浪漫主义时期出现了哪些新的钢琴体裁

浪漫主义时期出现了哪些新的钢琴体裁,第1张

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  浪漫主义时期的钢琴音乐创作与演奏

  摘要:虽然浪漫主义时期的舒伯特、舒曼、肖邦、李斯特、门德尔松等作曲家的创作侧重点不尽相同,但他们作品中所体现的浪漫主义精神、典型的创作手法却具有某种共同性,充分地体现了浪漫主义音乐的总体风格。这一时期钢琴演奏技巧发展与作曲技术改进之间相辅相成、互为要求,形成了钢琴音乐艺术发展的最大动力。充斥在浪漫主义时期的技术为上的风尚也产生过很大的负面影响,但从钢琴艺术历史演进看,技术因素的强化,却促使钢琴制造者对近代钢琴从多方面不断地改进,为后来钢琴音乐表现的飞跃奠定了基础

  随着西方音乐史上浪漫乐派的形成,钢琴音乐也

  进入了其鼎盛的发展时期。影响钢琴艺术发展的因素

  来自不同的方面,首先是乐器制作工艺获得了较大改

  进,制作技术越来越规范,并逐渐趋于完善。从"# 世

  纪初开始,各国钢琴制造家对近代槌击钢琴进行了重

  要改进,如以铸铁张弦支架替换了原来的木质支架,

  机件变为复式杠杆装置,槌头上包裹的凫皮由绒毡所

  取代,琴弦加长并交叉排列,音域也扩大到七个半八

  度等等,致使钢琴音乐的表现力大大提高和加强。并

  且涌现出了大批专门制造音乐会演奏用琴的钢琴制

  造商,如格拉夫、施特顿希尔、布罗德伍德、伯森多幅、

  普莱耶尔、埃拉尔、斯坦威等,致使欧洲人的音乐生活

  中,钢琴的地位日益见长,独奏音乐会频繁举行,社会

  文化生活中,对钢琴人才的需求也与日俱增,因而,涌

  现出了大量的以钢琴演奏为生的艺术家,成为浪漫主

  义音乐发展的一大亮点。除此之外,这一时期的钢琴

  演奏技术也得到迅速提高和发展,并逐渐形成了以炫

  技为导向的多种演奏风格派别,预示着$% 世纪以此

  为特性的演奏流派纷呈局面的到来。

  从文化思想发展史来看,浪漫主义风潮形成于法

  国大革命后,复辟与反复辟长期较量的这一动荡变乱

  的紧张岁月中,它所力求表达的是躁动不安的个人主

  观感情,所创造的艺术形象是感情热烈、桀骜不驯的,

  其中心精神理念是情感至上。虽然这一时期,每一位

  作曲家的创作侧重点不尽相同,但他们作品中所能体

  现出的浪漫主义情怀、典型的创作手法却有其共同

  性,充分体现了浪漫主义音乐艺术的总体风格。

  崇尚浪漫主义理念的音乐家们,非常注重塑造具

  有个性的音乐形象,张扬个性成为一种时尚。就浪漫

  主义音乐作品中的诸多音乐技术环节而言,虽说抒情

  性是其钢琴音乐创作的一个重要特征,但最明显的创

  作建树却是在和声变化与音响色彩布局的追求上。譬

  如,变化音和声、近关系转调、复杂化和弦运用等等,

  其目的是力图模糊大小调体系的调性轮廓,是和声进

  行变成了一种表现的工具,而不仅仅是音乐结构的组

  成部份。在作品体裁上,最突出的现象是钢琴小品成

  为浪漫派作曲家抒发情感、捕捉瞬间情绪体验最拿手

  的表现形式,是"# 世纪最富有特性的音乐体裁之

  一。

  浪漫主义作曲家把大量的精力都投放到了对钢

  琴音乐潜力的挖掘上,极大地提高了钢琴音乐的表现

  力。这一时期钢琴音乐的真正奠基人是奥地利作曲家

  舒伯特,他的作品深受其艺术歌曲的影响,不仅表现

  在旋律的纯声乐性上,而且在钢琴音乐的情感内容

  及主题形象上都与其艺术歌曲相关联。如同人们所

  说:“舒伯特的艺术歌曲使诗变成音乐,他的钢琴曲

  又使音乐变成诗。而他用以表现钢琴音乐诗性的一

  个重要手法就是运用大小调交替的调式和频繁变换

  的调性。”# $ %整体来看,舒伯特的钢琴作品可分为两大

  类:奏鸣曲和小品。其钢琴奏鸣曲虽继承了维也纳古

  典乐派的传统,但更具有抒情性,充满着幻想与诗意

  的浪漫主义气息。其钢琴小品,即八首即兴曲和瞬间

  音乐,则充分展现了舒伯特旋律、和声色彩变化方面

  的才华,并成为后世浪漫派音乐家创作钢琴小品的

  楷模,开创了钢琴音乐创作的新领域。

  受舒伯特影响最深,并直接从其作品精神中得

  益的是门德尔松。门德尔松的&’ 首《无词歌》在世界

  钢琴文献中都占有重要地位。从这些作品中,反映出

  的是门德尔松钢琴音乐的室内性风格特点,旋律优

  雅流畅,和声质朴纯真,从不追求浮华的炫技效果,

  也少有深刻的戏剧性和激动人心的内心表白,整体

  上以音乐语言的谐和均衡、清新淡雅见长,其中那些

  富于歌唱性旋律的作品给人的印象最深。

  真正让钢琴音乐燃烧着浪漫主义热情,洋溢着

  兴奋激昂情绪的是德国作曲家舒曼。由于早年与其

  师之女克拉拉之间恋爱的失败,加之对当时音乐界

  陈腐、保守、庸俗的市侩风气的不满,使他形成了易

  于沉思幻想和激动热情的双重性格,切几乎贯穿在

  他所有的钢琴音乐中。可以说,舒曼大多数的钢琴作

  品都是他前半生内心生活的写照,带有某种自传的

  性质。舒曼在标题性的套曲形式上有较大创造,他是

  第一个将独立的钢琴小品贯穿成不可分割的艺术整

  体———套曲的作曲家,代表作有《狂欢节》、《蝴蝶》

  等。他的钢琴音乐作品中的“标题性”提示,往往是通

  过内容的进行,用来更深刻地表现细致入微的情感

  体验的重要手段。折射出的是音乐中的诗意和文学

  意味,而不是简单地运用情节性的标题进行提示,

  《童年情景》中的“标题性”提示几乎就具有这样的意

  义。

  被誉为“钢琴诗人”的波兰作曲家、钢琴家肖邦,

  把他的全部生涯都奉献给了钢琴创作,这在钢琴音

  乐史上是独一无二的。他创造了典型的浪漫主义的

  钢琴音乐语言,他对新的音响色彩的探索开辟了新

  的音乐表现天地,创作中大量半音的运用动摇了由

  维也纳古典乐派确立的自然音调性体系,而拿波里

  六和弦、属七、减七、属九和弦的层出不穷使用,则大

  大地强化了和声色彩的功能。不仅如此,他还对旋

  律、织体、装饰音等各方面进行革新,以利于音乐表现

  的需要。肖邦的钢琴作品所涉猎的体裁范围无人能

  及,玛祖卡、叙事曲、谐谑曲、奏鸣曲、夜曲、圆舞曲、练

  习曲、回旋曲、协奏曲、前奏曲等,从不同的侧边真实

  地记载了作曲家由祖国命运危机、社会环境变迁和个

  人经历的波折,所引发的一系列复杂的情感体验。除

  了浪漫主义激情外,他的创作和演奏风格中还保留着

  一种含蓄内在、均衡典雅的古典精神气质。

  如果说肖邦发掘了钢琴内在的表现潜力,那么与

  其同时代的匈牙利作曲家、钢琴家李斯特则弘扬了钢

  琴艺术的外在表现力。其钢琴演奏风格直接继承和

  发展了克列门蒂、贝多芬的动力性风格,技术辉煌,激

  情四溢,在钢琴上追求宏伟的交响性音响。他的钢琴

  作品大都是外向性的,音乐感情炽热,旋律带有朗诵

  调性质,不少作品冠以与文学、绘画、雕塑有关的标

  题。而他对于大量半音、增减和弦,甚至是全音音阶

  的运用,更是成为了印象主义风格的先声。除此之

  外,李斯特还在《( 小调奏鸣曲》中成功地运用了“主

  题变奏”的手法,使音乐本身的展开更富有逻辑性。

  正当李斯特在浪漫主义的潮流中推波助澜时,出

  现了一位要恢复古典主义精神和传统的反潮流人物

  ———勃拉姆斯。秉承德奥文化气质的勃拉姆斯,其音

  乐创造较之同时代人的要深刻严肃、富于理性。在他

  的某些作品中,特别是最后几年的创作,有一种个人

  精神倾诉的趋向,可看作马勒音乐创作的先行。某些

  地方如同肖邦一样,他把自己的感情深深地隐藏在抽

