简述西方建筑史上工艺美术运动“新艺术运动“现代主义运动”的发展脉络，并阐述他们对后现代建筑设计的影

19世纪初期，欧洲各国的工业革命先后完成，与此同时也给社会带来了一个新问题：大批工业产品被投放到市场上，但设计上却非常粗糙和拙劣。在1851年的英国伦敦举办的第一次世界博览会上，这一问题就被充分的暴露出来。当时的展品中工业产品占了很大的比例，外型全部相当粗陋。工匠们尝试用一点装饰来加以弥补，硬是把哥特式的纹样刻到铸铁的蒸汽机上；在金属椅子上用油漆画上木纹；整个展品一片庸俗，完全体现不出美学功底以及装饰原则。一些关心艺术的人通常都把这一问题归罪于机器。

其实仔细推敲会发现问题的根源所在。中世纪那些受过行会训练，有教养的工匠阶层在所谓的“理性时代”被一扫而光，导致所有产品的外观造型都交给了那些缺乏教养的制造商来胡乱处理。然而这些粗俗的产品由于非常廉价，反而受到广大群众的青睐。而这些群众没有受过良好教育，他们要么有钱没时间，要么既没钱又没时间。这就将导致大众的艺术品位受到严重的污染。而此时的大部分艺术家受席勒（Schiller）的艺术哲学以及浪漫主义思想的影响，轻视实用价值和广大公众，他们把自己禁锢起来，远离时代的真实生活，退居到他圣神的小圈子里，创造为艺术的艺术，为艺术家自己享用的艺术。

事实上，这次展览的组织者当中的艺术团队亨利·科尔(Henry Cole,1808-1882)、欧文·琼斯(Owen Jones,1809-1874年)、马修·迪格比·怀亚特(Matthew Digby Wyatt,1820-1877 )和理查德·雷德格雷夫（Richard Redgrave，1804-1888）都十分重视上面的问题，想通过这个展览尝试对美学方面进行一次改革。

在1849年，科尔创立了一本名为《设计与制造学报》杂志。这本杂志所推崇的理念就是“装饰……与被装饰物相比必须是次要的，”“装饰对被装饰物而言必须是适当的”。而这些都来自于，几年前普金创立的信条。普金(August W N Pugin)在他的著作《尖拱顶或基督教的真实原则》中开宗明义“设计的两大原则……其一，去掉与建筑的方便性、可建设性和适用性无益的特征，”“其二，所有的装饰都应是建筑的精华浓缩而成”①。普金出生于法国移民家庭，后来信奉罗马天主教。他以维多利亚建筑史上哥特风格复兴先驱而著称于世，同时倡导设计与制造业的诚实和直率。他的这些思想在很大程度上影响了英国艺术理论家和散文作家约翰·拉斯金(John Ruskin,1819-1900)。

作为一位社会主义者的拉斯金，他的设计理论具有很强的民主色彩，他认为真正艺术必须为人民创作的，否定造型艺术——所谓大艺术（纯艺术）与被称为小艺术的手工艺、室内装饰等之间存在着什么差别。主张艺术家从事美术设计，让美术和技术相结合。

普金对中世纪艺术的道德内容的倡导也对拉斯金产生了重要的影响。拉斯金同样反对装饰的过度，认为装饰应当适当并且真实。他在1849年所著的《建筑的七盏明灯》的第二盏就是真实，对拉斯金来说，真实就是用手去制作，而且必须是愉快的去做。如果像希腊以及埃及的工匠那样，那还是卑屈的不真实的，因为“这儿的工匠地位低微，他们的技术和能力完全受上司意志的支配”。只有中世纪时期的手工制作才是真实的、美的，特别是基督教装饰“彻底摆脱了这种奴颜婢膝，因为基督教不管在大事还是小事上，都认识到个人的价值。但他除了承认这种价值外，还承认这种价值是不完善的，因为这种价值认为只有承认微不足道的事才具有尊严……哥特学派中最值得羡慕的也许是它们接受低等人的劳动成果,指出其中不完善的地方,宽容地树起一座完整、庄严而又无可指责的艺术之宫。”②，他在题为“生命之灯”这章中也写到“最宝贵的正是那些生命的迹象”。

拉斯金在装饰上推崇自然主义，反对维多利亚的繁琐矫饰的装饰。他认为“不是源于自然界的形式必定是丑的”③。他对机器的否定，他把机器产生的单调看成是死亡的东西，而把手工制作的东西看成是生命的表现。

拉斯金的这些理论思想最后成为英国工艺美术运动的主导思想。而将他的理论付诸实践的是英国工艺美术运动的倡导者、设计家、画家、诗人和社会改革家威廉·莫里斯(William Morris,1834-1896)。

莫里斯的家庭很富裕，家里也非常重视他的教育，使得他能够在牛津大学建筑系学习。在大学期间莫里斯听过拉斯金的讲课并深受普金影响，也读过拉斯金的著作《威尼斯的石头》。他对此书非常痴迷，并对哥特式建筑产生了兴趣。曾在一个暑假和大学同学也是他后来的合伙人爱德华·伯恩·琼斯(Burne Jones,1833-1898)一起到法国旅游，目的是调查哥特式建筑。这次旅游让他们大开眼界，也是他们毕生热衷于哥特复兴的设计活动的开始。毕业后莫里斯进入专门从事哥特风格建筑设计的乔治·斯特里特设计事务所（George Edmund Street）研究建筑。后来在好友但丁·罗西蒂（Dante Gabriel Rossetti）（拉斐尔前派的发起人之一）的竭力劝说于1857年离开了斯特里特工作室，来到伦敦，开始他的设计生涯及拉斯金理论的实践。

1859年莫里斯在布置他的新婚住房时，因为市面上找不到理想的住宅，和像样的桌子与椅子。家庭富裕的他又是学建筑出身。于是冒出了自己动手设计住房及家具的想法。他请他的朋友、也是斯特里特工作室的同事菲利普·韦伯（Philip Webb,1831-1915）为自己设计房屋。起初韦伯画了一个对称结构的房子图纸给莫里斯看。由于莫里斯深受拉斯金的影响，以及他自己的反叛思想，硬是把它改成不对称的结构。也正是他这种反叛思想，在韦伯想要给房子墙面粉饰时遭到阻止。直接就把红墙露在外面。这就是艺术史上至今依然赫赫有名的“红屋”（图1）整个红屋完全没有学院派的清规戒律；从背面规划，把建筑的正面作为次要的考虑；同时整个建筑的内部结构完全展示出来了，建筑与环境达到完美的结合与统一。与此同时，他们在设计屋子里的炉壁时，甚至将各种风格混在一起。莫里斯还动手设计了家具及壁纸，窗帘，帷幔的图案，并且由莫里斯的妻子珍妮亲手刺绣完成，风格上都追求哥特式的统一。红屋的设计可以说是对拉斯金理论的首次尝试性的实践，为后面的工艺美术运动打开了通道，也成为新艺术运动的早期样板。

莫里斯考虑到社会上还有很多人也同样需要一个像“红屋”一样的住宅，同时也为了实现和发展拉斯金的理论思想，1861年他与好友马歇尔（Marshall）和福克纳（Faulkner）及工艺美术工匠们成立了一个制造和装饰公司（简称MMF）。公司的业务分五大类：绘画、雕刻、家具、铁件制造。真正实现了拉斯金的“艺术家从事美术设计，让美术和技术相结合”的理想，充分显示了“艺术应取之于民，用之于民”的观点。这也标准着西方艺术新纪元的开始

1874年左右，公司由于财政问题，莫里斯将其他两个两个合伙人的股份买了下来，单独经营，改名为“莫里斯公司，并扩大了公司的规模。同时莫里斯自己在设计上也获得了国际名声。然而当他要想艺术能有更广泛的大众化的市场，他却失败了，因为他和拉斯金一样否定机械，也就不能批量生产，而通过艺术家手工制造的产品必定是贵的，也就不能更广泛的服务于大众。因此他的产品也还是只能服务与那些有钱的人。

19世纪70年代，莫里斯为了艺术能更广泛服务于大众，并提高和引导大众的艺术品位。他开始慢慢转向政治活动，“他以公开从事当时已精神失常的拉斯金的社会主义和文物保护事业为己任。”并于1877年成立了古建筑保护协会。1883年他开始阅读卡尔·马克思的著作，并在同年加入社会民主同盟，1887年社会民主联盟解散后，和马克思的女儿艾琳娜在埃夫林和巴克斯的帮助下成立了社会主义联盟，同时担任联盟机关报《公共福利》杂志的主编。他在该杂志上发表了很多有关于艺术和社会问题的文章，其中包括他那本带有空想社会主义色彩的小说《乌有乡消息》。他早年在受拉斯金理论影响下形成的民主思想，以及后来的社会主义思想得到了清晰的阐述，而在阐述的同时，形成了他关于工艺美术的理论体系。

