1德国新天鹅堡
为了实现他梦幻中的世界，巴伐利亚国王路德维希二世建造了一座宫殿，就是这座新天鹅堡。由新天鹅堡远眺，眼前是由法尔格湖，阿尔高阿尔卑斯山和菲森组成的广阔风景。
这座城堡即使是在当初建造的时候，也不适合居住。不过由于它壮观美丽及高贵的气质，它被称为是“最接近童话的地方”。路德维希二世也因为他的城堡，而被后人们称做是“童话国王”。这位国王敏感而脆弱，心中充满着浪漫却又不切实际的想法。
在第一次见过路德维希二世后，理查德瓦格纳这样写道：“他是这样的英俊，有教养，充满热情而又真诚，我真担心他的生命会象神圣的梦一样逝去。” 1864年当路德维希二世登基时，只有18岁。他喜欢艺术，尤其爱好音乐和戏剧，他身材高大，英俊潇洒，令人敬畏。当他还是少年时，就是一副童话王子的模样。但是，他本身却充满着悲剧色彩。对现实的憎恶，对人民的失望，加上无法抑制同性恋癖好而不断自我折磨，使他只有沉溺在梦和美学虚幻的世界中。他先后修建了新天鹅堡，林德宫和基姆湖城堡，想要通过修建城堡来实现他心中的梦幻，尽管这些城堡一点都不实用。终于，大臣们不愿再出资筹建城堡，他们授意一个由4 人组成的医务小组宣布路德维希二世精神错乱，并将他罢免，放逐到施塔恩贝格湖的贝格城堡。1886年6月13日晚上，路德维希二世和他的医师一起溺死于施塔恩贝格湖中。
新天鹅堡一直是这位童话国王心中浪漫典雅的中世纪的化身。城堡本身所具有的魅力以及国王悲伤的故事，更为这座精致绝伦的城堡增添了几分感伤而又浪漫的气氛。
2芬兰的图尔库城堡
图尔库城堡位于奥拉河的入海口旁。这座军事防御的城堡始建于1280年，旧城堡部分用了280年时间。文艺复兴式的新堡部分则是在1574-1588年间建的，包括国王和王后大厅。当时的图尔库还属于瑞典的领地。瑞典国王来芬兰都住在这里，有14位瑞典国王以此为行宫。二战中城堡遭破坏，战后经修复，新堡部分被改成图尔库文化历史博物馆。城堡还有18到20世纪的古钱币和徽章展览。
3瑞典的格里普斯科尔摩城堡(Gripsholm)
这座复古式的城堡建于450多年前。 Gripsholm城堡里有4世纪时代的家具和装饰品。 这里也是瑞典国家肖像画廊所在地。
4瑞士的西庸城堡(chillon)
建筑在蒙投莱茵湖畔的突出岩石上好象漂浮在湖水上的城堡正是代表瑞士的美丽古城西庸城堡。
西庸城堡位于美丽的湖畔，城堡保持着中世坚固的美丽。西庸城堡本身就非常美丽，并且和周围的景致协调的外观，显而易见的坚固，安全感正是西庸城堡的特征。西庸城堡的特点还在于四面的风光，一面是意大利古老的大路，一面是美丽的莱茵湖。
此城历史悠久。虽然建立城堡的岩石上存有古代人生活过的痕迹，第一次对西庸城堡的记录是在1160年。
西庸城堡是为了控制军事意义重大的南北通道和湖水，山之间的小道而建立的军事要塞。从12世纪成了Savoy王族的所有，13，14世纪成了王族的夏宫，作为军事要塞和司法机关。这个时期也是西庸城堡的黄金期。
从1536年到1798年成了伯恩人统治的Vaud洲的所有。就是他们在城堡留下自己最美丽的装饰。随着1798年Vaud洲的独立，西庸城堡也成了他们的所有。
19世纪浪漫主义时代西庸城堡因为在Jean-Jacques Rousseau， Victor Hugo， Alexandre Dumas， Byron等著名作家的故事中登场而广为人知，其中‘西庸城堡的罪人(The Prisoner of Chillon)’是闻名世界的名著。
西庸城堡的入口有巨大的柱子。在这些柱子中留下了著名作家拜仁的笔记。事实上有人说那不是拜仁的真迹。笔记的年代和拜仁生活的年代也有所不同。但是因为这个笔记，西庸城堡的意义更加深远，现在的西庸城堡和拜仁是分不开的关系。
西庸城堡的内部古朴的房间里面展示着当时使用过的物品。各种器皿和银剑，头盔和刀等，可以回味当时贵族的生活。虽然笨拙，但非常协调的木床和充满美丽的墙壁，显出城堡浪漫的生活。城中的礼拜堂里面通过幻灯，重现过去的壁画，用手挡住光线，就能看见模糊的实际的壁画。走上迷路般的台阶，就能到屋顶。
在屋顶俯视莱茵湖的绝境，还有眺望法国国境是西庸城堡的另一个魅力所在。
西庸城堡将继续保持现今古朴的样子，向游客展示建筑物的历史。 城堡周围的莱茵湖和保持古朴氛围的西庸城堡值得一游。与瑞士的自然融为一体，历史悠久的西庸城堡，在那里品位历史。
5法国的朗热堡(Langeais)
6德国霍亨索伦堡@multimore@德国南部最著名的两大城堡之一，位于图宾根南方20公里的丘陵上。古堡等于是霍亨索伦家族的发源地(霍亨索伦家族是布兰登堡─普鲁士 1415～1918年及德意志帝国的主要统治家族)。霍亨索伦堡建于11世纪，现今的霍亨索伦堡是于1850年至1867年，由普鲁士建筑家Von Prittwitz和Stuler共同改建的，与新天鹅堡的兴建大约是同一时期，但是与新天鹅堡宛如童话般的外貌相比，霍亨索伦堡就似充满英雄主义的阳刚之气，这也正代表普鲁士王朝的辉煌历史。城堡内展示腓特烈大帝的遗物、普鲁士王的宝物及王冠等。城堡目前仍有普鲁士王朝末代皇帝威廉二世的子孙仍居此地，但城堡部分对外收费开放。
7英国的爱尔兰朵娜城堡(Eilean Donan)
城堡因其主人StDonan而命名。StDonan，原名是Abbot Donan，6世纪Ayrshire人，在城堡中过着修道生活。公元618年四月十七日，当他和其他僧侣一起庆祝Holy Eucharist的时候，修道院遭到了一伙海盗的抢劫，他和另外52名僧侣被斩首。
城堡因其地理位置三面环水又在西海岸，从来都是遭受入侵首当其冲的地方。日耳曼人，维京海盗，以及后来的西班牙人，都在这里登陆。
8慕尼黑宁芬堡
宁芬堡是历代王侯的夏宫，坐落在慕尼黑西北郊，建于1664至1728年，主建筑是巴洛克风格，整座宫殿坐西朝东，由一幢幢方形楼房连结成一组建筑物，正面长达600米。是斐迪南·马里亚亲王送给妻子的礼物，感谢她生了儿子使王国有了继承人。它的扩建工程前后花了200年时间。虽然这座宫殿没能达到法国国王路易十四王宫那样的规模，但肯定是德国这类宫殿中最大的一座。以南端的仕女画廊最为著名。这个画廊诞生100多年来始终强烈地吸引着无数的艺术爱好者和旅游观光者。掩映在万绿之中，有一所小巧玲珑的狩猎行宫——阿玛琳宫，内部装饰纤巧精美。
9德国瓦尔特堡
瓦尔特堡坐落在德国图林根州阿尔卑斯山北部余脉的瓦尔特堡，是一座几乎没有遭到破坏的中世纪城堡。这座城堡建于1067年，最后完工在1170年。无论是建筑材料还是建筑规模或城堡内的设施，瓦尔特堡都是首屈一指的。1521——1522年间，宗教改革家马丁-路德为了逃避教皇和皇帝的追捕而在此避难和躲藏，在城堡中，他以神奇的速度将新约从希腊文翻译成为德文，城堡中至今保存有传说中的路德秘密隧道。瓦尔特堡也是德国世界遗产之一。
