如何才能找到好看又有设计感的衣服？

从前，小众品牌很多，全球旗舰店很少，一生只够逛几十家线下店。

现在，小众品牌也很多，全球旗舰店也很少，但人们只需要去一家店：品牌集合店。

近年来，品牌集合店已经越来越随处可见，美妆集合店、玩具集合店、生活用品集合店…… 还有备受资本宠爱的——潮流集合店。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

就在最近，「KNOWIN 潮流实验室」完成了新一轮近 2 亿人民币融资，这也是国内线下潮流集合空间金额最大的一笔融资。

类似「KNOWIN 潮流实验室」的潮流集合店，正如雨后春笋般野蛮生长。

他们在寸土寸金的市中心，受到了 Z 世代年轻人新一轮的追捧。

KNOWIN 如何集合年轻人的潮流？

在小红书、微博、抖音等社交软件上，「KNOWIN 潮流实验室」被探店的人们誉为「潮流圣地」。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

他们做的就是一站式潮流生活平台，这里有着涵盖服装、球鞋、饰品、玩具的全球最新潮流单品。

去年年底，KNOWIN 才在上海开了首家旗舰店。

这家店在繁华的市中心达到 500 平米，整体空间设计极具金属感与未来感。

进门第一眼，就可以看到潮流圈红人 Daniel Asham 专为 KNOWIN 定制的「被侵蚀青铜 发」，还有 ROBBi「宇宙漩涡」、UMAMISS 重生熊等潮流艺术品的线下首秀。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

打造一个前卫、时髦、具有独特美学的店面，是当代年轻人们逛店的基础。

不过最受年轻人喜爱的，还是店里陈列的各大潮流品牌单品。

店内有着按热门鞋型分类的几面鞋墙，一面是 Air Jordan，一面是 YEEZY，还有 Nike Dunk，每一款几乎都是全球限量款。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

不止国外的品牌，李宁、安踏等国潮品牌，也是 KNOWIN 货架的「常客」。

上个月，KNOWIN 才在成都开了第二家全国旗舰店，开店当天主打的就是 17 款限量李宁球鞋。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

服饰区域里，潮牌 OFF-WHITE、ESSENTIALS、Supreme 等随处可见，FOURTRY、SMFK、40 CREW 等国内潮牌也是主打商品。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

除了热门的潮流货品，KNOWIN 也会摆出小众设计师品牌服饰，来进行新锐品牌的孵化。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

其他潮玩方面，盲盒、配饰、滑板等商品也占据着小小空间，虽然数量不多，但也算是琳琅满目。

x▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

消费者有了更多选择、更多可玩空间，KNOWIN 也变得更具有「潮流地标」的属性。

上海时尚博主「Beauty 身上色（公众号）」逛店后，也向爱范儿表示：

感觉网上买不到的一些鞋款这里都有，陈列风格也比较舒适和特别，可以说是球鞋潮流爱好者的乐园了。

KNOWIN 副总裁王璋宵希望这里不仅是一个消费地，也是一个大家愿意拍照打卡的地方，未来他们还会在店铺装修、陈列美学上花更多心思。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

王璋宵还对爱范儿说道：

我们在用户服务的多样性上还会做更多尝试，包括球鞋的洗护修复，球鞋的定制和发售活动，让我们和用户有更多交互的机会。

这也是 KNOWIN 另一个独特之处。

「客制服务」相当于是一个专属定制服务，人们可以在此将自己喜欢的球鞋和任何 IP 做联名，打造独一无二的鞋款，满足了 Z 世代消费者更多元、个性、自我的消费需求。

▲ 来自：公众号 OFFWAY

除了线下的主要营地，在线上平台，KNOWIN 是综艺《潮流合伙人》合作的首家潮流快闪店，接下来 KNOWIN 还会和 B 站进行更多合作。

这也让 KNOWIN 和消费者互动变强，流量覆盖变广，更加贴近潮流圈外的普通消费者。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

潮流集合店的新旧交替之路

可以说，KNOWIN 是时下流行的「潮流集合店」里的一个典型代表。

但其实早在 1929 年，法国设计师 LucienLelong 就创立了品牌集合店的雏形——第一家买手店。

上世纪 50 年代，世界范围内的买手店都开始流行起来，90 年代，美国出现了以精品为主的集合店比如 Anthropologie，涵盖了服装、鞋包、护肤品等各领域的小众产品，其他国家也出现了很多潮牌店，比如伦敦的 Good Hood、比利时的 Clinic、美国的 Opening Geremony 等等。

