浪漫早期作曲家及其创作特点

浪漫主义时期的作曲家及音乐

勃拉姆斯

约翰奈斯·勃拉姆斯，德国作曲家。

勃拉姆斯是德国音乐史上最后一个有重大影响的古典作曲家，被视为19

世纪浪漫主义音乐时期的“复古”者。他是创作与演奏并重的作曲家。但他没有进过音乐学校，靠他自己的勤奋好学、他的卓越才能和对自己所献身的事业重要性和必要性的觉悟。他的成熟的作品证明了他掌握着登峰造极的艺术技巧和才华。他的作品兼有古典手法和浪漫精神，极少采用标题，交响作品中模仿贝多芬的气势宏大，然而笔法工细，情绪变化多端，时有牧歌气息的流露，仍带有自己特点。

勃拉姆斯的音乐既反映出他德国北部故乡的朴实无华，又反映出维也纳的妩媚动人。在他的最大型作品《德意志安魂曲》中表现出了这两个方面。他出自对人类善良的信念和对德国人民的爱，紧紧依靠德国古典音乐大师——自巴赫、莫扎特、贝多芬到舒伯特和舒曼的传统，创作出足以同十九世纪末德国音乐中开始出现的一些颓废现象相对抗的包罗万象的作品来。这正是他创作的主要历史功绩所在。在德国音乐中，人们常把勃拉姆斯同巴赫、贝多芬姓名的第一个字母总称为“三B”原因概在于此。 勃拉姆斯继承贝多芬交响乐的传统，以深刻的人道主义和热烈的爱国主义精神出发，着力表现时代精神风貌和斗争生活，作品成为贝多芬之后西欧交响音乐的杰出典范。难怪人们把他的《第一交响曲》誉为“贝多芬第十交响曲”。勃拉姆斯自己也曾记叙说：“在我背后不断地听到巨人（指贝多芬）的脚步声。”勃拉姆斯写作交响曲并不追求色彩和光辉的表现，但他的乐队表现却格外精致而富有表情。在继承古典乐派交响乐的结构形式的同时，勃拉姆斯又赋予作品浪漫主义的色彩和气质。作品结构严谨，情思蕴藉，规模庞大。他还将德国古典作曲家严密的复调技术和动机发展手法运用到交响曲的创作中。重要作品还有《D大调小提琴协奏曲》，《匈牙利舞曲》第五、第六，管弦乐《学院典礼序曲》及乐作品《摇篮曲》等优秀曲目。

代表作： C小调第一号交响曲；

其他管弦乐作品：降B大调第二号钢琴协奏曲；D大调小提琴协奏曲； 声乐作品：

《德意志安魂曲》

《德意志安魂曲》：与前人的安魂曲作品相比。无论在内容或在音乐上，勃拉姆斯的《德意志安魂曲》都开创一个全新的意境，更富于人性。这一作品是勃拉姆斯最伟大的声乐作品，标志着他的音乐创作达到了一个顶峰，也使他在整个欧洲赢得了极高的声誉。《德意志安魂曲》把合唱、独唱与管弦乐完美的结合在了一起，其创作灵感来源于亨德尔的复调音乐传统。

乔治·比才——法国的自然主义者：法国作曲家

代表作：管弦乐作品：阿莱城姑娘，组曲第一号，组曲第二号

歌剧： 《卡门》

《卡门》 ：歌剧的序曲为A大调，四二拍子，回旋曲式。整部序曲建立在具有尖锐对比的形象之上，以华丽、紧凑、引人入胜的音乐来表现这部歌剧的主要内容。序曲中集中了歌剧内最主要的一些旋律，而且使用明暗对比的效果将歌剧的内容充分地表现了出来 （片段1、片段2），主题选自歌剧最后一幕中斗牛士上场时的音乐。 本剧的序曲是音乐会上经常单独演奏的曲目。

第一幕中换班的士兵到来时，一群孩子在前面模仿着士兵的步伐开路。孩子们在轻快的2/4拍子,d小调上,唱着笛鼓进行曲《我们和士兵在一起》（片段3）。在这一幕塑造了吉卜赛姑娘卡门热情、奔放、富于魅力的形象。主人公卡门的著名咏叹调《爱情像一只自由的小鸟》是十分深入人心的旋律，行板、d小调转F大调、2/4拍子,充分表现出卡门豪爽、奔放而富有神秘魅力的形象（片段4和片段5）。 卡门被逮捕后，龙骑兵中尉苏尼哈亲自审问她，可她却漫不经心地哼起了一支小调（片段6），此曲形象地表现出卡门放荡不羁的性格。还是这一幕中，卡门在引诱唐·豪塞时，又唱出另一个著名的咏叹调，为快板、3/8 拍子，是一首西班牙舞蹈节奏的迷人曲子,旋律热情而又有几分野气 （片段7）， 进一步刻画了卡门性格中的直率和泼辣。

第一幕与第二幕之间的间奏曲也十分有名， 选自第二幕中 唐·豪塞的咏叹调《阿尔卡拉龙骑兵》,大管以中庸的快板奏出洒脱而富活力的主旋律（片段8）。

第二幕中还有一段吉普赛风格的音乐， 表现的是两个吉普赛女郎在酒店跳舞时纵情欢乐的场面（片段9），跳跃性的节奏和隐约的人声烘托出酒店里喧闹的气氛。

第二幕与第三幕之间的间奏曲是一段轻柔、优美的旋律,长笛与竖琴交相辉映，饱含脉脉的温情（片段10）。

第三幕中著名的 《斗牛士之歌》，是埃斯卡米里奥为感谢欢迎和崇拜他的民众而唱的一首歌曲。这首节奏有力、声音雄壮的凯旋进行曲，成功地塑造了这位百战百胜的勇敢斗牛士的高大形象（片段11）。

第四幕的结尾，正象柴科夫斯基所说的那样： “当我看这最后一场时，总是不能止住泪水，一方面是观众看见斗牛士时的狂呼，另一方面却是两个主人公最终死亡的可怕悲剧结尾，这两个人不幸的命运使他们历尽辛酸之后还是走向了不可避免的结局。” 剧中还有一段脍炙人口的西班牙风格舞曲“阿拉贡”， 也是音乐会上经常单独演出的曲目（片段12）。

威尔第——意大利歌剧的辉煌（歌剧之王） 居塞比·威尔第是意大利杰出的歌剧作曲家，他一生创作了27部歌剧，其中一些已被列入世界著名歌剧之列，在世界各国上演。他被誉为歌剧之王。

代表作：歌剧：阿伊达（Aida)，弄臣(Rigoletto) 《茶花女》(La Traviata)

游吟诗人(Il travatore) 法斯塔夫

其他声乐作品：安魂弥撒（Requiem Mass)

《茶花女》 ：

《茶花女》是威尔第的「通俗三部曲」的最后一部（其余两部是《弄臣》及《游唱诗人》），它所获意大利人的欢迎也是不亚于《游唱诗人》。

这是根据1852年法国的作家小仲马而写成。这部歌剧充满着优美的咏叹调，其出现密度之高，使得和比才的《卡门》一样，成为美歌集一般，即使不太明白剧情，但绝对不会感到有「冷场」，所以，它也是很好的欣赏入门的歌剧．

威尔第的三幕歌剧《茶花女》于1853年在威尼斯进行首演，虽然由于各种社会原因而遭到失败，但它很快就得到了全世界的赞誉，被认为是一部具有出色艺术效果的巨著，并由此成为各国歌剧院中最受欢迎的作品之一。难怪《茶花女》的原作者小仲马要说："五十年后， 也许谁也记不起我的小说《茶花女》了，但威尔第却使它成为不朽。" 《茶花女》的意大利名称为Traviata，原意为"一个堕落的女人"（或"失足者"），一般均译作"茶花女"。歌剧描写了十九世纪上半叶巴黎社交场上一个具有多重性格的人物--薇奥列塔。她名噪一时，才华出众，过着骄奢*逸的妓女生活，却并没有追求名利的世俗作风，是一个受迫害的妇女形象。虽然她赢得了阿尔弗雷德·阿芒的爱情，但她为了挽回一个所谓"体面家庭"的"荣誉"，决然放弃了自己的爱情，使自己成为上流社会的牺牲品。

剧情：薇奥莱塔原是周旋于巴黎上流社会的名妓，为青年阿尔弗莱德真挚的爱情所感，毅然抛弃纸醉金迷的生活，来到巴黎近郊与阿尔弗莱德共同酿造爱情的蜜。但是，阿尔弗莱德的父亲乔治欧激烈反对，强要她承诺与他的儿子断绝来往。为了顾全阿尔弗莱德的家庭和幸福，她决心牺牲自己的爱情，忍受着内心的极大痛苦，重返风月场。阿尔弗莱德误以为她变了心，盛怒之下，在公开场合羞辱了她。薇奥莱塔信守对乔治欧的诺言，未向自己的情人道破真情，但患有肺病的身体承受不了这一致命打击，就此卧床不起。不久，乔治欧良心发现，把全部真情对儿子言明。但当阿尔弗莱德回到薇奥莱塔身边，她已经奄奄一息了，疾病和不公正的社会夺去了她的爱情和生命。 音乐以细微的心理描写、诚挚优美的歌调和感人肺腑的悲剧力量，集中体现了中期威尔第歌剧创作的基本特点。序曲采用第二幕中的爱情主题和下行的悲怆动机，对全剧作了提纲挈领的概括。第一幕的《饮酒歌》，是以单二部曲式为基础的分节歌，轻快的舞曲节奏，明朗的大调色彩，以及贯穿全曲的大六度跳进的动机，表现阿尔弗莱德借酒抒发他对真诚爱情的渴望和赞美，洋溢着青春的活力。薇奥莱塔的咏叹调，则表现女主人公复杂微妙的心理矛盾。前半部分表现她初次感受到爱情时内心的波动，音调诚挚、直率；后半部分表现她对爱情的大胆追述和渴望，大跳的音调反映了她内心抑制不住的喜悦。终场的二重唱，是一个感人的音乐场面，第一段中近乎口语式的急切语调，是这一对久经磨难的情人终又重逢时狂喜而激动心情的描写；第二段的分节歌洋溢着浪漫曲的抒情气质，抒发他们对爱情和幸福的向往。但后来，与阿尔弗莱德热情奔放的旋律交织一起的微奥莱塔声部中，出现了半音滑行的痛苦呻吟的音调，并逐渐发展扩大，最后占据了主导地位。威尔第应用这种对比手法，刻划了垂死的薇奥莱塔对爱情至死不渝的追求，揭示了歌剧深刻的悲剧主题，具有震撼人心的戏剧力量。

