸣。他的成名作《爱情是蓝色的》，自60年代轰动欧美后，经久不衰，成为轻音乐乐队争相演奏的曲目。

而詹姆士·拉斯特乐队演奏的《莫斯科郊外的晚上》所具有的美感也是原歌曲无法替代的：随着吉他轻轻弹拨出几个分解和弦，在打击乐器奏出的明快节奏的映衬下，三角琴轻柔委婉地弹出了歌曲的主旋律。接着优美的混声合唱伴随着弦乐的延伸轻轻响起，时强时弱，时远时近，把人们带入遥远的、充满温馨浪漫情调的俄罗斯夜晚之中。整个乐曲如梦如幻，美不胜收。如果说听交响乐像是在观赏戏剧，那么听轻音乐就像是在读一首首优美的小诗、观一幅幅色泽淡雅的风景画，令人赏心悦耳，心旷神怡。

走进温馨浪漫的诗意之国——漫谈轻音乐（四）

新颖、别具一格的改编手法

轻音乐乐队的指挥大都精通古典音乐，会演奏多种乐器。他们既是乐队的指挥者，也是乐曲的编配者。轻音乐所具有的独特魅力，在很大程度上归功于他们对原曲进行的这种带有创作性质的编配。其中最经常使用的手法是对原曲的节奏、速度、力度、节拍等音乐要素进行重新处理，比较常见的是赋予古典音乐以拉丁舞曲和爵士、摇滚、迪斯科音乐的节奏，通过打击乐器加强原曲的节奏特征和节拍重音等，使乐曲的形式与内容产生了强烈对比。如用迪斯科节奏来演奏莫扎特的小夜曲，用探戈节奏来演奏勃拉姆斯的匈亚利舞曲，用桑巴、恰恰、伦巴的节奏来演奏德沃夏克的斯拉夫舞曲、奥芬巴赫的船歌等，听来热情奔放，极富有感染力。对一些原本节奏激烈的流行歌曲则采取慢节奏进行“柔化”处理，进而产生一种新的听感。

丰富多彩、别具一格的配器，是轻音乐改编的另一种主要手法。一是喜爱使用一些不登大雅之堂的民间乐器，如曼陀玲、西班牙吉他、口琴、手风琴等，并经常让其演奏主旋律，以此来营造特殊的音乐情调和氛围，并与传统的管弦乐器形成音色上的对比，使音响富于变化而丰富多彩。二是喜爱使用各种打击乐器，如木琴、小军鼓、爵士鼓、铃鼓、三角铁、碰铃、沙锤等，还使用一些富有特色的民族民间打击乐器，使音响生动活泼，极有感官上的冲击力。三是通过加入电声乐器来丰富乐队的音色和增加音响的现代气息。电子乐器与打击乐器、传统的弦乐器完美地融合在一起，营造出一种晶亮轻盈、生动明快的音响效果。四是通过加入无词的人声哼唱来烘托优美的音乐氛围。这方面詹姆土·拉斯特是开先河者，他的乐队专门设有一个混声合唱队，演奏中，伴随着具有现代气息的节奏，动人的无词混声哼唱与乐队演奏的优美旋律交替出现，时起时落，极为优美动听。如该乐队演奏的贝多芬《致爱丽丝》、奥芬巴赫《船歌》等曲，都加入了男女混声无词哼唱，听来韵味独特，美不胜收。

走进温馨浪漫的诗意之国——漫谈轻音乐（五）

轻音乐的录音制品

80年代以来，轻音乐的演奏逐渐向个人化方向发展，乐队的核心已经不是指挥，而是某一种乐器的演奏明星；乐队也由原先的演奏主体转变为演奏的配角。有的轻音乐乐队则兼收并蓄，将交响乐、流行音乐、爵士乐、摇滚乐、新世纪音乐融为一体，与传统的轻音乐乐队已有很大的差别。这类可称为“新轻音乐”的唱片很多，但除了理查德·克莱德曼（钢琴）、肯尼基（萨克斯）、比尔克（单簧管）、莫地亚与奥汀（陶笛与大提琴）、赞菲尔（排箫）、雅尼等人及乐队录制的唱片外，大多数唱片“沙龙味”较浓，不能给人以高层次的审美享受。

