服装设计中形式与风格的意义 服装风格形式

　　服装的形式与风格对于企业进行优化、社会风貌与审美及人的心理状态都有着十分现实的意义,要将这些意义转换为价值是作为服装设计师必须实现的,同时也是设计师应该背负的责任。　

1服装的形式与风格

11服装的形式

服装往往通过面料、款式、造型、色彩和工艺来表达形式感,设计师所采用的处理手段和装饰手法都是服装形式的具体体现。服装的形式按照使用的场合及功能可以分为礼服、休闲服、运动服、职业装等。这些服装又可以依据廓形和款式的变化进行长短上的形式变化,也可以进行色彩、工艺、装饰手法等形式变化。这样,服装的形式在各种元素的排列组合变换中不断得到多样化的发展。

12服装的风格

服装的风格就是服装通过不同的艺术形式来表达出的设计师想要为服装赋予的思想内涵和独特的面貌。服装风格的形成受到设计师出身、生活阅历、教育程度和生活环境等不同方面的影响,同时涉及到设计师在进行服装设计创作时的预期目标、情感波动,并且需要与设计师惯用的表现手法相结合,因此服装的风格与服装的形式是不可割裂而谈的概念。

服装的风格不止是设计师通过服装传达给大众的单方面的概念,风格同时也是服装的消费者对服装通过形式传达出来的气质和格调的欣赏和体会的结果,因此服装的风格成为了联系服装企业和设计师与消费者之间最为有力的心理因素,消费者对于服装的认同和喜爱往往来自于对服装形式所表达的风格所产生的共鸣。

13服装形式与风格的关系

形式是风格产生的原因,风格是形式的深层反映。魏晋时代流行宽袍大袖形制服装,“褒衣博带”的服饰样式在当时甚为流行,所反映的就是当时名士放荡不羁、追求自由、不拘世俗礼节的情怀,从而形成了崇尚自然、宽松舒适的服装风格。唐代服装装饰物华丽富贵、上衣袒露胸部、下装长裙及地,这些服装形式重复展示了唐代服装雍容高贵的风格。宋代衣着朴素洁净、简单儒雅,因此宋代服饰表达出的就是秀丽清瘦的风格。

以上时代服装形式与风格的关系正是两者之间因果关系的生动的时代表达。

2形式与风格的意义

21对服装设计的意义

随着现代社会物质的不断丰富,人们关注的要点也渐渐地从物质层面转移到精神层面上,人们对待服装的态度也发生了急剧变化,从过去要求耐用结实转为在意服装的精神气韵,也就是说人们对服装的关注越来越多地放在了服装的形式与风格上。

服装的形式与风格虽然并不可以作为产品出售以创造价值,但其对企业所追求的无形利润是不可估量的,形式与风格对于企业进行优化有着十分现实的意义,是服装企业进行品牌提升的必要条件和保障。服装的形式与风格不仅对于企业,对于社会的风貌和审美都具有显著的指导意义。不论是在个人还是群体上,某个时期和某个区域的整体形象都与服装所表达的形式与风格息息相关;David Riesman在其《孤独的群众》一书中说:“现代人中每一个人都在变得越来越孤独,内心十分软弱,精神不安定。”当代的社会更是如此,人人心中都有一种由于缺乏心理皈依所产生的孤独感。面对这样的现状,作为人们日常生活中最主要的组成部分之一的服装所需要向公众呈现的,就是以服装独特的形式与风格来充实人们的心灵,为人性的坦然与自信提供随时随地的支撑。

22对于服装企业的意义

221服装产品识别的定义

近年来服装行业为实现品牌的提升,大力倡导产品识别的发展,服装行业所期望构建的产品识别在很大一定的程度上是依靠服装设计的形式与风格。服装产品的设计形式与风格的展现就是服装产品形成其独有的品牌识别的基础。

服装行业力图实现的产品识别即是以设计师的思想为主导,进而形成独特的形式与风格,使得服装产品拥有明确的特征,令消费者对该品牌的服装产品具有直观的感受和认识,在诸多服装产品中能够将其与其他服装品牌明显区分,肯定服装产品所拥有的独特的形式与风格,以形成对服装产品的忠诚度,从而促进服装企业的发展。

222服装产业进行产品识别的必要性

当前的服装行业品牌林立,不论是休闲、职业、运动等任何类别的服装都充斥着大批的竞争者,很多服装企业在不断的建立与消失中始终无法步上做大做强的轨道,这就是由于这些企业本身缺乏形式和风格上的特征。消费者在选择和购买时都无法留下深刻的影响,甚至在选择这个品牌的服装或选择另一个品牌的服装中都没有质的差别,这样缺乏形式、尚未形成风格的企业自然无法形成稳定的客户群体,更无法使顾客对该品牌产生信任感和依赖感。这样的现状导致当今的某些服装企业一直深陷于成本价格与市场营销的漩涡中,要改变这种现状就必须使企业明确自身的形式与风格,完善服装产品识别体系。在市场竞争处于白热化的状态下,拥有强大的品牌识别系统是服装企业立足壮大的必要条件之一。