《奥赛罗》：

达到威尔第一生创作的高峰，成为真正的音乐喜剧。《奥赛罗》是继《阿依达》所作的结构突破， 而且充分发挥管弦乐队在歌剧中的作用，没有通常的曲线直接开始于风暴场景

帕格尼尼（1782~1840）：意大利小提琴家、作曲家。

曲目：1二十四首无伴奏小提琴随想曲。2第一、二号小提琴协奏曲。3摩西幻想曲。4《心中类乱》主题变奏曲。 5小提琴与吉他的奏鸣曲

普契尼（1858~1924）： 意大利歌剧作曲家。

推荐曲目：1歌剧《波西米亚人 》。2歌剧《托斯卡 》。3歌剧《蝴蝶夫人 》。4歌剧《曼侬蕾丝考》。5歌剧《西方少女》。6歌剧《杜兰朵 》。7歌剧《强尼史基基》。

小约翰·史特劳斯（1825~1899）： 奥国作曲家。

推荐曲目：1圆舞曲：《蓝色多瑙河》、《南国玫块》、《维也纳森林的故事》、《醇酒、女人与歌》、《艺术家的生涯》、《皇帝》、《一千零一夜》。2波卡舞曲：《拨奏》、《雷鸣与闪电》、《闲聊》、《狩猎》、《爆炸》。3《蝙蝠》序曲、《喜普赛男爵》序曲、《威尼斯之夜》序曲。4轻歌剧《蝙蝠》。

通常我们讲到斯特劳斯都是说斯特劳斯家族，其成员有，老约翰-斯特劳斯，代表作《拉德斯基进行曲》，小约翰-斯特劳斯，爱德华-斯特劳斯和约瑟夫-斯特劳斯。

德彪西（1862~1918）： 法国作曲家。

推荐曲目：1钢琴作品：《贝加马斯克》组曲（包括著名的《月光 》）、《版画》（三曲）、《映象》（二卷，各三曲）、《儿童天地》（六曲，包含著名的《黑娃娃的步态舞》）、《前奏曲》（二卷，共二十四曲）、《梦》、《二首华丽曲》、《欢乐岛》、《为钢琴》。2管弦乐曲：《海》、《牧神的午后前奏曲》、《三首夜曲》、《神圣舞曲与世俗舞曲》、（竖琴与管弦乐）。3室内乐；《G小调弦乐四重奏》、《小提琴奏鸣曲》、《大提琴奏鸣曲》、《长笛、中提琴与竖琴奏鸣曲》。

瓦格纳 威尔第和比才的比较

把他们三个并在一起是因为他们都在歌剧方面有着很大的成就，其次他们各自代表着一种派别。

在音乐界，风格并不是大一统的，浪漫主义中还分早期浪漫主义，民族浪漫主义，民族浪漫主义中还分意大利浪漫主义，法兰西浪漫主义。。。。。而这三只，正好代表着德国歌剧，意大利歌剧和法兰西歌剧三种风格。

瓦格纳在作品创作中非常重视器乐伴奏的效果，这正是德意志民族特色 威尔第则突出人声演唱的地位，具有意大利民族特色 比才强调语言节奏的作用，体现了法兰西民族特色 当然，要弄清这三种风格光是几句话是无法理顺的，大家可以节选三只代表歌剧中的经典片段（瓦格纳《罗恩格林》第三幕前奏曲，威尔第《茶花女》饮酒歌，比才《卡门》爱情

瓦格纳试图通过重视管弦乐团的发展将和声的活动充分变现出来进而把她转化成多种多样的戏剧效果（长喘一口气，缩句，就是说用管弦乐团的演奏表现和声活动从而体现戏剧效果）。威尔第则直接用人声来表达情感，所以他的作品通常都是热情洋溢（虽然他基本上都是写悲剧）。而比才则是将演奏和歌唱融合，用一种明快的节奏来体现戏剧效果（话说LZ在听《爱情是一只自由鸟》的时候总是有种翩翩起舞的冲动，掩面。。。）

总结成一句话，威尔第的写实风格，瓦格纳的交响戏剧，比才的抒情色彩并不是三者独立的，它们相互影响，相互交融。

瓦格纳与勃拉姆斯

倘若把具有强烈表情效果的浪漫主义音乐分成相互对立的两派，那么一派是强调表情的广度，该派代表人物有柏辽兹，李斯特，瓦格纳，我们称之为瓦格纳派。 另一派则强调的是表情的深度，代表人物有德国早期浪漫主义大师（舒曼，门德尔松。。。）以及勃拉姆斯，我们称之为勃拉姆斯派。

对于表情的广度和表情的深度，我们可以简单的用亨德尔和巴赫的区别来帮助理解。 事实上，上面所讲到的各音乐家之间的风格的差异只是为了更好的了解而做出的对比，并没有把他们放在对立的两面，而这两只却引起了音乐爱好者甚至于媒体的旷日持久的争论，真正做到了在拔高自己的同时，不忘狠狠地踩对方两脚。

　　1． 简介“巴洛克”这个词在音乐史上的含义。

　　葡萄牙语baroque原意为不圆的、形状不规则的珍珠，现指欧洲17世纪和8世纪初期豪华的建筑风格。音乐家借用此语概括地说明同一时期的音乐风格（见下文）。

　　2． 巴洛克时期音乐的旋律有什么特点？

　　乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明确的和声属性。

　　3． 巴洛克时期音乐的节奏是怎样的？

　　主要分为自由节奏的和律动鲜明、规整的这两种节奏。前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等，后者用于咏叹调、赋格、舞曲等，在一个乐章中会保持始终。这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲（或托卡塔）与赋格。

　　4． 巴洛克音乐采用什么调式？

　　大小调体系，它已取代了过去的“教会调式”。

　　5． 巴洛克音乐的和声是怎样的？

　　已形成了完整的以主、属、下属为中心的大小调功能和声体系，利用不协和音作调性转换并使和声进行富有动力和情感色彩。十二平均律在17世纪的发明与和声体系的充分发展有密切的关系。

　　6． 什么是通奏低音（thoroughbass, 又称作数字低音figured bass或basso continuo）？

　　巴洛克时期特有的作曲手段。在键盘乐器(通常为古钢琴)的乐谱低音声部写上明确的音，并标以说明其上方和声的数字（如数字6表示该音上方应有它的六度音和三度音）。演奏者根据这种提示奏出低音与和声，而该和弦各音的排列以及织体由演奏者自行选择。

　　7． 巴洛克音乐的织体是怎样的？

　　复调织体占主要地位，其写作技术达到了空前绝后的高峰。与文艺复兴时期的复调不同之处在于它是在功能和声基础之上的对位。同时也有许多作品采用主调织体。

　　8． 巴洛克时期的曲式是怎样的？

　　以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，如组曲、变奏曲、协奏曲、康塔塔、清唱剧等，常用前奏曲与赋格、宣叙调与咏叹调的搭配关系。复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体（不分段），但可看出明确的呈示、发展和再现因素。同时也有分段结构、变奏曲、在固定低音旋律之上进行变奏的帕萨卡利亚、夏空形式。

　　9． 巴洛克时期有哪些主要的音乐体裁？

　　声乐：弥撒、经文歌、众赞歌、歌剧、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱、合唱曲。 器乐：托卡塔、前奏曲、幻想曲、赋格曲、变奏曲、组曲、奏鸣曲（以独奏奏鸣曲与三重奏鸣曲为主）、协奏曲（管弦乐协奏曲、大协奏曲、、独奏协奏曲）。

　　10巴罗克时期音乐的情绪是怎样的

　　在一个乐章之内保持一种基本情绪,在乐章与乐章之间才形成对比

　　11巴罗克时期音乐的力度是怎样的

　　不追求渐强和渐弱的细微变化，而是采用较为清晰的“阶梯式力度”。

　　第一节歌剧的诞生和早期歌剧

　　1 歌剧（Opera）诞生于何时何地？它是怎样诞生的？

　　16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。

　　2 歌剧的前身是哪些音乐形式？

　　音乐和戏剧的结合可以追溯到古代，包括古希腊悲剧、中世纪的仪式剧、宗教神秘剧、奇迹剧，文艺复兴的牧歌套曲、田园剧、幕间剧等形式。

　　3 简介幕间剧（intermedio）、田园剧（pastoral drama）。

　　幕间剧是在戏剧两幕之间演出的有音乐的短剧。田园剧是传奇题材或乡村题材的带有音乐的舞台剧。

　　4 历史上第一部歌剧是哪一部？谁创作的？故事取材于哪里？

　　1597年由里努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙尼》，取材于希腊神话。但乐谱已遗失。

　　5 现存的第一部歌剧是哪一部？谁创作的？故事取材于哪里？

　　1600年里努契尼写剧本、佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》。取材于希腊神话。

　　6 在最早的歌剧中音乐形式是怎样的？

　　声乐部分以接近于朗诵的宣叙调为主，由少量乐器伴奏，采用通奏低音。音乐形式较为简单。

　　7 简介蒙特威尔第（Monteverdi）的歌剧写作观念以及他所奠定的早期歌剧形式。

　　主要是加强音乐性和情感表达。具体做法是将宣叙调的旋律线条拉长，使其具有歌唱性，并与短小的歌曲、二重唱和牧歌式的重唱交替，形成对比。他采用较大规模的乐队伴奏，并通过弦乐器的震音、拨弦以及不协和和声的运用造成强烈的戏剧性效果。在歌剧中加入器乐段落，如一开始的“托卡塔”（即后来的序曲）、中间的舞曲等。歌剧的基本模式正是在他的创作中形成的。