在他1877年至1894年间发表的35篇讲演中，逐渐将艺术问题扩展到社会科学的领域中去了。他对艺术家们所谓的个人情感，和创作上的灵感感到厌恶。“说什么‘灵感’完全是胡扯”，说“根本没有这回事，有的仅仅是技术。”④他痛恨艺术家们脱离现实的日常生活，“用希腊和意大利之梦把自己紧紧地包裹起来……对于这些东西只有极少数人还在假装受到感动，或不懂装懂”⑤。莫里斯告诉我们“如果不是人人都能享受的艺术，那艺术跟我们有何相干？”⑥在论述大艺术（纯艺术）与小艺术（手工艺）的关系时，他和拉斯金的观点（前面已经提过）几乎是一样的，他说“我们没有办法区分所谓的大艺术和小艺术，把艺术如此区分，小艺术就会显得是毫无价值的、机械的、没有理智的东西……失去小艺术的支持，大艺术就会失去了为大众服务的价值，而成为毫无意义的附庸，成为有钱人的玩物。”真正的艺术必须是“为人民所创造，又为人民服务的”⑦。他的希望是“想起了野蛮主义能再度泛滥全球，使世界能再次变得既美丽动人而有富于戏剧性效果”⑧。

在莫里斯的影响下，一批年轻的艺术家开始组织自己的公司，称之为行会。从而掀起了一场复兴手工艺的艺术运动——工艺美术运动。其中有五个行会在当时非常著名：1882年阿瑟·海盖特·麦克默杜（AHMackmurdo）成立的“世纪行会”、1884年成立的“艺术工作者行会”、同年成立的“家庭艺术与工业协会”、1888年莫里斯的学生查尔斯·罗伯特·阿什比(Charles Robert Ashbee )组织的“手工艺行会”以及同年的“工艺美术展览协会”，工艺美术运动便由这个协会而得名。

工艺美术运动在轰轰烈烈地进行的同时也孕育了另外一场运动。在工艺美术运动打下的基础上以及日本和中国产品的引进。艺术家正处在一个艺术革命的年代，他们所面临的是一个在艺术领域需要全面改造和设计的社会，包括建筑、家具、工艺、珠宝设计、平面设计等等。艺术家们为了争夺他们在不同领域的席位，个个标新立异。甚至一个人占据好几个席位。这就是从19世纪80年代一直延续到第一次世界大战，波及整个欧洲和北美的新艺术运动。可以说这场运动的主导思想继承了工艺美术运动的思想。以反传统、反维多利亚的繁琐矫饰装饰风格为主，但比工艺美术运动更加强调自然主义和东方风格

国际上公认的新艺术运动的第一件作品就是“世纪行会”的创始人麦克默杜于1883年为《雷恩城市教堂》一书设计的封面（图2）。画面中充满了不对称的、细长的曲线，画面两边分别立着一只细长的公鸡，这正是新艺术运动中的一种普遍风格，但这本书的诉求不是新艺术运动。在英国北部的苏格兰的一位插图画家对新艺术运动的发展起到很大作用。他就是比亚兹莱(Beardsley,1872-1898)。算得上个传奇人物，他七岁就被确诊患有肺结核，26岁就死了。但是他在插图画上的影响却是无人可比。他仅仅在艺术夜校受过两个月的正式训练，完全靠自学；在他20岁到22岁这两年与拉斐尔前派有过接触。他的插图画中，完全看不出学院派的教条“他把世上一切不一致的事物聚在一起，以他自己的模式来使他们织成一致”。从他的画中也可以看到很多东方与西方相结合的痕迹。比亚兹莱所处的时期正是新艺术运动的“摇篮时代”，而当新艺术运动进入繁盛时期时，英国却从我们的视野中消失了。

新艺术运动的发祥地是在法国。19世纪末，法国艺术家已经开始对当时的维多利亚式风格的感到厌烦。1900年的巴黎世界博览会新艺术开始崭露头角。当时参加展览的一位法国南斯市的设计师埃米尔·加莱(Emile Galle,1846-1904)，早在1884年就开始展现一种完全不是维多利亚的造型雅致、色彩奇妙的玻璃制品。他的设计思想具有强烈的自然主义倾向，他深信大自然是获得灵感的唯一来源。1893年美国设计师路易·蒂凡尼(Louis Comfort Tiffany)开始生产他的玻璃制品。蒂凡尼是美国新艺术运动大本营的蒂凡尼百货公司的奠基人，他把工业生产和艺术表现结合起来的做法给萨穆尔·宾很大的启发。萨穆尔·宾(Samuel Bing)是一个出版商、贸易商，曾于1875年赴远东游历，对日本艺术产生了浓厚的兴趣。在1888年出版了一份杂志《日本艺术》，他自己也被公认为日本艺术鉴赏家。之后1895年在巴黎普罗旺斯路开了一家“新艺术商店”，目的是“为那些渴望展出他们带有现代倾向的作品的热情的年轻人和所有渴望看到我们时代艺术中蕴涵的能量的艺术爱好者们提供一个聚会的场所。”⑨在商店开业时，展出了伯纳尔、劳特雷克、比亚兹莱、加莱等一些具有强烈自然主义的作品。在巴黎世界博览会上“新艺术宾”展厅展出了新艺术商店的展品，在当时引起了广泛的关注，报刊也开始用“新艺术”来代表这种新的风格。

1896年巴黎成立了一个“六人团”也同样推崇“新艺术”风格。其中最为出名也最为有趣的就是建筑师赫克托·吉马德(Hector Plumet)，他直截了当地将新艺术运动的风格运用于巴黎地铁入口建筑（图3）。充分发挥了自然主义的特点，这些入口的顶棚和栏杆都模仿植物的形状，特别是扭曲的树木枝干，缠绕的藤蔓，顶棚还有意地采用海贝的形状来处理。

比利时的一位著名建筑师霍尔塔(Horta,1861-1947,比利时新艺术运动的代表人之一），在1892年设计建造的布鲁塞尔保尔·艾米利·占森路6号即原来的都灵路12号住宅（图4）。比起吉马德则更完美地将新艺术运动的风格运用于建筑当中，也是建筑史上的首次尝试。新艺术中的细长曲线、模仿自然中的藤蔓等风格在他这里得到了完美呈现。整个建筑风格统一，屋内也显得非常透亮、唯美。霍尔塔是于1894年成立“自由美学社”的重要***之一。自由美学社的前身是于1884年成立的“二十人团”。当时该组织主要介绍先锋派艺术家的绘画作品，比如劳特雷克、高更、塞尚、梵高等。到1891年左右受霍尔塔的好友凡·德·维尔德(Van de Velde)的影响，开始介绍英国工艺美术运动的作品，慢慢放弃绘画走向适用美术，并于1894改名为自由美学社。展览的内容变得更加丰富，包括比亚兹莱、莫里斯、阿什比等等。那么维尔德是个什么人物呢？他在比利时就类似于英国的莫里斯。维尔德早期是个画家，1891年左右开始注意到英国的工艺美术运动。于是放弃绘画从事设计工作。他和莫里斯一样是个社会主义与民主主义者。维尔德在设计上强调理性思维，装饰上在对自然形态的吸取时，必须要经过选择、分析和概括，最后变成一种抽象形态的过程。“根据理性结构原理所创造出来的完全实用的设计，才能够真正实现美的第一要素，同时也才能取得美的本质”⑩。他的这种理性使他注意到莫里斯学说的不足之处，因此他不反对机器，对机器持肯定的态度。这也使得他成为现代设计史上最重要的奠基人，他的影响远远超出了比利时的国界，在欧洲各国，特别是在德国有很深刻的影响。

1895年，德国著名艺术评论家格拉夫（Meier-Graefe）创办了一份介绍德国当代艺术与文学的杂志《潘》，同年格拉夫与萨穆尔·宾一起发现了维尔德自己设计的住宅，他们都十分欣赏。1897年维尔德的室内设计作品在德累斯顿实用艺术展上展出，他设计的家具上富有创造力的曲线更是深受格拉夫的推崇。与此同时，一些怀有与维尔德相似的改造艺术的目的的青年艺术家，在慕尼黑成立了“艺术和手工艺联合工厂”。这些人当中包括奥布里斯特(Hermann Obrist,1863-1927)、奥古斯特·恩德尔(August Endell)、彼得·贝伦斯(Peter Behrens)等。他们同样不反对机器，相反希望能通过机器来生产艺术作品。设计风格也开始转变为一种更加抽象和几何化的风格。同样奥地利维也纳的一批前卫艺术家和建筑家共19人，也组织了一个自称“分离派”的团体（主创人员包括：克里姆特，约瑟·霍夫曼(Jose Hoffmann,1870-1956)、约瑟夫·玛利亚·奥尔布里奇(Joseph Maria Oibrich)和科罗曼·莫泽(Koloman Moser)）。思想上和德国非常相似，不过分离派受建筑师奥拓·华格纳(Otto Wagner,1841-1918)的影响。设计上更加强调功能性，而把装饰放在次要的位子，形态开始摆脱新艺术运动的曲线风格。分离派定期的举办展览来推动他们的学说。1900年，英国设计师查尔斯·雷尼·麦金托什(Charles Rennie Mackintosh,1868-1928)的作品通过分离派的展览被介绍到奥地利。引起了强烈反响。麦金托什的设计完全放弃了新艺术运动中的自然主义装饰风格，采用简单的几何图形，特别是以纵横的直线为基础结构，色彩上以黑白为主（图5）。

