怎样画好风景色彩？

　　一、色调

　　色调，是色彩的调子，是色彩的主要倾向性也是整幅画的灵魂，所以想要画好色彩风景就要把握好整幅画的色调。

　　在色彩基础练习中，从静物到风景要特别的注重色调。当我们要画一张色彩风景的时候就要特别注意季节，气候，时间，光线。比如夏天大地一片绿色，所以就应该以绿调子为主，在阳光下以暖调为主，在阴雪天以冷灰调为主。

　　不同的地理也有不同的色彩特征倾向，不同的光线（受光，背光，强光）和时间（早，中，晚）的条件下，对象的色调变化就非常的复杂丰富，比如莫奈的教堂系列就很好地说明色调随着时间，光线的变化显现出不同的色调和画面的冷暖关系，把握好色调还要注意对对象的主观感受。

　　二、构图

　　构图在绘画中起到举足轻重的作用，在构图中首先要在作画的时候有远，中，近景，还要多揣摩大师的优秀作品。“十”字构图让整幅画很稳重，透视和空间感非常强烈。“S”形构图具有延长变化的特点，画面有优美协调的感觉，“C”形构图，具有线条美的特点，画面简洁明了，然而在安排主体对象时必须安排在C形的缺口外使人的视觉随着弧线移到主体对象。

　　三、透视

　　想把空间表达得更强就要注意整幅画的透视关系，而在基础考学中一点透视是比较常见的，物体近大远小，塑造的近实远虚，空气透视的近暖远冷。

　　在历年的美术考题中，天，水，树，建筑都是常见的。天空是在画面的最远处所以我们在第一步铺颜色的时候尽量调准避免因反复涂盖后颜料太厚机理太强，颜色的冷暖上应该是上冷下暖，纯度上上纯下灰，明度上上灰下亮。而画云的时候因为受到暖光照射，上亮下暗，上暖下冷，边线上实下虚。在画树的时候最关键是要把树枝和树冠画好。画树干的时候一定要注意树干的特征，画树枝的时候线条要有力，要注意树枝的穿插，画树冠的时候要注意树冠的球状空间而且要注意树冠的亮形和暗形，一般而言离树干近的地方树叶比较茂盛，反之。远处的树冷点近处的树暖点，远处的树要概括，中景的树要塑造到位用笔干脆有力，在树冠过密的地方要适当地露出一点间隙，做到“密而不闷”。在画建筑物的时候首先要懂得拿几何图形去归纳，还有要注意透视，然后根据光线的不同画出明暗，冷暖，从而表现出它的体积感。

一、色调的含义

　　色调不是指颜色的性质，是对一幅绘画作品的整体色彩评价。一幅绘画作品虽然用了多种颜色，但总体有一种倾向，是偏蓝或偏红，是偏暖或偏冷等等，这种颜色上的倾向就是一幅画的色调。通常可以从色相、明度、冷暖、纯度四个方面来定义一幅作品的色调，一幅画有明确的色调，红调子这就是从色相的角度来说；暗调子是从明度来说；暖调子是从冷暖来说；灰调子是从纯度来说。另外还有一种较少使用的定义方法：如果一幅画的明暗对比很强烈，就叫长调子，如果明暗对比弱就叫短调子，其他介于中间的就叫中调。总之，色调是指画面整体的趋势，而不是纠缠于其中的细节，如果作品没有一个统一的色调，就会显得杂乱无章。

　　二、油画风景中不同的色调表现方式

　　（一）、单一色相变化调和的色调表现

　　单一色相的变化调和的配色方法源远流长，如原始人类在洞穴石壁上用土红、黑等单色描绘各种动物及生活用具，后世有些画家还沿用于壁画、装饰性绘画及工艺美术，但多给予新的形式和更强烈的表现力。

　　东山魁夷的《蓝色的峡谷》，是用色相轮中蓝色相作为整幅画的色调，运用蓝色的明暗度、饱和度和冷暖的变化表现出充满画面的、并列着的杉树林的壮观。蓝色树冠像层云般重叠，杉树林的远近也被压缩了，笔直向上的树干巧妙地安排着，构成整幅画面单纯明确的蓝色调，似乎送来了音乐般的树林的歌声。在这蓝色的和声中，给予我们幽静、深邃的联想。留给观众整体的色彩印象，色彩的艺术感染力更集中，更明确。他的《白马森林》、《春雪》、《雪原谱》等许多作品都是采取了单一色相的变化调和的色彩创作方法。

　　 (二)、邻近色调和的色调表现

　　即由色相轮中相接近颜色的配合而形成的色调，邻近色调和的色彩关系在生活中广为应用，如在室内色彩设计中大多数采用邻近色调和的配色效果。塞尚对色彩的观察、研究和表现，形成了自己新的色彩结构，运用色相轮中的色轮角里的邻近色推移的配色方法，即在色相轮中以某一个颜色与它相邻色或某一个颜色与它左右相邻的颜色形成的色轮角，一般不超过90度角（该色和另外一色中间相隔一个色相而形成的色轮）。塞尚在冷色域里选择了以蓝为中心往冷色过渡至绿，往暖色至紫一组邻近色；在暖色域里以橘色为中心往冷色趋向黄，往暖色趋向红。他的许多画基本上是采用这两个色轮角的颜色进行冷暖、明暗、强弱的色面推移，表现出色彩的多样和丰富，有时再以少量补色作为支持色（以求对比色效果）而构成生动、有力而达到和谐的色调，使色彩结构发展合乎逻辑。在各时代和各个画家的作品中体现出的面貌、风格、手法各异，然而都是用有限的颜色，创造出丰富的色彩感和统一协调的色调。