要听正宗的轻音乐，首选的仍然是3大轻音乐乐队。事实上，这3个乐队的唱片在国内已占据了主流地位。其中曼托瓦尼乐队的唱片大多由DECCA公司出品，主要是50、60年代的录音。去年DECCA公司发行了一套两张的曼托瓦尼金曲集，汇集了曼托瓦尼乐队演奏的最精彩的29首金曲，是收藏的珍品。一些欧美小唱片公司和日本唱片公司也出品了不少该乐队的唱片。詹姆士·拉斯特乐队是环球公司（原宝丽金）旗下的专属乐队，几十年来录制了大量精美唱片，仅在国内能见到的就有30多款，是录音制品最多的一个轻音乐乐队。保罗·莫里亚乐队的唱片由PHILIPS公司录制，数量也较多，而且有不少近几年新录制的唱片，录音水准也较高，音响效果极佳。其他著名轻音乐乐队，如亨利·曼西尼乐队、阿尔弗雷德·豪泽乐队、斯坦利·布莱克乐队、科特·埃德勒哈根乐队、黑塞乐队的唱片也有不少进入了中国，但目前已不容易见到。

肖邦的创作可分为4个时期，即华沙时期、华沙起义时期、在巴黎的全盛时期、晚期。

华沙时期（早年～1830） 这一时期的创作除少数作品外，在肖邦的整个创作中不占很重要的地位。但是，它是肖邦一生创作的起点，其中已经闪耀着民族感情和民族风格的光辉，这在他的《d小调波洛奈兹舞曲》（1827）钢琴与乐队合奏的《降E大调大波洛奈兹舞曲》（1831）《C大调马祖卡舞曲》（1829） 《F大调马祖卡舞曲》（1829）、钢琴与乐队合奏的《波兰主题幻想曲》（1828）和《克拉科维亚克舞曲风格回旋曲》（1828）中都有鲜明的体现。这个时期最重要的作品是1830年作的两部钢琴协奏曲。这两部作品富于浪漫主义气质，对爱情生活的体验，对幸福的热烈向往，以及由此而产生的明朗欢快情绪贯穿全曲。音乐富于民族民间彩，《第二钢琴协奏曲》的末乐章主题有质朴优美的马祖卡舞曲风格，《第一钢琴协奏曲》的末乐章主题则是一支带有强烈的克拉科维亚克舞曲风格的强劲、粗犷的旋律。

华沙起义时期（1830年末～1831年） 在这一短暂的时间里，肖邦的创作出现了一个飞跃。《b小调谐谑曲》（1831）写于逗留维也纳时期。起义激起的爱国热情同对祖国亲人的思念交织在一起，构成一首既严峻又温存的音诗。《c小调练习曲》（别称《革命练习曲》，1831）《d小调前奏曲》（1831）则写于得知华沙沦陷之后，激愤悲痛之情同严整洗练的艺术形式之间达到高度完美的统一，成为肖邦早期音乐创作中的杰作。同时期创作的《a小调前奏曲》则充满了迷惘、茫然的情绪，音乐构思奇特而新颖。