企业的生存与消费者的心理有着密不可分的关联,在今天的社会生活中,人们始终处于忙碌和空洞的生存状态中,生活的约束与孤独使得大众都希冀在服装的外在形式和风格上能够找到可以彰显自身理想和希望的元素,这就要求服装能够充分展现大众的个性需求,而不是仅仅能够满足保暖御寒的基本着装需求。企业在这样的形势下,通过服装产品的形式与风格带动服装企业产品识别的建立,以达到符合消费者心理预期、满足市场需要和使企业在残酷的竞争中生存并发展的 目的。

223形式与风格在服装产品识别上的运用

要为服装企业做出完整的企业识别系统,其产品的形式与风格是最为重要的前提。只有服装产品形成自身具体的形式与风格,服装企业所建立的产品识别才能在服装产品明确的形象中真正的发挥作用,而连产品的形式与风格都尚未定位或成熟的服装企业来妄谈产品识别,只会成为一纸空文,没有任何的实际作用和意义。

以国内的品牌为例,“渔”、“江南布衣”等品牌就是形式与风格对服装产品识别起到重要作用的成功实例,这两个品牌都有其独特的形式与风格。“渔”以中国传统的荷花、石榴、牡丹等吉祥寓意印花布图案以及传统民间形制的服装款式为主要形式,营造出一种传统融入现代、现代接纳传统、婉约的独特风格。在这样的形式与风格的基础上,并结合该品牌的店面装潢等环节的配合,“渔”的产品识别就拥有了“中国传统”、“温婉”、“吉祥”等强烈的视觉符号,因此该品牌在消费者中深入人心,拥有大量的消费群体,其中有相当一部分是其忠实顾客。如此一来,“渔”的服装既保证了销售的稳定,也为品牌形象的扩展获得了有利的条件。

224形式与风格对于服装产品识别的意义

服装企业一旦依据产品的形式与风格成功的构建了产品识别,这不仅符合消费者的心理预期,令消费者可以从众多品牌产品中依据个人喜好的形式与风格来进行选购,也为大众的情感提供心理与物质完美结合的归宿和依靠。消费者追求个性和充实内心的心理在服装的产品上得到了清晰的认同,服装品牌所涵盖的企业文化就会使消费者对该企业的服装产品产生信任感和依赖感,以此提高消费者对服装产品和企业的好感度和忠诚度,使企业能够获得切实的利润。

23对于社会的意义

231设计师形式与风格的形成因素

设计师形式与风格的形成主要取决于设计师的经历与个性,其中大部分来自设计师通过长时间的学习、生活的积淀对文化和设计的理解,以及个人的喜好和兴趣。一名设计师的成长环境对其个性也有着很直接的影响,设计师的个性决定设计师采取何种态度来认识和理解设计,同时设计师的个性又会直接的左右设计师在进行创造时所采用的形式与风格,成为形式与风格的基础。

232设计师的情感表达和社会的呼应

设计师所惯用的形式和其表达的独特风格,都是基于自身经历与个性的基础上对社会的认识和价值观的体现,一名设计师使用的形式与风格往往是设计师本身希望表达出的对现实的写照以及对社会的反讽,或是现实环境的真实写照,服装上的设计也并不例外。在很多品牌的服装上都可以意会到一些对现实社会的反应、赞颂或是申诉,这样的形式与风格更能够引起大众的共鸣,获得良好的社会效益。

233形式与风格对社会审美的反作用

设计师对社会审美价值具有明显的导向性作用,大众所跟随的流行通常情况下都是由服装设计师所创造出来的。对社会审美来说,服装设计师背负了极其重大的责任。一个城市甚至一个国家会拥有什么样的审美风貌,当地服装设计师的提倡能够起到举足轻重的作用,正如日本街头长久风靡的混搭风格服装在很大一定程度上都是受到日本设计师川久保玲反传统、凌乱、无序、颠覆、灾难性的设计风格的影响,这种混搭的形式和无理性的风格在长时间的受到日本民众的欢迎后得到了长时间的流行,因而在日本形成了一定范围内具有代表性的独特风貌,极大地影响了日本服装的流行。

可见,服装设计师采取的形式、想要表达的风格和设计师所处的环境是相互影响的。服装设计的形式与风格因此具有极强的社会意义,对于社会的审美可以起到权威性质的指向性作用,为大众提供了所希望看到的流行。可以这样说,服装设计师为社会提供形式与风格以供大众选择各自所钟爱的流行。在现代社会中,形象的表达已经成为一种交流的媒介。因此,对于一个城市乃至一个国家的形象来说,服装设计师必须为此负起高度的责任。

24对人心理状态的意义

现代人与人之间的交往日趋淡漠,对一些感性的追求基本停留在盲从或是麻木的层面上,人们需要从日常穿着的服装中找到自己所需要的伪装、保护来寻求心灵的慰藉。对现代人在生活中承受的孤独和压力,很多人选择了对服装的依赖来作为减轻压力的手段。然而服装本身所给人的心理带来平静远远不如服装的形式与风格给人所传达出来的讯息,人本能地会依据心情来挑选服装就是对服装形式与风格的关注的具体表现。而服装设计师必须把握好人的这一心理,使用正确的形式表达正确的风格不仅能够改善人的心理压力,同时也是为企业获得极大利润的双赢的 做法。