▲ Anthropologie 来自：FashionUnited UK

国内开始流行起这种集合店模式，还是被香港多时装品牌时尚零售商 IT 带了起来。

IT 在 1988 年成立时，就开始出售全球时装品牌服饰，从国际高级时装到亚洲潮流品牌，还有自创品牌 b+ab、5cm、izzue 等。

这也让 IT 深受明星与时髦人士的青睐，目前全球已经开了 800 多家门店。

但这个「初代潮流鼻祖」近年来并不好过，盈利出现危机，裁员风波不断，今年 4 月正式退市。

▲ IT

失败的原因，主要是三点。

线上电商蓬勃发展，让国际品牌已经触手可及；大量国潮、原创设计品牌兴起，年轻人口味已经变了；同样的质量下，IT 自创品牌比国产品牌价格几乎要高一倍。

现在，潮流集合店已经随处可见，他们吸收了前代集合店失败的经验，同时越新的平台，又结合当下的消费趋势，发展出了更受 Z 世代欢迎的形态。

Solestage 一直在潮流领域如雷贯耳，上个月才被泡泡玛特斥资数千万入股，它们和「新生代」KNOWIN 类似，但主要专注于各类超限量球鞋品类，体育界、时尚圈、演艺界等明星经常光顾带货。

还有更多潮流集合店，做出了自己的特色和风格。

2018 年成立的 ifidol，让国际奢侈品牌和国内独立设计师品牌以 1:1 的比例存在，各类潮流单品混杂交织，让消费者只为好的潮流产品下单。

▲ ifidol

高端潮牌集合店 VENTUROUS 则增加了更具科技感的消费模式，比如「魔力穿衣镜」「自助贩售机」，并打造了一个集合各类潮流文化的国潮平台，让人们线上线下可随时互动。

▲ VENTUROUS

YOHO!BLU 在营造「城市潮流中心」上更加得心应手，他们会在店里开展各类潮流交流活动。

他们特别打造的咖啡空间 YO!COFFEE，是为了留住消费者更多时间，做一个「365 天的潮流内容载体」。

▲YOHO!BLU, 来自：NOWRE 现客

潮流集合店，也因此变得更加场景化、内容化、故事化。

就算人们不消费，也会去这些地方逛逛拍拍玩玩，探店就是一种社交方式和生活方式。

▲ YO!COFFEE

让潮流更「大众」的潮流集合店

潮流集合店的演变，源自不同时代下消费环境的演变，而它们的流行，更与每个消费者息息相关。

90 后、95 后、00 后已经逐步成为消费主力军，这些也让颜值至上、追求个性、内容多元、聚拢人流的潮流集合店更被 Z 世代所注目。

潮流文化源于美国街头文化，原本就是小众文化，核心是反叛、独立、具有破坏力的，后来潮牌进入日本原宿，才开始多样化演变。

现在，全球潮牌圈都更加日常生活化了，也融入了更多 Z 世代精神。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

王璋宵也对爱范儿表示，他们会很关心年轻用户的声音。

KNOWIN 在选品过程中，已经开始慢慢引导年轻的球鞋寄售商参与到整个选品过程，因为他们才是真正浸泡在市场一线的玩家，同时也是兼具商家和消费者双重身份的 Z 世代群体。

另外，他们除了通过主观判断经验，把当季最新潮、最有品牌力、最有设计感的品牌和款式筛选出来，也会进行客观分析，收集用户和销售数据反馈，进行产品的不断迭代。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