003010是周杰伦将于2012年12月12日发行的第十二张专辑。继第二张专辑《再见范特西》、第七张专辑《范特西》之后，周杰伦再次回归范特西的经典主题，为华语乐坛注入了更多奇幻的音乐能量。不知道是巧合还是有意为之，周杰伦的范特西主题专辑只隔了五张。据朱厄尔的工作人员透露，其实早在《依然范特西》这张专辑制作的时候，下一张专辑的主题就已经确定了，那就是延续范特西，回归经典流派。谈及为什么新专辑的标题是这么常见的一个词“再见”，工作人员解释说再见有双重含义。一方面，这意味着歌迷朋友们可以再次见证范特西的华丽回归，也必将引领范特西的风暴再次席卷华语乐坛。另一方面，它实际上是范特西主题的结尾。范特西分为三部分，上部分是《惊叹号》，中间部分是《范特西》，最后部分是《依然范特西》。虽然《再见范特西》代表了周杰伦音乐的最高峰，但是周杰伦说《范特西》会超越经典，写下新的一页。目前新专辑已经完成一半。之所以这么快，是因为在《再见范特西》的创作过程中，周杰伦已经写了20多首歌，其中有11首被选入《惊叹号》。当然，剩下的并没有全部放进这张新专辑里，只是选了一部分。原因可能是出于对音乐风格的考虑。多达一半的歌词已经写完了。杰伦说这张新专辑肯定是精心准备的，而且是精心准备的。剩下的一半歌曲已经开始创作了。提前创作歌曲是为了有更多的时间去修改，让粉丝更满意，更安心。再加上今年《惊叹号》要开拍了，需要提前开始做专辑。虽然新专辑的风格回归了经典风格，但杰伦表示，大家听完一定会很震撼，MV中会出现周杰伦从未见过的惊艳造型。这张专辑有12首歌。当然作曲是周杰伦本人。歌词方面，除了左右搭档方文生和，10多年没有合作过的薇薇安碧黛苏兰(VivianBidaiSyulan)将在周杰伦的邀请下再度出山，为周杰伦的新专辑描绘一道亮丽的风景。除了在新专辑中写歌词，BidaiSyulan还将在新专辑的MV中担任女主角。不得不说这个阵容很精彩。方舟子的诗情画意，的诡异风格，碧黛诗兰的可爱风格，周杰伦的细腻风格，《不能说的秘密2》将是今年最值得期待的专辑。虽然这张专辑还有很多前人写的主题，比如亚特兰蒂斯，塔罗牌等等。但是，相信周杰伦、方舟子、的组合，一定会创造出更加迷人的周风格。完整曲目信息：01亚特兰蒂斯作曲：周杰伦作词：樊尚方编曲：02卢森城堡作曲：周杰伦作词：周杰伦编曲：周杰伦03热气球作曲：周杰伦作词：徐若_编曲：黄雨勋04海岛作曲：周杰伦作词：徐若_编曲：黄雨勋05塔罗作曲：周杰伦作词：作词方刚，编曲蔡，作曲周杰伦，作曲方刚，作曲，作曲周杰伦，作曲，作曲，作曲周杰伦，作曲，作曲周杰伦，作曲，作曲，作曲，作曲，作曲。酒作曲：周杰伦作词：方文生编曲：歌曲简介：亚特兰蒂斯3354探索神秘的海底文明。作曲：周杰伦作词：方刚编曲：《再见范特西》林迈可第一号主打歌，周杰伦作曲，方刚作词。故事会以周杰伦《说书人》的形式给你讲述一个美好的旧日爱情故事。故事的主人公是一位探险家，他曾经穿越比米尼墙，去回忆前世与女主角的爱情故事。
这一次，MV更多的使用电脑特效，营造出一个宏伟的亚特兰蒂斯海底世界。周杰伦将首次尝试在《深海》中弹琴，演绎独特的范特西风格。卢森的城堡——抒情励志歌曲作曲：周杰伦作词：周杰伦编曲：周杰伦这首由周杰伦自己作曲的作品是一首非常励志的歌曲。音乐很温暖很舒服，感觉有点像《再见范特西》。讲述一个叫卢森的小男孩如何走出忧郁的内心世界的故事。歌名给人似曾相识的感觉。是的，周杰伦坦言是和卢森堡这个名字联系在一起的。虽然是外国地名，这首歌里，那个叫的小男孩，却是一个地道的台湾省人。事实上，城堡是一个小男孩忧郁的心灵世界的隐喻。周杰伦希望这首歌能给孩子们带来温暖。也呼吁社会对抑郁症儿童给予更多的关注。热气球3354是一首清新抒情的情歌。作曲：周杰伦作词：碧黛修兰编曲：黄雨勋《听妈妈的话》是一首很浪漫的小情歌。音乐风格非常清新自然。不得不佩服周杰伦已经三十多岁了，但是很久以前年轻可爱的感觉还是一如既往。周杰伦将在MV中担任主角，薇薇安碧黛希兰(VivianBidaiSyulan)将担任主角。这次去澳洲拍MV，会做一个杰伦专属的热气球，一起乘坐热气球冲出银河系。直升机将首次用于空中跟踪拍摄，这在华语乐坛也是第一次。只能说周杰伦的想法真的很独特。——岛上的浪漫情怀作曲：周杰伦作词：BidaiSyulan编曲：黄雨勋想到这座岛，你会想到什么？沙滩，烈日，森林还是美景？无疑，这又是一首让人心旷神怡的抒情RB情歌。音乐很好听，有一种清澈透明的感觉。周杰伦将再次表演木吉他，吉他清脆的声音，加上徐徐吹来的夏风。夏日迷人的景色，在碧黛苏兰的歌词中充满了调皮与可爱。塔卡——谁能猜到未来作曲：周杰伦作词：黄俊郎编曲：范特西歌迷期待的林迈可诡异风格将再次出现。和周杰伦、黄俊郎合作，总能给你带来别样的刺激。音乐风格和《热气球》差不多，但是从编曲上看《威廉古堡》的诡异韵味会更好。尤其是开头那奇怪的叫声，让人心有余悸。谁能猜到未来，谁就被安排好了。看周杰伦如何看透你的人生。敬请期待。围巾——经典周情歌回归作曲：周杰伦作词：方刚
编曲：蔡科俊歌名有人用过并不重要，关键在于能不能写出更让人产生共鸣的旋律，就好比《心雨》，虽然在周董之前也有人用过，但周董却能演绎出更让人心碎的意境，不得不举手称赞。简单却略带忧伤的开头，一听旋律似乎有点相似，这就对了，这才是周杰伦所特有的调调。旋律总的来说还不错，有点类似《借口》的感觉，配合抒情的英式摇滚风，给人感觉有种冬季里的温暖，一直暖到心田。或许这就是周董之所以能够一直走红的原因。空穴来风——快歌中国风作曲：周杰伦作词：方文山编曲：黄雨勋典型的舞曲加嘻哈中国风，味道就好像《本草纲目》，但旋律却截然不同。看周杰伦如何传承点穴神功，教大家点穴成功。MV主要以舞蹈为主，而且将会结合点穴所改编而出的点穴舞，舞蹈轻快又富有古风韵味，结局还有神秘旗袍美女登场哦。跳出地球——欢迎光临周杰伦行星作曲：周杰伦作词：周杰伦编曲：林迈可这首就是周杰伦先前接受采访所透露过的歌曲。周杰伦将在MV中打扮成60年后的自己，在自己专属的周杰伦行星开演唱会。MV中会使用到很多电脑特效，企图打造一个非常梦幻的周杰伦行星。和周杰伦一起跳出地球，光临周杰伦行星，看周杰伦演唱会吧！圣诞快乐——史上最帅气的圣诞老人作曲：周杰伦作词：周杰伦编曲：黄雨勋看来周董真的是豁出去了，扮演60岁后的自己还不够，在这首《圣诞快乐》将扮演和蔼可亲的圣诞老人。