3结语

服装的形式与风格是在得到了当代社会广泛的关注和高度的重视的基础下为服装的发展带来了契机。它对提升服装产业、为社会的审美趋势做出正确的指引和向导以及改善人生存的状态都有着高度的意义,并且这些意义也正意味着服装设计师需要做的还有很多,肩上的责任还非常重。

参考文献

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[8] 汤祯兆 整形日本[M] 济南:山东人民出版社,2008

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[10] 原田玲仁(日) 每天懂一点色彩心理学[M] 西安:陕西师范大学出版社,2009

一般的设计师都是按照流行的趋势去设计，只要市场销售得好那么就是好设计，好作品。少有部分厉害的设计师能把自己的风格融入潮流里面，这样的作品往往有很大的风险，成则风靡一时，败则默默无闻

首先，性格决定你的创作风格，这个对你将来有比较大影响

二、是美术的基本功，有人说学这个需要很高的美术创作功底，其实不是的，美术的方面只要你基本功扎实绝对够了；

三、对潮流的敏感度，也就是灵感，这个是非常重要的。因为作为一个出色的设计师，应该具有前瞻的眼光来预测明年会流行什么东西什么颜色。当然也有设计样式在里面。

四、要有比较灵活熟练手上活，这个也是非常必要的这个也是基础活。

五、就是一个设计师不可能把眼光灵感放在中国，有经济条件的话，应该出国去时尚的城市比如巴黎米兰去深造，对你有极大的帮助，假如没有太多的经济条件，建议你从低做起，慢慢得到公司或者是打出名堂了有了经济再去也行先了解什么是潮流！做好这些功课，弄懂潮流元素涵盖着那些东西！

设计充满戏剧性及狂野魅力的新秀: 亚历山大·麦克奎恩 Alexander　MacQueen

充满摇滚与颓废气质的设计师: 安娜·苏 Anna Sui

成功演绎童话色彩的设计师: 本哈德·威荷姆 Bernhard　Willhelm

纽约第七大道的王子: 卡文·克莱 Calvin Klein

最先重视女性造型线条的设计师: 克里斯汀·迪奥 Christian Dior

在现实和幻想间徘徊的设计师: 克利斯汀·拉夸 Christian　Lacroix

追求极度完美的设计师: 贾尼·范思哲 Gianni Versace

比范思哲有勇气的胞妹设计师: 当娜泰拉·范思哲 danatell　versace

具有大众亲和力的品牌设计师: 唐娜·卡伦 Donna Karan

颇具浓厚传奇色彩的设计师: 加布里埃·夏奈尔 Gabrelle Chanel

在市场与优雅间创造完美平衡: 乔治·阿玛尼 Giorgio Armani

执著于优雅品位的设计师: 于贝尔·德·纪梵希 Hubert　de　Givenchy

东京国际时装之父: 三宅一生 Issey Miyake

Dolce & Gabbana

凡中有伟大创意的设计师: 约翰·加利亚诺 John Galliano

世界时装界的凯撒大帝: 卡尔·拉格菲尔德 Karl Lagerfeld

色彩魔术师: 高田贤三 Kenzo Takada

获时装界最高荣誉的最年轻的设计师: 马克·雅各布斯 Marc Jacobs

缪科雅·普拉达 Miuccia Prada

在创造中寻找华贵的感觉: 尼娜·瑞西 Nina Ricci

50年来服装界成功的典范: 皮尔·卡丹 PierreCardin

全美十大设计师之一: 拉夫·劳伦 Ralph Lauren

异军突起的澳洲设计师典范: 瑞奇·泰勒 Richard Tyler

针织女王、摩登女性的典范: 索尼亚·里基尔 Sonia Rykiel

多娜泰拉·范思哲（Donatella Versace），1955年5月2日出生于意大利雷焦卡拉布里亚，意大利知名设计师。1978年，多娜泰拉·范思哲创立奢侈品牌范思哲（Versace），创造了一个时尚帝国，代表着一个品牌家族。

克里斯汀·迪奥（Christian Dior），简称迪奥（Dior），是著名法国时尚消费品牌，一直是炫丽的高级女装的代名词。它选用高档的华丽、上乘的面料表现出耀眼、光彩夺目的华丽与高雅女装，倍受时装界关注。它继承着法国高级女装的传统，始终保持高级华丽的设计路线，做工精细，迎合上流社会成熟女性的审美品味，象征着法国时装文化的最高精神，迪奥品牌在巴黎地位极高。

瑞奇·泰勒喜欢选择以原始朴拙的表现方式取代以往的细致华美，直接用皮革裁剪出帅气的骑士夹克，用织麻布设计出富有禅意的上衣等，尤其以网眼针织系列著名。不过他这种设计风格并非是把人扮成流浪者的模样，而是选用保持原有风味的质感或质材。 瑞奇·泰勒的每一件作品都是工艺品，他非常注重裁剪和装饰。