而在西班牙的一个建筑师与麦金托什正好相反，他是将新艺术运动的曲线风格发展到极致。他就是安东尼奥·高迪(Antoni Gaudi,1852-1926)，他的建筑充满了想象，他使用破碎的瓷片和杯、碟当作装饰材料让人感到不可思议。高迪成熟期的建筑更是体现了他对自然的崇拜，他对自然有机形态的模仿已经达到了疯狂的地步。他的一生在不断的求新，不断的创造个性。坚决反对对传统模仿。这也使得他的建筑很少获得官方的认可。甚至到群众都无法忍受的地步。但是，有一个人非常欣赏他，就是长期支持和赞助他的一个企业家古埃尔(Guell,古埃尔家族是卡塔兰地区的新权贵），这个因素对他的建筑生涯是非常重要的。

高迪早期是一个高度个性化的哥特复兴主义者，这从他的1878年设计巴塞罗那文森公寓就可以看得出来。直到1883正式为古埃尔家族设计建筑后，开始出现一些有机形态，比如古埃尔别墅的入口处大胆而任性的曲线。到了1900年为古埃尔设计庄园，他的创作已经步入成熟阶段，完全抛弃了哥特式的影子，他成功地将大自然与建筑有机地结合成一个完美的整体。这里的一切——小桥、道路和镶嵌着彩色瓷片的长椅，都充满了新艺术运动蜿蜒曲折的风格，甚至很多随意处理的地方都已经超出了新艺术运动的范畴。

而于1910年建成的米拉公寓（图6）的风格已经达到了新艺术运动的极端。是高迪自己认为最好的一座房子。整个建筑内外，包括里面所有的家具和装饰完全采用有机形态。连墙面都是弯曲凹凸不平的。这种极端的做法引起了巴塞罗那市民的愤怒。报纸上以“蠕虫”“大黄蜂的巣”等字眼来形容他的建筑。

圣家族教堂（图7）是高迪从1884年接手直到他死后的今天都未完成的建筑，高迪一生建筑风格的转变几乎都显现在这座未完成的教堂上。他做建筑有个特点，就是没有工程图纸、没有预算、没有设计方案。完全不把建筑当项目来做而是当艺术作品来做，随意性非常大。工匠们被鼓励将工作做得粗糙大意，以至于很多地方他都要亲力亲为。这个建筑以及上面介绍的古埃尔庄园和米拉公寓在1984年被联合国教科文组织宣布为世界文化遗产，这在世界建筑史上都是十分罕见的。

从总体上来看，英国是工业革命的发源地，他们是第一个面临工业化带来的危机，面临如何处理艺术与工业的关系、艺术与人的关系、艺术与社会发展的关系等问题。他们选择了艺术改革，于是就有了工艺美术运动。而改革后之后在艺术领域必然会带来许多空位（前面已经介绍过）。比如英国工艺美术运动就出现了莫里斯、韦伯、比亚兹莱等大师。而随后欧洲大陆以及美国也同样面临大工业化。他们的目的和选择都是一致的，他们从工艺美术运动中吸取经验。对艺术进行改革，进行新艺术运动。这也是为什么新艺术运动在英国没有产生强烈的反应，因为英国已经改革过了，大师已经出现了，而麦金托什只能算是新艺术运动到现代主义运动的过度人物。

①《现代设计的先驱者》第二章25页

②《威尼斯的石头》第十章189页

③《秩序感》第二章45页

④Mackail,opcit,i,p186

⑤The Collected Works of William Morris,London,1915,xxiii,p147

⑥Mackail,opcit,ii,p99

⑦Ibid,xxii,pp47

⑧Ibid,p144;I,p305

⑨Mario Amaya,Art Nouveau,The Herbert Press Limited,1985

⑩《世界现代设计史》第三章71页

参考书目：

《现代设计的先驱者——从威廉·莫里斯到格罗皮乌斯》英 尼古拉斯·佩夫斯纳著，王申 王晓京译 中国建筑工业出版社2004年版

《现代建筑与设计的源泉》英 尼古拉斯·佩夫斯纳著，殷凌云译，范景中校，生活·读书·新知三联书店，2001年12月北京第1版

《欧洲19世纪美术》下，吴敢著，中国人民大学出版社，2004年版

《世界现代设计史》王受之著，中国青年出版社，2002年9月北京第1版

《秩序感》，[英]贡布里希，译者：范景中等，湖南科学技术出版社，2000年1月第1版

再过几天，将举行国际博物馆日。在这一天，北京的十二家博物馆将联合举办一些活动，并进行一日游。那么，今天就让我们一起来了解一下北京博物馆在国际博物馆日的活动吧！

艺术畅游日电子联票

158元享受原价。可以去猫眼北京12家美术馆一日游，800元。

购票须知

一、电子优惠券销售时间：

510-51823:59

二、电子优惠券使用时间：

2008年5月18日或5月19日；

三。电子优惠券的使用说明：

同一天，每个博物馆只能参观一次；

四、票价：

58元；

动词（verb的缩写）电子优惠券的验证机制：

持ITU门票，在北京12家美术馆前台入电验证，同一场馆活动日只允许一次入场；

请根据各场馆公示的参观时间合理安排参观；游览期间遵守各场馆的管理规定；

所有门票一经售出，概不退换。门票是特殊商品。除因不可抗力导致物品取消或变更外，不支持因个人原因请求退货。给您带来的不便，敬请谅解。

“ART1DAYPASS”艺术之旅一日通票可在5月18日或19日的任何一天使用，可免费或打折参观以下展览。

国际博物馆日北京博物馆活动

(展览中的门票价格为原价)

红砖美术馆

观众将凭联票免费参观沿途3，335，414位杜尚获奖艺术家的展览。

红砖美术馆“沿着不存在的路前进，——14位杜尚获奖艺术家作品展”

票价：130元

开放时间：周二至周日10:00-18:00。

(17:30停止入场)每周一闭馆。

地址：北京市朝阳区顺柏路马泉营西路路口向西100米

“3，335，414名杜尚奖艺术家沿着不存在的道路前进”展览力求以一种新的方式呈现法国当代艺术和“马塞尔-杜尚奖”的多元化面貌。在中法建交55周年之际，本次展览拉开了第十四届“中法文化之春”的序幕。

策展人安娜贝尔特内兹从道路、位移、旅行和发现的概念中选择展品。从展览开始，西班牙诗人安东尼奥马查多(1875-1939)的诗“走在一条从未存在过的路上”是起点。

在展出的作品中，“行进”既是主题，也是隐喻。所以，每一件作品都变成了一个向外的开口，一条发现之路。

北京今日美术馆

观众可凭联票免费参观《叶锦添全景》和《宫娥之蛋》。《爱的艺术：旅行者日记》需要单独购买，联票可以享受五折优惠。

今日北京美术馆“叶锦添全景”

票价：120元

地点：北京今日美术馆1号馆

开放时间：周二至周日10:00-18:00。

(17:00停止值机)，每周一闭馆。

地址：北京市朝阳区百子湾路32号苹果小区4号楼

“叶锦添：全景”艺术展是对叶锦添近年来个人艺术道路和思想成长的整体展示，涵盖了他在过去和现在对未来的独特定义。作为享誉世界的**、舞台制作设计师、服装设计师和视觉艺术家，他不断探索和引入自己的“新东方主义”美学理念，在创作中突破多重界限，跨越摄影、录像、雕塑、装置等多种艺术形式，做出更加纯粹的艺术表达。

展览中，叶锦添首次跨越前沿科学，将他对时间、空间和生命科学的多维发现和哲学思考融入到他的艺术创作中。并提出“精神DNA”的概念作为其艺术思维的核心，试图探讨人类情感和记忆在无形的精神世界中的萌发和传承。整个展览横跨今日美术馆1号馆三层，展品包括大型装置、多媒体装置、雕塑、服饰等。

今日北京美术馆“宫娥之蛋”

票价：20元(5月18日免费)

地点：北京今日美术馆3号馆

开放时间：周二至周日10:00-18:00。

(17:00停止值机)，每周一闭馆。

地址：北京市朝阳区百子湾路32号苹果小区4号楼

17世纪西班牙画家委拉斯开兹的《宫格》被誉为“世界三大名画”之一。它以新颖的视觉理念颠覆了绘画的创作空间，创造了“看与被看”的多维视角。许多知名画家通过临摹和再创作来表达对贝拉斯克斯绘画艺术的探索和尊重。比如大家耳熟能详的毕加索和达利，他们以极大的热情，做了大量以“宫娥”为母题的创作。