周董表示，很早以前就想拍出一首关于圣诞节的题材，现在终于梦想成真了。MV将远赴芬兰取景，周董扮演圣诞老人，给当地的小朋友派糖果，派礼物，和大家一起跳起圣诞舞。这首歌部分旋律将会改编某首世界名曲，自己去猜！幻想曲——天马行空的旋律作曲：周杰伦作词：黄俊郎编曲：林迈可这首歌的主题就和它的名字一样，非常范特西。黄俊郎的歌词，总能和歌曲擦出不同的火花。主要讲述杰伦有一天弹钢琴睡着做的一个梦境。梦境中杰伦和女主角分手，然后杰伦写了一首叫做幻想曲的歌曲来表达对女主角的怀念之情。池上便当——温暖疗伤情歌作曲：周杰伦作词：方文山编曲：林迈可又是一首经典的周氏情歌。这次方文山使用台湾的便当文化作为创作题材。池上便当是在台湾拥有五十多年历史的老招牌店。继《疗伤烧肉粽》之后，周董好像越来越喜欢将台湾的各种美食推荐给歌迷。歌词描述的是女主人公最爱吃的池上便当，处处充满了甜美的回忆，耐听度非常高，这首歌可以说是周杰伦近几年情歌领域的成熟之作。杜康酒——典型柔情中国风登场作曲：周杰伦作词：方文山编曲：黄雨勋这次文山用杜康酒来描述爱情，堪称一绝。记得上一次用中国的物质文化遗产做题材的中国风歌曲是《青花瓷》。柔情似水的旋律，再加上周杰伦清晰透明的声音，这感觉就犹如杜康酒一般，刚入喉感觉有点不习惯，但久而久之就感觉细水长流，香韵弥漫。《杜康酒》将再创中国风新高峰，无论是旋律，还是取景，还是故事表现手法，都堪称第一。
根据官方介绍，《惊叹号》是出的，杰伦就想在出12年的专辑，因为没有2013年13月了，所以他想赶在出了今年的专辑。我觉得很有创意，挺好的，望大家支持!
歌特音乐的主流定义范畴之内：
从后朋克衍生出来的歌特和继承了中世纪精神的黑浪潮。许多人称这是歌特音乐的两个分支或流派，这显然是不恰当的认识，它们的源头，不论在时间和空间上都相去甚远，我宁愿将它们看成毫无关联的音乐。如BAUHAUS 、SISTER OF MERCY、MISSION这样的歌特巨擘，实际上和JOY DIVISION开启的后朋克音乐一脉相承：传统的四件套、简约有力的配器、空前突出的贝司和鼓，追求音乐的狰狞和机械，以及沉重压抑的IAN CURTIS式嗓音。他们的音乐仍然传达一贯的朋克主题：城市青年的恐惧、工业文明的压抑、人与人之间疏离的痛苦以及青春的躁动和不安。这些乐队是朋克歌特风格的先行者也是保持者，除了THE CURE乐队外，我们很少见到哪支乐队对自己的音乐风格尝试过重大的突破。
黑浪潮则发端于一个完全不同的世界，他们之异于后朋克正如黑天鹅和蓝树精的丛林异于钢筋水泥混凝土的都会。无疑他们追求的是一个更飘渺的音乐情景，他们从现实中脱离出来，到中世纪精神之中去汲取虚幻的歌特风光。黑浪潮是真正的厌世者，不象后朋克们仍然在离弃之中透露出无限的尘世情结，他们否定了文艺复兴以来的一切人文情怀：人性应当被压抑，对神性的渴求和尊崇才是高尚的。这种精神上对黑暗世代的回归强烈地体现在音乐形式的复古倾向上：黑浪潮大量使用弦乐和钢琴以及古典吹奏乐器的音色，组织音乐以旋律为核心，注重丰富的层次感和气氛的铺陈，对人声，特别是女声的锤炼达到圣咏式的高度，并在音乐构造手法上表现出强烈的自我克制。与摇滚乐一贯的张扬奔放截然相反，黑浪潮在新音乐中的节制和冷静达到了顶点。从这里他们和朋克、乃至整个摇滚乐划清了界限。也正是基于此点，他们更多地被评论界称之为“新古典”。
虽然后朋克的黑暗乐队们在先以歌特被命名，但黑浪潮乐队冠以歌特一词似乎更为合适。后朋克的“歌特”是评论的结果，他们的音乐动机与此无关，歌特在这里不过作为一个简单的形容词存在，如SISTERS OF MERCY，虽然被尊奉为歌特三巨头之一，却从来不曾承认自己是歌特乐队。而对黑浪潮音乐而言：歌特时代是他们直接的出发点，他们的音乐灵魂就寄托在那些尖顶大教堂、神迹圣歌和古堡幽冥之上。所以当美国校园枪杀案发生后，歌特音乐因对少年精神的负面影响遭受舆论指责时，虽然矛头指向不相干的MASON，PROJEKT的发起人兼BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL的核心人物SAM还是站出来为歌特辩护了。
我总以为许多中国乐迷对两种音乐风格同时付出同等程度的热爱是毫无理由的，是“歌特”这个暧昧的概念将两者混为一谈了，实际上二者的源头、器材、表现手法、构造方式乃至精神内核都是大相径庭，甚至可以说是毫无关联。黑浪潮发端时，原始意义的歌特运动已经走向没落，也很少见两派音乐的创造者彼此间相互欣赏。也许喜欢音乐的确不需要理由，只有感觉是最真实的。但是如此多的人不约而同地选择迥异的两种音乐风格，并如此集中、心无旁骛地将热情投注其上，不能让人不怀疑：这感觉是一种伪饰，是分类学以及模糊定义的恶果，而根源是盲目的歌特崇拜和狭隘的另类欲望。
歌特=黑暗？
也许许多乐迷对我上面的问题还有以下的答案：黑暗是他们同时喜欢这两种音乐的唯一理由。而且黑暗，也的确成为我所见到的大多数歌特乐迷的选择标准。然而，当将一种音乐用一个视觉概念来限定时，我们已经先失一着了。我们在讨论音乐时的一个巨大问题就是不用音乐本身来解释音乐，而必须归结到文字或形象上，所以有人说中国人对音乐的理解大多数还处在卡拉OK的水平上，仿佛它不是独立自足的艺术，而是必须依赖其它形式才能被表达的寄生物。
我们可以说黑暗是一种象征，是压抑、神秘与庄重的象征，在某些方面这个词的确极好地解释了歌特音乐。但是，许多名噪一时的歌特乐队绝对没有达到这种高度而被黑暗爱好者们尊崇备至；还有一些歌特乐队从黑暗以外的途径达到了同样高深的艺术境界，譬如NICK CAVE，他依靠的是音乐中强烈的戏剧化冲突和锐利恶毒又不失高度的叙事态度，加上他的诗人情怀，成就了他的音乐艺术，在他的音乐，尤其是中后期的作品中，我们如何在SHEP SONG和INTO MY ARMS这样的歌曲中觅到黑暗的痕迹呢？ 黑浪潮”，这是一个被引起更多误解的音乐名词，它在这类音乐发生之初被固定下来，但已远不能涵盖它走过十几年历程后衍生出的所有音乐类型，现在它的功能仅仅是一个偏离了原始意义的便利通用语。我们以为某些乐队黑暗也许仅仅是因为它附属的流派、它所在的厂牌，或者仅仅是它名字中的一个“黑”字和乐队人物的特异举止。实际上，黑浪潮乐队中，中世纪情结最深的往往偏执于宗教观念，表达高洁和神圣的意图在他们的音乐中体现得十分明显，因此音乐也不失明朗和开阔;而在世俗化一些的乐队，又经常会出现温馨恬静，类似民谣和夜曲的作品，对这类音乐，与其说是黑暗，不如用MURK形容BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL的一个词更合适：“典雅的忧郁”;而如MIRA这样的乐队，发掘民歌更成为他们的重要目的，那些凯尔特民族曲风，又能和黑暗有多少亲缘？HYPERIUM的“仙音”，又有几个达到了优美与沉重并备的境地？