  象的标题背后,与同时代音乐风尚相比,勃拉姆斯对

  于赋格曲、奏鸣曲、变奏曲等古典形式所具有的兴趣

  要强烈得多。他的演奏风格是厚实的,他是继贝多芬

  之后$) 世纪最重要的键盘作曲家。他的音乐有着德

  国北部的严肃性,充满了技巧上的困难。

  上述我们所介绍的作曲家基本上也都是本时期

  优秀的钢琴演奏家,这是这一时期音乐发展的一大特

  点。钢琴演奏技巧发展与作曲技术改进之间相辅相

  成、互为要求,形成了钢琴音乐艺术发展的最大动

  力。其实,早在$) 世纪头+ 年就已表现出钢琴家对

  于演奏技巧训练的重视,如克拉莫、胡梅尔、费尔德、

  车尔尼、莫舍列斯等,他们仿效,·-··巴赫建立

  键盘演奏理论体系的做法,纷纷编写各种类型的练习

  曲,试图建立各自演奏技术训练的体系,致使钢琴演

  奏技术训练开始走向规范化的道路。

  应该说李斯特是钢琴演奏史上的重量级人物,过

  去,除了贝多芬,所有的钢琴家都是双手紧贴键盘进

  行弹奏,而李斯特一反常规,把手臂高高举起,头发往

  后一甩,使钢琴发出了巨大的轰鸣,迸发出兴奋的感

  情色彩。而他早年受小提琴演奏家帕格尼尼启发,推

  出的大量的双音、八度音阶、大跳八度和弦、快速轮

  指、滑奏等高难度技术,使得钢琴获得了前所未有的

  风驰电掣般的音响效果。但李斯特对演奏时力量的控

  制也是很有讲究的,如同哈莱写到的一样:“他在演奏

  时显示出的力量是我从来未听见过的,但既不显得粗

  糙,又不是过度响亮。”# $ %他的这一做法,极大地影响

  了当时整个欧洲钢琴界的演奏风格,涌现出了诸如

  “琶音大师”泰尔伯格、“八度大王”德雷肖克等炫技演

  奏家,他们的炫技作品也如雨后春笋般地层出不穷。

  另外,李斯特根据交响曲、管风琴曲、歌剧片断和流行

  歌曲所作的集大成般的“释意演奏”# " %,一方面显示了

  钢琴这件万能乐器的神奇魔力,另一方面则体现了李

  斯特对原作品和钢琴音响极强的领悟力。就像门德尔

  松所描述的那样:“我从来未见过任何一个像他那样

  连指尖都流露出音乐感悟力的演奏者。”# & %

  ’(")—’() 年间,占主流的是炫技大师和沙龙

  钢琴家,但其中也存在着一小群与之相抗衡的钢琴

  家。他们反对哗众取宠的炫技,认为这只会使钢琴演

  奏艺术走上死胡同,其中就有肖邦、门德尔松、克拉

  拉+舒曼等。

  肖邦是继莫扎特之后又一位追求典雅风格和高

  尚趣味的钢琴演奏家。他的手指触键技术极其精湛,

  对于音乐的细腻变化、踏板的色彩性运用、弱音区声

  音的探索和钢琴内在表现力的发掘都达到了前所未

  有的高度。他的演奏方法中最有特征性的是散板节

  奏,那里面含有精妙的韵律摆动,洋溢着绝对的情感

  表现,其创作、演奏中的诗意追求由此而体现。而门德

  尔松则是伟大艺术作品的宣传者,他从不演奏五花八

  门的炫技乐曲,只是演奏先辈和同辈大师的杰作。作

  曲家舒曼的妻子克拉拉·舒曼也为钢琴演奏艺术做

  出了杰出的贡献,她不仅演奏她丈夫的大量作品,而

  且广泛宣传巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、勃拉姆斯等

  大师的杰作,其演奏风格一反当时流行的炫技、做作

  和夸张,在音乐表现追求上显示出理性的节制和高雅

  的趣味。

  随着浪漫主义音乐的发展,以炫技大师为代表的

  钢琴家与以伟大艺术品的宣传者为代表的钢琴家之

  间逐渐出现分野。曾经辉煌一时的炫技大师们,落得

  了一个演奏艺术价值不高的尴尬境地,但如果站在历

  史的角度上辩证地来看,他们并非是无所作为的,最

  起码对于提高钢琴艺术地位,促进钢琴技术进步,其

  贡献仍可说是巨大的。

  不过,充斥在浪漫主义时期的技术为上的风尚也

  产生过很大的负面影响,由于过份强调发展演奏技

  术,并急于求成,也贻误了许多年少的学琴者。譬如,

  当时曾风行过一套用于辅助手指训练的方法,狂热的

  舒曼就因此而练废了手指头。不可否认,这个时代由

  于过多地着眼于钢琴演奏技巧,在演奏观念上显露出

  了对于炫耀技巧的广泛兴趣,从而挤兑和降低了对于

  音乐作品的内在艺术质量的追求,使得钢琴艺术的发

  展充满着浮燥的气息。艺术评价急功近利,过分强调

  钢琴演奏技术进步,的确是这个时代的不足,我们应

  该清晰地看到这一点。但是,从钢琴艺术历史演进来

  看,这种对技术因素的强化,却酝酿了钢琴演奏史上

  的一个转折性变化,促使钢琴制造者对近代钢琴从多

  方面不断地改进,为后来钢琴音乐表现的飞跃奠定了

  基础。

  艺术和技术之间从来都是相辅相成的,好的艺术

  需要良好的技术作支撑,反之,好的技术又会对艺术

  表现提出新的要求。浪漫主义作为人类音乐历史的一

  个断面,作为钢琴艺术发展的一个阶段,自有其辉煌

  的一面,也有其不足的地方,只有从整体上对其进行

  全面观察,才可能对浪漫主义钢琴艺术发展有一个较

  为客观的认识和评价,也才可能更准确地看到浪漫主

  义钢琴音乐的历史性贡献之所在。

  参考文献:

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  贝多芬、肖邦、李斯特、舒曼:人们可能说本专辑收录的这四位作曲家作品,正是阿劳音乐里的四大基石。可是立即又马上会有许多其它作曲家的名字浮上来,例如舒伯特和莫扎特……等。总之,阿劳确实是个兴趣广博和感悟力强的钢琴家。这样广的音乐涉猎,多少让乐评家分析起来觉得头痛,可是一个客观判断的耳朵还是可以区分出不同作曲家在阿劳艺术中的不同份量。

  贝多芬在阿劳的演奏曲目中占有特别的一席之地。我从一九五零年代中期就开始听阿劳的演奏会,我不认为他有任何一场音乐会让这位作曲巨匠缺席。我用「巨匠」一词是别有深意的,因为这正是阿劳用来形容贝多芬的用语,他认为没有任何其它音乐家能与贝多芬等量齐观。贝多芬象征看人类的抗争与超脱,代表不断「重生」与「新生」。阿劳在他的《华德斯坦》奏鸣曲中所想表达的正是这些涵意。拉丁国家人们称呼这部奏鸣曲为「破晓」(L’Aurore),但这个「破晓」并非代表一日之晨,而是一整年的起始。阿劳曾一再重复说明老克莱巴如何找到这部作曲的正确涵意:根据1967年12月号《钢琴》(Clavier)杂志上艾尔德(Dean Elder)的记载,阿劳说:「E克莱巴告诉我,这部作品所描写就像春日开始之际,大自然苏醒之时。演奏时必须宛如不经意地踏下踏辫,弹奏得愈轻愈好。第一乐章起首部份也得弹奏得像春草嫩芽钻出大地…老实说,我们平常听到的演奏基本上都是错误的。」

  在阿劳眼中,「平常人演奏的第一乐章比正确速度快了三倍」。说实在,阿劳演奏的这个乐章确实是个大惊奇,他的速度比一般人沉稳(比贝多芬学生彻尔尼所建议的速度还慢),在乐曲开始处也显得极富神秘感。另一个特色是速度充满弹性,但并不是说采取夸大的对比,而E大调段落强烈呈现出演奏者个人的意念倾向。不管什么情况下,阿劳都力主钢琴家应该自行安排贝多芬作品中的脉动感,所持证据得自贝多芬同时期人物所留下的蛛丝马迹。另一方面他以钢琴家的角度来看,认为每个乐章确实都有戏剧性的成份在。

  从序奏到终乐章轮旋曲,阿劳认为这是贝多芬作品中最深刻的一部,并用演奏来证明自己的论点。贝多芬对此曲动态对比的标注极其大幅度,阿劳不回避用言语解说他的认知:「就像太空漫游一样」。阿劳深信,诠释音乐的依据得自对乐谱细节的深度理解,这是诠释音乐的出发点,但很多钢琴家都只停留在观察乐曲表面的层次,这就是为什么我们时常听到人们抱怨青年音乐家的演奏总是听来一个样儿。