聚拢越来越多年轻、有消费力的用户后，王璋宵表示：

潮流集合店也因此成了连接品牌和用户的桥梁，越来越多品牌愿意在我们店内做线下首发，我们也在跟更多品牌联名，进行更多元化的尝试。

而近年来《中国新说唱》《这就是街舞》《潮流合伙人》等综艺的火热，更是让原本小众的潮流品牌破圈，进入了更为大众化的视野。

不过《潮流合伙人》总制片人车澈制作节目时，就发现了一个问题——「潮流」跟普通大众的关联和通感太小了。

于是，他们让「潮流」在节目中内化为一种生活态度，鼓舞人们「不需要跟别人一样」「不要追求所谓正确」：

我觉得「潮」是非常私人化的事情。人的美丽在于自我欣赏，胖、瘦、高、矮、穿成什么样子，我觉得我 OK 我就 OK。

▲来自：《潮流合伙人》

潮流文化正从小众走向了主流，潮流集合店也有了越来越多发挥的空间。

他们将潮流过往一些暴力、金钱、欲望的元素淡化，创造出了更多重的风格和形式，潮流正在此变得更加新锐、自由、好玩。

不过问题在于，「潮流」这个词，本身就代表着流动和变化。

潮流生活媒体「玩物志」负责人李本卿向爱范儿表示：

潮流集合店火爆的背后，最大的矛盾可能是消费者喜欢的潮牌数量增长，跟不上潮牌集合店的开店速度。

▲ 来自：KNOWIN 潮流实验室

旧一代潮流集合店老去，新一代潮流集合店袭来，年轻人也一代接一代，每一代都有着新的喜好，Z 世代的爱好尤其涉猎广泛而多变。

他们对于潮流的感知度和追求度，甚至超出了市场的想象。

所以在独特的选品、潮流的空间、用户的声音之外，如何通过集合的形式，创造新的精神性消费，创造底层的潮流文化，面向大众的潮流才能稳定并持续下去。

潮流集合店，才能成为落地的新潮流。

其实在我看来，越是你们传说中的“烂大街”的穿戴搭配。其实，那种的越是很漂亮的。不然，他也不可能发展成所有人都会穿的时尚潮流。而我认为有很多所有人都会穿的穿戴搭配，相反却是非常的好看，非常的漂亮的。不起眼的时尚，才是真正的时尚。

我最喜欢的服装搭配，也是流行了很多很多年的一个时尚搭配。那就是白衬衫搭配牛仔裤。虽然真的现在有很多很多的人都是这样的搭配，虽然这个搭配也已经是流行了很长时间，甚至可以说是过时了的。可是，我真的仍然非常非常喜欢这样的一个服装搭配。这也是我每年夏天必会穿的一个时尚搭配。

白衬衫与牛仔裤的结合，在我来说，就是最青葱的少年时光，最纯美的校园记忆。是一切青春的浪漫与美。是一切年少的梦想与真。是我永远不能忘怀的少年记忆。

再然后呢，我认为我比较喜欢的搭配便是卫衣与运动裤的搭配。我认为，一件运动型的卫衣搭配一条运动裤。真的是一个时尚感爆棚，青春感爆棚的时尚穿搭。真的很美好。给人看起来就是一种朝气蓬勃的感觉。一种像早晨七八点钟的朝阳，满满的希望，满满的正能量。

再然后我认为我比较喜欢的已经流行了很久的时尚穿搭，应该就是一身运动装。说实话，我认为一身运动装的时尚真的是非常的美丽，非常的漂亮。

当下最红、最引人注目的时尚插画在此！

当红时尚插画师HelenDownie作品

时尚插画作为元老级视觉传达媒介，在新时代不仅没有停止发展，更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品，你知道几个？

时尚插画的黄金时代

早期，时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说，那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。

Harper'sBazaar杂志封面

时尚插画与时尚品牌的碰撞

到了数码时代，摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结，但时尚插画行业并未因此沉睡，而是朝着新方向不断发展、进化着。

时尚插画与时尚品牌合作，便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌，经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。

以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是，这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇，她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似，让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。

HelenDownie作品

虽然已是一位母亲，但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛，奇特又充满童趣。

HelenDownie作品

然而，这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前，此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。

从纽约到伦敦、米兰到上海，凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现，实属罕见，所以当艺术墙面的一发布，立刻就引起了网络上的一阵骚动。

AlexMerry作品

除此之外，Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖，让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面，观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出，时尚插画的风格早已不再单一。

AlexMerry作品

说起时尚插画与品牌的跨界合作，那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上，品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作，可见他作品的受瞩目程度。

JamesJean与OliverSchrauwen作品

此次，JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品，就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。

与此同时，作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格，与Prada未来感的时装风格相结合，显得相得益彰。

JamesJean作品

同年在Prada的女装秀上，品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师：StellarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。

她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外，还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时，也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。

时至今日，时尚插画作品早已不再墨守成规，只要你愿意动笔，人人皆可创作出属于自己的插画作品。

GraceCoddington作品

先锋时尚插画

除了与时尚品牌跨界合作外，还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时，将时尚插画的绘画形式进行延展、探究，揣摩出了自成一派的风格。