在巴黎的全盛时期（1832～1845） 在肖邦这一时期的创作中，深刻的民族内容，富于独创性的艺术形式和娴熟的音乐风格使他的艺术达到了炉火纯青的地步。他的创作涉及到钢琴音乐的各种体裁，从练习曲、前奏曲、马祖卡舞曲、波洛奈兹舞曲、夜曲、圆舞曲、即兴曲，直到结构更为复杂的叙事曲、谐谑曲、奏鸣曲，都获得了丰硕的艺术成果。肖邦的绝大部分练习曲都是在这个时期创作的，其中《E大调练习曲》（1832） 《b小调练习曲》（1834）、《a小调练习曲》（1834）等最为突出。《E大调练习曲》是一首感情温存、深沉的哀歌，它的曲调属于肖邦创作的最优美的曲调之一，倾注了对祖国无限爱恋的感情。《b小调练习曲》则是一首充满了阴郁激愤情绪的作品。它的主题紧张强烈富于戏剧性，而它的中部却渗透着一种沉思宁静的悲凉气氛。在适宜于主要表现单一形象的练习曲体裁中，采用如此强烈的双主题对比的原则以造成尖锐的戏剧性冲突，这在肖邦的练习曲中也是不多见的。《a小调练习曲》则情感严峻，气势磅礴，全曲由号角性的简单音乐动机发展成为波澜壮阔的巨流，把音乐推向戏剧性的悲壮的高潮，具有震撼人心的力量。肖邦的3首奏鸣曲中，在内容的深刻性和艺术的独创性方面最突出的是《降b小调钢琴奏鸣曲》（1839），其中的第3乐章《葬礼进行曲》，寄托着对华沙起义中为民族解放而献出生命的烈士的哀思，是肖邦音乐中最脍炙人口的篇章之一。夜曲是肖邦创作中最富于浪漫主义气质的体裁。他早年创作的夜曲深受英国作曲家J菲尔德夜曲的影响，追求音乐风格的细腻、华美和典雅秀丽，有比较浓厚的浪漫主义感伤情调。流亡巴黎后创作的夜曲在内容上愈加深刻，音乐风格也更富于个性化了。他的《c小调夜曲》（1841）完全摆脱了菲尔德的影响，主题朴实无华、严肃而又悲哀，音乐的发展愈来愈富于戏剧性。它标志着肖邦已经将夜曲的创作提高到前所未有的水平，大大地挖掘了夜曲的表现潜力，使它成为一种能容纳深刻社会内容的音乐体裁。肖邦的4首叙事曲全是这个时期创作的，其中有的是直接同波兰的民族史诗和民间传说相联系。如《g小调叙事曲》（1835）的创作是直接受到了波兰民族诗人密茨凯维奇的长诗《康拉德·华伦洛德》的启示。肖邦把握了为民族献出生命的英雄华伦洛德的深沉、严肃、大无畏的性格以及贯穿整个长诗的紧张的悲剧性气氛，将它们体现在严整的奏鸣曲快板乐章的形式中。《F大调叙事曲》（1839）则取材于同一位诗人的民间幻奇故事诗《希维德什扬卡》。原诗描写一个负心的少年猎人，由于背叛了爱情誓言终于受到了惩罚，被希维德什扬卡仙女拖入湖底。肖邦在这首叙事曲中没有企图去描绘或暗示原诗的故事情节，而是用高度概括的方法展现了两个相互对立的情境，通过它们之间矛盾冲突的发展来揭示原诗的意境和感情气氛。波洛奈兹舞曲是肖邦在这个时期创作中民族精神体现得最为强烈的体裁。他早年创作的波洛奈兹舞曲中的那种注重外在华丽效果的倾向被一种深刻、强烈的民族精神和朴实无华、刚毅豪放的艺术风格所代替。肖邦或从波兰民族历史上的英雄人物中吸取精神力量，或从缅怀祖国光荣的往昔，悲叹今日沦亡的苦难中激励自己的民族感情，以抒发他内心的郁愤，振奋民族精神。《A大调波洛奈兹舞曲》（1838）是一首胜利凯旋的颂歌，贯穿始终的管弦乐队般的丰满强大的音响，展现了古代波兰庆祝民族胜利时光辉灿烂的情景。《c小调波洛奈兹舞曲》（1839）则是一首哀叹祖国沦亡的沉痛音诗，主题的感情基调是悲哀和压抑的，但丝毫没有感伤。《升f小调波洛奈兹舞曲》（1841）规模宏大，富于戏剧性，它同对波兰历史上的民族战争情景的想象有联系。悲壮严峻的首尾部分同色彩暗淡、感情忧郁的中间部分形成对照，在波洛奈兹舞曲体裁中别具一格。《降A大调波洛奈兹舞曲》（1842）是同类体裁乐曲中性格最刚毅、豪迈，气势最宏伟、磅礴的一首。它的主题具有果断、刚健的节奏，热情豪迈的旋律以及明亮的大调式和声，体现着不屈不挠的民族英雄豪杰的形象。乐曲的中部富于鲜明的造型性，马蹄声同号角声交织在一起，构成了一幅战马奔驰、月光剑影的古代沙场的情景。作曲家思古的幽情同现实的感情融合在一起，形成了一股汹涌澎湃的民族感情的巨流，不可抑制。

晚期（1846～1849） 这一时期肖邦的创作呈现出明显的衰退趋势。《幻想波洛奈兹舞曲》（1846）是这个时期的重要作品，虽然在这里已经听不到像《降A大调波洛奈兹舞曲》那样高昂、豪迈的声音，但它的那些由于对祖国、民族未来的某种憧憬而唱出的激昂慷慨的段落仍是极富于感染力的。《g小调马祖卡舞曲》（1849）、《f小调马祖卡舞曲》（1849）是肖邦最后的两部作品。前者是一首亲切、温存的歌，表达了对生活的最后一点眷恋；后者在淡淡的哀愁中倾诉着对故国和亲人的最后思念。

传世名作

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1《夜曲》

《夜曲》为英国作曲家费尔德（1782—1837）所首创。他采用平静的和弦伴奏下的优美旋律这种形式，表现夜的幽静和梦幻的情调。肖邦继承了这种形式，又极大地发展、创新了这种形式。肖邦的《夜曲》，包含了相当多样的意境，甚至是热情的戏剧性形象。令人惊疑的是，无论音乐多么复杂、激动，却仍不失“夜”的总的感觉。由于肖邦赋予了《夜曲》以新面貌，后人都将《夜曲》看作是肖邦创作特有的标志之一。