  如果要我挑这段轮回曲最值得赞许的一段,我会选出一大段「找回家路」(Donald Tovey所说)的乐段(第221-312小节),这个段落由五个八度音引导出来,双手一起弹奏,暗示一种沮丧绝望的感情。前三个和声是响亮而坚定的,但按着却渐弱下来,最后柔和的结束,这段介于第二大段和轮回曲主题间的音乐,通常并不吸引一般钢琴家兴趣,而阿劳却在此表现出孤独被弃的沧桑感,而只消强调了三个音符。阿劳演奏本曲比布兰德尔足足长了两分钟,看来,阿劳对贝多芬标注的速度似不是那么忠实。

  阿劳在《皇帝》钢琴协奏曲里也放了很多个人倾向,他没有像皇帝一样威风堂堂,而是和乐团作出融合一气的整体感。值得注意的是,他用了较多的极弱音,表情极其优美而色彩丰富。这并不是录音效果所致。因为即使在现场演奏,阿劳也同样作出这种大幅度感情和韵味。再一次,阿劳带给人们一种熟悉作品的特异诠释。

  有趣的是,一般人也许没注意,许多优秀的贝多芬演奏者也同时是优秀的李斯特演奏者。您会想到布兰德尔、肯普夫和李希特……没错,这些钢琴家,当然也包括阿劳,他们在李斯特的大量作品上都做出顶尖的表现。阿劳把李斯特的角色与舒曼、萧邦、白辽土、华格纳和拉威尔归在一起,阿劳认为李斯特B小调钢琴奏鸣曲是「史上最伟大的钢琴作品之一」。这是一部「高度集中,没有一个多余音符,没有任何地方是为钢琴技巧表现,一切都是为了戏剧性」(节自 Robert J Silverman所作访谈,The Piano Quarterly冬季号1982-83)。所谓的「戏剧性」是指《浮士德》传奇,这是阿劳对乐谱内涵洞悉后的体认,更有趣的是,其实所有李斯特的弟子都接受李斯特与《浮士德》传奇确有特殊关联的观念。标题音乐被大多数现代乐迷当成是落伍过时的东西,真是令人遗憾!其实这种内部精神联系所带来的逻辑性和特殊情境,对演奏者诠释来说,是非常有用的泉源。在阿劳的诠释观点中,他并非描述葛丽卿(Gretchen,《浮士德》中的女主角),而是描述「葛丽卿心中的感情世界」。阿劳说:「我不会只描述角色的外表形象」。无庸赘言,阿劳这部作品的诠释可说出类拔粹,快板部份充满动感和震撼性的低音,慢板部份也不显松散,而是贯串着出色节奏韵律和色调。

  好的贝多芬演奏者可以专长李斯特,但优秀的李斯特演奏者却未必长于肖邦。布兰德尔尽量避免弹肖邦,肯普夫开始弹肖邦作品时显然犯了大忌。李希特则小心处理两位极不同典型钢琴家音乐间的桥梁-音色以及他们对键盘的处理概念。我想,阿劳也是采取这种做法。不过尽管如此,欣赏阿劳的肖邦并不是件简单。Decca本来想在五零年代为阿劳录肖邦作品全集,结果反应恶劣,以致他们不得不取消计划。阿劳早期的肖邦演奏说实在有时真的不算是第一流,1960年阿劳录的F小调幻想曲并没有1977年的飞利浦版(本片收录者)那么出色。1960年版太拐弯抹角,后来的新版本则显得直接得多。

  在李斯特的作品中,阿劳投以无拘无束的激情,在贝多芬里,无论在乐句中寄以多深的感情,速度方面阿劳仍是保有一定的节制。舒曼则相当不同,他的思想有部份得自霍洛维兹的说法:「舒曼的音乐永远不曾是安静的,就算在最抒情的段落,底下仍是暗潮汹涌。」这里所说的「暗潮汹涌」无疑表现在舒曼《幻想曲》Op17的前两个乐段里,同时也有证据显示出现在最后一段,如果我们仔细审视原谱当可辨识这点。阿劳的演奏颇重视这个暗潮及低音声部,并忠实清晰地表现其内在精神。

  本片收录的四位作曲家,首先是非常有利于藉彼此差异来观察阿劳的不同风貌。第二个特殊点是,我确信您一定可以发现和其它钢琴家比起来,阿劳的诠释永远独树一格,即便是那些人们最熟悉的曲目。

  浪漫主义时期的钢琴音乐创作与演奏

  一。浪漫时期:肖邦 代表作品:降e大调小夜曲 风格:舒缓 浪漫 艺术贡献:有以他命名的钢琴比赛

  古典时期:海顿 代表作品《惊愕交响曲》,《小夜曲》风格:幽默、明亮、轻快,含有宗教式的超脱 对古典音乐的主要贡献:是交响曲和四重奏,由于他对于交响曲体裁的形成和完善作出了巨大贡献,因 弗朗茨·约瑟夫·海顿

  此被人们称作“交响乐之父”。

  莫扎特:歌剧《费加洛婚礼》、《魔笛》。 风格:无与伦比的流畅性与自如感。贡献:进一步完善了钢琴协奏曲这一体裁,并把四重奏这一个新形式推向高峰。市民阶层共享

  二。非洲音乐具有一种自然多声性倾向。经常可以看到两声部结构的歌曲和器乐曲,有的是主调式的多声部,也有的是复调式的多声部。节奏感较强。

  三。非洲 特殊的节奏是非洲黑人音乐中最重要的因素。非洲音乐的节奏强烈奔放,复杂多变。非洲音乐节奏可分为自由节奏和固定节奏两种。前者无明确的、有规律的律动感,一些地区的哀歌、赞美歌和少数宗教、历史歌曲属于这一类;而后者则具有规则的律动,并且可以借助于拍手、跺脚和敲击乐器,将其律动结构体现和强调出来。非洲音乐的节奏有单线型和多线型两种形式。非洲音乐的节奏具有一种丰富而独特的表现力。

  亚洲。东亚音乐旋律十分丰富,多采用五声音阶,乐器种类繁多,并有多种多样民歌、戏曲、说唱和舞蹈等。如以吸收自中国传统音乐而后被民族化了的日本的雅乐、琴、筝、三味弦音乐,朝鲜的唐乐和乡乐,当然还包括丰富多彩的中国民族音乐,这些都是东方音乐艺术的瑰宝

  拉丁美洲 民间音乐与欧洲民间音乐很大的不同点在于它那热情洋溢的风格,激荡人心的气氛和充满动力的节奏。但它同时又带有淡淡的忧郁、哀愁,然而并不悲痛,这是从祖先遗留下来的怀乡、思念祖国之情。它大多采用七声音阶,并常用变化音和转调,歌曲中的歌词为西班牙葡萄牙语。旋律的进行比较平稳、圆滑,声乐唱法较松弛,音色柔和抒情,重唱形式多,和声中喜用平行三度、六度。节奏以3/4、6/8拍居多,强调切分节奏。旋律与伴奏常为两种节奏。节拍的交错、交替很多。乐段结构对称方整,大量采用欧洲乐器,吉他、竖琴、手风琴、曼德林、萨克斯、小提琴、长笛用得很多。其中吉他是最重要的乐器,并在拉丁美洲各地形成了一个吉他家族,其中包括蒂波里(三弦)、瓜德罗(四弦)、恰朗戈(五对双弦)等小吉他和具有凸起背板的吉他(一种低音大吉他)。它们是声乐和器乐中不可缺少的乐器。来自西班牙的竖琴在拉美也流传很广,墨西哥、秘鲁、委内瑞拉、巴拉圭、……到处都有它的踪迹,而且已经成为一种真正的民间乐器。

  欧洲 第一个,分节歌。分节的,分节歌就是一个曲调配上多段的诗句组成的歌词,并且歌词常常押韵,这个叫分节歌结构,现在我们都很常见的。

  第二个,音阶是多样化的。他们儿童歌曲常常就用两三个音,五声音阶也不少,但主要是七声音阶。五声音阶不是中国独有的,中国当然五声音阶是它的很主要的特点,但是爱尔兰也是五声音阶,苏格兰也是五声音阶,匈牙利也是五声音阶,有很多。但是大多数来说,欧洲人还是以七声音阶为主

(1)帕格尼尼(1782~1840):意大利小提琴家、作曲家。推荐曲目:1二十四首无伴奏小提琴随想曲。2第一、二号小提琴协奏曲。3摩西幻想曲。4《心中类乱》主题变奏曲。

5小提琴与吉他的奏鸣曲(任选)。

(2)韦伯(1786~1826):德国作曲家。推荐曲目:1第一、二号竖笛协奏曲。2钢琴曲《邀舞》。3降B大调竖笛五重奏。4《磨弹射手》序曲、《奥伯龙》序曲、《尤里安得》序曲。5歌剧《魔弹射手》。