　　(三)、对比色调和的色调表现

　　所谓对比色调是两个相挨的颜色表现出构成它们对照的效果，还可以说成是根据双方的颜色产生对比作用的现象。一般来说，对比色调和在色相轮中利用**与紫色、红色与绿色、蓝色与橘红色等的补色关系。像这样非常对立的配色以及相互的衬托，构成有韵律感的色彩方法，在马蒂斯和毕加索有些作品中表现得很成功，1939年马蒂斯的《音乐》以近乎原色的红与绿、黄与紫、黑与白对比色主宰整个画面，运用它们的大小色块的比例变化，线与面的节奏变化组织出有旋律感的、轻重照应的色彩结构，产生绚烂富丽的效果。

三、油画风景中色调的作用与意境的表达

　　色调的创造是十分复杂和微妙的，色彩艺术语言也不是用简单的公式所能代替的，它既要有对色彩规律性的认识，又要有对艺术法则的掌握和运用，有了对色彩敏锐的感觉又有对色彩的规律性的认识，还需要对色彩进行提炼取舍、综合概括等艺术加工而形成集中统一的色调。在油画作品中，一个强烈总体的色调表现，将增加人的感受强度，人们的感受帮助理解，而这种理解又增加感受深度。

　　色调对欣赏者来说, 是艺术作品的主要色彩倾向, 对创作者来说, 它是艺术作品的统帅和总指挥。所以有经验的画家部是善于用比较的方法找出色彩的微妙变化, 也用比较的方法修改画面，这就要求画家通过比较力求画面有一个统一的色调。色调与情绪的联系, 不是无缘无故产生的, 因此不能凭主观臆造或任意捏合，任意捏合是引不起人们共鸣的。这种色调与人们情绪的联系, 只有确实反映了人们的共同感受时, 它才得到承认, 才能引起共鸣, 才有可能在艺术作品中产生感人的力量。当然技巧不是目的,不能为技巧而技巧, 而是为了更好地抒情写意, 集中地突出形象、意境！

　　我个人认为风景画强调的“意境”，是指欣赏者主观心理因素方面的“意”与画面上呈现出来的客观方面的“境”二者之间浑然融合。在审美活动中，由于主体心理因素与客体因素之间融合的方式不同，所形成的境界亦有差异，任何艺术作品都是借助特定的艺术语言和艺术形式，来构造自己的形象和情境。正如中国传统艺术重视在创作中的“缘物寄情”，即强调艺术要表达作者的主观感受，求得作者和表现对象的精神合一，达到物我同一的境界。同样，在油画风景中通过色调来表现意境也是可以达到的。

所谓“游园图”，描绘的是浪漫而又美轮美奂的聚会，其中盛装的男女在户外花园式的环境中随着音乐优雅地嬉戏、调情。这种画法可以追溯到乔尔乔内以至中世纪的“爱之园”的画作。华托只是接受那些他愿意画的委托件。华托曾经努力想夺取罗马大奖，以便能去意大利亲睹前辈大师们的杰作。但是，他并未如愿。在时不时光顾剧院的过程中，华托开始动手画他的“游园图”。华托的艺术生涯不过15年而已。他尝试过各种各样的体裁(例如挂毯图样、天顶画、壁板画、扇画、键盘乐器上的装饰画、寓言画、讽刺画、风俗画、军事画、舞台画、宗教画、风景画和肖像画等)、主题和技巧。当然，他倾全力为之的还是“游乐画”，显现出了特别擅长于描绘罗可可时期的那种轻松愉快又不免忧郁色彩的梦幻世界的特殊才华。“游乐画”是别人在无法归类他的作品时临时起的名字。的确，他的“游园图”堪称其艺术精神的结晶，属于一种新的风俗画，也是他后来获得国际声誉的原因所在。华托是一个非常独立的艺术家，他不随意屈从赞助人或官方的意志，而其作品的创意和清新使得法国绘画与意大利的学院主义拉开了距离，从而确立了直到新古典主义出现才渐渐失去影响的一种名副其实的“巴黎人的”景致。

马蒂斯1905年《风景》将野兽派在现代艺术的地位提升到了它应有的高度。但并非不可逾越，这应当是不可否认的事实。现实是不以人的主观意识为转移的，艺术也这样。马蒂斯用近乎原色的绿、蓝、红、黄和近乎疯狂般粗犷野蛮的笔触向我们呈现出这幅《风景》。粗犷的笔触有时甚至让我难以与他一脸白须的智者形象联系起来。有时候，我会天真地认为其实马蒂斯甚至整个野兽派可以用更加温和的方式解放色彩。但是可能是野兽派在现代艺术的发展中迈出了一大步，而我还幼稚的认为只需一小步便可达到目的。艺术始终是走在我们这些凡人前面的，否则又怎么引导我们自醒。我习惯眼神意识涣散地观察这幅画。这样自己更容易进入野蛮背后光怪迷离的场景而非将注意力停留在那些粗犷的笔触的表面。色彩的本质是三原色，而现实中并没有单纯的原色，艺术总是比较接近远离现实的本质，马蒂斯试图将我们带离现实，引领我们接近更深层的东西。〈风景〉绚烂幽美，“是的，不真实，但比死板的事实更加真实”。正如他自己所说：“只相信灵感，让画笔按灵感绘画。”