在网上看到了一个初听歌特者的困惑：在听过朋友热情推荐的“黑暗音乐”之后，本来打算迎接黑暗吞噬的他却为音乐摇篮曲般的甜美和安详而大感意外。是他没有领略到黑暗的精髓还是歌特迷们在先入为主的黑暗观念之中欺骗了听觉呢？我宁愿相信那双没有受到任何资讯污染的纯洁的耳朵。“黑”浪潮中实际不乏静谧的谣曲、仿古典或氛围音乐，与黑暗并无瓜葛。然而资讯力量的强大竟然压垮了音乐本身，“黑暗”们一词被严重地泛化和曲解了，那些泛滥成灾直至腐朽的普通悦耳旋律一概被封为黑暗，冠以仙音。实际上厂牌成为衡量黑暗的标准，而黑暗又成为衡量音乐的标准，乐迷对厂牌前所未有的倚重和偏执使歌特成为一个狭隘和孤僻的黑暗领地，虽然这黑暗的感觉经常源于自我的伪造。
歌特，没落中的神殿
从产生的那一天起，歌特一直就是意识大于技术的一种音乐形式，然而从JOY DIVSION起，歌特乐队们一直是摇滚乐形式突破和创造的中坚力量，他们将朋克的叛逆指针从社会转到音乐本身，以撼动和颠覆传统为乐。后朋克引爆了全面的音乐革命，曼彻斯特撒下的种子也在欧美遍地盛开邪异的花朵。
但是，颠覆一旦成为传统，结出的将是更无味的果实：歌特音乐的低技术成分决定了他们只适于充当伟大的破坏者——意识惟有通过突破性的创造才能开花，因此而导致其极易被复制的特性也为无数的效仿者大开了方便之门。那些在开端极富生命力的重复乐句和段落在给将要窒息在重金属和弦中的摇滚乐注入了一针强心剂后竟迅速地被自我所禁锢，简约成为单调，冰冷成为机械；蜂拥而起的低能投机乐队更加剧了传统歌特的腐朽，使之变成枯燥乏味的公式化催眠工具。
黑浪潮进一步拉大了技术和意识之间的差距，一个不会任何乐器的人想做音乐？可以从黑浪潮开始——这绝非戏谑。黑浪潮中电子乐占了绝对的主角，电子乐本身的冰冷气息以及一些极方便采用的音效甚至使阴暗成为几乎是不可避免的音乐气质，也使实验成为一种本能。而大部分此类电子乐的制作技巧和音色要求甚至比舞曲还要简单得多。虽然他们被称为“新古典”，其实大部分只是指他们运用的音色和和声而言，在作曲结构上，虽然体现出了同样的自我克制和深思熟虑，但黑浪潮中极少有具备真正古典音乐观念和高度的作品。尽管很多黑浪潮音乐家不乏古典音乐的背景，有人亦能请到古典乐团或音乐家与之合作，但却走不出嫁接和翻版的尴尬境地，直接翻奏古典曲目已令人称奇，更遑论创造和突破。所谓的“黑暗交响”除了少数的伟大作品外，更多的是成为大众古典和金属及电子的庸俗结合品。四平八稳的特效旋律氛围背景，悦耳的钢琴和弦乐音色交织，间或夹杂一些唾手可得的“工业”音效，几乎成为黑浪潮经典的创作模式，它比后朋克更易被效仿和复制的特性也决定了黑浪潮音乐中天才的比例更低：黑浪潮只能有一个BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL，正如后朋克只能有一个JOY DIVISION一样，而如GOETHES ERBEN这样奇思迭出、才华横溢的乐队更是难得一见，我们更多地听到的是平淡无奇的旋律流行乐，绝对的地下姿态虽然增加了他们的神秘孤傲的色彩，却难以提升他们音乐的光辉。
当然，歌特在形式上的腐朽决不意味着其精神的没落，此刻我们更应该期待的是特立独行的创作者的出现和下一场形式上的革命，将歌特音乐带出这让人昏昏欲睡或只限于精神亢奋的沉寂之地。
歌特，生命还是死亡？
我的回答绝对是前者。
一切音乐皆源于旺盛的生命力和激越的本能，当生命萎靡的时候，音乐也就死亡了。对歌特音乐而言，谁能说BAD SEEDS压抑中蕴藏的暴戾和激情少于那些嚣张的前朋克？真正的低调音乐同一切艺术一样意味着天才的爆发，惟有蓬勃的精神与生命才能支持这澎湃的才情，即便这才情释放的是无尽的痛苦。NICK CAVE说，他在JOY DIVISION的音乐中听到的是快乐;而IAN在死前不久听过了德国的实验电子，他对乐队的成员说：“这是我们以后的方向”——他的精神一直未曾停止过探索。他死了，JOY DIVISON也就不复存在，因为真正的JOY DIVISION需要的是充满生命力，连癫痫也无法阻挡的IAN。而决不象有些自欺欺人的煽动者一样，说IAN活着做出了死人的音乐。
我们不会回避歌特中众多的死亡主题，但这死亡一向是用生命来支撑的，我们看到NICK CAVE在吟唱地狱和死亡时高傲的强者姿态，就能明白优秀的艺术家从来都不是感情的沉溺者。他们裁减生命的片段并予以强化和放大，但他们的音乐绝非就是他们的生命本身，而是打磨雕琢之后的产物。正如RADIOHEAD的吉他手说：他们从来不会悲丧，相反，享受工作，精力充沛，随时愿意尝试新的东西，没有时间来烦恼。但他们同样做出了抑郁沉沦、催人泪下的音乐。
音乐是艺术，不是生活，正如鲁迅所言，戏台上的关公决不会拖着青龙偃月刀一路咿咿呀呀唱到家里去。歌特音乐的创造者们绝非嗜血者，绝望者、濒死者，那是他们对生命的诠释方式，而音乐向来都是情感的高度放大和扩张。所有这些决不应该成为听者萎靡和堕落的借口，但可悲的是那些懦弱无聊、顾影自怜的城市畸零青年们，幻想着自己的生活与偶像的音乐重叠，成为自欺的剧中人，竟相攀比着颓废和堕落的速度，玩弄生命衰弱的障眼术。
歌特，从来就不是生命的真相。
以上是电脑上存有的资料，具体的出处忘了~！以下是自己的理解：
哥特金属被阴暗，不断喧吵的哥特摇滚的冰冷气氛和重金属侵略所包围，发现了在戏剧意识和用宗教，惊骇来装饰的抒情诗般的吸引力两种风格中存在着的中间立场。像前朋克般居先的哥特金属，暧昧的仿古，金属乐队般如Rainbow, Dio和Judas Priest般已被被形容为哥特的次要的嗓音，如果没有更多的特征，那么除了真正的哥特金属总是被哥特摇滚直接影响之外，缥缈的合成器效果和幽灵般的感觉同样和吉他重复段一样重要。因此哥特金属常常保留请求听众站在天平的两端。哥特金属最先在80年代中期前段浮现，以洛杉矶为中心，所以也常被叫做“死亡金属”，这个以Christian Death为首的发生地。很多哥特金属乐队自从在美国和欧洲跳跃起来之后，便通过tongue-in-cheek Type 0 Negative在90年代更广的另类金属听众中爆发了。在后10年期间，哥特金属同样被认为在黑色金属乐队寻找新的使他们的嗓音更低沉的道路上起了很重要的影响。
以下是我所知道的哥特金属乐队：
Anathema
Buckethead