　　8 举出蒙特威尔第的两部代表作。

　　《奥菲欧》（或译作《奥尔菲斯》）、《阿丽安娜》。

　　9 继蒙特威尔第之后，17世纪威尼斯歌剧的代表人物（歌剧领域的威尼斯乐派）是谁？

　　蒙特威尔第的学生卡瓦利（Cavalli,1602-1676）、切斯蒂（Cesti,1623-1669）。

　　10 18世纪意大利拿坡里（那不勒斯）歌剧（拿坡里乐派或那不勒斯乐派）主要代表人物是谁？他的创作有哪些特点？

　　阿斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti,1660-1725）。他重视音乐在歌剧中的抒情作用，强调咏叹调的表现力，创立了ABA形式结构，称作“返始咏叹调”或称“再现咏叹调”（da capo aria）。他的乐队更加完备，还创立了“快-慢-快”的歌剧序曲（当时称作“交响曲”sinfonia）。

　　11 拿坡里歌剧的特点是什么？

　　注重独唱者声音的美感和音乐外在的效果，追求音乐语言和形式的程式化，音乐织体较简单，主要是独唱旋律和简单的和声伴奏。缺点是缺少真实性和戏剧力度。这种倾向导致了歌剧在18世纪的衰败。

　　12介绍宣叙调和咏叹调

　　宣叙调在歌剧(或清唱剧)中用于人物对话和剧情发展,其旋律接近于朗诵,咏叹调用来抒发人物感情并表现演唱技巧,音乐优美华丽，音域较宽。

　　13 什么是白话朗诵宣叙调（又译作清宣叙调、干宣叙调，recitativo secco,dry recitative）和带伴奏宣叙调（recitative obbligato，accompagnato）

　　前者是只用羽管键琴和一件低音乐器伴奏的宣叙调，主要用于大段的对话和独白。后者采用乐队伴奏，用于紧张的戏剧性场面，由于它在某中程度上带有咏叹调特点，因此又称之为咏叙调（arioso或recitativo arioso）。

　　14．什么是“Da Capo Aria”（返始咏叹调）？

　　ABA三段式咏叹调，再现时可以随歌手喜好加上一些自由的炫技。

　　15． A斯卡拉蒂确立的意大利歌剧序曲是怎样的？

　　（见本节第10题）

　　16． 法国歌剧是怎样形成的？

　　十七世纪从意大利传入后，立即带上了法国化特征：重视宣叙调，在其中突出了法语特有的韵律和节奏感；在歌剧中加进大量舞蹈场面；舞台装饰极为华丽，表现帝王生活的气派；歌剧序曲采用与意大利相反的速度安排：慢——快——慢。

　　17． 奠定了法国歌剧形式的是哪一位作曲家？

　　原籍意大利的吕利（Lully，1632—1687）。（歌剧风格见上面第15题）

　　18． 简介法国作曲家拉莫的历史贡献。

　　作有大量歌剧和古钢琴作品，但更重要的是在1722年发表了《和声基础理论》，为现代和声理论奠定了基础。

　　19． 英国歌剧创作的代表人物是谁？请举出代表作一部。

　　浦赛尔（Purcell，1659—1695），代表作是《迪东和伊尼》。

　　20． 简介德国“歌唱剧”（singspiel）。

　　有对白的德国民间喜歌剧，音乐带有鲜明的民族特色。对德国歌剧的发展有重要影响。

　　21． 简介清唱剧（Oratorio）、受难曲（Oratorio Passion）和康塔塔（Cantata）。

　　清唱剧：将宗教或史诗题材的歌词谱曲，音乐形式包括独唱、重唱、合唱和管弦乐，在教堂或音乐厅演出。与歌剧不同之处在于清唱剧没有复杂的舞台装置和戏剧动作表演。

　　受难曲：音乐形式与清唱剧一样，在题材上集中于基督耶稣受难（钉十字架）的故事。

　　康塔塔：也译作大合唱，是带有独唱、重唱、合唱及管弦乐的体裁，内容有宗教的也有世俗的。与清唱剧一样的是没有舞台装置和戏剧动作表演。

　　第二节 器乐、键盘乐

　　1简介德国路德教的众赞歌变奏曲（chorale variation）、众赞歌幻想曲（chorale fantasia）。

　　在众赞歌旋律基础上进行变奏或自由发展的管风琴曲。

　　2简介托卡塔（toccata）和赋格曲（fugue）。

　　托卡塔:一种键盘乐曲体裁，节奏较自由，带有炫技性。

　　赋格曲:一种结构严谨、节奏规范的复调音乐体裁，主要是在一个主题之上以模仿对位手法构成。

　　3简介恰空（chaconne）和帕萨卡利亚（passacaglia）。

　　恰空也译作夏空，是三拍子的舞曲，风格庄重。通常是在一个多次出现的固定低音（或一个和声进行模式）之上以变奏手法写成。帕萨卡利亚与恰空常常不加区别。

　　4简介巴罗克时期的组曲。

　　将不同速度、节拍、民族风格的舞曲组织到一起的体裁。

　　5巴罗克时期最著名的古钢琴作曲家有哪几位？

　　法国的F库泊兰（Francois Couperin，1668—1733）、拉莫，意大利的D斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti，1685—1757），德国的巴赫、亨德尔。

　　6什么是十二平均律（equal temperament）？

　　在键盘乐器上将一个八度内的所有半音都调成一样距离（音分）的调律方法。

　　小型合奏乐

　　1．简介巴罗克时期的教堂奏鸣曲（sonata da chiesa）和室内奏鸣曲（sonata da camera）。

　　奏鸣曲是独奏或重奏的器乐曲。前者风格较为严肃，很少用舞曲，后者则轻快些，各个段落都采用舞曲风格。

　　2．简介独奏奏鸣曲（solo sonata）和三重奏鸣曲（trio sonata）。

　　独奏奏鸣曲由一把小提琴（或长笛或其他乐器）加一个通奏低音乐器，有时只有一件乐器独奏（如无伴奏小提琴奏鸣曲或古钢琴奏鸣曲）。三重奏鸣曲由两把小提琴和一个通奏低音乐器（键盘乐器）、一把大提琴（或大管）演奏，两把小提琴演奏两条对位关系的旋律，另两件乐器演奏低音及和声。

　　大型合奏乐

　　3．简介大协奏曲（concerto grosso）、独奏协奏曲（solo concerto）和乐队协奏曲（ripieno concerto）。

　　大协奏曲：由几件乐器组成的独奏小组和管弦乐队的协奏。

　　独奏协奏曲：一件独奏乐器和管弦乐队的协奏。

　　乐队协奏曲（又译作管弦乐协奏曲）：并不突出某件乐器或某个乐器组，实际上就是管弦乐曲，一般写法是由第一小提琴声部演奏主旋律，并运用数字低音。

　　4．简介维瓦尔蒂（AVivaldi，1675-1741）和他的协奏曲《四季》。

　　（略）

　　第三节巴赫和亨德尔

　　以下问题欢迎朋友们来谈论。

　　1．巴赫（JSBach，1685—1750）最杰出的写作技巧是什么？或：巴赫在音乐历史上最大的贡献是什么？

　　2．巴赫被称为“继往开来”的人物，为什么？

　　3．巴赫的作品种类繁多，请举出他的宗教音乐、管风琴曲、古钢琴曲、独奏器乐曲和管弦乐曲主要代表作。

　　4．亨德尔（Handel，1685—1759）在那两种音乐体裁中有突出的成就？

　　5．为什么亨德尔的歌剧写作受到了挫折？他的歌剧有什么特点？

　　6．亨德尔的清唱剧创作有哪些特点？请简介《弥赛亚》。

　　7．亨德尔重要的器乐作品有哪些？

　　8．巴赫（JSBach）与亨德尔（Handel）的音乐（包括写作手段和个性）有哪些不同之处？

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　　主要作曲家

　　意大利∶

　　科莱里（Arcangelo Corelli, 1653-1713）

　　A斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti, 1660-1725）

　　维瓦尔第（Antonio Vivaldi, 1678-1741）

　　D斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti, 1685-1757）

　　德国∶

　　巴赫（Johann Sebastian Bach, 1685-1750）

　　亨德尔（George Frideric Handel, 1685-1759）

　　泰勒曼（Georg Philipp Telemann, 1681-1767）

　　法国∶

　　吕利（Jean-Baptiste Lully, 1632-1687）

　　弗朗索瓦·库普兰（Francois Couperin, 1668-1733）

　　让-腓力·拉莫（Jean-Philippe Rameau, 1683-1764）

　　英国∶

　　普赛尔（Henry Purcell, 1659-1695）

　　Gothic）这个特定的字汇，早先指涉的是西欧的日耳曼部族。时常误解它的审美学和混淆这个术语，哥特是80年代前中期主要存在的前朋克一个分支。它以形成于地下摇滚的最黑暗和阴沉的特点很大程度上应受此荣誉，尽管今天它的荣誉更多的来自于乐队戏剧化的服装和它的追随者。音质上，哥特采取了阴冷的合成器效果，加工了前朋克的吉他声音使它们建造一种不祥之兆，悲伤的感觉，通常是很壮观的音响背景。在早期，它的歌词常常是自省和激烈的针对个人的，但是它诗歌般的敏感性很快导致品位转变到浪漫文学，宗教思想和超自然神秘主义上。