(3)麦亚白尔(1791~1686):德国歌剧作曲家。推荐曲目:加冕进行曲(选自歌剧《预言家》)。

(4)罗西尼(1792~1868):意大利歌剧作曲家。推荐曲目:1歌剧序曲选辑。2歌剧《塞维亚的理发师》。3歌剧《赛米拉密德》。4歌剧《灰姑娘》。5弦乐奏鸣曲(共六首)。

6圣母悼歌。

(5)董尼才悌(1797~1848):意大利歌剧作曲家。推荐曲目:1歌剧《拉默摩的露西亚》。2歌剧《唐巴斯瓜雷》。3歌剧《爱情灵药》。4歌剧《联队之花》。5歌剧《宠姬》。

(6)舒伯特(1797~1828):奥国作曲家,人称《歌曲之王》。推荐曲目:1第五、第八、第九号交响曲。2钢琴与弦乐五重奏曲《鳟鱼 》。3弦乐四重奏《死与少女》。4即兴曲D899、D935、D946。5乐兴之时D780。6钢琴奏鸣曲D557、D571 D556、D784、D845、D894、D850、D958、D960。7《阿贝鸠尼》奏鸣曲D821。8第一号、第二号钢琴三重奏。9流浪者幻想曲D760。10联篇歌曲集《美丽的磨坊少女》、《冬之旅》、《天鹅之歌》。11歌曲集(任选)。12八重奏D803。13弦乐五重奏D956。14小提琴奏鸣曲(四首)。15小提琴幻想曲D934。

(7)白辽士(1803~1869):法国作曲家。推荐曲目:1幻想交响曲 。2序曲集(包括《罗马狂欢节》、《李尔王》、《海盗》等)。3哈洛德在意大利(包含中提琴主奏的主题交响曲)4歌曲集《夏夜》。5罗密欧与茱丽叶(戏剧交响曲)。

(8)葛令卡(1804~1857):俄国作曲家。推荐曲目:1《露斯兰与鲁密拉》序曲。2降E大调六重奏。3管弦乐曲《卡玛琳丝卡亚》、《马德里之夜》。

(9)孟德尔颂(1809~1847):德国作曲家。推荐曲目:1交响曲第三号《苏格兰 》、第四号《意大利 》、第五号《宗教改革》。2E小调小提琴协奏曲OP64。3钢琴协奏曲(二首)。4《芬加尔洞窟》序曲。5戏剧音乐《仲夏夜之梦 》。6降E大调弦乐八重奏 。7第一、二号钢琴三重奏。8大提琴奏鸣曲(二首)。9无言歌。10神剧《以利亚》。

10)萧邦(1810~1849):波兰钢琴家、作曲家。推荐曲目:1第一、二号钢琴协奏曲。2练习曲(二七首)。3前奏曲(二六首)。4圆舞曲(十四首)。5夜曲(二一首)。6钢琴奏鸣曲第二、三号。7《军队》波兰舞曲OP40NO1、《英雄》波兰舞曲OP53 、《幻想》波兰舞曲OP61、沉着的行板与大波兰舞曲OP22。8马厝卡舞曲(任选)。9即兴曲(四首)。10叙事曲(四首)1 2 3 4 。11诙谐曲(四首) 。12幻想曲OP49 。13摇篮曲OP57 。14船歌OP60。

(11)舒曼(1810~1856):德国作曲家。推荐曲目:1交响曲第一~四号(No3莱茵交响曲第一乐章 、第二乐章 、第三乐章 、第四乐章 )。2儿时情景OP15(之第七首梦幻曲 )。3C大调幻想曲OP17(第一乐章 、第二乐章 、第三乐章 )。4狂欢节OP9。5克莱斯勒利纳OP16。6交响练习曲OP13。7幻想小品OP12。8森林景色OP82。9第二号钢琴奏鸣曲OP22。10A小调钢琴协曲OP54(第一乐章 、第二三乐章 )。11钢琴五重奏OP44。12竖笛与钢琴幻想小品OP73。13三首双簧管浪漫曲OP94。14《童话画册》(中提琴与钢琴)。15五首民谣式作品(大提琴兴钢琴)。16A小调大提琴协奏曲。17D小调小提琴协奏曲。18联篇歌曲集《诗人之恋》、《女人的爱与生涯》。19小提琴奏鸣曲(二首)。20钢琴与法国号的慢板与快板OP70。

(12)李斯特(1811~1886):匈牙利钢琴家、作曲家。推荐曲目:1第一 、二号钢琴协奏曲。2交响诗第二号《塔索》、第三号《前奏曲》 、第四号《奥菲欧》、第六号《马捷帕》。3匈牙利狂想曲(十九首)No1 、No2 、 No13 、 No15 。4匈牙利民谣幻想曲。5B小调钢琴奏鸣曲OP45。6第一号梅菲斯特圆舞曲。7帕格尼尼主题大练习曲OP67(共六首、其中第三首最著名)。8超技练习曲(十二首,任选) 。9巡礼之年。10第三号《爱之梦》。11死之舞(钢琴与管弦乐)。12《浮士德》交响曲。

(13)威尔第(1813~1901):意大利歌剧作曲家。推荐曲目:1歌剧《茶花女》。2歌剧《阿伊达 》。3歌剧《奥泰罗》。4歌剧《麦克白》。5歌剧《游唱诗人》。6歌剧《命运之力》。7歌剧《纳布果》。8歌剧《假面舞会》。9歌剧《唐卡罗》。10歌剧《法斯塔夫》。11序曲与前奏曲集(任选)。12安魂曲1 2 6 。

西方器乐曲种类

交响曲(symphony)

广义的来说,交响曲是为管弦乐所写的奏鸣曲。这个曲式源自於巴洛克时期,当时对此名称的解释相当於现在的歌剧「序曲」,也就是由快板-慢板-快板形式所组成的三个乐章的器乐曲。古典时期以后一般公认的模式是第一乐章:快板、奏鸣曲式;第二乐章:慢板;第三乐章:小步舞曲或诙谐曲;第四乐章:快板,轮旋曲式。

古典时期的海顿将交响曲带向一个新高峰,莫札特遵循其榜样又突破,1788年最后三百的交响曲尤其出色。贝多芬史将交响曲在表现情感的能力上提升至一新局面,九首交响曲不仅扩大了乐团的编制及乐曲的长度,第九号「合唱」交响曲更把人声引进由席勒(schiller)作词的「快乐颂」大合唱终乐章中。

十九世纪浪漫乐派之后,交响曲更被广泛的创作,但形式上开始有了些微改变,或是改变乐章的数目,或是加入了声乐,此外,受了标题音乐作曲手法的影响,更发展出「标题交响曲」之类型。如贝多芬《第六号田园交响曲》作品68。

交响诗(symphonic poem)

是一种以标题音乐手法完成的单乐章管弦乐作品,与多乐章的标题交响曲有别,交响诗是李斯特首先在作品中引用,白辽士的「幻想交响曲」大有与其影响。交响诗是在音乐中发展诗的理念,用音乐来营造情绪抒发感情,表现诗的意境,气氛和内容。交响诗的题材自由,手法不受限制,作曲家得以自由表达乐念,是在标题音乐中最发达的乐种。浪漫派后期德国音乐家理查史特劳斯(r strauss,1864~1949)在交响诗方面堪称一代宗师,他将交响诗改称为「音诗」。

组曲(suite)

十八世纪中期之后舞曲组曲不再受到作曲家的重视,主要是因为音乐逐渐平民化,宫廷内的舞曲不再那麼的流行。浪漫乐派以后流行具有描写性质的舞曲,通常是管弦乐曲及器乐曲的作品。大多由很多小曲组合而成,没有一定规则可循,作曲家可自由创作,如圣桑「动物狂欢节」、舒曼「儿时情景」、穆索斯基「展览会之画」。另外有芭蕾舞剧中精彩的管弦管配乐,单独用於演奏会上时的芭蕾组曲,如柴科夫斯基「睡芙人」、「天鹅湖」、「胡桃钳」组曲。

协奏曲(concerto)

协奏曲起源於16世纪,最初是指有乐器伴奏的声乐曲,以别於当时盛行的无伴奏合唱(a capplla),到巴洛克时代才指附有伴奏的器乐独奏之意。巴洛克时期的协奏曲,大都是大协奏曲(concerto grosso),这是由小协奏群(concertino)对著全体乐团(tutti)同时演奏或是交替出现,音乐间成了一种竞奏的模式。独奏乐器协奏曲到了巴洛克后期才出现,而现在最常听到的协奏曲式在古典时期才臻於完美。巴洛克时期著名的大协奏曲,如巴哈「布兰登堡协奏曲」,古典时期的协奏曲通常有三个乐章-快板、慢板、快板。

序曲(overture)

一般都在大型音乐如歌剧、神剧、芭蕾舞剧之前演奏,具有开场及将观众导人戏剧气氛的功能。古典时期,歌剧的序曲采用了奏鸣曲式,与歌剧内容紧密连结,其中莫札特的序曲最常被演奏,十九世纪时出现了独立为演奏会用的序曲,如孟德尔颂「芬加尔洞窟」、柴科夫斯基「一八一二」等序曲。