三角形构图的特点

三角形构图的特点如下:

三角形构图以三个视觉中心为景物的主要位置,有时是以三点成面几何构成来安排景物,形成一个稳定的三角形。这种三角形可以是正三角也可以是斜三角或倒三角,其中斜三角较为常用,也较为灵活。三角形构图具有安定、均衡但不失灵活的特点。

三角形构图法的主要特点就是让插画整体画面看起来稳定、和谐、均衡、灵活等特点,可以看起来具有一定的冲突、紧张感,但是又有一定的平衡、稳定感既有冲突性,又有稳定性,三角形构图法是很适合构图的。

三角形构图并不是说要完全的正三角形,也可以斜三角、倒三角等等,只要是由三个点组成的画面,就可以是三角形构图法,如果我们的插画人物比较多,可以分散在三个角,也可以集中在一个角,另外两个角用建筑、动物、植物、物体等等组成。

三角形构图法的概念:

三角形构图法是一个以三个视觉中心为对象的位置,也就是说用三个点形成一个面来放置物体,三角形构图法又被称之为“金字塔”构图法,可以让画面呈现出稳定、平衡感,所以说是万能构图法也不为过,但是我们还是需要结合我们绘制的插画内容元素进行设定构图方法。

服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些？可以详细说说吗？

1波普风格

波普风格的插画艺术出现、流行于20_兰50_甏呐分薜厍,主要通过商业艺术的创作手法,形成融合大众文化与商业艺术的全新艺术风格。同时,波普风格中相对浮夸的卡通形象、报纸版画形式及幽默的标语,共同组成独属于波普风格的特色,且波普风格的艺术性非常强[3]。安迪·沃霍尔是在服装设计领域中对波普风格拓展贡献最为杰出的人物之一,首次开创了纸质、塑料、人造皮为服装制作基础材料的先河,并且在其插画作品中包含了颠覆传统的设计理念,具有色彩鲜艳、设计理念前卫及选色大胆等鲜明特点。直至今日,波普风格的插画仍保留与安迪·沃霍尔较多的相似之处。

2抽象风格

通常,抽象风格的作品普遍以几何化的点线面、圆形、三角形、正方形为主体进行深入创作,在创作风格上具有典型的抽象性特点。蒙德里安是抽象风格作品中相对成功的早期人物之一,其抽象风格的创作方式较为独特,侧重利用形式多样的矩形图案作为插画内容,且此类插画艺术形式对抽象风格的影响深远。以法国著名抽象风格服装设计大师创作的作品《红黄蓝》为例,此作品深受蒙德里安抽象风格的启发,选择多种颜色的线条、三角形、长方形,给予广大受众独特的艺术欣赏体验感受,并赋予作品强烈的视觉冲击感及新奇感。

3具象风格

具象风格不同于上述提到的两种风格,其图形特点普遍写实且逼真。再者,具象风格作品对线条的展现相对直接,可进行装饰性的泛化、夸张及变形处理,从而提高作品的色彩感,突出作品的简洁性及精致性。以意大利著名服装设计师缪西亚·普拉达为例,曾拥有将插画直接用在服装设计创作的实力,可以将插画作品布满在服装设计作品当中,且其作品侧重精心细腻化创作人物造型,突出作品的色彩及绚丽感[4]。此外,具象风格中线条展示相对飘逸,可以给予受众心理如梦如幻的体验感受,尤其是应用在服装设计当中,能有效提高设计作品的精巧程度,赋予设计作品灵动的美感。

平面设计风格有哪些

平面设计包含多种风格,每种风格带给人们的体验也不一样。今天妙鼠就来为大家分享一下现在的平面设计究竟包含哪些设计风格,它们又有什么样的设计特色。

一、MBE插画风格

这是一种简单轻松的偏移填充粗线条描边的插画风格,这样风格的插画是在扁平化的潮流中逐渐演变的,而它标志性的人物就是来自法国巴黎的设计师MBE。

二、包豪斯风格:

配色丰富,板式构图简单,机械的几何秩序,理性地对文字色彩图形进行处理,严谨的骨骼特征。

它的设计风格带有强烈浪漫主义民主色彩的理念。除去所有繁复的形式,设计只需要满足基本功能。

三、波普风格:

此类风格经常应用拼贴、招贴艺术。

利用夸张明亮的色彩碰撞,展现夸张的、超现实,视觉感强的画面风格。

四、超现实主义

此类设计强调空间层次关系,画面场景化。

作品更多地关注细节和对象。作品并不是实际物体的严格诠释,也不是某一个场景或主题的文字插图。相反,它们利用其他的,往往是微妙的元素来创造实际上不存在或者人的眼睛不能看到的现实幻觉。

五、低面建模LOW-POLY风格

lowpoly是一种复古未来派风格设计。它是将建模做出块面感,把一个分成四个三角形填充,把每个三角形分成四个小三角形,每个小三角形的颜色,取自原多色元素的相应位置。