　　哥特通常不是严格意义上受欢迎的风格，被给予了一种华丽诗意的倾向，无情悲哀的挽歌和无止境的戏剧化。然而，它产生了投入的，仍旧兴旺的亚文化，使它的美学概念在最初音乐全盛期过了很久后一直存在着。哥特的教父是英国前朋克乐手Joy Division, 他的阴冷，偏僻，强迫性的自省音乐和歌词为哥特最初的结构打下了基础。但是对于所有的意向和目的来说，真正赋予哥特生命的是”Bela Lugosis Dead”，来自1979年Bauhaus的首张专辑。像the Cure 和Siouxsie & the Banshees这样阴冷的前朋克乐队已经在同一时期具备了完美的哥特风格，并且他们的重型音乐，恐吓的装容和黑色的服装成为了歌迷崇拜的一个重要的组成部分。当哥特的声望在某一片被青少年疏离的敏感区（最初是在英国，那儿是大部分哥特乐队起源的地方，其次是美国）蔓延开来时，它的意识风尚变得越来越古怪，并且最初的音色稍微有些发展了。

　　The Cure，Siouqwie & the Banshees和the Mission UK和成了更多流行和另类的成分在他们的音乐中，当the Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim和美国的乐队Christian Death使用沉重的，不时受金属感化的手法。在80年代末，最初的哥特运动已经不复存在了，但是这种音乐变异成了新的形式并继续影响很多黑暗金属流派。在90年代期间，哥特音乐开始通过工业音乐来cross-pollinate，产生同时吸引两边的混合物，同暗潮流派（他们也同样将80s合成器与梦幻流行合在一起）一样。90年代后半期，还可以看见哥特的影响力突然出现在重金属中；一个新的改革黑暗金属乐队的种类模仿了很多哥特的音色和风格，当一些另类金属乐队也从沿袭了哥特的视觉效果（包括Marilyn Manson, 他们不顾很多关于不属于哥特风格的反面评论）。

　　“Gothic”这词由来已久，在文艺复兴时期用来表示中世纪的艺术形式。

　　它的命名是从德国的“Goth”部落由来的，Goth人入侵了意大利并推翻了罗马帝国。在15世纪，人们普遍带有着文艺复兴的观念，希望回到古典时代。介于古典时代和文艺复兴时期的这段时间被称为中世纪。因为意大利记恨Goth人毁掉了他们的罗马帝国，文艺复兴时期的人们始终对中世纪带有着否定的术语，他们称这一时期为“Gothic”意味着野蛮和粗野。当然我们要看到事物的双面性，中世纪给世人留下了很多宝贵的文化遗产和杰出的艺术作品。这时期的建筑技术上有了突破式的改进，产生了像NOTRE-PAME这样的哥特式大教堂。哥特式的艺术不仅体现在建筑上，从12世纪到16世纪的早期，雕刻，玻璃制品，装饰物等都贴上了哥特艺术的标签。宗教在哥特艺术作品中起到了很重要的因素。画家，雕刻家们比起用现实主义的方法表现主题更多的运用宗教的感觉。不管怎么说，文艺复兴时期的人们很显然对“Gothic”这个词汇是含蓄的否定。

　　在1822年左右的浪漫主义运动中（ROMANTIC MOVEMENT），中世纪文化逐渐极其相关事物在某些人眼中逐渐成为一种时尚。浪漫主义成为这场文化运动的中心。浪漫主义者希望跳出历史的限定，有些人希望回到中世纪时代，有些人从宗教或神秘注意中寻求理想，还有写人试图从自然中得到答案。他们用自己不同的方式来达到自己的目标。在整个浪漫主义运动中哥特开始被认为和黑暗，奇异，鬼魅等相关连，浪漫主义和哥特作家象Byron, Shelley, Baudelaire还有 Verlaine沉迷于对人类阴暗面的表现。哥特情绪在视觉艺术上也有明显的体现，画家象Caspar David Friedrich 对黑暗和荒凉的展现。而在建筑上新哥特式逐渐成为时尚。这一时期许多哥特式小说家不断涌现，不仅哥特文学是对人类自身黑色阴暗面的展示，也是对当时社会正统思维模式的一种挑战，是一种恐怖，神秘色彩的混合体。哥特小说中比较典型的角色是吸血鬼，例如玛利·雪莱的Frankenstein,布来恩斯托克的Dracula,还有Edgar Allan 诗集中的描写斯托克笔下对吸血鬼化身的描述同以往比较走入了对立的角度(当代作家Anne Rice 的Interview with the Vampire和Poppy Z Brite的Lost Souls等作品也是斯托克式的延续)

　　到了20世纪30年代，近代哥特运动在英国开始上演，哥特运动的出现或许可视为是先前朋克运动(punk) 的延续。不论如何，哥特精神开始在音乐上 展现其影响力，哥特音乐以表现人性的阴郁、空虚为主题，并且对死亡亦有着浓烈的兴趣，缓慢、悲伤甚至是恐怖都是其音乐的特色。

　　最早使用“哥特”这个术语的是英国广播电台节目主持人Anthony H Wilson ，他同时也是Joy Division 的经纪人，他曾经宣布Joy Division 乐队将作为一支哥特式的乐队而有别于其他主流音乐流行乐队。哥特文化作为一场现代文化运动，开始于七十年代末期PUNK摇滚的音乐浪潮，当后者渐渐退去的时候，哥特文化作为一种边缘的亚文化幸存了下来。哥特文化是一种独特的中世纪复古风格的音乐、艺术和文学的文化范畴，在音乐上它承袭了七十年代欧美 PUNK摇滚音乐的音乐风格，在艺术上表现为一种对十二到十六世纪西欧的哥特式建筑风格的强烈复古倾向，在文学上演变为那种隐郁和怪诞的神秘黑暗文学。哥特文化实际上倾向于那种非暴力的、和平主义的、被动的、宽忍的生活态度。但在许多媒体中却将它错误地理解为那种极端暴力的，仇视少数民族的和白人至上主义的边缘文化。哥特文化总是表现出一种孤僻疏离的，阴沉的精神气质，它总是去探讨那些引人深思的社会问题，种族歧视、战争、以及仇恨。精神上对死亡的迷恋，驱使哥特文化不停地试图去找寻对生活、痛苦和死亡的另外一种思考。

　　初期的哥特音乐

　　一场新的哥特运动在整个80年代影响越来越大相对70年代后期产生的朋克是判逆式的没有遵从的另类文化,也许新哥特运动的产生是对朋克的一种回映哥特运动反对狭义的道德,性观念,和传统的宗教信仰音乐反映人性中黑色阴暗面以及对死亡独特的迷恋音乐抒缓而强劲的声音经常表现在抑郁,阴沉,甚至病态

　　新哥特运动与10世纪的浪漫主义有着明显的关联,抒情诗性的,死亡的主题,对毁灭和黑暗的探寻是哥特艺术家的共同表现方式音乐上,一些流派尽管加进了舞曲节拍和电子音乐元素,但仍以小和弦,缓慢的节奏表现出明显的怪诞和抑制机构特性视觉上,哥特艺术家看上去喜欢强化一种死亡式的审美,苍白的面孔, 黑色的长服,维多利亚时代的时尚(如有绉饰边的衬衣),中世纪的废墟和哥特式的建筑

　　很难具体确定哥特音乐产生的时间,70年代末期一些新的组合,乐队的声音或外形开始存在某种程度上黑色的成分象The Cure, Siouxsie and the Banshees, The dreamend, Adam & the Ants, Ultravox, Killing Joke, The Sound, the Comsat Angels 还有 Joy Division他们的新浪潮和dark pop music 的乐风对后来的哥特音乐产生有着非常大的影响也许第一首真正的哥特圣歌是Bauhaus的Bela Lugosi's dead

　　最早英国流行哥特乐队是UK Decay(现在已经没什么人知道了),80年代中期一些乐队象The Sisters of Mercy, The Mission和Fields of the Nephilim取得了相对的成功,他们的哥特摇滚乐和外形成为哥特的标准形式,成为许多后来组合的模仿对象,这种情况特别是在英国这一时期非常优秀的乐队还有And Also The Tree,Xmal Deuschland,Love Like Blood等

　　整个80年代老式的哥特乐风占据着主导的地位,而一些乐队探索着新的声音,并不段摸索着新的音乐路线,最好的例子就是Dead can Dance,在他们典型哥特式第一张同名专辑后音乐从中世纪和东方乐曲中吸收元素,风格融入了不少的世界音乐成分之后的几年DCD获得了更多的认可,遗憾的是最近乐队已经解体The Cocteau Twins和DCD相同是来自4AD公司的组合,是4AD低调迷幻乐风的代表

　　英国不是唯一出产黑色音乐的地方,来自美国的The Swans 早期涉足与先锋乐派(avant-garde)领域,创作出了几张伟大的专辑象like Children of God, White Light from The Mouth of Infinity 还有 The Burning World另一支传奇性的乐队Christian Death也许是被许多人认为是美国最著名的哥特乐队了,他们不断的做出一些有争议的专辑,最值得推荐的是Only Theatre of Pain 和 Catastrophe Ballet这两张此外象Faith & the Muse,London after Midnight也是来自美国的优秀哥特组合