小夜曲(serenade)

小夜曲原本的解释是夜晚时站在爱慕的女性窗下示爱所唱的情歌,古典时期盛行器乐作品的小夜曲,是一种夜间在户外的演奏曲,供贵族王侯休闲遣兴之用。小夜曲以小型合奏型态演出,一般由小型弦乐队或管乐组乐器演奏。如:莫札特 g大调弦乐小夜曲k525。十九世纪后小夜曲继续发展、布拉姆斯、德弗乍克、柴科夫斯基、理查史特劳斯、艾尔加等皆有优良作品。

进行曲(march)

原本是要使一队士兵能够有秩序的前进时伴奏用的一种曲式。通常使用简单、鲜明有力的节奏与整齐规律的乐句。如贝多芬『英雄交响曲』第二乐章「葬礼进行曲」、孟德尔颂「仲夏夜之梦」序曲中的结婚进行曲。

室内乐(chamber music)

现代室内乐概念的形成始自古典时期,以海顿为首、莫札特、贝多芬开拓了许多室内乐的新天地。

最常见的演奏型式有三重奏、四重奏、五重奏,此外六重奏、七重奏、八重奏、九重奏等也有,只是数量较少。如舒伯特<a大调钢琴五重奏鱒鱼>第四乐章。

奏鸣曲(sonata)

专为一或二件独奏乐器而编写的乐曲,是古典乐派最重要和有价值的贡献,奏鸣曲产生於十六世纪,十七世纪早期发展出巴洛克式的奏鸣曲。十七世纪后期出现了海顿、莫札特、贝多芬的维也纳古典奏鸣曲。奏鸣曲曲式与交响乐相近,分为三或四乐章。

1 三个乐章 第一乐章 快板,奏鸣曲式

第二乐章 慢板或行板

第三乐章 快板或急板,轮旋曲式

2 四个乐章 第一乐章 快板,奏鸣曲式

第二乐章 慢板或行板

第三乐章 小步舞曲或诚谐曲

第四乐章 快板或急板,轮旋曲式

奏鸣曲式由海顿完成,莫札特、贝多芬将此形式推展至极限,并增加其流利优美的表现。十九世纪作曲家们虽然以同样方式写奏鸣曲、交响曲、室内乐等,但对原来模式并不十分依循。或只有单一乐章的乐曲,甚至有五个乐章的组合。古典时期的奏鸣曲以钢琴奏鸣曲、小提琴奏鸣曲、大提琴奏鸣曲的作品居多,如贝多芬小提琴奏鸣曲「春」、「克罗宋」,钢琴奏鸣曲「月光」、「热情」、「悲怆」等。

变奏曲(variation)

变奏曲是将一结构完整的音乐主题加以变化,使其节奏、旋律、和声、调

性、配器等有所改变。亦称「主题与变奏」,长曲子的变奏,甚至可达三十个

以上。变奏曲的主题不一定是原创,时常采自他人作品。如贝多芬「狄亚贝里

变奏曲」(采自diabelli所写的一首圆舞曲旋律)。

幻想曲(fantasie)

依作曲家自由的乐想而作的钢琴曲。其具有即兴及浪漫派性格的小品,或形式自由的奏鸣曲,如舒伯特「流浪者幻想曲」、舒曼「幻想曲」作品 17等。

练习曲(etude)

以练习器乐演奏技巧为目的而写的乐曲,如彻尔尼写的钢琴练习曲、帕加尼尼写的小提琴练习曲;也有演奏会用的练习曲,如李斯特的十二首音乐会练习曲、萧邦c小调第十二号练习曲「革命」。

即兴曲(impromptu)

把作曲家心中的乐想,以即兴创作的方式将快速连续性的音符及抒情性对比所描绘的作品表现出来。如:舒伯特降g大调即兴曲、萧邦幻想即兴曲。

前奏曲(prelude)

顾名思义是一种当做序曲使用,具有前奏功能的乐曲。位於主体音乐之前。浪漫时期小品曲兴盛,前奏曲是指一首独立的钢琴小曲,形式自由。萧邦、拉赫曼尼诺夫、德布西等都有此类作品。

夜曲(nocturne)

夜曲 (nocturne)一词源自於拉丁文的 nox,原意为罗马神话的「夜神」。这种形式自由,旋律高雅而浪漫的器乐小曲适合在夜间气氛下弹奏。十九世纪初由费尔德(j field,1782~1837)首创将「夜曲」当作钢琴作品,其后的萧邦二十一首夜曲足可作为此类作品的典范,钢琴演奏用的夜曲其特徵是低音部的左手以波动的伴奏音型,衬托出右手甜美的主旋律。

狂想曲(rhapsody)

常见於十九世纪中一种具有叙事、英雄、民族色彩的乐曲。如李斯特「匈牙利狂想曲」、布拉姆斯「女低音狂想曲」、德弗乍克「斯拉夫狂想曲」、盖西文「蓝色狂想曲」、拉赫曼尼诺夫「帕加尼尼主题狂想曲」等。

奇想曲(capriccio)

是指十九世纪轻松愉快、幽默有趣的钢琴小品。如孟德尔颂、布拉姆斯的奇想曲。

叙事曲(ballade)

源自义大利语 "ballare"为跳舞之意,中世初期原指边舞边唱的歌曲,十三世纪时逐渐与舞蹈分离,走向由吟游诗人主导的纯文学与音乐形式。十六世纪开始此语已应用於任何有叙事性的通俗歌曲。十九世纪萧邦首先创作纯器乐叙事曲,将此名词借用到篇幅较长且富有戏剧性的钢琴小品上。此外布拉姆斯、李斯持、葛利格、佛瑞等皆有叙事曲的作品。

诙谐曲(scherzo)

原义为「戏谑」「玩笑」,十七世纪时首先应用於声乐曲上,贝多芬则於

奏鸣曲与交响曲等乐曲中代替小步舞曲在第三章使用。诙谐曲的特色是快速、活泼的节奏,通常是全曲中最轻快的乐章。萧邦使用这个名词於钢琴作品上,曲中无任何戏谑性质,特徵是感情强烈气势磅礴,其中多少带有阴郁的味道,抒情与活泼的曲风轮流交替。

波兰舞曲(polonaise)

「波兰舞曲」是源自波兰的一种游行典礼舞曲,节奏是中速度的三拍子,较圆舞曲稍慢,风格威严堂皇。很多作曲家包括巴哈、韩德尔、莫札特、贝多芬、舒伯特、李斯特等都写过此类作品。萧邦将波兰舞曲推上更高艺术层次,他的作品具有波兰英雄主义及民族精神特色,表达了其浓厚的爱国情操。

赋格曲(fugue)

巴洛克音乐的一种乐曲的组织,属於复音音乐,「赋格」指的是声部间彼此模仿之意,主要结构包括:

主题(subject):乐曲一开始出现短而精的部分。

答句(answer):比主题晚数小节出现,且移高五度或移低四度的模仿乐句。

主题乐句(counter subject):与主题互相对立。

插句(episode):中段用来联络主题及答句。

如:巴赫平均律古钢琴曲集第一、二册中的赋格曲。

浪漫主义时期的作曲家及音乐

勃拉姆斯

约翰奈斯·勃拉姆斯,德国作曲家。

勃拉姆斯是德国音乐史上最后一个有重大影响的古典作曲家,被视为19

世纪浪漫主义音乐时期的“复古”者。他是创作与演奏并重的作曲家。但他没有进过音乐学校,靠他自己的勤奋好学、他的卓越才能和对自己所献身的事业重要性和必要性的觉悟。他的成熟的作品证明了他掌握着登峰造极的艺术技巧和才华。他的作品兼有古典手法和浪漫精神,极少采用标题,交响作品中模仿贝多芬的气势宏大,然而笔法工细,情绪变化多端,时有牧歌气息的流露,仍带有自己特点。

勃拉姆斯的音乐既反映出他德国北部故乡的朴实无华,又反映出维也纳的妩媚动人。在他的最大型作品《德意志安魂曲》中表现出了这两个方面。他出自对人类善良的信念和对德国人民的爱,紧紧依靠德国古典音乐大师——自巴赫、莫扎特、贝多芬到舒伯特和舒曼的传统,创作出足以同十九世纪末德国音乐中开始出现的一些颓废现象相对抗的包罗万象的作品来。这正是他创作的主要历史功绩所在。在德国音乐中,人们常把勃拉姆斯同巴赫、贝多芬姓名的第一个字母总称为“三B”原因概在于此。 勃拉姆斯继承贝多芬交响乐的传统,以深刻的人道主义和热烈的爱国主义精神出发,着力表现时代精神风貌和斗争生活,作品成为贝多芬之后西欧交响音乐的杰出典范。难怪人们把他的《第一交响曲》誉为“贝多芬第十交响曲”。勃拉姆斯自己也曾记叙说:“在我背后不断地听到巨人(指贝多芬)的脚步声。”勃拉姆斯写作交响曲并不追求色彩和光辉的表现,但他的乐队表现却格外精致而富有表情。在继承古典乐派交响乐的结构形式的同时,勃拉姆斯又赋予作品浪漫主义的色彩和气质。作品结构严谨,情思蕴藉,规模庞大。他还将德国古典作曲家严密的复调技术和动机发展手法运用到交响曲的创作中。重要作品还有《D大调小提琴协奏曲》,《匈牙利舞曲》第五、第六,管弦乐《学院典礼序曲》及乐作品《摇篮曲》等优秀曲目。