艺术和哲学之间的对话随着数百年来对这部作品的重述而一波三折。现在，吴创作的作品《宫娥之蛋》将继承这一艺术史上经典作品的精神脉络。

“蛋”的元素取自玛格丽塔公主蛋形的裙子。由于蛋象征着生命和繁衍的意义，“宫娥之蛋”可视为宫娥之下的一个蛋，即宫娥之蛋，是一种致敬，也是一种重述。

“爱的艺术：旅行者的日记”，今日北京美术馆

票价：120元

地点：北京今日美术馆2号馆

开放时间：周二至周日10:00-18:00。

(17:00停止值机)

每周一关门

地址：北京市朝阳区百子湾路32号苹果小区4号楼

《爱的艺术：旅行者的日记》从全球十余位艺术家的旅行故事出发，展现了中国四十年来日新月异的面貌。本次展览首次汇聚了波普艺术先驱安迪沃霍尔(andywarhol)和法国电子音乐之父让-米歇尔雅艾尔(Jean-MichelYael)的珍贵作品，再现了两位西方先驱80年代的中国之旅。

同时，石、秦思远、邱、等八位艺术家将运用摄影、动画、声音等不同媒介，捕捉中国社会的变迁，为观众带来一个丰满、多元、浪漫的中国故事。

届时，安迪沃霍尔的最后一部**《安迪沃霍尔：中国制造》也将在展览中首次与观众见面。

北京民生现代美术馆

苏新平，北京民生现代美术馆

票价：免费

地点：北京民生现代美术馆二楼展厅

开放时间：周二至周日10:00-18:00。

(最后一次入场17:30)，每周一闭馆。

地址：北京市朝阳区酒仙桥北路9号C7恒通国际创新园

苏新平的作品主要聚焦于他所处的生存空间和文化记忆，明显承载着中国社会转型期可辨认的生存痕迹和人们的内心与情感状况。他通过绘画艺术重构了自己对真实情境的认知和觉察，用超验的、可变的、混合的、抽象的画面展现了油画的粘性、版画的质感，甚至是影像的游走，展示了人与命运之间永恒的纠结、焦虑和困惑。

策展人冯博一表示，从社会学的角度来看，苏新平的作品既是我们文化生态社会转型过程中的众生相，也是后现代社会中国所谓的混合现实。从视觉艺术的角度看，苏新平的绘画语言对传统风格进行了修补和更新，对单一的写实风格提出了质疑，使题材本身既有时代主题，又有一种荒诞的形式意义。

北京民生现代美术馆“冷灯：——黄宇罡个展，生长在田野里绘画”

票价：免费

地点：北京民生现代美术馆一楼展厅

开放时间：周二至周日10:00-18:00。

(最后一次入场17:30)，每周一闭馆。

地址：北京市朝阳区酒仙桥北路9号C7恒通国际创新园

邓亮是湘西凤凰县的一个苗寨。自2003年以来，黄宇罡已经在这里生活和创作了十多年。他不仅是外部观察者和表达者，也是当地居民。

通过自己的画笔，他讲述了自己作为艺术家对冷灯的感受、记忆和体验。在这次展览中，邓亮的一片稻田将被“移植”并运送到美术馆的空间，覆盖展厅的地板。这一领域既是邓亮人生活的依靠，也是黄宇罡绘画的基础；展览结束后，场地将归还原址。

在被拆除的稻田周围，会围上围栏，并在上面画出北京民生现代美术馆的建筑立面，附近还会设置摄像装置，这样就可以将冷灯当地的实景和日常情况实时连接到展厅。

于是，原本看似不同的北京与湘西、城市与乡村的空间，通过这个展览被置换、交织、连接。

北京时代美术馆

观众将访问“玩！”联票免费！设计-国际新锐设计师展”。

北京时代美术馆“玩！设计-国际新锐设计师展”

票价：50元

地点：北京时代美术馆5号馆

开放时间：周二至周日10:00至22:00。

(21:30停止入场)，每周一闭馆。

地址：北京市海淀区复兴路69号华西住HI-UP东北角

“打！”设计”是展示近年来国内外设计艺术院校毕业的优秀设计师和艺术家的展览。

通过与世界知名艺术院校合作，邀请国内外百余位新锐设计师，围绕“设计与日常生活”、“设计与文化个性”、“设计与情感体验”等主题，呈现珠宝、家具、产品、面料、交互、装置等多元设计。

除了展示中文的前沿，我们还特别加入了国际设计师的工作单元，在世界各地的年轻设计师之间展开了一场积极的对话。

设计的未来是无限的。除了探索和推广当今中国的新思想，展览还试图在“玩”的背景下建立设计与观众之间真正的情感联系。

北京中间美术馆

观众将凭联票免费参观“快乐的人”和“在glade重温假杂志的实践”展览。

北京中级美术馆“快乐的人，所有人，所有女人，所有男人，所有男人，第一个男人，第二个男人，第二个女人，第三个男人，所有人，第四个女人，第五个女人，第五个女人，所有其他人，所有其他人，所有第五个女人，所有其他人，所有第五个女人，所有其他人，所有其他人，所有其他人，所有第五个女人”

票价：10元(5月18日免费)

开放时间：周三至周五11:00至18:00。

周六和周日10:00至18:00

周一和周二休息

地址：北京市海淀区杏石口路中楼公园

这个152字的标题，出自现代诗人、文学评论家何其芳(1912-1977)到达延安后的诗剧《幸福的人》(1940)。展览以此为引子，呈现16位当代艺术家(群体)的创作，探讨不同个体在历史十字路口的不同状态。

北京中级美术馆“在贫民区——重访假杂志的实践”

票价：10元(5月18日免费)

开放时间：周三至周五11:00至18:00。

周六和周日10:00至18:00

周一和周二休息

地址：北京市海淀区杏石口路中楼公园

这是由中级美术馆和一本假杂志联合策划的“中级实践”项目的第六个展览。“假杂志”的种子是在创始人说自己为两家“真杂志”工作的时候种下的。从2007年的博客到2011年的出版，再到2011年正式登陆实体空间，假杂志已经转变为一个围绕图像进行多种实践的综合性艺术机构。——摄影书籍、杂志、博客、书展、公益活动等实践活动持续开展。

木木美术馆

《理查德塔特尔：奖励》需要单独购买，联票可享受五折优惠。

伍德艺术博物馆“理查德塔特尔：回归”

票价：80元

开放时间：每周二至周日10:30-19:00。

(最后入场时间为18:30)

每周一关门

地址：北京市朝阳区酒仙桥路2号798艺术区：D-06

“理查德塔特尔：回归”这是著名艺术家和诗人理查德塔特尔在中国的首次展览。这是王宗富策划的。

以这次展览为路径，观众可以踏上一段特殊的旅程，在这里他们可以欣赏到塔特尔创作实践中的视觉和非视觉语言。这个由艺术家亲自策划的展览，用100件作品总结了塔特尔50年的创作生涯。

包括一些特别为这次展览创作的大型装置。展览中的每一个展厅都对应着塔特尔在不同阶段、不同方向的探索与体验，集中体现了他对“为生活而艺术”的追求，源于西方艺术谱系传统和自身经历的表现风格，以及在关注现实的同时强调灵性的艺术语言与实践。

OCAT研究中心

OCAT研究中心“记忆公馆”

票价：免费

开放时间：周二至周日10:00-17:00。

每周一关门

地址：北京市朝阳区金蟾西路

(地铁7号线欢乐谷景区站B出口向北100米)

“记忆居所”是OCAT研究中心发起的首届“研究性展览固化计划”获奖方案“描述历史：中国当代摄影中的历史叙事”的报告展。

“记忆居所”展览集中展示了中国当代摄影的一些案例，主要是利用摄影进入历史叙事。它试图通过对这一趋势原因的语境分析来考察实践者所使用的不同策略，并从不同角度探索摄影在历史叙事中提供的独特视角。

从探索个人和家族历史，到探索历史事件，再到讨论历史碎片，甚至反思照片作为历史叙事媒介的主题，参与的艺术家们把自己当成考古学家，从不同的叙事角度切入，同时回顾、改写、重构历史，延伸自己更具体、更广泛的文化痕迹。

清华大学艺术博物馆

游客可凭联票免费参观“东西方文明交汇处的——件阿富汗国宝”特展等展览。

清华大学美术馆，“——年东西方文明交汇的阿富汗国宝，衣冠楚楚”

票价：60元

地点：清华大学美术馆三楼展厅。

开放时间：周二至周日9:00-17:00(16:30停止入场)

每周一关门

地址：北京市海淀区清华校园1号清华大学校园

(校外游客请走清华大学东三门)

本次展览展出的230余件(套)阿富汗珍品，分别按照法奥尔楚迪、阿依汗姆古城遗址、蒂拉楚遗址、巴格拉姆古城遗址四个出土地点划分单元，展示了青铜时代、希腊化时期、月氏人入侵前至贵双王朝建立、贵双王朝四个历史时期的珍贵文化遗产，是古代文明融合的见证。