　　哥特音乐的发展

　　现在让我们去了解一下哥特音乐的改良风格和其他相关乐派产生与比利时的EBM(Electronic Body Music )是一种电子化阴冷黑色的音乐。受德国KRAUTROCK运动中Kraftwerk之类电子乐队的影响下产生的。EBM创始乐队之一Front 242一低限化的节拍，抑郁的声音和军国主义突击队是的装束被大家认识。The Klinik, Insekt, Dive, Click Click, A Split Second 还有后来的Suicide Commando都是BM的一些重要乐队。 Dive和Klinik利用声纳噪音营造出一种冰冷的外太空气氛。 Suicide Commando则融入了更多的舞曲化成分。类似的乐风在美国和加拿大被称为Industrial，象Front Line Assembly ，Skinny Puppy 等乐队。他们制造查的合成音乐和多层次的声音非常适合带上耳机去欣赏。 Front Line Assembly的经典专辑Classic albums are Caustic Grip(1990) and Tactical Neural Implant (1992),值得每个喜欢EMB的人去收藏。

　　说到现在我们还没有谈到德国，那里可是现在哥特音乐的重镇。许多德国的乐队被惯以DARK WAVE的音乐标签。Project Pitchfork乐队是德国最早涉及到哥特音乐领域内，虽然他们的乐风有所改变，但一直算是一支流行化的组合，首张专集Dhyani亦为经典，有典型的黑色音乐和评论性的歌词组成。Deine Lakaien乐队的成员有着深厚的音乐基础，他们做出了象'Love me to the end'这样的浪漫主义歌曲。作品带有着某种程度的中世纪感觉。德国很大一部分组合演唱时保持着自己的母语，例如Goethes Erben，乐队的名字也就说明了一切。他们的前三张专辑就象是三部曲。各自独立有相互关联。而Lacrimosa，Tilo Wolf这些乐队通过加如金属乐的元素不断的对音乐的表现手法做出尝试。当然我们必须要知道Das Ich这个组合，他们的经典专辑是Die Propheten，专辑中的歌曲机构复杂歌词充满着智慧化。阴暗电子乐派代表团体Calva y Nada 用德语和西班牙语交错演唱，他们最有特点的是主唱Brenal的低音，而歌词方面多涉及政治，社会之类的话题，从这方面看这支乐队在哥特音乐王国中显得与众不同。总的来说由于浪漫主义情节，德国的大多说乐队是浪漫的歌曲和阴暗电子化相结合的产物。

　　如今哥特范畴内的音乐越来越呈现出多元化的局面。例如dark folk （阴暗民谣），这种乐风的代表是Current 93, Death in June, Sol Invictus还有Fire + Ice。早期的C93作品比较实验性难以理解，之后David Tibet利用他个人化的思维开始想声学民谣的方向探索。C93的前身乐队Death in June自从首张专辑Nada推出后颇受争议，他们甚至被指控为极端的右翼倾向。但DIJ给我们留下印象最深刻的还是异教的祭典式的音乐。如果想听这类音乐推荐给大家去找World Serpent，一个卓越的音乐厂牌，上面的提到的几支乐队均在其旗下推出过作品。对了，还有一支意大利的组合Ordo Equitum Solis也应该值得我们的关注。

　　许多哥特乐队都有着某种中世纪的情节，他们将中世纪时期音乐和现代的创作手法相结合。德国有着许多这样的中世纪组合，音乐的创作者一般有着良好的古典音乐教育背景，知名的乐团包括Qntal ，Estampie, Freiburger Spielleyt等。在意大利这种音乐更有影响，象Ataraxia ，Camerata Mediolanense多做出了许多出色的音乐作品。着类组合不仅仅有哥特的听众群还吸引着部分古典音乐的欣赏者。而The Moon lay Hidden Beneath a Cloud和Rosa Crux的音乐中吸收了祭典音乐的成分。

　　当然许多乐队的风格是非常难以介定的，象意大利的Take Kirlian Camera ，20年来乐队风格年年都有变化。而法国的情欲主义阴暗电子乐队Die form 的音乐主题多涉及S/M（），他们每一部作品多给我们带来新的惊奇。另一支来自法国的乐队Collection d'Arnell Andrea的钢琴声非常有特点，成为自己的独特的标志。善于创作管弦乐的In the Nursery乐队的作品非常适合作为**中的陪乐。在北欧的瑞典，Cold Meat Industry 着个厂牌通过多年的努力推出了很多独一无二的音乐作品。旗下的乐队风格多样，如血腥派实验乐队Brighter Death Now 和Deutsch Nepal，氛围音乐组合Raison d'Etre，新古典主义的The Protagonist，天音组合Arcana等。说到天音如果想更好的了解建议去听一听like Love is Colder than Death, Black Tape for a Blue Girl 还有Stoa这些代表乐队。

　　奏鸣曲:Sonata

　　意大利文声响的意思，有别于歌唱的声音。奏鸣曲是一种专为某种乐器而写的音乐。除了钢琴奏鸣曲以外，大多数的奏鸣曲都有钢琴伴奏，但也有巴罗克时期的三重奏鸣曲(Trio Sonata)是为三件乐器而写的(其实是四人合奏的，但伴奏者不算在内)。Rondo:回旋曲古典时期一种节奏轻快的曲式。其中的主要乐段会与其他乐段轮替出现。回旋曲大多出现于协奏曲或奏鸣曲的终结乐章，但也会独立乐曲的形式出现

　　协奏曲:concerto

　　在古典音乐作品里占有相当多的地位，此者通常在一般管弦乐演奏会的第二部分，是由一名或数名演奏家独奏，乐团作为伴奏，之前提到：作为一位独奏者他在一首曲子所扮演着重要角色，显现出这首乐曲的价值所在。从十七世纪末<协奏曲>的演奏方式转变成一小部分弦乐器作为主奏(称为concertant,soli)，乐团其他成员作为伴奏(ripieno)的演奏方式为大家所接受，通常乐团的大小及主奏乐器都是随着演奏乐曲而改变，并没有一定的限制。

　　序曲(ovurture)

　　现今有分两种：第一种是歌剧、神剧(oratorio)或芭蕾舞剧的前奏；第二种是管弦乐团音乐会开始的前奏。

　　但现今没有很详细的区分，往往有时在歌剧演出时所听到的序曲与其内容无关，这已经是希松平常的事。

　　在十七及十八世纪的序曲分成三乐章，法国式的序曲是(慢-快-慢)三段，而义大利式的序曲是(快-慢-快)三段式。

　　但到了十八世纪晚期，德国作家葛路克(Gluck,1714~1787)认为序曲的作用应将观众带入情节之中，此一见解获得当代的作曲家莫札特、海顿及贝多芬等作家的赞同而延用至今。

　　小夜曲

　　音乐体裁的一种，是用于向心爱的人表达情意的歌曲。起源于欧洲中世纪骑士文学，流传于西班牙、意大利等欧洲国家。最初，小夜曲由青年男子夜晚对着情人的窗口歌唱，倾诉爱情，旋律优美、委婉、缠绵，常用吉他或曼陀林伴奏。随着时代的发展，其形式也有所发展。“中外著名歌曲”中登载的舒柏特、托西尼作曲的小夜曲，都在世界上流传甚广。

　　幻想曲fantasia

　　形式自由，给人以即兴创作或自由幻想之感的器乐曲

　　谐谑曲scherzo

　　诙谐曲。节奏强烈，速度较快、轻松活泼的三拍子器乐曲或声乐曲

　　前奏曲

　　一种自由结构的短曲。常放在具有严谨结构的乐曲或套曲之前作为序引。

　　赋格曲

　　复调乐曲的一种形式。赋格曲建立在模仿对位的基础之上，从16～17世纪的声乐经文歌和器乐里切卡尔演变而成。

　　赋格曲分两个主要部分：①呈示部。指主题依次在各声部作最初的陈述。开始主题在主调上从某一声部单独进入，接着第二声部在属调上模仿主题，称为答题，而原主题声部继续出现的与答题形成对位的旋律称为对题。答题如严格模仿主题，称为纯正答题；如与主题形成守调模仿，称为守调答题。对题在赋格曲的进行中再次出现时保持不变者称为固定对题。伴随主题或答题的旋律经常改变者称为自由对题。呈示部中主题进入的次数与赋格曲声部的数目相等。②发展部。根据赋格曲总的布局，此部分可能是最后一部分，也可能又分为中间部与再现部。因此，赋格曲有二段式和三段式两种类型。发展部中主题的进入比较自由，进入次数也无定规，调性转换亦较频繁复杂。此外，根据曲中所用主题的多寡，存在单赋格曲、二重赋格曲和三重赋格曲等多种形式。

　　组曲

　　由若干短曲连为一体的管弦乐曲或钢琴曲。其中各曲具有相对的独立性。组曲有古典和近代之分。古代组曲又称“舞乐组曲”；近代组曲又称“情节组曲

　　变奏曲:

　　运用“变奏曲式”谱写的乐曲，全称“主题与变奏”，是由一个自成段落的主题与根据此主题多次变化重复的若干段落结构而成。

　　弥撒

　　本来是天主教的一种仪式。由于它在宗教生活中的重要地位，也由于它庞大的结构和长达一千五百年的历史，弥撒音乐可以说是欧洲宗教音乐最重要的形式。

　　为了与宗教仪式有所区别，我们将其音乐部分称为“弥撒曲”。弥撒曲分“普通弥撒”和“特别弥撒“通常所说的弥撒曲多指前者。普通弥撒的词和曲有固定的搭配关系，共分为1慈悲经，2．荣耀经，3．信经，4．圣哉经，．5．羔羊经。