先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条，与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出，他一直奉行着现代主义的美学理念。

VelwynYossy作品

而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。

他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合，用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大，赋予了静态为主的时尚插画几分动势。

ErnestoArtillo作品

他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上，而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说：“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样，我会寻找当中的平衡，也会找寻怎么可以打破现有的状态。”

ErnestoArtillo作品

纵使时尚插画的黄金时期已逝去，但不可否认的是，时尚插画依然在时尚领域占有一席之地，并同时饱含极高的艺术价值。

时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业，而当下受到追捧的插画作品的不断涌现，更是增添了时尚插画继续前行的可能。

JamesJean动态时尚插画作品

了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品，大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡，也许就是你。

精彩回顾：

[编辑、文/陈卓]

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“时装插画已经存在了将近500年，自从有了衣服以后，就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画，绘画和油画，也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益，它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。接下来，我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。一时尚插画的开始时装插画始于16世纪，当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍，以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画，蚀刻版画或木刻作品集，其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师，裁缝师，及其客户所使用，以激发新的设计灵感。十七世纪的艺术家雅克·卡洛（JacquesCallot）和亚伯拉罕·博斯（AbrahamBosse）都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行，被认为是第一本时尚杂志，其中包括LeMecureGallant，TheLady'sMagazine，LaGalleriedesModes，LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初，男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。二十九世纪的时尚图样（Thefashionplate)时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头，在巴黎风靡一时，期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物，以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁（Georges-JacquesGatine）雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛，导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息，并提供了一般的制衣指导。高级服装定制也是这个阶段出现的（出现在1860年代），时装公司聘请了插画家，他们将与女装设计师直接合作，设计师将织物挂在现场模型上时，插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图，然后可以将其发送给客户。到19世纪末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物，其中一个人物可以从背面或侧面看到，以便可以从更多角度看到服装，从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定，以便为观看者提供全面的信息和指导。三二十世纪的时尚杂志和插图二十世纪初期的几十年来，现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图，时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品，现在正成为一个行业，以前所未有的数量生产新商品，以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。法国奢侈杂志《宪报》（Gazettedubonton）于1912年至1925年出版，汇集了一群年轻艺术家，他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝（Iribe）是这些时尚插画家之中的****，为著名的出版物做出了贡献，其中还包括查尔斯·马丁（CharlesMartin），爱德华多·加西亚·贝尼托（EduardoGarciaBenito），乔治·巴比耶（GeorgeBarbier），乔治·勒帕佩（GeorgesLepape）和翁贝托·布鲁内莱斯基（UmbertoBrunelleschi）。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响，以及装饰艺术风格新的变化。在美国，大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特（Erte）签订了独家合同，该合同从1915年持续到1938年，是出版历史上最长的合同之一。从1910年到第二次世界大战爆发，《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿（HelenDryden），乔治·沃尔夫·普朗克（GeorgeWolfPlank），乔治·勒帕佩（GeorgesLepape），莱恩德克尔(FXLeyendecker)创作的艺术品。第一次世界大战后，欧洲艺术家加入了他们的行列，其中包括爱德华多·贝尼托（EduardoBenito），查尔斯·马丁（CharlesMartin），皮埃尔·布里索（PierreBrissaud）和安德烈·马蒂（AndreMarty）。四时尚插画的黄金时代1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家，都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地，光泽甚至重量。摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上，这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的首选，Vogue杂志在1936年报道说，摄影封面的销售情况更好，插图开始被放入到内页。随着1929年股市崩盘后的经济衰退，美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造取得了长足的进步，改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计，而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚，摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求，而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说：“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣，他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累，因此感到无聊。”迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是对未来进行展望，但它也象征着回到更加开朗，乐观的时代。五时尚插画的毁灭与复兴到1950年代，时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人，这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章，或从事广告活动。1960年代，时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失，这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现，1960年代发行了许多此类杂志，所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。安东尼奥·洛佩兹（AntonioLopez）是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。在20世纪下半叶，时装插图一直难以生存，直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture（1982），CondeNast’sVanity（1981）和Visionaire（1991）之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动，特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。六今天的时尚插画介于精美艺术和商业艺术之间，时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时，因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。摄影术非常擅长记录服装的详细信息，因此插画家的重点不再是服装的精确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初，由于数字工具和社交媒体平台的支持，它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代，先驱插画师EdTsuwaki，GrahamRounthwaite，JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现，也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴，时装插画家经常回望过去的大师，寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。最近，插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用，时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩，错综复杂的图案和无穷无尽的个性，给人留下深刻的印象。欢迎围观公号『绘实践』，可免费领取插画师绘画秘籍大礼包，了解世界商业插画价格行情。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门戴尔奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！