所有这些都是在1979年苏联入侵阿富汗之前出土的，在战争期间幸存下来，因为它们被藏在喀布尔中央银行大楼下的一个秘密金库中，并在2003年重新出现。

自2006年10月以来，法国、意大利、荷兰、美国、加拿大、德国、英国、澳大利亚、日本和韩国的20多家博物馆相继巡展这些珍品。

“清华美院和清华深研院研究生毕业展”

票价：20元

地点：清华大学美术馆二楼4号展厅和四楼7、8、14号展厅。

由清华大学美术学院和清华大学深圳研究生院主办的研究生作品展将于5月10日至30日在清华大学美术馆二楼4号展厅、七号展厅、八号和十四号展厅、四楼以及美术学院A、B展厅同时举行。

染织服装艺术设计系、陶瓷艺术设计系、视觉传达设计系、环境艺术设计系、工业设计系、工艺美术系、信息艺术设计系、绘画系、雕塑系、基础教研部等10个培养单位的176名硕士毕业生参加本次展览，预计展出作品1000余件。

展览的主题、技法、媒体等各个方面都体现出多样性和丰富性，是近年来师生教与学的心血和结晶。

松美术馆

观众可以凭联票在5月18日免费参观《路易丝布儒瓦：永恒的丝线》。5月19日需要正常购票。

宋美术馆“永恒的丝线”

票价：200元

开放时间：星期二

《路易丝布儒瓦：永恒的丝线》是法裔美国艺术家路易丝布儒瓦在中国举办的第一个大型展览。布尔乔亚是公认的20世纪和21世纪最伟大的艺术家之一。她的作品融合了深刻的心理学思考和极高的形式创新。

本次展览展示了他一生的诸多代表作，包括40年代末的“人”雕塑系列、90年代的“笼”器系列、生命最后十年的“织物”系列、巨型蜘蛛雕塑“母亲”等。

展览对布尔乔亚的作品进行了多重解读，同时揭示了贯穿其所有作品的主题主线。在她早期的画作中，这种“连续的丝线”往往象征着头发和扭曲的时间。

然而，她的悬挂雕塑总是处于一种矛盾和怀疑的状态：稳定但脆弱，固定但可旋转又多变。它们都挂在一个点上，用一根丝线连接起来。

泰康空间

泰康空间《追踪末日松茸》

票价：免费

开放时间：周二至周六10:30-17:30。

(展览将于5月19日正常开放)

地址：北京市朝阳区崔各庄草场地艺术区红色一号院B2

“追踪末日松茸”展览将以人类世的叙事为背景。标题引自人类学家安娜秦的《松茸到底》一书，她考察了生长在险恶原始森林中的物种松茸与人类世之间丰富的关系。

蘑菇已经成为许多原始宗教、巫术或道教传说中不可回避的叙事符号。展览试图将人类世的当代启蒙与来自非西方文明的一些哲学和精神内涵联系起来，通过松茸，将这一刻与另一刻联系起来。

UCCA尤伦斯当代艺术中心

观众凭联票免费参观“世界指南”展览。《文明：当代生活的启示》需要单独购买，联票可以享受六折优惠。

UCCA尤伦斯当代艺术中心“世界指南”

票价：60元

开放时间：周一至周日10:00-19:00。

地址：北京市朝阳区酒仙桥路4号798艺术区

“世界指南”展览分为上、下两部分，将集中梳理90年代初中国艺术家在社会转型背景下的艺术实践。展览的标题来自于1991年上映的一部国产室内喜剧《编辑部的故事》。

《世界指南》是电视剧里的杂志。这个词也隐含了90年代初，尤其是经济结构转型的社会背景下，大众对价值重建的焦虑、困惑和期待。

展览的话题再次转向那个时间节点，勾勒出一条从80年代知识分子普遍的精英主义想象，到90年代初消费与开放社会来临后，价值崩塌、自我放逐或重构想象的“曲线路径”。

UCCA尤伦斯当代艺术中心“文明：当代生活的启示”

门票价格：100元

开放时间：周一至周日10:00-19:00。

地址：北京市朝阳区酒仙桥路4号798艺术区

展览集中展示了来自亚洲、澳大利亚、欧洲、非洲和美洲的120多位摄影师创作的250多幅作品。展览聚焦于21世纪人类生活的全球发展，以及行为模式——合作与冲突，生产与消费，如今将人与人联系到了前所未有的程度。

展览承认塑造我们周围世界的独立尝试和不同文化之间的差异，但特别关注集体的成就和集体内部的各种紧张关系，这些往往被个人主义和异质叙事所模糊。

这个展览突出了摄影作为一种艺术媒体的发展，以及摄影师展示当代生活各个方面的独特才能。

中央美术学院美术馆

《达芬奇的艺术：不可能的相遇》需要单独购买，联票五折。

电子优惠券可在2008年5月18日至5月19日期间使用。

中央美术学院美术馆“达芬奇的艺术：不可能的相遇”

票价：80元

开放时间：5月23日前。

每周一、二、日9:00-17:30(17:00后现场购票停止)

夜场每周三、四、五、六9:00-21:00。

晚上

开放时间为周一至周日9:00-17:30。

地址：北京市朝阳区花家地南街8号中央美术学院美术馆

达芬奇是画家、建筑师、工程师、科学家，也是意大利文艺复兴时期最杰出的人物之一。他的名字等同于天才的含义，他对知识的渴望使他在几乎所有的知识领域都有所作为。

达芬奇留给我们的油画并不多，但“OperaOmnia”技术的应用，让普通大众得以集中观赏收藏在卢浮宫、乌菲希美术馆等世界级博物馆的17幅达芬奇代表性作品。

中央美院美术馆“中央美院毕业季：毕业生毕业作品展”

票价：免费

本次毕业生展共展出316名博士毕业生的毕业作品1000余件，其中研究生院博士毕业生22件，各院系硕士毕业生294件。作品分布于美术馆、校园展厅、7号楼展厅、石膏雕塑馆等。

展览展示了国内视觉艺术研究生创作的最高水平，可以说是近年来国内艺术院校研究生创作的缩影和集中展示。

好了，各位，收集这些信息。有空来这里参观展览吧！

2020年秋季的帽子趋势是多种多样的。本季在秀场上展示的帽子从朴素，实用到荒诞，范围十分广泛，其中不乏一些 时尚 实用且别致的帽子。

2020年秋冬的许多帽子趋势都采用了一定会让你感到温暖的设计，其中包括大量的豆豆帽和一些模糊的帽子。由织物制成的檐帽（以男装为灵感）也有实际应用，可帮助保持头部温暖，并保护面部免受雨水和阳光的照射，但结构坚固，可配合冬季或秋季使用。

至于主要的设计，2020年秋季的头饰趋势还包括一些其它有趣的选择，例如马术帽，带头纱的帽子，以及一些更其它更实用的帽子。

简单，休闲，温暖，实用，更不用说易于生产了，豆豆帽是2020年冬季最主要的帽子，这也就不足为奇了。毕竟，这个季节并不是特别奢侈或花哨，至少与以前的季节相是这样。

布兰登·麦克斯韦（Brandon Maxwell）将他的许多模特戴着针织豆豆帽，以黑色，棕色，白色或绿色等纯色填充。 无檐豆豆帽位于较短的一侧，并且设计为倾斜放置于一侧而不遮盖耳朵或额头，因此为外观增添了更多休闲感。

Erdem通过在顶部用看起来昂贵的珠宝装饰黑豆豆帽，为它们增添了迷人的色彩。莫莉·戈达德（Molly Goddard）还用一些大号的蝴蝶结装饰罗纹豆豆帽，从而获得了一些趣味感。

许多其他设计师还对无檐豆豆帽展示了自己的 时尚 风格，包括Ashley Williams，Coach 1941，Gucci和Max Mara。

随着2020-2021年秋/冬帽子趋势的发展，水桶帽将继续保持其上升趋势。这是本季秀场上最普遍的帽子款式之一。

Cividini为我们提供了适合冬季使用的水桶帽，上面配有厚实的针织帽，因此看起来比平常舒适。 玛格丽特·豪威尔（Margaret Howell）提出了一种新颖的造型选择，即将水桶帽的边缘折叠起来以露出脸庞。

Vivetta的水桶帽给人一种女性化的感觉，而休闲风格则略有减少，粉红色的感觉由毛毡制成，结构更加坚固和结构化。Kenzo在桶形帽子方面略有改动，提供了多种不同材质和颜色的桶形帽子，并在背部增加了防护布的长度。

在Iceberg和Off-White上也发现了几个柔软的印花桶。

头巾为保持头部安全遮盖提供了一种绝妙的方式，并且取决于你包裹或绑扎它们的方式，它们可能会对你的外观产生完全不同的影响。适度的头巾包裹技术还表明，高级时装界正在考虑客户的多样性以及他们对宗教 时尚 的需求。