代表作: C小调第一号交响曲;

其他管弦乐作品:降B大调第二号钢琴协奏曲;D大调小提琴协奏曲; 声乐作品:

《德意志安魂曲》

《德意志安魂曲》:与前人的安魂曲作品相比。无论在内容或在音乐上,勃拉姆斯的《德意志安魂曲》都开创一个全新的意境,更富于人性。这一作品是勃拉姆斯最伟大的声乐作品,标志着他的音乐创作达到了一个顶峰,也使他在整个欧洲赢得了极高的声誉。《德意志安魂曲》把合唱、独唱与管弦乐完美的结合在了一起,其创作灵感来源于亨德尔的复调音乐传统。

乔治·比才——法国的自然主义者:法国作曲家

代表作:管弦乐作品:阿莱城姑娘,组曲第一号,组曲第二号

歌剧: 《卡门》

《卡门》 :歌剧的序曲为A大调,四二拍子,回旋曲式。整部序曲建立在具有尖锐对比的形象之上,以华丽、紧凑、引人入胜的音乐来表现这部歌剧的主要内容。序曲中集中了歌剧内最主要的一些旋律,而且使用明暗对比的效果将歌剧的内容充分地表现了出来 (片段1、片段2),主题选自歌剧最后一幕中斗牛士上场时的音乐。 本剧的序曲是音乐会上经常单独演奏的曲目。

第一幕中换班的士兵到来时,一群孩子在前面模仿着士兵的步伐开路。孩子们在轻快的2/4拍子,d小调上,唱着笛鼓进行曲《我们和士兵在一起》(片段3)。在这一幕塑造了吉卜赛姑娘卡门热情、奔放、富于魅力的形象。主人公卡门的著名咏叹调《爱情像一只自由的小鸟》是十分深入人心的旋律,行板、d小调转F大调、2/4拍子,充分表现出卡门豪爽、奔放而富有神秘魅力的形象(片段4和片段5)。 卡门被逮捕后,龙骑兵中尉苏尼哈亲自审问她,可她却漫不经心地哼起了一支小调(片段6),此曲形象地表现出卡门放荡不羁的性格。还是这一幕中,卡门在引诱唐·豪塞时,又唱出另一个著名的咏叹调,为快板、3/8 拍子,是一首西班牙舞蹈节奏的迷人曲子,旋律热情而又有几分野气 (片段7), 进一步刻画了卡门性格中的直率和泼辣。

第一幕与第二幕之间的间奏曲也十分有名, 选自第二幕中 唐·豪塞的咏叹调《阿尔卡拉龙骑兵》,大管以中庸的快板奏出洒脱而富活力的主旋律(片段8)。

第二幕中还有一段吉普赛风格的音乐, 表现的是两个吉普赛女郎在酒店跳舞时纵情欢乐的场面(片段9),跳跃性的节奏和隐约的人声烘托出酒店里喧闹的气氛。

第二幕与第三幕之间的间奏曲是一段轻柔、优美的旋律,长笛与竖琴交相辉映,饱含脉脉的温情(片段10)。

第三幕中著名的 《斗牛士之歌》,是埃斯卡米里奥为感谢欢迎和崇拜他的民众而唱的一首歌曲。这首节奏有力、声音雄壮的凯旋进行曲,成功地塑造了这位百战百胜的勇敢斗牛士的高大形象(片段11)。

第四幕的结尾,正象柴科夫斯基所说的那样: “当我看这最后一场时,总是不能止住泪水,一方面是观众看见斗牛士时的狂呼,另一方面却是两个主人公最终死亡的可怕悲剧结尾,这两个人不幸的命运使他们历尽辛酸之后还是走向了不可避免的结局。” 剧中还有一段脍炙人口的西班牙风格舞曲“阿拉贡”, 也是音乐会上经常单独演出的曲目(片段12)。

威尔第——意大利歌剧的辉煌(歌剧之王) 居塞比·威尔第是意大利杰出的歌剧作曲家,他一生创作了27部歌剧,其中一些已被列入世界著名歌剧之列,在世界各国上演。他被誉为歌剧之王。

代表作:歌剧:阿伊达(Aida),弄臣(Rigoletto) 《茶花女》(La Traviata)

游吟诗人(Il travatore) 法斯塔夫

其他声乐作品:安魂弥撒(Requiem Mass)

《茶花女》 :

《茶花女》是威尔第的「通俗三部曲」的最后一部(其余两部是《弄臣》及《游唱诗人》),它所获意大利人的欢迎也是不亚于《游唱诗人》。

这是根据1852年法国的作家小仲马而写成。这部歌剧充满着优美的咏叹调,其出现密度之高,使得和比才的《卡门》一样,成为美歌集一般,即使不太明白剧情,但绝对不会感到有「冷场」,所以,它也是很好的欣赏入门的歌剧.

威尔第的三幕歌剧《茶花女》于1853年在威尼斯进行首演,虽然由于各种社会原因而遭到失败,但它很快就得到了全世界的赞誉,被认为是一部具有出色艺术效果的巨著,并由此成为各国歌剧院中最受欢迎的作品之一。难怪《茶花女》的原作者小仲马要说:"五十年后, 也许谁也记不起我的小说《茶花女》了,但威尔第却使它成为不朽。" 《茶花女》的意大利名称为Traviata,原意为"一个堕落的女人"(或"失足者"),一般均译作"茶花女"。歌剧描写了十九世纪上半叶巴黎社交场上一个具有多重性格的人物--薇奥列塔。她名噪一时,才华出众,过着骄奢*逸的妓女生活,却并没有追求名利的世俗作风,是一个受迫害的妇女形象。虽然她赢得了阿尔弗雷德·阿芒的爱情,但她为了挽回一个所谓"体面家庭"的"荣誉",决然放弃了自己的爱情,使自己成为上流社会的牺牲品。

剧情:薇奥莱塔原是周旋于巴黎上流社会的名妓,为青年阿尔弗莱德真挚的爱情所感,毅然抛弃纸醉金迷的生活,来到巴黎近郊与阿尔弗莱德共同酿造爱情的蜜。但是,阿尔弗莱德的父亲乔治欧激烈反对,强要她承诺与他的儿子断绝来往。为了顾全阿尔弗莱德的家庭和幸福,她决心牺牲自己的爱情,忍受着内心的极大痛苦,重返风月场。阿尔弗莱德误以为她变了心,盛怒之下,在公开场合羞辱了她。薇奥莱塔信守对乔治欧的诺言,未向自己的情人道破真情,但患有肺病的身体承受不了这一致命打击,就此卧床不起。不久,乔治欧良心发现,把全部真情对儿子言明。但当阿尔弗莱德回到薇奥莱塔身边,她已经奄奄一息了,疾病和不公正的社会夺去了她的爱情和生命。 音乐以细微的心理描写、诚挚优美的歌调和感人肺腑的悲剧力量,集中体现了中期威尔第歌剧创作的基本特点。序曲采用第二幕中的爱情主题和下行的悲怆动机,对全剧作了提纲挈领的概括。第一幕的《饮酒歌》,是以单二部曲式为基础的分节歌,轻快的舞曲节奏,明朗的大调色彩,以及贯穿全曲的大六度跳进的动机,表现阿尔弗莱德借酒抒发他对真诚爱情的渴望和赞美,洋溢着青春的活力。薇奥莱塔的咏叹调,则表现女主人公复杂微妙的心理矛盾。前半部分表现她初次感受到爱情时内心的波动,音调诚挚、直率;后半部分表现她对爱情的大胆追述和渴望,大跳的音调反映了她内心抑制不住的喜悦。终场的二重唱,是一个感人的音乐场面,第一段中近乎口语式的急切语调,是这一对久经磨难的情人终又重逢时狂喜而激动心情的描写;第二段的分节歌洋溢着浪漫曲的抒情气质,抒发他们对爱情和幸福的向往。但后来,与阿尔弗莱德热情奔放的旋律交织一起的微奥莱塔声部中,出现了半音滑行的痛苦呻吟的音调,并逐渐发展扩大,最后占据了主导地位。威尔第应用这种对比手法,刻划了垂死的薇奥莱塔对爱情至死不渝的追求,揭示了歌剧深刻的悲剧主题,具有震撼人心的戏剧力量。