这种设计风格的特点是低细节,面又多又小,高度渲染,经常配以柔光效果。

低面建模设计有点像现实生活中的手工艺品,感觉很复古。

六、哥特风格

哥特风格主要特征为高耸、阴森、诡异、神秘、恐怖。

设计风格被广泛地运用在建筑、雕塑、绘画、文学、音乐、服装、字体等各个艺术领域,哥特式艺术是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的,频繁使用纵向延伸的线条为其主要特征。

七、极繁风格

特点:大胆的用色;重复的元素;填充整个页面;裁剪和拼贴设计

极繁主义平面设计风格不可避免地会涉及到颓废派设计和繁琐、华丽的设计风格,所以要敢于运用大胆的颜色,尝试各种复杂的图案,构建迷幻主题。

这七种设计风格在平面设计中经常会被使用到,设计师针对不同的场景可以选择不同设计风格。

　　朋克风格

　　追溯流行可以发现，近代以前，服装的流行主要是由上层王室和贵族阶级所引领，他们的穿着决定着当时的时尚；随着民主日益深入人心，大众消费和成衣业的兴起，传统意义上的流行方式发生了改变，而朋克风格就是从下到上流行方式的一个典型代表。

　　二战后上世纪70年代中期，在经济不景气和特殊的社会政治背景下的英国社会下层的青年人中间，产生了由失业者和辍学的学生组成的反传统主义的“工人阶级亚文化”群体———朋克集团(Punk)。他们用自己特立独行的装束风格彰显自己，表明其与主流文化及其他的青年亚文化圈的不同。他们拒绝权威，提倡消除阶级，崇尚“性和颠覆”，其影响的不仅是传统意义上的音乐，更是一种对时尚和时髦的抗拒和反叛，由此产生了一种服装的流行风格———朋克风格(PunkStyle)。

　　他们主张DIY(doityourself)，把廉价服装和布料进行再造加工，使服装呈现出一种新的粗糙的风格。他们喜欢用狗链做装饰品，穿着开线或故意撕破弄脏的带着特大号安全别针的衣服，磨损的衣边、印有粗俗的字眼、暴力或色情的图案、鱼网似的长统丝袜、马丁博士靴(DocMartensfootwear)……发型也是朋克造型的焦点之一，他们把头发尽可能地弄成很高，染着各式各样的颜色，像莫希干人(北美印第安人的一个分支)的发型。涂黑眼圈，画猫眼妆，烟熏妆，暗色调的的口红，在耳朵、鼻子、脸颊和嘴唇等部位用安全别针和撞钉穿孔，在身上绘制文身，表现得十分另类，用种种方式来反对传统社会。这些在我们今天的流行时尚中看似正常的装束在那时却显得十分反常。

　　朋克一族发展到后来开始流行穿鼻钉、舌钉等，穿黑色T恤或黑色有风帽的运动衫、牛仔裤、廉价的平底鞋等，并流行小装饰，服装上有印有不同图案和文字的各式各样的logo，以此来表达他们的内心感受，从不被大众时尚潮流所左右。到了20世纪末21世纪初，一种混合了20世纪80年代和90年代的新的朋克样式出现了，身着Converse、All-Stars等牌子的鞋子，格子花呢的裤子、紧身T恤、镶有撞钉的皮带、有弹性的露指手套、颜色鲜艳的运动夹克……所有的一切都被大众借鉴和模仿而成为流行，从而影响至今。

　　朋克作为一种服装风格，真正的成功是在维维安·维斯特伍德(VivienneWestwood)那里，她被认为是20世纪最有创新精神的设计师之一，她的创作手法丰富多变，在设计中常引入亚文化和朋克的一些元素，而被公认为“朋克之母”。通过设计，她向时装界的传统服饰挑战，冲击传统服装美学；而恰恰就是这种对传统时装和传统美的藐视和摒弃，却使这种反时髦反时尚的样式成为一种新的风格和时尚，由此朋克服装风格得以声名远扬，成为一种风格。时至今日，其魅力依旧不减。

　　同时代还有一名叫赞德拉·罗德斯(ZandraRhodes)的英国女性服装设计师对朋克服装进行了改良，并吸取了朋克风格的一些元素运用在她的服装设计中，通过运用一些明亮的颜色，使朋克风格呈现出精致而且优雅的风格，更多地得到富人和名人的接受与认同，而朋克最初具有冲击力的风格少了很多。她用金制的安全别针和金链子连接和装饰服装的边缘和一些小的部位和故意撕裂的破洞，再在这些精心撕裂的破洞边缘用金线缝制，装饰上精美的刺绣。

　　早期的朋克风格经过后期的取舍加工从而成为时尚流行中的一种元素，范思哲(Versace)品牌也在女装中使用了大号安全别针做装饰。如影星莉兹·赫莉(LizHurley)在影片《四个人的婚礼和一个人的葬礼》中，就穿着系有金制安全别针的一套棉质薄纱和卢勒克司织物(Lurex)制成的范思哲(Versace)黑色紧身晚礼服。