　　五段中间穿插着神职人员的朗诵,内容各易的“特别弥撒”及宗教仪式。弥撒曲还分成不同的类型：比如说参加仪式的神职人员很多,普通弥撒的五段音乐写得完整而精致的，称为“大弥撒”，又称“庄严弥撒，，反之称为小弥撒，如果没有朗诵和其他宗教仪式，称为“音乐会弥撒”，巴赫的‘B小调弥撒曲贝多芬的庄严弥撒曲，就是音乐会弥撒的典范

　　安魂曲

　　又称为追思曲、追思弥撒。顾名思义，可以知道它是弥撒的一种变体,用于追悼的场合。我们现在听到的安魂曲，一般都是由管弦乐队伴奏的合唱套曲，从这点看,它的形式有些类似于清唱剧。传统的安魂曲都是宗教题材的，歌词一律用拉丁文,因此,勃拉姆斯在1860年前后用德文歌词写作安魂曲被看作为创举，这部作品因而被称为‘德意志安魂曲。现代作曲家也喜欢使用这种体裁表现庄严肃穆的悼念，当然，不再用拉丁文,也很少是宗教内容了

　　交响诗:

　　李斯特(1811—1886)是19世纪匈牙利著名的作曲家和钢琴家。他一生最突出的贡献就是创造了“交响诗”这种新的音乐体裁。交响诗是19世纪的一种“标题音乐”，它将交响曲的四个乐章浓缩在一起而成为更自由的单乐章交响音乐形式。交响诗一般取材于文学作品，强调文学构思与音乐发展的内在联系，注重音乐形象的塑造和音乐的情感表达。作为一种“标题音乐”，交响诗继承了贝多芬序曲、韦伯歌剧序曲的标题性和戏剧性传统，而成为19世纪主要的交响音乐形式之一。1854年，他的《塔索》在德国魏玛演出的时候，李斯特首次使用了“交响诗”这个名称。他认为通过这种体裁，作曲家可以“在其中重现他的心灵的印象和经历，以便和他们发生交往。”“交响诗”的产生与19世纪浪漫主义文艺的发展是息息相关的。”“交响诗”作为交响乐“戏剧化”的趋向，体现出了19世纪各种不同类型的文艺形式“相互靠拢”的倾向。“交响诗”正是作曲家们把音乐与文学、诗歌、美术乃至哲学相互沟通的结果。“交响诗”是李斯特一生极力追求的艺术形式。李斯特共创作了13首交响诗。其中，最为著名的交响诗是《前奏曲》。这部交响诗也称《人生序曲》，是19世纪交响音乐宝库中的经典之作。

　　歌剧

　　歌剧是一种非常具有舞台魅力的多样化表演艺术—它不只呈现出音乐之美，同时它还结合 了文学、戏剧、甚至于舞台设计、服装风潮等等，而歌剧舞台上所呈现的，其实就是我们日常生活周遭的小缩影。歌剧舞台反应了我们的人生，而您在歌剧情节中，说不定也因此 可以发现您浅意识中的人格，幻化成剧中某一个人物角色，在舞台上真实地呈现出来。 歌剧情节大都不脱离男女间的爱恨情仇，还有于国家民族意识、宗教神话色彩，都可以成 为歌剧背景的题材。透过音乐与戏剧的结合，带您的思绪进入一种跨时空的情境之中。一旦您接受了歌剧，您会发现：它是所有音乐表现型式中，最具有感官(听觉与视觉)感染力 的享受，让您不自觉爱上歌剧而无法自拔!

　　清唱剧

　　为宗教(包含戏剧,叙事,祈祷等)歌词所配的长篇配乐

　　康塔塔

　　来自意大利语“歌唱”一词，即歌唱的曲子。以咏叹调、宣叙调、二重唱和合唱组成，是一种为声乐家们、合唱队和乐器演奏家们的表演，以诗体故事为基础的作品。最早的康塔塔以情歌为主用于独唱或数字低音的伴奏。意大利作曲家罗西、卡里西米等人是康塔塔的先驱。十八世纪后期康塔塔指宗教的或世俗的合唱作品，但不一定包含独唱，以乐队伴奏，内容往往偏重于抒情，类似小型清唱剧。

　　艺术歌曲

　　18世纪末19世纪初，欧洲盛行的一种抒情歌曲的通称。其特点是歌词多采用著名诗歌，侧重表现人的内心世界，曲调表现力强，表现手段与作曲技法比较复杂，伴奏占重要地位。

　　音乐剧诞生于本世纪初的欧美大陆，融合了各个艺术门类的特点，将音乐、舞蹈、话剧道白的特殊魅力紧密结合起来塑造人物形象，表达人物感情，从而表现一个完整的故事情节。其中，音乐源于地道的美国黑人的爵士音乐，舞蹈综合了爵士舞和踢踏舞。1927年，隆·科恩的《水上舞台》掀开了音乐剧时代到来，其中的插曲《老人河》在当时家喻户晓，流传全球。从此后音乐剧以它特有的魅力，随着各国的经济发展而迅速、不断地繁荣，直到今天。

　　音乐剧

　　今天的音乐剧主要包含了三个元素：

　　1歌、舞、道白发挥到极至的综合性表演。

　　2豪华，场面气派的舞台布景大制作。

　　3娱乐和文化交流相交融的现代艺术水准。

　　音乐剧在表现手段上可分为音乐戏剧、舞蹈音乐剧和歌剧式音乐剧三种

　　再加几个吧~~

　　什么是巴洛克音乐？

　　巴罗克一词源于葡萄牙文“Baroque”，原指珍珠光怪奇异的外形。始用于对意大利雕刻家贝尼尼作品风格的表述，后泛指17至18世纪德国和奥地利盛行的，华丽而辉煌、融雕刻与绘画为一体的建筑风格。巴罗克一词在18世纪引入音乐评论，借用来描述这一时期与之相比拟的欧洲音乐文化风格，含退化和堕落的贬义。19世纪后被艺术史学家以一种艺术潮流予以肯定，一般指1600-1750年由巴赫和亨德尔发展起来的音乐，即音乐史上的巴罗克时期。

　　什么是古典主义音乐？

　　古典主义的萌芽，发生在巴罗克时代的意大利。后来由于在维也纳出现了海顿、莫扎特和贝多芬三人，借此古典主义音乐便得以形成。因此，音乐方面的“古典乐派”实际上指的是“维也纳古典乐派”。古典主义艺术，首先发生在文艺领域中，它以恢复希腊、罗马的古典艺术为目的，注重形式上的匀称和谐调，主要放眼于追求客观的美。

　　浪漫主义音乐 是古典主义音乐的延续和发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或着一个时代。浪漫主义风格音乐注重情感和内容的表达，打破 古典主义音乐 时期的种种形式上的束缚。

　　贝多芬 是古典主义音乐的终结者，也是浪漫主义音乐的先行人，浪漫主义音乐抛弃了古典音乐的以 旋律 为主的统一性，强调多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，更多地运用转调手法和半音，浪漫主义 歌剧 的代表是 韦伯 ，音乐的代表是 舒伯特 。

　　什么是浪漫主义音乐？

　　浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，在 法国 出现了 柏辽兹 ， 意大利 有罗西尼， 匈牙利 的李斯特和 波兰 的 肖邦 。浪漫主义音乐终结在 瓦格纳 和 勃拉姆斯 时代。

　　什么是民族主义音乐？

　　民族主义音乐在十九世纪西方浪漫主义音乐中占有重要地位。十九世纪浪漫主义发展到中后期，其思想文化已广泛深入地渗透到欧洲绝大部分地区。很多相对封闭的国家的作曲家继承了德奥等成熟的主流音乐文化，与本民族的音乐素材创造性地结合起来，进行了杰出的、不朽的创作，展现了音乐交流碰撞的强大生命力，成为浪漫主义音乐得以延续的重要生力军但是孕育出带有民族色彩的音乐并被世界广泛接受，成为成熟的具有普遍意义的音乐是有条件的。按朗的说法，“在文学艺术的领域里，只有质的增添才是有价值的”。一个“民族的”音乐“只有在它为世界艺术贡献的新的声音和色彩不仅仅是地方色彩的情况下，才具有普遍的价值和重要性”。民族的性格情感、生活环境，“如果它是客观地体现出来的，是作为普遍人类的典型体现出来的，如果它是和人类社会相联系的，它就可以成为普遍性的艺术。当艺术品的内部形式和色彩是民族的，但其内容是普遍性的时候，就发生了融化为真正的世界艺术的过程。”可见民族音乐在世界范围的成熟至少需两个条件——成熟而富有特色的民族本体文化和能与世界相融通的普遍性情感语言。