Coal Chamber
Evanescence
Godhead
Lacrimosa
Lake of Tears
My Dying Bride
Nightwish
Samael
Theatre Of Tragedy
Virgin Black
我个人还是最中意Nightwish
介绍几首他们的歌听听你会对歌特有更深的感受
over the hill sand far away
nemo
Sacrament Of Wilderness
WishIHadAnAngel
还有蒂姆·伯顿导的**里面的建筑风格都属于歌特式的，不知道他的**你看过没，这里给你介绍几部
《剪刀手爱得华》《大鱼老爸》《艾德·伍德》《查理和巧克力工厂 》
相信看过影片之后，你会更加了解歌特的！
《星星》。
这是由苏大大演唱的歌曲《星星》中的一句歌词。该首歌的歌词如下： 词：杨冠华
曲：杨冠华
怎么看见雨过后的天晴，我才让雨水模糊了眼睛，我们需要用时间来见证，我们需要用时间来证明，是你一闪一闪亮晶晶。你变得我越来越不确定，好想拥有你全部的爱情，是你一天重复给我生命，把一天当作你我的约定。
那一天有不后悔的回应，愿为你实现甜美的梦境，你是夜空中最亮的星星，怎么看见雨过后的天晴，我才让雨水模糊了眼睛，我们需要用时间来见证。
我们需要用时间来证明，是你一闪一闪亮晶晶，你变得我越来越不确定，好想拥有你全部的爱情，你一天重复给我生命，把一天当作你我的约定。
那一天有不后悔的回应，愿为你实现甜美的梦境，你是夜空中最亮的星星。
苏大大的其他歌曲：
我只中意你、浪漫古堡、你不在重要、恋爱钟声、心甘情愿等。
R&B曲风，Jay的歌大都有丰富的文化内涵，但不同的文化内涵，并不能影响曲风的定义。
R&B的全名是Rhythm&Blues，一般译作"节奏布鲁斯"。广义上，R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的Blues音乐，是现今西行流行来和摇滚来的基础，Billboard杂志曾介定R&B为所有黑人音乐，除了Jazz和Blues之外，都可列作R&B，可见R&B的范围是多么的广泛。
他自创的周式RAP跟R&B。
融合中西音乐的特点、优点，再加上他自己的风格（当然他的唱腔也很重要）。
你喜欢的可能是它们的编曲吧？开头来点交响乐，中间穿插女高音，加一些生活中的声音进去之类的。杰伦大部分歌是钟兴民编的。
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦15首必听经典有：《印第安老斑鸠》、《牛仔很忙》、《mojito》、《迷迭香》、《乌克丽丽》、《美人鱼》、《威廉古堡》、《米兰的小铁匠》、《土耳其冰淇淋》、《伊斯坦堡》、《麦芽糖》、《忍者》、《梯田》、《上海一九四三》、《千山万水》。
周杰伦音乐合集：
提取码：oyeq
1《印第安老斑鸠》《印第安老斑鸠》曲风同时以RB及NewHip-Hop为主，加上古典巴洛克式弦乐伴奏及Band的加入，形成一种英国式的复古风格。2《牛仔很忙》是一首特制的周氏牛仔风，其中加入了踢踏舞的节奏、乡村式的吉他旋律、诙谐口语的歌词，当前奏一响起，就让人掉入西部**的画面中。3《mojito》新歌以古巴鸡尾酒《Mojito》为名，充满了古巴风情的拉丁曲风。对于新歌的创作，周杰伦表示“古巴一直是我想去的地方，因为有各式各样颜色的古董车，大家都知道我从以前就很喜欢古董车了，所以这次也为了《Mojito》这首歌特地到古巴拍摄MV。”4《迷迭香》《迷迭香》的曲风不同于周杰伦以往的歌曲，周杰伦在成名后并未保守地止步不前反而大胆尝试，勇气可嘉。歌曲以慵懒的鼓声敲开夜的薄纱，在充满异国情调的曲风烘托下，周杰伦的唱腔也变得很温柔。5《乌克丽丽》《乌克丽丽》由周杰伦作曲、作词，林迈可编曲。这首歌曲是周杰伦以夏威夷传统拨弦乐器乌克丽丽为主题而创作的一首民谣情歌，歌词描述女孩的美丽、温柔宛如乌克丽丽。6《美人鱼》周杰伦歌曲《美人鱼》这首充满浪漫童话风格的“美人鱼”，中版轻快嘻哈曲风却暗藏著美人鱼的眼泪，隐喻爱情的执著与哀愁。7《威廉古堡》《威廉古堡》是初出茅庐的周杰伦便为乐坛呈现众多形态款式音乐作品中的点睛之笔。8《米兰的小铁匠》米兰的小铁匠，讲了一个小铁匠的故事，他想攒钱买把吉他，一直没如愿。歌曲最后一遍副歌前有段掌声，这个设计太销魂。9《土耳其冰淇淋》周杰伦有一首较为冷门的歌，叫《土耳其冰淇淋》。里面的歌词将土耳其冰淇淋“狡猾”、“多变”的特质表露无遗。10《伊斯坦堡》《伊斯坦堡》收录在周杰伦第一张专辑《JAY》中。伊斯坦堡位于亚欧两洲交界处，是土耳其的古都及第一大城市，其历史悠久文明包容，故而也是旅行的绝佳城市。11《麦芽糖》《麦芽糖》是一首满载清新香气的轻快情歌，周杰伦将泰语唱到歌词当中，创意十足。这首歌曲有着初恋般的亮色感动，歌词和音乐都是孩童般的充满幻想。12《忍者》《忍者》是典型的周杰伦式唱法。不强调咬字，而着重音乐神韵，加上神秘的东洋乐风，刻画出一个忍者的形象。
13《梯田》《梯田》是周杰伦演唱的一首歌曲，由周杰伦作词、作曲、编曲，收录在周杰伦2003年7月31日发行的专辑《叶惠美》中。14《上海一九四三》《上海一九四三》由周杰伦演唱。该曲以台湾老兵遥想父母的故事为创作背景，也是20集电视连续剧《丑女大翻身》的结尾曲。15《千山万水》《千山万水》是周杰伦为2008年北京奥运会量身打造的歌曲，不仅写出了中国的人文精神和文化底蕴，而且展现了中国波澜壮阔的壮志雄心。
周杰伦用自己名字写的歌
周杰伦自己作词的歌曲的歌曲有：
1、晴天：
《晴天》是周杰伦演唱的歌曲，由周杰伦作词、作曲、编曲，收录于周杰伦2003年7月31日发行的专辑《叶惠美》中。2003年，该曲获得“第十届全球华语音乐榜”港台地区最佳歌曲奖，2005年，获得“第四届全球华语歌曲排行榜”年度最受欢迎金曲奖。
2、等你下课：
《等你下课》是由周杰伦作词、作曲，周杰伦与杨瑞代共同演唱的歌曲。该曲在2018年1月18日以单曲的形式发布。2018年8月29日，该曲获得2018年华人音乐盛典年度金曲奖，12月18日，获得BillboardRadioChina2018年度华语金曲。
3、不爱我就拉倒：
《不爱我就拉倒》是周杰伦演唱的一首歌曲，由周杰伦、宋健彰作词，周杰伦作曲，陈思翰编曲。该曲于2018年5月15日以单曲的形式发布。2018年5月19日，该曲在浙江金华全球首唱。
4、蜗牛：
《蜗牛》是周杰伦作词、作曲的一首歌曲，是世界展望会的公益活动“饥饿三十”的主题曲。1999年，由许茹芸、齐秦、动力火车、熊天平首次合唱，收录在专辑《真爱无敌》中。