　　朋克风格的出现在当时本是反时尚和反保守的，而今朋克独有的风格和式样已经汇入主流的设计理念中，变得如此平常。朋克风格甚至成为高级时装的设计灵感源，主流时尚和街头风格之间相互影响，时装设计师们把朋克服装的不同元素运用于设计中，为服饰潮流的发展注入了新的力量。在2001年法国巴黎春夏时装周上，JohnGalliano为ChristianDior设计的春夏系列运用迷彩图案，并与塑胶、皮革、牛仔布或印花丝绸、传统格花呢等对比组合，将朋克风格和街头元素结合。同样在2003年法国巴黎秋冬时装周上，加里亚诺也在服饰里加入了punk及一些街头风格。在维维安·维斯特伍德的发布会上经常运用涂鸦、错位等大量元素也是对朋克精神的诠释。

　　现在一些时尚的年轻人染发、画着各式各样的烟熏妆，身上文身，做着各种头型，比如贝克汉姆般的“莫希干”头，或穿几个甚至一排耳洞，穿上金属小环，手腕上套着粗粗细细的金属手镯、骷髅等各种怪模怪样的戒指，脖子上围着金属项圈，穿着黑色的背心……其实这些都是朋克文化的一部分；还有的自己在服装上缝坠一些饰物，对服装进行再加工，这也是受到朋克DIY主张的影响。

　　在21世纪，带有独特风格的青年亚文化在某种程度上已经成为时尚的源头之一。Punk和Hip-Hop以及另外一些亚文化风格相互融合，被越来越多的当代年轻人所接纳和吸收，朋克的形象已经广泛流通于全世界，当代青年的着装风格中多多少少流露着punk风格的影响。

　　朋克文化与服饰

　　1．新浪漫主义运动

　　随着“朋克”走向世界,韦斯特伍德的知名度亦愈来愈高。1983年春,韦斯特伍德第一次到巴黎举办时装表演。她推出的系列叫“女巫”,是一组暴露下腹部的现代服装,那里有不按规律拼辍的色布,粗糙的缝线,邋遢的碎布块和各色补丁,这是一种前所未有的“时装”。她的挑战虽然不可能获得全社会的共鸣,但毕竟使她赢得了世界的侧目。

　　随着新浪漫主义运动，这种喜好在80年代早期又成了一种广受欢迎的街头时尚。

　　2．撑架裙配牛仔裤

　　1985年,正当世界风行具有男子气的宽肩女装时,伦敦市场的衣架上出现一种“新”式的裙子,即韦斯特伍德推出的十九世纪式的撑架裙。看来这种反常的时髦是很难赢得人们的欢迎,尤其正当人们追求自然、合体的今天,但这种箍状的裙子在十月伦敦时装周后摆满了橱窗长达三个月之久。韦斯特伍德便是该裙式的鼓吹者，并且她的撑架裙或泡泡裙里面穿的是牛仔裤。她把这种裙子称为“另一种古典的款式”或叫“新时代的合体情调”。这种夸张的组合手法至今还有许多设计师沿用，但是，如今人们的审美观尺度已经改变，因此受到潮流推崇。

　　3Grunge褴褛的时髦

　　90年代初期，随着人们对狂躁的朋克摇滚音乐的厌弃，源自西雅图post punk延续的新音乐，风靡无数generation-X的新一代，它融合了一小部分的重金属思想与部分的朋克哲学。 Grunge的反时装口号团体发展起来，由老于世故的街头青年和名歌星组成，简单（不修边幅）的衣着如T恤、格仔恤衫、MA-L jacket、军裤、used jeans、厚底波鞋等成为他们的打扮特征，总而言之，Grunge fashion的格言就是dressing down（低调）。Grunge fashion光辉日子虽然短暂，但巅峰期亦曾经成为时装设计师的灵感来源。事实上Grunge虽然成为了历史名词，但它的影响已渗入潮流之中。流行多年的军裤便是例子之一。

　　朋克服装的历史

　　起步：早期的朋克装扮强调个性和廉价：黑色的紧身裤、满带窟窿和画满骷髅和美女的棉布紧身衣服、松松垮垮的外套、皮衣等都是当时最热门的装扮。除了这些“基本元素”之外，别针、钉钉、金属条也被广泛地应用到服装中。

　　“搞怪”、“另类”成了朋克服饰的代言词。

　　改良：一直到1979年，设计师赞德拉·罗兹对朋克服装进行了改良，那种张扬的、支离破碎的、到处挂满别针和金属条装饰的朋克服装一去不复返，朋克服装开始变得和人们越来越亲近。

　　此后，朋克的元素继续影响着服装设计和服装潮流，毛边、酸洗、破坏洗或是特殊印染等元素持续流行，皱褶、拼缝、镂空、不规则剪裁和设计历久常新，既新奇另类又极富设计美感。

　　现今：现在的朋克风可以称为“新朋克”，继承了朋克的元素，但是却少了很多张牙舞爪的张扬，惟一不变的是朋克那种与生俱来的性感和独特的韵味。

　　相比起最初的朋克装扮，现在的朋克族们已经少了一些以往的张扬、另类和不羁，变得有些收敛，高跟鞋、印花、网眼、长筒黑色丝袜、拉链等等的加入让朋克也开始有点“女人味”了。更多的朋克族们迷上了“细节朋克”———放弃了整体的装扮，从而转向在细节处朋克：比如多个耳钉、比如鼻环又比如莫希干式的头发。