　　什么是印象主义音乐？

　　从十九世纪末到第一次世界大战之前，在音乐史上称为“近代音乐”时代。在这一时期，以印象主义 音乐为代表的几种音乐流派，实现了音乐史上从晚期浪漫主义向二十世纪现代音乐的过渡。 一、音乐中的印象主义 印象主义音乐产生于十九世纪末，是受“象征主义文学”和“印象主义绘画”的影响而出现的 一种音乐流派。印象主义音乐带有一种完全抽象的、超越现实的色彩，是音乐进入现代主义的开端。 它的音乐形式、织体、表现手法、基本美学观点以及所追求的艺术目的和艺术效果都与古典和浪漫主义 有着很大的分歧与差别。古典主义音乐的创作原则与风格是严谨、规整，浪漫主义音乐是注重情感的 表现与激情的发挥。与之相比较，印象主义音乐并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画， 而是更多地描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出一种神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。 在乐曲的形式上多采用短小的、不规则的形式，以便更好地体现出印象主义音乐较为自由的特点。 印象主义音乐盛行的时间不很长，它很快就被更加激进与富于变化的现代音乐所代替，但印象主义音乐 却是音乐发展史上的一个非常重要的阶段，从此音乐艺术开始了一个具有根本意义的转变。 正因为如此，印象主义音乐才得到了非常的重视，其艺术性与重要性也被越来越多的人们所理解与承认。 法国音乐家德彪西和拉威尔是公认的印象主义音乐的集大成者。除此之外，法国作曲家杜卡和 意大利作曲家雷斯庇基也是印象派音乐的代表人物。 二、法国印象主义音乐 象其他法国作曲家的作品一样，德彪西的音乐是标题音乐而不是绝对音乐。十九世纪末， 法国出现了一派叫做“印象主义者”的画家和诗人，他们追求的是一种梦幻的美，于是作曲家德彪西 力图用音乐来达到“印象主义者”用绘画所达到的同样效果。 在使用新的和声和音乐方面，德彪西是现代音乐的先驱。他建造的那种古怪的、非尘世的音乐， 主要是采用完全没有半音关系的“全音阶”和许多在空气中根本听不见的“泛音”。德彪西还在 管弦乐队里使用各种乐器的不同组合来发出柔和的带有闪烁性的音响效果。起初人们听他的音乐觉得 不知所云，但当他们听惯了的时候，便发现其中妙趣无穷了。 仿效德彪西的最重要的作曲家就是他的同胞拉威尔了，但拉威尔并没有象德彪西那样过多使用全音阶 和听起来奇怪的和弦，他更擅长从管弦乐队里抽取音色的深浅明暗度，在这方面无人能及。例如 《波莱罗舞曲》，节奏和旋律一遍又一遍地重复，但这首西班牙舞曲借助拉威尔对力度的纯熟使用 （从轻到响或从响到轻的变化）和对音色的巧妙结合，听起来使人感觉变幻莫测，趣味无穷。 三、印象主义音乐的影响 印象主义音乐是浪漫主义音乐向现代音乐过渡的桥梁之一，虽然这一乐派主要集中在十九世纪末到 二十世纪初的法国，但这种风格对于近现代音乐的发展所起的作用是不可估量的。后来二十世纪音乐中的 “表现主义”、“十二音体系”以及“序列音乐”等几种流派都或多或少地受到印象主义音乐的影响。

曲谱有几种形式？每种乐器的曲谱形式是不是都不同？

曲谱的写法有很多种，众所周知的简谱是用阿拉伯数字1234567加上一些音乐符号记载，简谱出现在民间较多。除了简谱，在音乐界运用最为广泛的就是五线谱、六线谱(或格子谱)、鼓谱，五线谱是全世界通用记谱方式，它大致分为三种：高音谱(又名G谱)，低音谱(又名F谱)，中音谱(又名C谱)。所有的键盘与管弦乐器都可用五线谱记谱。曲谱形式会因乐器的不同略有变化。

越剧回十八有几种不同的版本曲谱

我国的民族音乐及戏曲音乐，最初使用的是工尺谱。

工尺谱是中国传统的记谱法之一。因用工、尺等字记写唱名而得名。它与许多重要的民族乐器的指法和宫调系统紧密联络，在中国古代跟近代的歌曲、曲艺、戏曲、器乐中应用广泛。

工尺谱最初可能是由管乐器的指法符号演化而成，由于它流传的时期、地区、乐种不同，因而所用音字、字型、宫音位置、唱名法等各有差异。近代常见的工尺谱，一般用合、四、一、上、尺、工、凡、六、五、乙等字样作为表示音高(同时也是唱名)的基本符号，可相当于sol、la、si、do、re、mi、fa(或升Fa)、sol、la、si。

工尺谱是为中国所特有的记谱方法。在民间流传甚广。直到今天许多老艺人还是习惯用工尺谱来演唱或记谱。在研究整理民族音乐遗产、向民间音乐学习方面，它仍有着积极的特殊的意义。

19世纪末20世纪初，简谱由日本传人我国。

1903年，留学于日本东京音乐学校的曾志忞在留日江苏同乡会于东京编辑出版的中文杂志《江苏》第六、七期上发表《乐理大意》一文介绍西洋乐理知识，并以简谱与五线谱对照的形式刊登了《练兵》、《春游》等六首歌曲，这被是认为是目前所见中国人使用简谱的最早记录。近代音乐教育家沈心工也是简谱的最早传播者之一，他编辑的《学校唱歌集》于1904年出版，成为中国出版并流行的第一部简谱歌集，从此后简谱逐步普及到各地的学校。由于它的简明易学和排印方便，在年代兴起的中国抗日救亡群众歌咏运动中，简谱对于歌曲的传播发挥了极大作用。同时，简谱本身也得到进一步完善和普及。

简谱得以在中国广泛普及，还有一个原因，就是简谱的记谱法与流行在中国民间的一种文字谱——工尺谱相当接近。如工尺谱是用“上尺工凡六五乙”几个字和附在字左边的不同的偏旁来表示音的高低的，而简谱则是用七个阿拉伯数字和附在数上面或下面的圆点，来表示音的高低。工尺谱是用附在字右边的板眼符号来表示音的长短，而简谱则是用附在阿拉伯数右面或下面的短横线，来表示音的长短。简谱与工尺谱如此相近，简谱记录音的高低长短的方法又比工尺谱更简便、更精确，因此中国人十分容易接受简谱。

就世界范围而言，中国是把简谱吸收的最好、又将其发扬光大的国家。世界上没有哪一个国家像中国这样，简谱得到如此普及。

简谱有着较简单易学、便于记写等多种优点，这使它在中国有着比五线谱更为众多的使用者，对于推动和普及群众性的音乐文化活动起着重要的作用。我国的许多音乐家在创作乐曲时，记录最初的创作乐思，多习惯使用书写方便的简谱。聂耳创作《义勇军进行曲》、冼星海创作《黄河大合唱》时，他们的初稿也都是用简谱来记写的。

图形有几种形式,每种形式各有什么特征

一共七种形式——四周型、紧密型、穿越型、上下型、衬于文字下方、浮于文字上方、和嵌入型。

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歌曲的演唱形式有几种？

独唱：一个人单独演唱歌曲，称为"独唱"。人声分类中的任何声部都可以担任独唱。演唱时一般用钢琴或小乐队伴奏，有时还可加入人声伴唱。 独唱要求演唱者有较高的艺术素养和较好的歌唱技巧，独唱者是音乐作品的解释者和表现者，他（她）直接运用"声"和"情"对音乐作品进行艺术的再创造。

（2）齐唱：很多人一起演唱单声部的歌曲，称为"齐唱"。齐唱的人数多少不限，可以是男女混声齐唱，也可以是男声齐唱或女声齐唱。齐唱时，可以用乐器伴奏，也可以不用乐器伴奏。 齐唱要求歌声整齐、统一、巨集亮。齐唱歌曲大都富于战斗性和号召力，是群众歌咏活动中的主要形式。

（3）合唱：将许多人分成几个声部，同时演唱有两个或两个以上不同曲调的歌曲，称为"合唱"。常见的合唱形式有：混声二部合唱（由男女声混合组成），混声四部合唱（由女高、女低、男高、男低四个声部组成），同声合唱（分男声、女声、童声的二部、三部合唱）等形式。合唱一般用钢琴或乐队伴奏，但也有不用乐器伴奏的，称为"无伴奏合唱"。 合唱有着丰富的表现力，讲究整体音响的谐和与协调，要求各声部的音色相应统一，音量相应平衡，各声部的出现有层次。另外，对各声部的音准、节奏、力度、速度都有严格的要求。

（4）领唱：在齐唱或合唱中，由一个人单独演唱一个乐段或一些乐句的，称为"领唱"。 领唱部分一般与齐唱或合唱部分构成呼应，形成对比。

（5）对唱：两个人或两组人作对答式的演唱，称为"对唱"。对唱有男女声对唱，男声对唱，女声对唱等形式。 对唱大多是单声部歌曲，气氛热烈而欢快。

（6）重唱：多声部的歌曲每声部只有一人（或二人）演唱的，称为"重唱"。重唱有男女声二重唱，男声或女声重唱（包括二重唱、三重唱、四重唱）等形式。 重唱和对唱的主要区别，就在于重唱是以多声部（两个声部或两个声部以上）的形式出现。但是有的歌曲往往将对唱和重唱结合在一起。如黄河大合唱中的《河边对口曲》，先是甲、乙两两男声对唱，然后将甲、乙两个曲调叠置起来，组成重唱。

（7）轮唱：将许多人分成两个或三个、四个声部，各声部相隔一定的拍数，先后演唱同一曲调，称为"轮唱"。 轮唱时，各声部形成此起彼落、相互呼应的热烈气氛。这种手法叫做"卡农"，是复调音乐的一种。

（8）小组唱：一个小组的人同时来演唱一首单声部的歌曲，称为"小组唱"。小组唱实际上是齐唱的一种形式，只不过人数较少而已。 如果演唱的是多声部歌曲，则称为"小合唱"。

（9）表演唱：演唱歌曲时，边唱边做动作，这种有动作表演的演唱，称为"表演唱"。表演唱在演唱方面往往采取对唱或小组唱形式。

（10）大联唱：围绕一个特定的专题，选择内容有关的歌曲，并采用诗朗诵或乐曲联奏等方法，将各歌曲连贯起来进行演唱，称为"大联唱"大联唱不一定局限于齐唱，可能还包括独唱、合唱、轮唱等多种声乐演唱形式。 中西乐器知识 骨哨、编钟、古琴。

音乐有几种形式

摇滚乐

流行音乐的一种。20世纪50年代早期发掘于美国，后遍及世界。由一组人演出，如其中包括人声、吉他（通常带有电声扩大装置）以及其他各种鼓，摇滚乐又可分为民间摇滚乐、爵士摇滚乐和朋克摇滚乐。摇滚乐产生于战后社会矛盾不断激化的生活现实中，因此，歌词常演的社会内容，有反叛意味。它直白的喊唱与强劲的节奏是青年人不堪生活压力下的宣泄。