5、半岛铁盒：
《半岛铁盒》是周杰伦演唱的一首歌曲，由周杰伦作词、作曲，林迈可编曲，收录于周杰伦2002年7月18日发行的个人专辑《八度空间》中。此曲获得了2002MusicRadio中国TOP排行榜港台十大金曲奖项。
周杰伦一直唱自己名字的歌
朋友是周杰伦的
歌词：如果说怀疑可以造句
如果说分离能够翻译
如果这一切真的可以
我想要将我的寂寞封闭
然后在这里不限日期
然后将过去慢慢温习
让我爱上你那场悲剧
是你完美演出的一场戏
宁愿心碎哭泣再狠狠忘记你爱过我的证据
让晶莹的泪滴闪烁成回忆伤人的美丽
你的完美主义太彻底
让我连恨都难以下笔
将真心抽离写成日记像是一场默剧
你的完美主义太彻底
分手的话像语言暴力
我已无能为力再提起决定中断熟悉
然后在这里不限日期
然后将过去慢慢温习
让我爱上你那场悲剧
是你完美演出的一场戏
宁愿心碎哭泣再狠狠忘记你爱过我的证据
让晶莹的泪滴闪烁成回忆伤人的美丽
你的完美主义太彻底
让我连恨都难以下笔
将真心抽离写成日记像是一场默剧
你的完美主义太彻底
分手的话像语言暴力
我已无能为力再提起决定中断熟悉
he~~~~~~
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
周杰伦周杰伦周杰伦
范玮琪梁静茹离婚
两人结婚九年，看起来也是一帆风顺，相识的时候，也是煞羡旁人，很快就坠入爱河，结婚生子，那个唱《分手快乐》的悲情女歌手，大家觉得她已经拥有了一辈子的幸福，永不分手的爱情。可是别忘了，她还有一首歌叫《勇气》。
都说交友不慎，同样也发生在梁静茹的身上，范玮琪和梁静茹也算是圈中好姐妹，当时范玮琪和张韶涵骂战的时候，梁静茹也是力挺姐妹，甚至还拉黑了攻击范玮琪的自己的粉丝，可是说是实力闺蜜了。
就连“情歌天后”本人也是亲自下场，删掉了2年内与“好闺蜜”有关的所有博文。这一行为一度让大家以为这对“塑料姐妹花”将要分道扬镳，从此“范女神”就要孤军奋战一个人对抗黑粉了。这也让很多此前就不是很喜欢她的网友们感到大快人心，毕竟这次她的行为也算是引发了众怒也不能说是被针对了。
只不过，当事人梁静茹尚未发声，而范玮琪却迫不及待曝出猛料，这在网友看来，无疑是毫无底线的“插刀”行为，因此，不少网友就依次涌入范玮琪的社交平台内留言，网友们或激动或指责，有说范玮琪故意装傻，也有说她嘴巴太多等，总之范玮琪的发声，算是遭到了网友的群嘲。
按理来说范玮琪应该完全没有必要给闺蜜梁静茹挖坑，毕竟去年范玮琪与张韶涵掀骂战的时候，梁静茹就公开站在范玮琪这边，为了她，梁静茹不仅直接拉黑张韶涵，甚至还舌战网友，两人的姐妹情在那一刻显得无比高尚。
粉丝们认为虽然朋友之间相处难免会有些观念上的差异，但是还是应该本着互不影响的原则。而这次范女神的一番话已经导致好朋友的私生活被过多披露，并且一举将好姐妹推到了舆论的风口浪尖上，这样的行为换做任何人都是无法原谅的。
梁静茹对于离婚传闻，只字不提的时候，范玮琪就站出来表示自己是梁静茹好闺蜜，在两年前，自己就已知情，直指梁静茹与赵元同当时就已讨论离婚事宜，但不清楚后续签字与否。
自始至终，尽管范玮琪所演唱的歌都属于温暖励志的类型，但是私下里根本不懂得如何维持自己的社交关系，总是因为嘴快爆料身边人的一些消息，而引发对方不满，时间久了，大家自然不喜欢跟这样的人相处。
爱默生、雷克与帕玛（英文：Emerson, Lake & Palmer，简称ELP）是英国的前卫摇滚乐团，由凯斯．爱默生 （键盘手）、葛瑞格‧雷克 （吉他手、贝斯手、主唱）以及凯尔‧帕玛 （鼓手）。 在七零年代，乐团曾非常受欢迎，卖出了超过三千五百万张的专辑并举办了几场盛大的演唱会。
基本信息编辑
音乐类型：前卫摇滚（Prog-Rock）、艺术摇滚（Art Rock）、硬摇滚（Hard Rock）、古典（Classical）
出道地点：英国 英格兰
活跃年代：1970-1979年，1991-1998年，2010年
唱片公司 Manticore，Atlantic，Cotillion，Island，Sanctuary，Rhino，Shout! Factory
乐队成员：Keith Emerson、Greg Lake、Carl Palmer
乐团介绍编辑
如万人空巷般的体育场里，三个年青人正在空旷的舞台上卖力的弹奏着改编自古典音乐的作品。看似长发披肩、老成持重的Keith正用疾如风的指法快速地滑过键盘﹔身材修长、却有张娃娃脸的Greg一面弹吉它一面唱和着﹔短发而显出干静俐落、精神饱满模样的Carl则准确专注地敲击。三种迳谓分明的形象，用各自擅长的乐器演奏着迥异于原曲的古典音乐，复杂的曲式结构与简洁有力的演绎却还能完美地调和在一块。欣赏他们技术精准而临场即兴的现场实况是每个乐迷所津津乐道的，在当时的定义中这就是所谓的超级乐团，他们就是七十年代独领风骚的前卫/古典摇滚巨星Emerson, Lake and Palmer。
这一切都要从他们于1969年那个不大寻常的巧遇讲起。话说六十年代中期有个古典摇滚乐团The Nice，当中的主脑Keith Emerson从小即着迷于兼具浪漫乐派与国民乐派风格的柴可夫斯基(Tchaikovsy)与西贝流士(Sibelius)，毕生也希望以钢琴技巧高超有如莫札特(Mozart)第二为职志。在The Nice的第二张专辑Ars Longa Vita Brevis(1968)中，他尝试重新翻奏伯恩斯坦(Leonard Bernstein)所创作音乐剧西城故事(West Side Story)中耳熟能详的插曲America而备受瞩目(据说伯恩斯坦当时对这主意可不表赞同)，同年Royal Albert Hall的演出也很成功，提出原始构想的Keith Emerson自此成为镁光灯下的焦点。1969年，以担任前卫摇滚先驱King Crimson主唱并以In the Court of the Crimson King(1969)专辑扬名立万的主音歌手Greg Lake与The Nice的Emerson在英国Croydon的爵士与蓝调音乐季中结识。双方当时英雄惜英雄，决定在音乐会结束后各自离开其原来乐团并t组新团以别苗头。
他俩找到了当年年仅二十，曾以摇滚与融合爵士演奏著称专属Arthur Brown与Atomic Rooster的鼓手Carl
70年同名专辑《Emerson, Lake &