广西95后女孩自创Q版民族风少女插画，你对我国不同民族了解多少？

每个民族都有自己独有的特色,他们有自己独特的服装,独特的语言,还有各具特色的风俗习惯,甚至还有自己独特的文字,但是我们的民族是团结一心的,广西95后女孩自创Q版民族风少女插画,你对我国不同民族了解多少那我们一起来聊聊其中的几个民族吧

第一,布依族,民族气息浓烈,节日氛围浓厚

对于生活在少数民族聚居地方的我们来说,布依族的气息更加浓烈,布依族的民族特色就十分的浓烈。首先他们的服饰以蓝靛颜为主,虽然朴素,但却又不失典雅,美食方面也是很有特色的,其中彩色糯米饭是颇具代表性的,再者,他们有自己的语言,并且一代又一代的传承,延续至今,一直都没有断绝,这样浓厚的民族气息,你是不是也很喜欢

第二个,傣族,生动活泼,优雅美丽

在我的认知范围里,寄居在云南的傣族,是一个能歌善舞,优雅美丽的民族,他们的服饰是很独特的,似乎只有自己当地的女子所穿上才能体现那种优雅的韵味,而且他们的孔雀舞,是如此的灵动活泼,女孩子那灵动的身躯,仿佛就像孔雀一番,栩栩如生,他们这些特色的活动应该就是泼水节,就是他们的新年,他们向你泼水越多,就代表给你的祝福越多,浓烈的民族文化,是如此的令人向往

第三,新疆维吾尔族,能歌善舞,美人颇多

新疆维吾尔族,自古以来就是一个盛产美女的民族,他们随着歌曲翩翩起舞,欢快的节奏,仿佛像蝴蝶一般,他们的新疆美食也是很具特色的,香甜软糯的烤蓝,鲜香的烤羊肉串,是多么让人垂涎欲滴,还有在新疆街头,随处可见的女子,都是像从画中走出来的美人一般,他们拥有自己的语言和文字,是有又美丽的民族聚居地,而且还是一个甜蜜的故乡

每个民族的文化都是不同的,所以我们要相互包容,相互融合,互相团结,实现民族繁荣

中国56个民族服饰及介绍是什么？

1、蒙古族

蒙古族服饰包括首饰、长袍、腰带和靴子等。男女老少一年四季都喜欢穿长袍,春秋穿夹袍,夏季着单袍,冬季着棉袍或皮袍。男袍一般都比较宽大,尽显奔放豪迈。女袍则比较紧身,以展示出身材的苗条和健美。男装多为蓝、棕色,女装则喜用红、粉、绿、天蓝色。

2、藏族

藏族的服装主要是传统藏服,特点是长袖、宽腰、大襟。妇女冬穿长袖长袍,夏着无袖长袍,内穿各种颜色与花纹的衬衣,腰前系一块彩色花纹的围裙。藏族同胞特别喜爱“哈达”,把它看作是最珍贵的礼物。

3、苗族

苗族分布较广,支系众多。服饰有明显的地域差异。妇女较典型的装束是短上衣,百褶裙。苗族衣料过去以麻织土布为主,普遍使用独具特色的蜡染、刺绣工艺。裙子以白色、青色居多,服饰的用料、颜色、款式、刺绣等方面,都极具民族风格。配饰以头、颈、胸及手等部位的银饰为多见,苗族的银饰在各民族首饰中首屈一指。

4、壮族

壮族男装多为破胸对襟的唐装,以当地土布制作,不穿长裤,上衣短领对襟,缝一排(六至八对)布结纽扣壮族服饰,胸前缝小兜一对,腹部有两个大兜,下摆往里折成宽边,并于下沿左右两侧开对称裂口。穿宽大裤,短及膝下。有的缠绑腿,扎头巾。冬天穿鞋戴帽(或包黑头巾),夏天免冠跣足。