爵士乐

一种以即兴演奏和变化丰富的节奏为特点的音乐形式。源于美国新奥尔良的贫民区，当地黑人文化和欧洲文化的独特的交融，在19世纪末、20世纪初储存了它的产生。可以独奏，或以任何一种方式组合演奏者。乐器组合通常包括独奏乐器单簧管、萨克斯管、小号和长号和一个提供节奏背景的打击乐器组，由鼓、低音提琴或低音吉他、钢琴或吉他组成。演奏者对器乐、声乐音色和节奏的抑扬顿挫在即兴中的独特处理，与强烈节奏引起的亢奋，成为爵士乐的特点与风格。

独唱

声乐演唱形式之一。由一人演唱，常用乐器或乐队伴奏，亦有用人声伴唱者。

重唱

声乐演唱形式之一。指每个声部均一个人演唱的多声部乐曲及其演唱形式。按声部或人数分为二重唱、三重唱、四重唱等。重唱在歌剧中常见，也是室内乐的演唱形式之一。

齐唱

声乐演唱形式之一。由两个以上的歌唱者，按同度或八度音程关系同时演唱同一曲调。

合唱

声乐演唱形式之一。指两组以上的歌唱者，各按本组所担任的声部，演唱同一乐曲。分同声（纯粹是男声、女声或童声）、混声（男女声混合）两类，又根据声部的多寡再分为女声二部合唱、男声三部合唱等。最常见者为女高音、女低音、男高音、男低音的混声四部合唱。合唱常辅以乐器伴奏，纯粹由人声演唱而无乐器伴奏者，称无伴奏合唱。

独奏

器乐演奏形式之一。由一个人演奏某一乐器。常有其他乐器或乐队伴奏。

三重奏

器乐演奏形式之一。指3件乐器的演奏者，各按自己所担任的声部演奏同一乐曲。也可指由3件乐器演奏的乐曲。此种乐曲系由复调风格的三声部奏鸣曲演变而成，通常用奏鸣曲套曲形式，有4个乐章。由大、中、小提琴演奏者组成“弦乐三重奏”，由3件管乐器组成“管乐三重奏”；由钢琴与另两件乐器组成“钢琴三重奏”。

四重奏

器乐演奏形式之一。指5件乐器的演奏者，各按自己所担任的声部演奏同一乐曲。亦指由4件乐器演奏的乐曲。通常用奏鸣曲套曲形式，有4个乐章。由两把小提琴、一把中提琴、一把大提琴组成“弦乐四重奏”；由小、中、大提琴与钢琴组成“钢琴四重奏”，亦有由管乐器和弦乐器组合的四重奏。

五重奏

器乐演奏形式之一。指5件乐器的演奏者，各按自己所担任的声部演奏同一乐曲。亦指由5件乐器演奏的乐曲。通常用奏鸣曲套曲形式，有4个乐章。由两把小提琴、两把中提琴、一把大提琴组成“管弦乐五重奏”；由4个弦乐器与钢琴组成“钢琴五重奏”，也有管乐器与弦乐器，或管乐器、弦乐器或钢琴组成。

鼓吹乐

中国器乐合奏形式之一。另一说专指中国古乐之一种。源于北方少数民族。后被历代统治阶级所用，作为军乐、宴乐，及其他各种仪式中。古时常用乐器有鼓、钲、箫、笳等。长期以来在民间不断衍变和发展，广泛流传。演奏形式有三种，分别以唢呐、管子、笛3种类型乐器主奏。如冀东鼓吹、山东鼓吹以唢呐、海笛为主奏乐器，山西八大套、冀中管乐中以管子为主奏乐器等。

山歌

中国民歌的一种体裁类别。一般是指人们在山野、田间、牧场等劳动中，为抒发思想感情而编唱的民歌。大多是以独唱或对唱形式出现。见景生情，即兴编词，内容以表现劳动与爱情生活为主。山歌的音乐极富地方特色，是民歌中风格性最强的品种。山歌的种类繁多，分布很广。南方有“客家山歌”、“兴国山歌”、“柳州山歌”、“江浙山歌”、“弥渡山歌”等；北方有“信天游”、“山曲”、“花儿”、“慢赶牛”、“爬山调”等；少数民族地区有蒙古族的“长调”，苗族的“飞歌”，藏族的“哩噜”，壮族的“欢”、“加”、“伦”以及彝、瑶族、黎族、畲族的各种山歌等。草原的“牧歌”，水乡的“渔歌”，平川的“田歌”或“田秧歌”，都与山歌的性质相类似。山歌的风格有的悠扬秀丽，有的豪放粗犷。各地山歌都有一些代代相传的曲调，歌者即在这些曲调上即兴编词歌唱。其曲调的节奏较自由，有字密、腔长的特点。乐段结构常见的有2乐句乐段、4乐句乐段，多为单乐段的反复或变化反复。

弦诗曲

中国民间丝竹乐乐种。流行于广东潮州、汕头等地。常用曲目除十大名曲《薰风曲》、《寒鸦戏水》、《平沙落雁》、《月儿高》、《昭君怨》、《凤求凰》、《小桃红》、《玉连环》、《锦上添花》、《黄鹂词》外，还有《出水莲》、《柳青娘》等。常用的乐器有二弦、扬琴、秦琴、琵琶、三弦、月琴、椰胡、二胡、横笛、唢呐、洞箫、小鼓、木鱼等，以二弦领奏，其他乐器根据演出形式而定。乐曲通常由3个部分组成，即慢板（头板、二板）、快板（三板、考板）、尾声。演奏者可即兴加用花音、揉音、滑音等技巧。演奏风格细致优雅。民间艺人使用二四谱。由二四谱的演奏又产生了“轻三六”（多表现轻快活泼的情绪）、“重三六”（多表现庄重激昂的情绪）、“轻三重六”（多表现清新优丽的情绪）、“活五”（多表现凄凉悲切的情绪）4种调。

交响曲

通过综合运用并挖掘各种乐器效能及表现力，来塑造音乐形象，体现作曲家内心情感和思想理念的大型器乐套曲形式。由交响乐队演奏，它实质上是交响乐队的“奏鸣曲”，但比奏鸣曲更富于表现力、更加富于恢巨集的气势。交响曲是音乐发展史上举足轻重的音乐形式。“symphony”一词源于古希腊，意为“共响”。早期的交响曲由17世纪末义大利式歌剧序曲演变而来，序曲“快板——慢板——快板”的结构形式为交响曲的套曲形式打下了基础。序曲性质的交响曲在18世纪逐渐脱离歌剧，吸收其他器乐曲的因素，发展成为独立的有3个乐章的器乐体裁，依然属于小型乐队或器乐重奏的作品；后经海顿、莫扎特的大量创作实践，最终确立了规范的交响曲式，即古曲交响曲。它包括有4个乐章：第一乐章，快板，奏鸣曲式；第二乐章，慢板（或稍慢），节略的奏鸣曲式、三段式、复三段式、变奏曲式，具有抒情性；第三乐章，快板（或稍快），小步舞曲；第四乐章，快板（或急板），回旋曲式、奏鸣回旋曲式等。此外，交响曲整体的调性布局、和声结构、各乐章间的对比与平衡、乐队中乐器的组合与规模等均得到规范化而基本定型。交响曲在贝多芬手下则被发挥到极至，乐曲的展开部与尾声得到扩大，主题对比强烈，和声富于动力性，第三乐章以谐谑曲取代小步舞曲等，都是贝多芬深化交响曲体裁的具体体现。他的《第三交响曲》使交响曲进入19世纪浪漫主义交响曲的新阶段。19世纪浪漫主义交响曲的最大特征是个性突出，因而也决定此时期的交响曲在不同的作曲家笔下，无论内容、形式、技巧有着不同的创新，出现了以歌唱性旋律取胜的抒情交响曲——奥地利作曲家舒伯特的《未完成交响曲》、标题交响曲——法国作曲家柏辽兹的《幻想交响曲》等，还产生了新的交响乐体裁“交响诗”。同时各国的民族交响曲也兴起，俄国的里姆斯基-科萨科夫、柴科夫斯基，捷克的德沃夏克，芬兰的西贝柳斯等都作有具浓郁民族风格的交响曲。此时期的交响曲，其乐章数目有多有少，不局限在4个乐章，乐队编制上有时也有变化。家喻户晓的交响曲主要有奥地利作曲家海顿的《第四十五交响曲》（“告别”）、《第九十四交响曲》（“惊愕”）、《第101交响曲》（“时钟”），莫扎特的《第四十交响曲》、《第四十一交响曲》（“朱庇特”），德国作曲家贝多芬的《第三交响曲》（“英雄”）、《第五交响曲》（“命运”）、《第六交响曲》（“田园”）、 《第九交响曲》（“合唱”），等等。

材料的弯曲变形有几种形式？

有自由弯曲，接触弯曲，矫正弯曲。

是不是只有会某种乐器的，才可以看着曲谱就会唱歌词呢？

不是，不一定非要会一种乐器，但是这也不简单。这样的话就需要有基本的节奏感，懂得或者会各种各样的节奏；其次，要有一定的视唱练耳能力，就是听到一个音能准确说出是那个音，或者是看到音符能够准确的唱出来。一首歌基本的也就是旋律和节奏结合，掌握了这两者你才能做到看着曲谱就能唱歌。只不过学乐器的人这些基本的东西都是要会的（但是大部分人学乐器的都也只是学了一点），因此他们当中学的好的人理所当然就会看着谱子直接唱了。

我是学吉他的，我的老师就有这水平，呵呵~

离合器有几种形式

三种

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