Palmer，等Lake录制完King Crimson的第二张专辑已是1970年的春天了。经过几场密集彩排后更加坚定三人信心，决定以团员的姓为团名，组成当时举世注目的Emerson, Lake and Palmer(ELP) (注1)。依照文献，他们练习的曲目从伯恩斯坦到柯普兰的皆有，{Take a pebble}是他们成形后的第一首歌，也收录于Lake所制作的第一张专辑Emerson, Lake and Palmer(1970)里。在曲式方面受到德国Bartok及捷克Janacek的影响，主唱柔美抒情的嗓音、节奏刚硬的敲击，构成同名专辑的初步印象。在这张同时被喻为定义古典与科技摇滚的杰作里，融合了古典、硬式摇滚甚至民谣等音乐原素，以all-stars的supergroup三人组，试图带给乐迷完全不同的感受。环顾当时的音乐环境中，YES与Genesis皆尚未成气候，知名度与开创性能与ELP并驾齐驱的也只有King Crimson与Pink Floyd了。{The barbarian}以纯演奏出发，末了的一分钟内曲风逆转，Emerson的键盘与Lake的贝斯声线完美契合，搭配Palmer精确的鼓击相当精彩。{Take a pebble}，十二分钟，是ELP第一首注重乐曲结构的曲子，我们听到了繁复而具有fusion味道的编曲，还有Lake美声唱腔般的男中音。{Knife-edge}有那么一点受到国民乐派的影响，在演奏上三人默契十足、热情奔放。{The three fates}三个段落，分别可以听到Emerson以管风琴、钢琴、与鼓合奏等精湛的演出。{Tank}中段有Palmer精彩的鼓独奏还有特制的合成乐器声响。{Lucky man}是终曲也是笔者较钟情的一首，由Lake嗓音与原音吉它起始，合声与简单旋律逐渐引人入胜，结束前一分钟Emerson还以Moog(早期专门模拟管弦音色的合成乐器)弹了一段你从未听过且难以形容的独奏。总结来说，从之后的专辑也可看到，ELP并没有从事发明或革新的概念，但就是能以其技巧挂率与独到的乐念创造出兼融古典与前卫的乐风。
在第二张专辑Tarkus(1971)，ELP稍微改变了一些前张受好评作品的风貌，当然团队的向心力丝毫不受影响。Emerson更加专注于moog合成乐器的音效实验上、Palmer则也继续钻研更艰深的鼓技。内容上也采取了寓言与神话概念，以两个虚构的野兽交战为题展开故事情节，这张在英美都得到销售与口碑的满堂喝彩，英国还拿到排行榜冠军。前几条歌曲都是以单曲走向，较特别的是{Are you ready, Eddy}向当时地位崇高的录音工程师Eddy Offord致敬(他老兄制作过大部分YES的全盛时期专辑)。{Honky tonk}则是模仿五十年代流行的老式摇摆乐，十分有趣。{Stones of years}、{A time and place}则是在美国发行成单曲。标题曲{Tarkus}是ELP成军以来野心最为庞大的曲子，器乐演奏部分比前作快速而营造出紧迫的效果，又未丧失旋律的动听性，可说是集上述精华于大成。
商业上的成功并没使他们被名利冲昏了头，同年在Tarkus发行不久之后，ELP再接再厉把当年三月在New Castle City Hall的实况演出发行。但并不是一张全新内容的专辑，而是把俄国五人团中的穆索斯基(Mussorgsky)为记念其好友所创作的组曲"展览会之画"Pictures At An Exhibition(1971)重新照ELP的方法演绎，提到这就不能不提它的背景(注2)。国民乐派的众支流中俄罗斯有所谓的五人团，其中最有才华却最短命的穆索斯基在俄国现实主义文学的影响下与一群艺术家朋友过着人民公社般的生活。其中志同道合的建筑师朋友赫特曼(Hartman)玩票性质的画作偶尔在圣彼德堡展出，穆索斯基还特地作曲庆贺。1873年赫特曼急病过世，穆索斯基追怀挚友最好的办法就是不眠不休地将其画作，以音乐的形式表达出来。此组曲与"荒山之夜"并列为穆索斯基最杰出与为人熟知的作品，然而在生前作曲家并未得到今日所受到的赞誉。
ELP针对原曲并依照乐团意念加以改编，保留了原作中奇幻的部分少数再加入歌词以Lake演唱，此乐曲本来由十首与画作相关连的钢琴独奏及具有间奏功能的{Promenade}(漫步)组所成。以笔者手边的原始钢琴版本作比较，除{The sage}、{Blues variation}是后来被乐团加上以辅助气氛的作品，ELP保留了原画作中{The gnome}(侏儒)、(The old castle)(古堡)、{The hut of baba yaga}(女巫的小屋)、{The great gates of kiev}(基辅城门)等四幅，分别代表着"活泼生动的"、"雅致与神秘"、"粗犷而具戏剧性"、"威风凛凛与光辉灿烂"。除{The hut of baba yaga}部分从原组曲倒数第二被移到第三幅，其余大致同于原作观画时间的顺序，全套组曲不算安可总共三十五分钟。为什么要如此大费周张地说明呢这当然是有理由。这阙曲子神妙的地方便在于，观赏画的人的心情转折在一开始也就是被设定在曲子里面的。从看到第一幅画前的{Promenade}(漫步)开始，心情就会随着不同意味的画所欲表达的内容而改变，两张画之间的步履速度与心路历程也被生动地写入其间的{Promenade}(漫步)里。也就是说，从刚踏入画廊的那一步到跨出画廊都被写到整首曲子里了，作曲家意图表达的观画者内心体验与外在环境的复杂性交互出现，成为这首曲子的独特内涵。
那ELP的诠释到底如何呢嗯，就笔者来说，它的确带给我对这首原先就很喜欢的作品另类表达方式，尤其是声乐与鼓、贝斯、吉它、合成乐器等搭配的结果是很新鲜的。但纯就感觉来说倒也不是那么成功，首先是乐曲进行中的漫步因为人声出现而心神被打断，中途安插的两首曲子对于气氛营造的意图也略显画蛇添足，现场演出时听众的鼓噪声多少也破坏了它有时应具有的声音表情。其余各项音画里器乐的配置适当与否则见仁见智了，我自己对它是特别惊艳于开头跟结尾的两部分。起始的{Promenade}(漫步)带有诡异意味的动机，乐团把漫步的感觉带到一种沉重的速度，接应到侏儒篇活泼生动的四分之三拍子中。{The great gates of kiev}(基辅城门)应该是专辑中的最高潮，从一开始的肃穆的主题到尾奏都是以强而有力的演奏形态，结尾听到Emerson与乐团竞飙华丽的快速音群十分过瘾。安可曲则是开了Emerson的精神导师柴可夫斯基一点玩笑，把胡桃钳组曲(Nutcracker)的其中一首改编为"Nutrocker"。算是送给所有共同经历过这场音乐之旅乐迷的一点释放压力的小礼物。