肖邦的21首夜曲，几乎每一首都是那么迷人。其中最为广大听众熟悉的可能是第二号《bE大调夜曲》，它的主旋律早已深入人心：中段开始是圣咏般的和弦进行，从容而又威严，蕴涵着内在的力量。这力量开始是片断的显露，逐渐积累，显露的片断在增大，终于，酿成双手八度齐奏从上往下排山倒海式的暴发，此时，真是身在“黑夜”心在“白昼”了。经过中段的暴发，“夜”再也无法平静，当第一段再现时，同样的曲调用了织体完全不同的伴奏，原来严整的节奏现在变成了惶惶不安的三连音，音乐变得哀怨、悲痛，久久不能平息。在增加了一段扩充的终止后，才勉强安静下来，最后消失在延长音里，可留下的沉重心绪始终没有消失。

2《前奏曲》

肖邦在24个大小调上写了24首《前奏曲》。关于这些乐曲，曾有各种不同的评说。有的认为是《练习曲》的雏形，甚至认为有些是草稿，有的认为是音乐的格言，有的认为是即兴式的音乐意念，类似“音乐瞬间”。有的钢琴家将24首当作一个套曲，从头至尾连续演奏，有的按自己的理解重新组合。的确，这些作品有长有短、情趣各异、手法多样，从哪个角度看都是五颜六色。

我们知道肖邦生前曾不肯出版自己的某些作品，而后人将其出版后都公认是音乐的珍品。由此判断，肖邦对正式发表自己的作品是十分严肃的。既然肖邦于1839年将这批《前奏曲》出版，恐怕不会是草稿。事实上，随时间的推移，人们越来越珍爱这些《前奏曲》。下面介绍其中常被演奏的两首。

第15号《bD大调前奏曲》，又名《雨滴前奏曲》。这里又遇上了别人为乐曲起名的事情。说来耐人寻味，标题音乐是浪漫主义音乐的特征之一，但是肖邦这位伟大的浪漫主义作曲家却从不为自己的作品加上一个说明音乐内容的曲名。对于别人给他的乐曲命名，他也十分反感。可见，浪漫主义音乐，根本上在于音乐的气质本身，不在于有名无名。肖邦反对一个具体的名称，说明他的音乐有广泛的概括性。所以，我们欣赏那些已被命名的乐曲时，只能将名称作为理解的一个媒介，一个入门的途径，绝对不必限制自己联想、体验的自由。比如这首《雨滴》的得名，显然是伴奏部中一个bA（＃G）音，几乎从头至尾在八分音符平稳的律动上，持续不停，恰似从屋檐上滴下的雨珠，滴滴答答不绝于耳，行板：

雨滴声衬托出恬静，心中升出高尚、美丽的歌。随着雨滴声声，慢慢地，思绪转向沉重，在低音区出现了小调的曲调，雨滴声化为了宏亮的钟声，心情激动起来。最后又回到开头的安静，仍在雨滴声中结束。

第24首《d小调前奏曲》，有人称之为《雷雨时的祈祷》。这里确有雷雨闪电的气氛而“祈祷”，则绝无此事。这首作品与《革命练习曲》写于同时，也同样是沙皇俄国军队攻占华沙这一事件，在肖邦心中激起的惊涛骇浪。所以，音乐的性质与《革命练习曲》相似。所不同的，这里只有愤怒，“来不及”在悲哀中逗留；这里是慷慨激昂，不屈不挠，已经没有眼泪。左手低音从头至尾这样轰鸣，似沉雷，如战鼓：

主题音调坚定、果敢，一派英姿：冲击力直达末尾，最后三次猛击钢琴最低音区的主音D，以表达作曲家那义无反顾、钢铁般坚强的意志。

3《玛祖卡舞曲》

《玛祖卡舞曲》是肖邦另一个独特的创作领域。在整个钢琴音乐文献中，提起《玛祖卡》，首先想到的就是肖邦。其他作曲家也有《玛祖卡》。但唯有肖邦写了大量的、闪耀着特异光彩的《玛祖卡》。在肖邦本人的作品中，《玛祖卡》也很特殊。一是这批作品，最具波兰泥土的芳香。另外，这是他较少带有戏剧性、悲剧性成分的创作领域之一。