在克里斯汀·迪奥（Christian Dior），模特们穿着绸缎头巾，上面印有该品牌的字母徽标，头饰绑在头上，更加休闲。在R13，采用旧派佩斯利印花的头巾以相同的技术捆绑在一起。

索马里的模特Ugbad Abdi是第一个在Fendi和Lanvin秀场上戴头巾的模特。她在两次走秀中都戴着缎布围巾，第一个穿着黑色，第二个穿着粉红色。

在Libertine和Marc Jacobs也发现了更多的头套。

贝雷帽总给人一种有点自命不凡，却又十分优雅的印象。报童都却让人联想起2000年代初期。

克里斯汀·迪奥（Christian Dior）的皮革报童帽有一个 更蓬松的帽冠 ，使它们绝对是风头的象征。马克·雅各布斯（Marc Jacobs）展示了类似的用面料制成的报童帽，以及更多法国风格的贝雷帽。

通过保持帽冠平整，Dolce＆Gabbana推出了报童便帽，感觉更经典，尤其是因为它们是由与模特穿着的外套相匹配的图案花呢制成的。

在Emporio Armani秀场上也发现了一些经典的贝雷帽，这些贝雷帽由豪华天鹅绒或缎子制成，并且偏向侧面佩戴。最终，Libertine身着红色贝雷帽，用织物制成，上面点缀着水晶贴花，完全沉浸在法国氛围中。

2020-2021秋冬帽子趋势的一个亮点就是超大号的帽子。

在米索尼（Missoni），我发现了由条纹羊毛制成的可笑的超大号贝雷帽，并带有温暖的贝雷帽。我也很赞赏Dolce＆Gabbana的超大针织毛线帽的舒适性。

妮娜·里奇（Nina Ricci）展示了一个超大号的实心毛毡水桶帽，看上去就像漂浮在模特头顶上方。类似的，在R13上，带有细帽冠的模糊圆顶硬礼帽的氛围也有点看上去有点蠢笨的样子。

我在Maison Margiela和Givenchy也找到了一些超大号的帽子。

棒球帽是永恒的配件，带有中性气质。当人们想到时装周时，这并不是一件马上想到的事情，但这也许就是为什么总是在秀场上看到这些帽子的原因。

Eachx Other均采用带米色棒球帽的透气网状帽冠和正面印有该品牌80年代风格的徽标，使事情变得简单。伦纳德·巴黎（Leonard Paris）的黑帽上印有秋天色调的热带印花，看起来出奇的优雅。

最后，Marine Serre在她创作的一些造型中运用了可持续运动的理念，其中包括配色搭配的粉色球帽。

当涉及到鞋类时，马术靴绝对统治着秀场，但是一些设计师通过马术风格的2020年冬季帽子进一步推动了其共鸣。

在香奈儿（Chanel），这意味着模特们戴的帽子看起来像骑马头盔，带有圆形实心冠和连续的黑色遮阳板。Self-Portrait的帽子具有略微类似的圆形实心设计，但没有帽檐。

Maison Margiela采取了另一条与马术相关的路线，戴上宽边的帽子。

在过去的几年中，毛毡或织物宽边帽在街头风格中变得非常流行，但是要花些时间才能使高级时装品牌赶上来。对于2020年秋季的头饰趋势，你可以选择圆顶形状的圆顶硬礼帽或浅顶软呢帽，但帽檐不是遮阳帽那么大。

席琳（Celine）的黑色毡帽饰有圆滑的圆顶礼帽式皇冠和黑色缎带，是适合冬季使用的帽子，可遮挡脸部免受阳光照射。

如果你喜欢浅顶软呢帽风格，那么Etro的帽子可能会更合适。它们也由毡制成，还具有缎带细节，但顶部带有凹坑，并且可以选择黑色或浅粉红色。

最后，在齐默尔曼（Zimmermann），麂皮绒棕褐色的帽子实际上有点狂野的西部氛围，它与波西米亚风格或游牧式审美相得益彰。

贴士： Fedora,在国内的称呼好像也没有统一,软毡帽、软呢帽、毛呢礼帽、绅士礼帽……许多称呼。个人觉得貌似还是叫Fedora更合适。

面纱经常出现在秀场上，主要是作为单独的发饰使用，但它们也有助于为2020年秋季的帽子趋势带来深沉，神秘的感觉。这类帽子并不太实用于国内人的生活中实用，但感受下趋势总归是可以的，喜欢凹造型的除外。

安娜苏（Anna Sui）迷人的黑帽旁戴着黑色的小面纱，遮盖了脸部，散发出神秘的气息。在安东尼奥·马拉斯（Antonio Marras），一些装饰精美的帽子还配有**或黑色的粗糙网，有时甚至像面纱一样披在脸上。

甚至马克·雅各布斯（Marc Jacobs）在超大圆顶硬礼帽上都盖上了面纱。

2020-2021年冬季，模糊材料的帽子也是一个重要的趋势，它也是保暖的一种好方法，不过国内南方戴这样的貌似有点过于温暖。

在明亮而有趣的方面，阿什利·威廉姆斯（Ashley Williams）展示了柔软的帽子和细长的豆豆形帽，它们由羽毛般模糊的人造皮草制成，呈粉红色和蓝色渐变。

马克·雅各布斯（Marc Jacobs），凯亚·格柏（Kaia Gerber）戴着相匹配的柠檬黄羊毛外套和帽子，这款配搭具有优雅的复古感，非常适合那些希望在冬天穿着时仍能保持优雅风趣的人士。

Shrimps也带有复古气息，黑色或棕色人造皮草帽子，再配上配套的大衣。

秋季用下巴带或领带系紧帽子，以确保当强风吹落时不会丢失帽子。这是一个略显奇怪的细节，使得许多2020年秋季的帽子看上去更加令人难以置信。

下巴带子是我在Self-Portrait或Maison Margiela上发现的马术帽，Gucci的别致设计看起来特别酷。在Giambattista Valli，下巴带甚至饰有宝石别针。

在Erdem和Iceberg看到了很多带有下巴带或领带的帽子。

谢谢你的阅读！

电视剧《局中人》，《生逢灿烂的日子》，《后海不是海》等剧的服装设计师每日为你分享更多精彩内容

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#帽子##女帽##贝雷帽#

马德里是一个不断革新的城市，近年来的变化使其位于欧洲城市的前列。由于其地理位置及与欧洲大陆所有国家的历史关系，马德里如今已成为欧洲的门户和汇集各民族及其文化的城市，成为西班牙的政治、经济和文化的中心，每年接待来自世界各地500多万游客，很快成为了一座拥有多元文化、热情好客的首都城市。 马德里市拥有丰富的文化遗产，它们经历过一段飞速的变迁时期。同时，马德里也是融合了传统艺术与开放的新观念的城市，是欧洲音乐、歌剧、舞蹈、**、绘画、建筑及设计的先锋。长达10分钟路程的艺术长廊收藏了世界绘画巨匠最著名的作品。从普拉多国家博物馆的哥雅、委拉斯盖斯、蒂斯亚诺或格雷科到苏菲亚王后国家艺术中心博物馆的先锋派奇才达利、毕加索、米罗，再到泰森——伯尔内米萨博物馆的杜勒罗、加纳雷多、布鲁艾赫尔、加乌兴、加丁斯基的作品一应俱全。文化机构不断完善并年复一年实施发展计划，向当地人民和游客提供了更广泛多样化的文化年会，如汇演、展览和节日庆典，使城市更加开放并充满活力。

环绕马德里散步就如一次对不同历史时期艺术风格的探索，漫步于马德里奥地利大街和伯尔伯尼斯大街，游人们可以观赏到最具本土历史特色的遗迹。比如马约广场、维亚广场、皇宫或植物花园。马德里共有1962座古建筑，其中包括阿尔卡拉门、西比勒斯大桥、太阳门或哥勒斯宫这样的标志性建筑，这些古迹也使马德里成为一座真正的博物馆型城市。这是世界上唯一一座半径为100公里的城市，它被四座联合国教科文组织指定的人类文化遗产城市所环饶：托莱多、阿维拉、塞哥维亚、阿尔卡拉·德·艾纳勒斯。体现着历史与艺术之结合的马德里，拥有鲜活的文化和历史，囊括了从罗马时期起的建筑、遗产及历史艺术品，直到今天仍然保存得完好无损。凡是来到马德里观光的游客毫无疑问将会认识到，无论是白天还是夜晚乃至黎明，马德里都是世界上欢乐、喧闹的首都之一。特别是周末，卡拉OK、迪厅、酒吧、爵士吧、俱乐部、现场音乐会和酒会都聚集着来自各阶层的人士。由于全年气候条件适宜，将休闲娱乐活动移至大街上，乃是马德里人的传统。西班牙首都会举行著名的弗拉门哥艺术节和斗牛时最重要的活动———拉斯·奔达斯斗牛场举行的圣伊斯德罗游艺会。对艺术家而言在马德里的成功就是世界认可的名片。马德里越来越像百老汇。每个季度在马德里的舞台上演出的五到六场音乐剧都能获得一次又一次的成功。 马德里自治区教育产业发达，所辖范围内共有高校13所，在校学生超过30万。该区每年的研发投入超过GDP的2%，占全国研发总支出的312% 。研发技术人员占全国的30% 。