《奥赛罗》:

达到威尔第一生创作的高峰,成为真正的音乐喜剧。《奥赛罗》是继《阿依达》所作的结构突破, 而且充分发挥管弦乐队在歌剧中的作用,没有通常的曲线直接开始于风暴场景

帕格尼尼(1782~1840):意大利小提琴家、作曲家。

曲目:1二十四首无伴奏小提琴随想曲。2第一、二号小提琴协奏曲。3摩西幻想曲。4《心中类乱》主题变奏曲。 5小提琴与吉他的奏鸣曲

普契尼(1858~1924): 意大利歌剧作曲家。

推荐曲目:1歌剧《波西米亚人 》。2歌剧《托斯卡 》。3歌剧《蝴蝶夫人 》。4歌剧《曼侬蕾丝考》。5歌剧《西方少女》。6歌剧《杜兰朵 》。7歌剧《强尼史基基》。

小约翰·史特劳斯(1825~1899): 奥国作曲家。

推荐曲目:1圆舞曲:《蓝色多瑙河》、《南国玫块》、《维也纳森林的故事》、《醇酒、女人与歌》、《艺术家的生涯》、《皇帝》、《一千零一夜》。2波卡舞曲:《拨奏》、《雷鸣与闪电》、《闲聊》、《狩猎》、《爆炸》。3《蝙蝠》序曲、《喜普赛男爵》序曲、《威尼斯之夜》序曲。4轻歌剧《蝙蝠》。

通常我们讲到斯特劳斯都是说斯特劳斯家族,其成员有,老约翰-斯特劳斯,代表作《拉德斯基进行曲》,小约翰-斯特劳斯,爱德华-斯特劳斯和约瑟夫-斯特劳斯。

德彪西(1862~1918): 法国作曲家。

推荐曲目:1钢琴作品:《贝加马斯克》组曲(包括著名的《月光 》)、《版画》(三曲)、《映象》(二卷,各三曲)、《儿童天地》(六曲,包含著名的《黑娃娃的步态舞》)、《前奏曲》(二卷,共二十四曲)、《梦》、《二首华丽曲》、《欢乐岛》、《为钢琴》。2管弦乐曲:《海》、《牧神的午后前奏曲》、《三首夜曲》、《神圣舞曲与世俗舞曲》、(竖琴与管弦乐)。3室内乐;《G小调弦乐四重奏》、《小提琴奏鸣曲》、《大提琴奏鸣曲》、《长笛、中提琴与竖琴奏鸣曲》。

瓦格纳 威尔第和比才的比较

把他们三个并在一起是因为他们都在歌剧方面有着很大的成就,其次他们各自代表着一种派别。

在音乐界,风格并不是大一统的,浪漫主义中还分早期浪漫主义,民族浪漫主义,民族浪漫主义中还分意大利浪漫主义,法兰西浪漫主义。。。。。而这三只,正好代表着德国歌剧,意大利歌剧和法兰西歌剧三种风格。

瓦格纳在作品创作中非常重视器乐伴奏的效果,这正是德意志民族特色 威尔第则突出人声演唱的地位,具有意大利民族特色 比才强调语言节奏的作用,体现了法兰西民族特色 当然,要弄清这三种风格光是几句话是无法理顺的,大家可以节选三只代表歌剧中的经典片段(瓦格纳《罗恩格林》第三幕前奏曲,威尔第《茶花女》饮酒歌,比才《卡门》爱情

瓦格纳试图通过重视管弦乐团的发展将和声的活动充分变现出来进而把她转化成多种多样的戏剧效果(长喘一口气,缩句,就是说用管弦乐团的演奏表现和声活动从而体现戏剧效果)。威尔第则直接用人声来表达情感,所以他的作品通常都是热情洋溢(虽然他基本上都是写悲剧)。而比才则是将演奏和歌唱融合,用一种明快的节奏来体现戏剧效果(话说LZ在听《爱情是一只自由鸟》的时候总是有种翩翩起舞的冲动,掩面。。。)

总结成一句话,威尔第的写实风格,瓦格纳的交响戏剧,比才的抒情色彩并不是三者独立的,它们相互影响,相互交融。

瓦格纳与勃拉姆斯

倘若把具有强烈表情效果的浪漫主义音乐分成相互对立的两派,那么一派是强调表情的广度,该派代表人物有柏辽兹,李斯特,瓦格纳,我们称之为瓦格纳派。 另一派则强调的是表情的深度,代表人物有德国早期浪漫主义大师(舒曼,门德尔松。。。)以及勃拉姆斯,我们称之为勃拉姆斯派。

对于表情的广度和表情的深度,我们可以简单的用亨德尔和巴赫的区别来帮助理解。 事实上,上面所讲到的各音乐家之间的风格的差异只是为了更好的了解而做出的对比,并没有把他们放在对立的两面,而这两只却引起了音乐爱好者甚至于媒体的旷日持久的争论,真正做到了在拔高自己的同时,不忘狠狠地踩对方两脚。

一、把握音乐风格应该作为理解钢琴音乐作品的重要方面

周广仁在讲座中指出: “为了更好地理解音乐作品,就必须对作品的音乐风格有深入、正确的把握,” 他还说: “音乐风格把握得错误,在某种程度上比弹错音还要严重。” 对于任何一个作品的把握,如果不能对其音乐风格特点作出准确的判断,就谈不上对音乐作品有深刻的理解。一个演奏者是否真正理解音乐作品,我们也只能根据他在演奏中对音乐作品风格把握得正确与否来作出判断。把握音乐风格、研究音乐风格,作为理解钢琴音乐作品的重要意义是显而易见的。

当然,风格研究是一个十分复杂的课题。对风格的研究包含以下三个方面:

首先 , 从历史发展的角度来看,钢琴艺术发展经历了四个主要风格形态时期:巴罗克风格时期;维也纳古典风格时期;浪漫主义风格时期;印象主义风格及20世纪现代音乐风格时期。

其次, 从民族的角度来看,不同民族、不同国家都有富于民族特色的钢琴音乐风格,比如,德奥的钢琴风格、俄罗斯的钢琴音乐风格等。

再次, 从个体研究的角度来看,应对有代表性的钢琴音乐作曲家进行专门研究,例如:对巴赫、莫扎特、贝多芬等人的创作特征的研究。

从钢琴音乐发展的四个主要风格流派来看,由于各个时期作曲家的美学观念、追求目标、作曲技法等有很大不同,因此也就使各个流派形成各自的风格特点。 不同时期、不同风格的作品在速度、力度、声音、和声、奏法、装饰音、踏板、弹奏方法等方面均有很大的区别。 用不恰当的速度、声音、触键来演奏某种特定风格时期的乐曲。被视为比弹错音更严重的错误。因此,风格问题的研究应该多在这些方面下工夫,在教学或实际演奏中把握作品的风格,更好地阐释音乐作品。

二、钢琴演奏风格的训练应该成为钢琴教学的重要内容之一

风格问题不是一个纯粹的理论问题,而是一个实践问题,一个必须与教学和演奏密切结合起来的实践问题。我们必须在学生学琴的第一天起,在对他们进行严格技术训练的同时,逐步引导他们掌握正确的风格概念- 即严格地限定每一首乐曲所应当具有的声音、奏法、速度、力度、装饰音以及由此而来的触键、用力、踏板等技术问题。 只有把风格概念引入钢琴教学中,使它获得与技术训练同等重要的地位,才能使学生在实践中日积月累逐步确立正确的风格概念,最终达到准确地理解、再现作品。当然,风格概念的树立需要一个长期的过程,它要求学习者在弹奏中逐步积累: 通过聆听各种不同风格的作品获得感性体验,通过对作品音乐风格各要素的把握获得理性判断。

三、演奏风格的比较研究

周广仁在讲座中对巴罗克、古典、浪漫主义时期的钢琴演奏风格作了深入地探讨和研究 。从各个时期的代表人物及音乐特点入手对每个时期作了总结,从速度、力度、声音、和声、奏法、装饰音、踏板、弹奏方法八个方面对巴罗克、古典、浪漫主义时期的钢琴演奏风格作了详细地比较研究:

1、速度

巴罗克风格时期 演奏速度比较适度,既不太快,也不太慢,快、慢是相对的概念,不是绝对的概念。

古典风格时期 的演奏速度比巴罗克时期有很大提高。速度往两头扩张,贝多芬的快板乐章比海顿、莫扎特又快的多,而表现力深刻的慢板乐章往往更慢。

浪漫主义时期 的速度幅度比古典时期又有较大的扩张。

2、力度

巴罗克时期 古钢琴时期古钢琴采用细弦、木结构及钢片拨弦,它的构造及发声原理决定了乐器的音量很小,在演奏中采用“阶梯式”的力度处理,即一层一层地渐强渐弱。

古典时期 由于“槌子琴”的出现,音量增大了,可以用不同的触键来做渐强、渐弱的变化,因而音乐表现力比巴罗克时期更为丰富了。如果说在海顿、莫扎特时代还比较局限于发明的“槌子琴”,那么到了贝多芬时期又有更大的发展,力度幅度明显增大。