　　除此之外，朋克服饰中经典的扭曲的缝线、不对称的剪裁、不调和的色彩、以及黑皮和铆钉的结合到今天依旧在时尚的舞台上大行其道

范思哲服装设计理念 :

范思哲(Versace)代表着一个品牌家族，一个时尚帝国。它的设计风格鲜明，是独特的美感极强的先锋艺术的象征。其中魅力独具的是那些展示充满文艺复兴时期特色的华丽的具有丰富想象力的款式。这些款式性感漂亮，女性味十足，色彩鲜艳，既有歌剧式的超平现实的华丽，又能充分考虑穿着舒适性及恰当地显示体型。

范思哲(Versace)服装远没有看起来那么硬挺前卫。以金属物品及闪光物装饰的女裤、皮革女装创造了一种介于女斗士与女妖之间的女性形象。绣花金属网眼结构织造是一种迪考(deco)艺术的再现。黑白条子的变化应用让人回想十九世纪二十年代风格。丰富多样的包缠则使人联想起设计师维奥尼及北非风情。

斜裁是范思哲(Versace)设计最有力最宝贵的属性，宝石般的色彩，流畅的线条，通过斜裁而产生的不对称领有着无穷的魅力。采用高贵豪华的面料，借助斜裁方式，在生硬的几何线条与柔和的身体曲线间巧妙过渡。

在男装上，范思哲(Versace)品牌服装也以皮革缠绕成衣，创造一种大胆、雄伟甚而有点放荡的廓型，而在尺寸上则略有宽松而感觉舒适，仍然使用斜及不对称的技巧。宽肩膀，微妙的细部处理暗示着某种科学幻想，人们称其是未来派设计。线条对于是范思哲(Versace)服装是非常重要的，套装、裙子、大衣等都以线条为标志，性感地表达女性的身体。

服装设计手绘图样式比较多，根据你的喜好以及兴趣选择把

　　服装设计要具备以下6点的能力!

　　1、 绘画基础与造型能力

绘画基础与造型能力是服装设计师的基本技能之一。当然，以前的设计大师也有个别不会画画的，但他需要在其他方面有更杰出的表现。但有些人即使通过在学校系统地学习和培训，仍然不能很好地用绘画方式表达设计意念的话，那将为自己的创作带来很大的困难。

只有具备了良好的绘画基础才能通过设计的造型表现能力以绘画的形式准确地表达设计师的创作理念，另一方面在设计图的过程当中也更能体会到服装造型重的节奏和韵律之美，从而激发设计师的灵感。

20世纪初包豪斯曾经提出“设计的目的是人而不是产品”，特别是服装，本身就是人体的外部覆盖物，与人体有着密切的关系，作为设计师只有对人体比例结构有准确、全面的认识，才能更好地、立体地表达人体之美，这是设计的基础。

　　2、丰富的想象力

　　独创性和想象力是服装设计师的翅膀，没有丰富想象力的设计师技能再好也只能称为工匠或裁缝，而不能称之为真正的设计市。设计的本质是创造，涉及本身就包含了创新、独特之意。自然界中的花鸟树木、我们身边的装饰器物/丰富的民族和民俗题材，音乐、舞蹈、诗歌、文学甚至现代的生活方式都可以给我们很好的启迪和设计灵感。千百年来，服装的历史长河中正是由于前人丰富的想象力和独创的精神才给我们留下了丰厚的宝贵财富。

在西方服装设计史上，那些备受瞩目的署名服装设计师们均以其独特的创造力和想象力再设计上出其巧思。特别是20世纪30年代颇具影响力的意大利女设计师——夏波瑞莉竟将鞋子设计成帽子扣在头顶，将口袋设计成抽屉状，其丰富的想象力及形象幽默、大胆别致的设计风格备受后人推崇。

　　3、对款式、色彩和面料的掌握

　　服装的款式、色彩和面料是服装设计的三大基本要素。

服装的款式是服装的外部轮廓造型和部件细节造型，是设计变化的基础。外部轮廓造型由服装的长度和纬度构成，包括腰线、衣裙长度、肩部宽窄、下摆松度等要素。最常见的轮廓造型有“A"型、“X"型、T型、H型、O型等。服装的外部轮廓造型形成了服装的线条，并直接决定了款式的流行与否。部件细节的造型是指领型、袖型、口袋、裁剪结构甚至衣褶、拉练、扣子的设计。

服装的色彩变化是设计中最醒目的部分。服装的色彩最容易表达设计情怀，同时易于被消费者接受。火热的红、爽朗的黄、沉静的蓝、圣洁的摆、平实的灰、坚硬的黑，服装的每一种色彩都有着丰富的情感表征，给人以丰富的内涵联想。除此之外，色彩还有轻重、强弱、冷暖和软硬之感等，当然，色彩还可以让我们在味觉和嗅觉上浮想联翩。