著名高校：

马德里康普顿斯大学

马德里理工大学

胡安卡洛斯国王大学

马德里自治大学

马德里卡洛斯三世大学 同西班牙其余地区一样，马德里自治区内最受欢迎的体育运动自然也是足球。其中最著名的两支球队要数皇家马德里队和马德里竞技队。这两支队伍从很多年前开始就互为竞争对手，现在又同在西班牙甲级联赛。还有一些比较重要的球队，当属如今也驰骋于西甲赛场的巴列卡诺和赫塔费队。除了足球以外，在马德里自治区内，篮球、自行车运动、摩托车运动、网球以及手球也相当流行。

2014年，皇家马德里和马德里竞技分别淘汰各自的对手，双双杀入欧冠决赛，这是欧洲冠军联赛自举办以来第一次上演同城德比，最终皇马加时夺冠。 即西班牙首相府，位于马德里西北近郊。1606年，西国王腓力三世大兴土木，辟地封侯，始建这片园林。1617年，腓力三世赐封当时的园林之主安东尼奥为“蒙克洛亚”伯爵。几经流传，于十八世纪始称“蒙克洛亚宫”。此后的几百年间，这里一直是王公贵族的府第。本世纪初，曾由西班牙艺术协会负责管理和修缮，后辟为博物馆。1936年西班牙内战爆发，蒙克洛亚宫成为敌对双方争夺之要地，遭到严重破坏。内战结束后，佛朗哥下令重建蒙克洛亚宫，1953年竣工，用作国宾馆，接待国家元首和政府首脑。重建后的蒙克洛亚宫虽然名称依旧，但建筑风格和内部装修却全然一新。1970年和1989年再度扩建，增加了不少新的建筑，但风格仍与原建筑群保持谐调，两者浑然一体。

蒙克洛亚宫不仅是政府所在地，而且也是国家重点文物博物馆，宫内珍藏着大量极有价值的历史文物。 普拉多画宫

建于1758年，是典型的新古典风格。原为自然科学博物馆，1819年改为绘画博物馆，收藏绘画、雕塑佳作约5千件，生动地记载了西班牙数百年来艺术风格的演变发展，许多珍品被誉为欧洲绘画史上的瑰宝。在这里可以集中地欣赏到西班牙历代名师的代表作，尤其是十六、十七、十八世纪三位绘画艺术巨匠格列柯、委拉斯开兹和戈雅的作品。　蒂森博物馆

是以亨里希·蒂森·博内米萨男爵名字命名的博物馆，艺术品均属蒂森家族的私人收藏。该收藏始于1920年，800多幅从早期的佛兰德和意大利艺术风格至二十世纪的表现主义、流行艺术作品充分展示了西方艺术史的演绎，主要画家有提香、戈雅、梵高、毕加索等。1992年艺术收藏正式陈列在马德里一家十八世纪的建筑内，次年捐赠给了西班牙。很多艺术评论家认为，这是世界上最重要的私人收藏。 大广场

由著名建筑家埃雷拉设计，1590年开始动工，1617年前后完工，时值腓力三世晚期。广场呈四方形，周围楼房阳台整齐划一。1848年，伊莎贝尔二世女王命令将位于田园之家公园的腓力三世骑马塑像迁于广场中央。由于两次被大火烧过，十八世纪末曾进行过修缮。当时广场主要用于一些重要的民事、宗教仪式活动，现在是马德里市民和外国游客散步休闲之处。 西班牙广场

西班牙和马德里最有代表性的地方之一，广场中央矗立着西班牙文学巨匠塞万提斯的纪念碑，碑身及碑前有骑士小说《堂吉诃德》中的一些人物，如策马向前的绅士堂吉诃德及骑毛驴紧随其后的仆人桑丘·潘萨的铜像等。在塞万提斯碑的正后方，是两座百余米高的摩天大楼——西班牙楼和马德里塔。 哥伦布广场

地处市中心交通繁忙地段，广场上最重要的建筑是1886年所建的哥伦布纪念碑，为雕塑家梅里达的作品，哥伦布的大理石塑像立于新哥特式的碑基上。纪念碑的东侧是“大发现公园”。与纪念碑相对应的是记载发现美洲大陆的大石雕。广场下面是马德里市的文化中心和多层地下停车场。 欧洲门

位于马德里城北的卡斯蒂利亚广场，由两座外形一致、相对倾斜的塔楼组成。两楼各27层，高115米，倾斜角度约为15度，每层面积约为1170平方米。每楼有8部高速电梯，其运行速度为每秒4米，载客量为21人。两楼顶部均有直升机停机坪，承重量为4吨。大楼工程由美国约翰·布杰建筑研究院设计，结构设计由美国罗伯森工程协会完成，由西班牙本国的建筑企业负责施工。1990年8月动工，全部工程于1996年5月完工。 皇家剧院

始建于1818年，因工程几经中断，直到1850年11月1日才首次启用演出歌剧。1925年起因安全原因而停止演出，此后进行维修，工程持续了40年，1965年改成交响音乐厅。1991年决定重建歌剧院，1997年10月11日修复工程竣工，再次启用。这次重建，共耗资210亿比塞塔，约合近2亿美元。其中仅舞台机械装置便耗资50亿比塞塔，约占总投资的四分之一，是目前世界上最先进的舞台设备。

皇家剧院建筑面积为71万平方米，舞台空间高75米，舞台前后面积为1030平方米。除此还有一个与舞台演出部分同样大小的排练舞台。乐队、合唱队、舞蹈队等排演场所宽敞舒适。座位共1700个，此外还有皇家包厢。整个剧院内部装饰豪华、富丽，既有皇家宫廷风格，又具有现代气派。 埃斯科里亚尔王陵

位于马德里西郊约50公里处。正名圣洛伦索修道院，是腓力二世为纪念1557年圣金廷战役中打败法国侵略者而建造。工程历时22年，于1584年完工。从空中俯视，整处建筑群就像是一个倒扣的烤炉架。相传圣徒圣洛伦索就是在这种烤炉上被烤死的。圣金廷战役胜利之日正好是圣洛伦索的命名日，故以他命名，正门有他的塑像。

建筑风格庄严肃穆，是复兴主义杰作，在世界建筑史上享有盛名。建筑群呈四方形，由大教堂、修道院、王宫、陵墓、图书馆、博物馆组成，四角建塔楼，共有16个内院、86组楼梯、88个泉井、2千扇窗户、13个小礼拜堂。内藏大量珍贵文物。陵墓内室四壁用铜和深色大理石装修，西班牙历代君王棺柩均安放在这里，可供参观。

死难者山谷

死难者山谷位于距埃斯科里亚尔王陵约8公里处瓜达拉马山的一条山谷内。于1959年建成，前后历时近20年。主要是为了纪念1936年至1939年西班牙内战中的死难者而建。因其风景秀丽，现也是马德里郊外一处较著名的风景点。建有修道院和大教堂等，尤其是建于一个挖空的小山丘中的大教堂，气势宏伟、壮观，天顶高达46米，绘有巨幅基督画像；筑于山丘之上的十字架，高达150米，横粱长度为46米。

大教堂内葬有西班牙长枪党创始人何塞·安东尼奥和独裁统治者弗朗西斯科·弗朗哥。

美食

马德里不愧是西班牙的首都，有来自全国各地的新鲜、丰富的食物。从北部的加利西亚（Galicia）、巴斯克（País Vasco），到东部瓦伦西亚（Valencia）的海鲜饭（paella）等等，不管是哪个地区的佳肴，都保有当地的风味。

马德里著名的美食菜肴有：马德里肉汤（cocido madrileño）、牛肚（callos）、大蒜浓汤（sopa de ajo）、蜗牛（caracoles）、土豆煎蛋饼（tortilla de patatas）、烤海鲷（besugo al horno）等，在一些知名餐厅都能品尝到。

另外马德里人常吃的甜点有：奶油肉馅饼（bartolillos）、蛋卷（barquillos）、油煎饼（buñuelos）、杏仁糖糕（mazapan）、果仁糖（turrón）等。

购物

大广场（马约尔广场）一带主要出售传统物品，如各类织品、绳索、帽子以及宗教用品。而流行物品的专卖店主要集中在阿尔米兰特街（Calle Almirante）和希克纳伯爵街（Calle Conde de Xiquena）上，一些西班牙及国际知名的设计师也在这里开设店面。此外，在萨拉曼卡区也有出售珠宝、鞋子、皮革制品、家具等精品的一流商店。