随后的Trilogy(1972)，依然得到乐迷与乐评的双重肯定。三人的演出默契与点子在这张唱片可说是发挥地淋漓尽致，从成人抒情到空间摇滚(space rock)都有，当然还有给编自古典音乐的作品。单就概念来说并没有创新只不过比前两张专辑修饰更精致旋律更动听罢了，在本地乐迷也造成一股漩风。{The endless enigma part one}前头诡谲的音效起，到后面乐团与主唱的进场整首六分多钟紧紧扣人心弦。{Fugue}(赋格)则延续了前首的情绪，以Emerson钢琴独奏为主轴。{The endless enigma part two}是完结这段概念的终曲。{From the beginning}是ELP在美国唯一的排行劲曲，Lake以轻柔的中音演唱，同时负责原音与电吉它独奏，最后Emerson的moog才悄悄地滑进来。{The Sheriff}里Lake的唱腔稍有改变为俏皮的表现，后段的转换较为突兀还伴随一记枪声。{Hoedown}原是大家耳熟能详的通俗乐曲，节录改编自柯普兰(Aron Copeland)的"牛仔"(Rodeo)，感受到与原作截然不同的趣味。标题曲{Trilogy}中段有Emerson精湛的合成乐器演出，Palmer的强劲准确的鼓点与其辉映。{Living sin}相比起来或许是较弱的曲子，Lake刻意嚐试具威胁性与低沉的嗓音，倒可看出Lake千变万化而又游刃有余的能耐。{Abaddon's Bolero}一听结构便知是在向拉威尔(Ravel)的波丽露舞曲(Bolero)致敬的作品(或是光从曲名就可看出来了)，当然也是Emerson展现炫技才华的良好示范。整首演奏时间八分多，层次井然，声音由小而大、配器也渐趋繁杂。平心而论，在这张并未看到ELP杰出的创造力或复杂的乐念，但是由9首一气呵成、皆有其不凡之处的作品组合而成还是有一定的聆赏价值。(注3)
73年专辑《Brain Salad Surgery》
1972年关于ELP也有些许改变。首先原专属King Crimson的作词家Peter Sinfield跳槽到ELP担任Lake的写词搭挡。同年他们以Tarkus专辑中出现的怪兽为名组新唱片公司Manticore，创业作为意大利艺术摇滚团PFM (Peter Sinfield亦是其中一员)的作品，此外签约艺人还有Stray Dog、Banco等。1973年，ELP重新上路，录制了当年轰动一时的Brain Salad Surgery(1973)，这也是他们第一张交由Manticore发行的作品。Brain Salad Surgery被视为科技摇滚与空间摇滚发展的极致，首先是封套设计交由后来以异形系列**造型名气大开的HRGiger绘制，类似外太空不明生物与地球远古文明的交媾，相当怪异。第一首单曲{Jerusalem}旋律源自于英国当地传统的歌谣，Lake唱来有种庄严的气息。{Toccata}是Emerson节录自Alberto Ginestera第一号钢琴协奏曲的第四乐章再加以改编而成，新作充满着高科技的音效。Emerson曾特地飞到日内瓦向作曲家本人请益而留下一段佳话，Ginestera曾在唱片内页的注解写下: "Keith Emerson has beautifully caught the mood of my piece"。{Still you turn me on}是Lake每张都要如法炮制一般的抒怀作品，{Benny the bouncer}充满喧嚣即兴的气氛。{Karn evil 9}大概是ELP成军以来最长企图心最强的作品，全曲长三十分钟以上(!!)，与同年YES发行的Tales from Topographic Oceans(1973)双专辑不逞多让一样使许多人大叹吃不消。从1st impression(第一印象)的乐队的彻底疯狂到2nd、3rd impression(第二、三印象)的狂飙飞驰，Emerson使用了Hammond(一种厂牌的电风琴)、moog、大键琴与传统钢琴等数种乐器似乎要耗尽个人精力在这首曲子上﹔Palmer鼓点则穷追不舍般地跟紧节拍。最后对这张专辑值得一提的是诗人Sinfield的加入或多或少弥补了原本ELP音乐与词意表现不等的毛病，总之，这是乐团极盛时期的表现。
后世在评论"前"前卫摇滚的发展时总不免提到YES与ELP，当然不可讳言的他们一定会有瑜亮情结的存在。他们各别已都是名震一时的巨星，加上有超高知名度的键盘手为号召，每次新唱片发行总难免会被拿出来比较。Rick Wakeman独步于新创的新世纪曲风，以乐段气氛整体烘托为主﹔Keith Emerson则擅长古典音乐(二十世纪以后作品)的改编与重新赋予时代新意，两者对实验各种合成乐器音效领域的拓展皆功不可没。有趣的是，组团较早的YES七十年代初期受到ELP同名专辑的影响而由硬式摇滚走向概念专辑的路，两团同样在1971-72年达到其表演艺术的巅峰，73年一齐发行正反两面评语两极的长篇作品，开始有人认为前卫摇滚已走向无病呻吟、哗众取宠的老调。两团在七十年代中期以后走的却是不同的路了，当然这是后话。
专辑列表编辑
录音室专辑：
1970 — Emerson, Lake & Palmer
1971 — Tarkus
1972 — Trilogy
1973 — Brain Salad Surgery
1977 — Works Volume 1
1977 — Works Volume 2
1978 — Love Beach
1992 — Black Moon
1994 — In the Hot Seat
现场专辑：
英国:1971、美国:1972 — Pictures at an Exhibition
1974 — Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends Ladies and Gentlemen, Emerson, Lake & Palmer
1979 — In Concert / Works Live
1993 — Live at the Royal Albert Hall
1997(奥地利:2001年,世界其他地区:2003) — Live in Poland
1997 — Live at the Isle of Wight Festival 1970
1998 — Then and Now
2002 — The Original Bootleg Series from the Manticore Vaults
欢迎分享，转载请注明来源：浪漫分享网
微信扫一扫
支付宝扫一扫
评论列表（0条）