浪漫主义时期 的力度又有很大的扩张。例如:莫扎特用p、f。ff出现在莫扎特的一个作品中(A小调奏鸣曲KNr310)。贝多芬用ppp、ff。李斯 特甚至用ffff。浪漫派音乐强调表现人的感情:热情、激动、悲伤等,因此力度的起伏很大,音乐的表现力也就更丰富了。

3、声音

巴罗克时期 的复调音乐作品应重视每个音的触键,不但每个音符要有良好的音质,而且注意每个线条的歌唱性,同时注意使各个声部之间组织成良好的声部关系,从而在横纵两方面把音乐组织成完美的整体。

古典主义时期 钢琴的声音与古钢琴完全不一样,莫扎特、海顿的声音更清晰,他们更强调手指的颗粒性、清晰度和透明度。而贝多芬声音结实、雄厚,因为他的音乐内容常常是富于戏剧性的,他要求声音的音量和厚度大大地超过莫扎特和海顿。

浪漫主义时期 的音乐主要是抒发个人情感,所以旋律很重要,声音的美非常重要。声音的多层次是浪漫派音乐的最大特点,旋律本身的歌唱性、旋律与伴奏的层次非常重要。

4、和声

巴罗克时期 音乐主要以复调音乐为主,即由几个并行的线条构成,一般不分主次,即使有所突出,也仍应保持几个声部的独立进行。复调音乐是多层面、多线条、多重性的复杂思维。一般有一种错觉,认为巴罗克音乐比其后的音乐来得协和,实际上,巴罗克音乐包含着极尖锐的不协和。一些在20世纪音乐中经常出现的 不协和音响,尤其是小二度、大七度等音程,在巴罗克音乐内大量存在,甚至大大超过维也纳古典主义时期。而这些不协和音响通常以延留音、倚音、经过音等和声 外音或装饰音的方式出现。

古典主义时期 主调音乐代替复调音乐,以“旋律与和声背景”为主体的主调音乐占据首要地位。由“主--下属--属--主”建立起来的功能和声及其调性关系体 系成为音乐结构的骨架。和声成为非常重要的因素,钢琴的织体完全变了,有主旋律、有伴奏、而不是像复调音乐时期是几个旋律并行。

浪漫主义时期 和声丰富多彩,通过运用和弦外音,以及远关系转调等手法来获得新鲜的和声效果。钢琴织体的写法也有很大不同。

5、奏法

巴罗克时期 古钢琴力度变化很小,因此,通常靠奏法和装饰音来来丰富作品的表现力。从奏法上看,主要采用断奏和连奏进行对比。由于巴罗克时期的作曲家在乐谱上并没有标上明确的奏法,因此,对于奏法大致有两种基本的、但并不是绝对的原则可作为参考:1、音阶性(级进的音)的进行采用连奏。 2、三度以上音程的跳进用断奏。

古典主义时期 的由于钢琴的变革,因此在钢琴上可以弹出比较好的连奏,特别是贝多芬的某些作品中,强调非常连的声音,连奏成为重要的、新的因素。

浪漫主义时期 有非常富于歌唱性的连奏和非常短促的跳音。

6、装饰音

装饰音一直是很复杂的问题:其一,记号不统一。其二,对同一个装饰音有几种不同的弹奏法。其三,由于后人编写的乐谱版本日益增多,给装饰音的研究又增加了难度。例如车尼尔,这位巴赫之后一百年的钢琴老师,很容易带上他那个时代的审美情趣来解释巴赫作品的装饰音,因此现在非常强调要考证巴赫作品的原稿,即Urtext版。

巴罗克 音乐作品中装饰音的种类包括:波音、倚音、双波音、顺滑音、颤音、回音、带各种不同“前缀”和“后缀”的颤音等。巴罗克和古典时期弹奏装饰音的基本 原则是:第一,装饰音必须在拍子上开始。第二,颤音从上方二度音开始,(这适用于巴罗克时期、海顿、莫扎特和贝多芬的早期作品)。但也有例外:为避免重复,颤音应从本音开始。

古典主义时期 海顿、莫扎特的装饰音基本继承了巴赫的传统,但贝多芬的装饰音则略为复杂。第一,颤音从原音开始。第二,颤音的数量较自由,不像巴罗克时期那么严谨,而是采用尽可能快的自由节奏颤音,显示出越来越快的趋势。当然,以上谈及的只是一些一般规律,要弹好装饰音首先应透彻地研究作品的原稿,其次参考其他各种版本,然后在聆听大师录音的基础上从音乐的需要出发来掌握装饰音的正确弹法。

7、踏板

由于巴罗克时代的古钢琴没有踏板,因此在训练中应该首先强调手指严格的连奏。但如果是在现代钢琴上演奏巴罗克时期的作品,那么也可以尝试用一点踏板, 但必须考虑以下几个因素:

1、不要将踏板踩太深,以免造成泛音。

2、不要将踏板踩太长,即使在属于同一和弦的乐句进行时,也应根据线条而不是根据和声运用踏板。多换踏板可保持各声部的清晰。

踏板是古典主义时期发展起来的。 弹奏海顿、莫扎特的作品时,踏板的用法应注意掌握以下的原则:

1、在长音上踩,起到润色的作用。

2、不要踩太深,要与不用 踏板的部分产生很好的衔接。贝多芬作品中踏板的运用比海顿、莫扎特要多得多、复杂得多,这是由他的音乐内容所需要的表现力决定的:

1、增强乐句的连贯。

2、为使音响更加丰富饱满。

3、为加强力度对比。

4、为获得色彩性效果。

浪漫派时期踏板的使用更复杂、更精细。 延音踏板包括长踏板、浅踏板和颤踏板的使用。还有弱音踏板,持续音踏板大量运用,增强了音乐的表现力。

8、弹奏方法

在漫长的钢琴艺术史中,钢琴的弹奏方法经历了一个逐步改进和科学化的过程。这与乐器的构造、作品的音乐内容、意境、技术类型等是紧密联系的。

巴罗克和古典主义时期 ,由于古钢琴的琴键较浅、较轻,没有太大的力度变化,因此不需要用很大的力量去演奏,弹奏时更多的运用手指部分来弹奏,用力部位基本局限于手掌以下,手指是发力的基本出发点。

古典主义时期 由于专职钢琴教师的出现,使钢琴技术有了很大的发展。当时出现了所谓的“手指派”,例如:莫扎特、克列门蒂就属于手指派,而贝多芬之后逐渐发 展为手指和手臂相结合的方法。用我们现在的观点来看,“手指派”的训练方法是比较片面的训练方法。手指派里还主张高抬指训练,大量机械的训练,不讲音色、不讲歌唱性,追求快、响,很有危害性。

浪漫主义时期 出现了一批炫耀高超演奏技巧的大师级钢琴嫁。经过李斯特、肖邦、舒曼、勃拉姆斯等人的不懈努力,钢琴的艺术表现力被淋漓尽致地发掘出来。浪漫主义时期被誉为钢琴技术发展的鼎盛时期,出现了大量的超级技术,例如,八度、和弦、双音、快速华彩经过句、震音与颤音、托卡塔式的两手交叉、远距离跳跃、刮键、重复音等等。由于技术类型的变化从而导致了用力部位的巨大变化,据有关记载:李斯特、肖邦当时的钢琴教学方法已非常科学,开始运用从指、腕、肘、臂、腰乃至全身的力量来演奏。这就是我们现在的重量与手指相结合的弹奏方法。

通过以上的比较,我们可以对不同时期的钢琴演奏风格有基本的了解。运用比较法进行学习可以使我们对钢琴音乐风格的历史发展有一个全方位的立体概念,从而更容易掌握不同时期作品演奏风格的尺度。当然,值得一提的是:由于以上提及的只是一些一般规律,而音乐是千变万化,因此,在学习音乐作品时,还应根据具体情况进行具体分析。

小结:

周广仁的讲座给我们的启示并不仅仅停留在让大家了解钢琴演奏风格知识这点上,更重要的是引发我们对钢琴教学及学习的思考。她在讲座中还指出: “300年的钢琴演奏艺术是一个逐步发展的过程,在这一过程中,不仅积累了大量杰出的作品,而且逐渐地找到了比较科学的弹奏方法。 但我们国内有些人仍然在走一百年前的老路子,他们对很多问题的认识还比较模糊,认为“我怎么学就怎么教”。然而, 为什么你要这样教?有没有道理?教得对不对?这些都是值得大家去思考的。对于一首作品,我们应如何解释、演奏、教学? 这与作品的时代背景、民族风格、作曲家、作品的结构、速度、力度、声音、和声、奏法、装饰音、踏板、弹奏方法等问题都是息息相关的。因此,在教学中应该围绕这几个方面具体地分析作品,踏踏实实做一些研究。”

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