熟练掌握和运用服装面料特质是以未成熟的设计师所应具备的重要条件，设计师首先要体会面料的厚薄、软硬、光滑粗涩、立体平滑之间的差异，通过面料不同的悬垂感、光泽感、清透感、厚重感和不同的弹力、垂感等，来悉心体会其间风格和品牌的迥异，并在设计中加以灵活运用

不同质地、肌理的面料完美搭配，更能显现设计师的艺术功底和品位。服装款式上的各种造型并不仅仅表现在设计图纸上，而是用各种不同的面料和裁剪技术共同达成的，熟练地掌握和运用面料设计才会得心应手。

服装的款式、色彩和面料这三部分缺一不可，是设计师必须掌握的基础知识。对款式、色彩、面料基础知识的掌握和运用也一定程度能反映出一个设计师的审美情趣、品位和艺术功底。

　　4、对结构设计、裁剪和缝制的理解

　　对结构设计、裁剪技术的学习，也是服装设计师必须掌握的基础知识。结构设计是款式设计的一部分，服装的各种造型其实就是通过裁剪和尺寸本身的变化来完成的。如果不懂面料、结构和裁剪，设计只能是“纸上谈兵”。不要以为在公司里结构设计、裁剪是打版师傅的事情，只会画图、不懂打版的设计师肯定不是一个完美、成熟的设计师。不懂纸样和结构变化，设计就会不合理、不成熟，甚至无法实现。

学校里的学生经常会遇到这样的问题，由于自己还不会打版，参加大赛的服装只能请师傅打版，但自己画的是一种效果，做出来完全走了型，没有达到想要的效果。由此可见，打板本身直接决定了服装的造型和整体效果。20世纪里有许多大师都是直接从服装的裁剪和结构入手，并把这些作为十分重要的设计语言，如巴伦夏卡、朗曼、威奥内特、三本耀司等。仔系研究大师们的作品我们可以看到，服装的结构设计深富内涵、表现力独特，其深沉、含蓄而不张扬的风格非常值得细细品味。如果不精通裁剪和结构设计，我们对作品的欣赏只会停留于肤浅的表面，设计也只能是一个空架子、经不起推敲和考验。

缝制也是服装设计的关键，不懂的各种缝制技巧和方法，也会影响我们对结构设计和裁剪的学习。缝制的方式和效果本身也是设计的一部分，不同的缝制方式能产生不同的外观效果，甚至是特别的肌理效果。有的设计师借助“缝纫效果”作为设计语言来尝试新的效果，这种手法在诚意设计中非常普及。这就要求设计师要熟知服装行业中的各种加工设备及服装缝制专用机件，对针织、梭织的加工工艺了如指掌，才能在设计运用中得心应手

　　5、对服装设计理论及历史的了解

　　服装设计的初级阶段是对一些基础技法和技能的掌握，而成功的服装设计师更重要的是应具备设计的头脑和敏锐的创作思维，只掌握基础技能、能画漂亮的效果图是远远不够的。现在的艺术院校服装设计专业都开设有服饰理论课程，学生通过这些课程可以了解中外艺术史、设计史、服装史和服饰美学等理论知识，同时还能开阔学生的眼界、拓宽设计思路，启发他们的设计灵感。

特别是学习中外服装发展史，其源远流长的服饰演变能为我们提供诸多的设计灵感，古埃及风格、古希腊风格、哥特风格、巴洛克、洛可可风格这些在现代服装大师的作品中随处可见。只有了解中西服装发展的历史，理解现代服饰的演变，才能在设计史立足于现代并预测未来。了解中西服装发展史的变化，也会使你更深地体会中西服饰的差异，市自己明白身为东方的服装设计师应该如何面对西方服饰、如何在设计中体现民族风格、如何在世界服饰舞台中赢得一席之地。

　　6、对20世纪服装发展史和大师风格的掌握

　　了解和掌握2世纪服装发展史及大师的风格是成为服装设计师的一条快捷之路。从20世纪初期的CHANNEL到本世纪初的加里亚诺，每一位设计大师都为我们在服装史上留下了恒美的一笔：20、30年代优雅浪漫的低腰露背装;50年代典雅富贵的高级时装;60、70年代叛逆怪异的嬉皮士/朋克服饰;80年代宽肩、松身男性化职业女装;90年代型甘迷人的蕾丝、透视服饰……只有深入学习20世纪服装的发展历史，才能理解那个时代大师们的设计风格和艺术表现，从而借鉴到自己的服装设计当中。

20世纪80至90年代，德国的设计大师卡尔•拉格费尔任CHANNEL公司的首席设计师，为了扭转CHANNEL公司当时的困境、为其注入新的活力，卡尔•拉格费尔首先从熟悉夏耐尔品牌的设计风格开始着手，以致于对CHANNEL几十年历史中的每一个款式，他都可以一边默写一款一边讲解。在充分了解CHANNEL风格和设计历史之后，卡尔•拉格费尔一改CHANNEL套装的沉闷和单调，推出了90年代粉彩、性感的CHANNEL套装，使CHANNEL服饰重振旗鼓，再次赢得年轻女性的喜爱，从而恢复了CHANNEL品牌往日的活力。

可见，每一位设计师都要付出相当的努力，方能使设计的作品获得认可和成功。