玛祖卡舞，是波兰玛祖维亚地方的民间舞蹈。它的音乐，都是三拍子的，典型的节奏是：

此外还有库亚维亚克舞曲和奥别列克舞曲也都是三拍子的。肖邦的《玛祖卡舞曲》，是集合上述三种舞曲的特点创作出来的。玛祖卡舞曲的典型节奏，在肖邦《玛祖卡舞曲》中经常显露，但肖邦是出神入化地应用它，远不是刻板地重复民间节奏。旋律，肖邦是天才地吸取民间音乐的精华，按照高度专业化的艺术标准创造出来的。和声、调式更有肖邦独出心裁的创造。尽管如此，《玛祖卡舞曲》的波兰乡土风格毫不减弱；相反，是以更高雅、更诗意的风度，婷婷玉立于钢琴音乐的百花园之中。评论家们说，《玛祖卡舞曲》是肖邦对故乡、土地、人民和对人民光辉精神的生动感觉，是波兰人民的“整个灵魂”。

由于《玛祖卡舞曲》是这么波兰化的音乐，有位波兰钢琴家说只有波兰人才能弹好。然而，值得中国人自豪的一件事是，1955年在华沙举行了第五届肖邦国际钢琴比赛，中国钢琴家傅聪不但获得了第三名，而且还得了《玛祖卡》的最佳演奏奖。

1、 早期：贝多芬、凯鲁比尼、韦伯、帕格尼尼、罗西尼、贝利尼、多尼采蒂、舒伯特、彻尔尼。

2、 前期：门德尔松、肖邦、舒曼、李斯特、白辽士、梅耶贝尔。

3、 中期：威尔第、瓦格纳、奥芬巴赫、布拉姆斯、小约翰·施特劳斯、布鲁克纳、弗兰克、古诺、比才、圣-桑。

4、 民族乐派：格林卡、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克、西贝流士、阿尔贝尼兹。

5、 后浪漫主义：福莱、马勒、理查·施特劳斯、拉赫玛尼诺夫、埃尔加、格拉祖诺夫。

浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。

扩展资料：

历史

浪漫派时期的音乐则可以从1813年ETA霍夫曼论述贝多芬的浪漫主义精神开始，到1914年勋伯格提出“不协和音的解放”为止。

浪漫派时期的音乐比起之前的巴洛克时期以及古典时期的音乐更注重感情和形象的表现。相对来说看轻形式和结构。浪漫时期的音乐往往富于想象力，相当多的浪漫时期音乐受到非现实的文学作品的影响，而有着相当大的标题音乐成分。

浪漫主义音乐强调多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，更多地运用转调手法和半音。贝多芬是浪漫主义音乐的先驱，浪漫主义歌剧的代表是瓦格纳，钢琴音乐的代表是李斯特。

浪漫主义音乐对曲式结构进行了极大的丰富与扩充，出现了诸多小型曲式结构，例如小品曲、幽默曲、叙事曲、阿拉伯风格曲、音乐的瞬间、随想曲、浪漫曲、间奏曲或即兴曲等。

浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，在法国出现了柏辽兹，意大利的罗西尼，匈牙利的李斯特，波兰的肖邦和俄罗斯的柴可夫斯基。浪漫主义音乐在马勒和勃拉姆斯时代式微。

浪漫时期的音乐在晚期出现了更多不同的乐派，包括法国的印象乐派（德彪西、拉威尔）和欧洲各地的民族乐派（西贝柳斯、斯美塔纳、强力集团等）等。

浪漫主义最著名的两位音乐家是舒曼和勃拉姆斯，这个时期的艺术家身份从公务员变成了以出版作品谋生的艺术家，艺术从少数的上流贵族高门槛，走向普通民众。音乐家的成长环境不仅限于音乐世家，普通有文学修养教育的人也能成为伟大的音乐家。

舒曼是书商的儿子，开始学习法律后来放弃律师梦想，一心想当钢琴家，由于练琴急于求成，手指丧失功能，只能放弃钢琴家梦想，发挥作曲才能，在他妻子克拉拉（著名的钢琴家）协助下，创作出浪漫主义的a小调钢琴协奏曲，打破传统格式，创作小品集套曲的新形式，灵感源于对克拉拉的爱情，表达具体的舒曼式的“爱但不占有”的浪漫爱情。

相比之下，勃拉姆斯的音乐就比较纠结，是“求之不得”的浪漫，他是舒曼的徒弟，但却疯狂的爱上了师母克拉拉，且终身未娶。

他和巴赫、贝多芬并称为德国3B，是古典音乐的继承者、“起点派”，是最后一位古典音乐大师，深受贝多芬影响，有匠心精神，有多种题材的作品，其中21首“匈牙利舞曲”最耳熟能详，他的第一交响曲更是表达出了贝多芬未尽的情感，被称为“贝多芬第十交响曲”。

作为一个连流行歌曲都很少听的音乐小白，本周内容相对非常深邃，对音乐各种曲式、风格、节奏等乐理知识未理解，还需继续学习。