5、土家族

土家族男子过去穿琵琶襟上衣,缠青丝头帕。妇女着左襟大褂,滚二三道花边,衣袖比较宽大,下着镶边筒裤或八幅罗裙,喜欢佩戴各种金、银、玉质饰物。土家族现在平日着装已没有民族特色,只有喜庆节日、隆重集会或边远山村,才有传统民族服饰展示风采的机会。

全球最著名的插画大师有哪些

1、诺曼·洛克威尔(NormanRockwell)

是美国在20世纪早期的重要画家及插画家,作品横跨商业宣传与爱国宣传领域。他一生中的绘画作品大都经由《周六晚报》刊出,其中最知名的系列作品是在1940和50年代出现的,如《四大自由》与《女子铆钉工》。

2、灰村清孝

灰村清孝,出生于1973年9月7日,A型血,是日本的一位插画家,代表作品有《魔法禁书目录》系列插画和轻小说《魔法禁书目录》系列等。

3、张光宇

张光宇长于政治时事和社会讽刺画。他的装饰画在民族艺术的基础上,吸取外国美术中的优秀成分,形成形式感极强,富有民族趣味的时代感风格。

4、berkozturk

土耳其插画师,他的作品风格朴实无华,擅长表现悲伤与忧郁的主题,比如爱情和死亡。

5、竹冈美穗

是日本的插画家。东京出身。第九回コバルトイラスト大赏得奖后,以插画家的身份出道。小说家竹冈叶月的姐姐。

服装样板图及制作方法

服装样板图及制作方法参考如下:

我们都知道,一件美丽时尚的衣服诞生,背后总有一个极具天赋与才华的服装设计师。通常服装公司接到订单后,会提供图纸样或者参考实样,让工厂制作款式样,以便让设计师观察设计出来的款式效果。

那么制作服装样板的步骤大致如下:

1、款式规格等客户资料的审核

在制作样板之前首先要对客户的款式、规格等进行全面的审核,认真查看客户的规格单。了解各部位的具体规格和公差规定,准确掌握产品的款式、造型和内在结构特点。

2、掌握工艺特点和生产顺序

掌握产品的构成形式,各部位部件的缝制、锁钉、整烫等工艺要点及顺序。因为样板制作特别是小样板的制作与生产工艺、顺序有极大的关系。因此凡是与样板制作有关的情况,都应掌握。

3、掌握面辅料的质地与性能

服装原料有多种多样,各种原料的性能、质地也有所不同,必须掌握面辅料的成分、缩水率、耐温等情况,以便打制样板时做出相应的调整。

4、确定样板规格

样板规格的确定是制作样板的重要工序根据客户提供的成品规格,加上面辅料的缩率,即可得到样板规格,这项工作必须仔细,逐个部位地计算、检查,使样板准确无误。

5、样板及样衣制作

以上这些工作做好以后,就可以正式打确认样,如果有大(L)、中(M)、小(S)码,则一般打中码。即中间规格的样板。除客户有明确要求以外,一般确认样是打制三件,其中两件给客户,一件留厂存档。而且三件必须完全一致。

6、资料收集、样板存档

确认样板做好后,必须将面辅料的耗用情况详细地记录下来,出现的问题及处理方法也应及时记录下来,为制定必要的生产技术管理、质量管理提供可靠的依据。

服装样板图和效果图的区别是什么？

服装款式图是类似于手绘之类的将衣服的样式画出来,但是没有颜色,看不出穿在身上的效果,也没有漂亮的颜色装饰;

服装效果图有美丽的颜色,还有穿在身上的样式;

效果图比较的真实,贴近现实。

下面两张图,自己对比下吧

如何设计衣服欣赏

如何设计衣服欣赏。设计衣服的时候,对应到的就是,我们的服装设计是一个比较专业的工作。衣服设计中的处理也十分必要。比如服装,衣服和衣服,相辅相成。服装设计是设计的重中之重。一般来说设计以整幅为主。然而,中不可能出现某些商品的标志。一般情况下,中的商品应该是统一的,这样顾客就可以一眼看到他们所销售的衣服。如果是鞋子,要设计一个合适的鞋盒作为宣传点。然后把宣传的上传到店铺里,让顾客看到,或者把鞋子拿到手机上拍到网上。然后把衣服放在顾客手里,这样设计出来的衣服就不会因为衣服太薄而失去了原本很有特色的一面。