在公主街、戈雅街、卡斯蒂利亚纳街（Calle Castellana)及太阳门周围分布着一些大型的百货公司。

如果您想淘点价廉物美的旧货，可以去位于卡斯喀罗广场附近的露天旧货市场（Rastro)，那里每星期六和星期天开市。你会在此发现许多意想不到的好东西，古董、唱片、绘画、饰品、衣服甚至是一些旧卡片。

此外，马德里每年的五月都会有一些书展，包括五月初在静修大道（Paseo de Recoletos）的旧书展，伊莎贝尔二世广场的马德里丛书展，以及五月底到六月初在丽池公园举行的大型书展，世界各地的重要出版商都会来丽池公园参展。

麦兜旅行特别提醒：作为首都的马德里算是一个大城市，整个城市划分为21个区，但游客必访的观光景点大部分集中在市中心的旧城区，以太阳门广场为核心向四周辐射。期间还坐落着许多漂亮的建筑，非常适合步行游览。喜欢参观博物馆和艺术品的游客可以在市中心东侧的普拉多博物馆、索菲亚美术馆等地进行室内参观，而在市中心西侧则有美轮美奂的马约尔广场和马德里王宫等地值得探访。

治安情况：虽然马德里不像巴塞罗那和瓦伦西亚那样小偷猖獗，但近年来每况愈下的经济环境依然使马德里的犯罪率居高不下，游客在城市中的马约尔广场、 太阳门广场等游人众多的室外景点观光时，请格外留心贴身财物，随时保持警觉，特别要注意故意佯装亲切搭讪的人。建议游客不要在偏僻昏暗的地区穿行，尽量不 要在夜晚单独活动。护照、贵重物品尤其需要妥善保管，在人多的地方看好自己包，外出时只带够出行所需要的现金。

其他注意事项：西班牙人的作息时间普遍比较晚，一般比中国的习惯晚1-2小时，而且有午休的习惯，需要在安排旅行计划时特别注意。特别是在实行夏令时期间，下午14点到17点是悠闲的午休时间，晚上20点之后才准备晚餐，夜生活则要到午夜之后才开始。

城市距离 阿姆斯特丹: 1735 km 雅典: 4029 km 巴塞罗那: 621 km 柏林: 2360 km 布鲁塞尔: 1556 km 哥本哈根: 2539 km 斯德哥尔摩: 3163 km 里斯本: 644 km 伦敦: 1725 km 奥斯陆: 3133 km 巴黎: 1260 km 罗马: 2086 km 塞维利亚: 538 km 瓦伦西亚: 352 km 维也纳: 2444 km

周天娜

周天娜（TinaChow，1951—1992）原名BettinaLouiseLutz。她的父亲是驻日美军，母亲是日本影星。15岁的周天娜凭天生丽质、动人身材在日本模特儿界走红。之后周天娜到巴黎发展，声名鹊起，成为国际时装界的顶级模特儿。过去几十年来，周天娜是国际时装界名星，也是第一位著名女性公开宣布患上艾滋病者。去世时年仅41岁，结束了一代名模时装设计及表演者的生涯。

香港作家亦舒以她为原型创作了小说《圆舞》

中文名：周天娜

外文名：BettinaLouiseLutz

别名：tina

国籍：日本（母亲）德国（父亲）

出生地：日本

出生日期：1951

逝世日期：1992

职业：模特

代表作品：《圆舞》

丈夫：周英华

女儿：周佳纳

婚姻生活

1972年，周天娜与著名京剧表演艺术家周信芳之子结为夫妻。这对强强结合的夫妻马上成为西方上流社会的宠儿，是各大媒体长期追踪的焦点。1978年，他们在纽约开了一家“周氏餐馆”。“周氏餐馆”里进进出出的都是明星名流、富商贵人。上“周氏餐馆”吃饭成为一时的风尚。这个餐馆给他们带来了丰厚的收入和相对宁静的生活。然而，当夫妻两人再次审视彼此的时候，两人都看到了生活中很多的不和谐。他们在性格、志趣、情调、观念等方面都有很大的差异。爱一疲惫，矛盾便增多，冲突不断爆发。于是，周天娜离开丈夫独自来到巴黎，与那儿的旧友饮酒放歌、狂荡不羁，表面十分华丽刺激，内心空虚混乱。她自己也意识到与丈夫愈走愈远，已不可能再回到他身边了。1989年二人正式离婚，也就是这一年，周天娜检查出了艾滋病。

周天娜令人非议的自然是她的私生活。据当时的媒体报道说，她在巴黎与一个双性恋男子有过短暂的情人关系，因此被传染艾滋病毒。该男子已经因艾滋病于1990年去世。但周天娜的情史中最为人津津乐道的却是李察·基尔——后者在结识辛迪克劳馥后放弃了周天娜。李察·基尔和辛迪克劳馥于1991年12月结婚，周天娜于翌年的1月24日因艾滋病过世。

个人经历

仪态高宾惊为天人

1966年，天娜刚刚15岁，他们一家又返回日本居住。那时候，日本经济发展，时装及化妆品行业均谋求出路，向海外拓展市场。天娜姊妹二人，长得特别美艳，具有东方美人的容貌，也有西方艳女动人的身材，因此为日本著名化妆品公司所赏识，继而被选为特级模特儿。从1968年起，天娜在日本成名，而母亲富美子也成为她的经理人。

天娜除了表演时装外，又学会了时装设计，绘制新时代女性服式。1970年间，国际时装设计专家安东尼奥·劳布什访问日本时，看到了天娜的出色演出，惊为天人，赞赏她的高贵仪表，特具慧眼发掘了时装界一位新星。其后，天娜能扬名国际，在好几个世界名城红得发紫，全是劳布什一手提拔。同时，天娜能嫁得金龟婿迈克尔·周，也是劳布什穿针引线而成的好事。

迈克尔·周认识天娜时年33岁，那其间，迈克尔刚与名媛姬利丝·格丁顿分手，姬利丝其后出任英国著名时装设计杂志《时髦》的董事长。迈克尔个子比较小，但能干，有魄力，有点象当年北伐军的风貌。他在伦敦高级商业区内开设了一间豪华中国餐馆，不少艺术家、音乐家和时装界巨子都是他的熟客。

迈克尔·周于1938年在上海出生，父亲是个演员，剧作家，并曾出任上海京剧团的编导。1948年，迈克尔和妹妹被送到英国留学，研读艺术和建筑科目，迈克尔兄妹二人皆能演剧，但却没有进修戏剧艺术。毕业后迈克尔开设了一所美容院和一间精品店，并拥有一家电视片集团制作公司。60年代后期，迈克尔改营高级中国餐馆行业，他采取新风格，一改传统中国古式古香的格调，引进大酒店餐厅的高贵格局，并匠心独运地布置装饰，聘用香港一流名厨，侍应全是意大利人，墙上挂满了精心挑选的名画以吸引艺术界人士欣赏。

迈克尔在伦敦经营的餐馆行业颇为成功，赚得盆满钵满。其后更开设支店多间，业务蒸蒸日上，苏豪区的一家夜总会，也是他独资经营的。迈克尔喜爱驾驶名车，公余之暇，还客串为好几部**的演员。

周氏餐馆进军美国

天娜在劳布什提携下，从日本转到巴黎去创天下。在巴黎认识了不少世界著名时装专家，并从事新款时装设计，且经常成为杂志封面人物，伦敦《泰晤士报》亦以特别篇幅登载她搜集和爱穿着的长衫服装。由于天娜仪态特别出众，且聪明过人，故能在短短几年中，一下子红起来，成为世界时装界一名著名模特。

天娜和迈克尔于1972年结婚，婚后在伦敦一所19世纪豪华大宅居住，游泳池设在室内，布置华丽，收藏古董名画甚多，并经常在家里举行沙龙画展，设华宴款待伦敦嘉宾名流。

1973年，迈克尔将餐馆业开到美国去，为了照顾业务，天娜和迈克尔都频频往返于英美两国之间。1978年,纽约周氏餐馆宣布开幕,这是迈克尔属下装饰最豪华和规模最大的一家餐馆，雕栋刻梁，餐卓坐椅均是欧洲名师设计制造,难怪迈克尔以此引以自豪。此间著名中国菜馆在纽约开业时，名流云集，到贺者众，轰动一时。迈克尔夫妇为了集中精神料理店务，特别购置了餐馆楼上一层柏文大厦作居所，并以闭路电视监督楼下业务。周氏餐馆行业开得极为成功，每家每年营业额都高达二三百万美元，盈利甚丰，周氏夫妇从此成为巨富。

情海翻波拉开悲剧序幕

正当中国京剧团在纽约演出期间,迈克尔不禁回忆起他的家人在文化大革命中受迫害的往事，父母于1975年相继去世，弟弟也受监禁七年。迈克尔看到京剧团在纽约演出，想起了父亲于上海京剧团的关系，不禁悲从中来，意志从此低落下来，连监督餐馆业务也提不起精神。再一方面，天娜难以应付繁忙的工作，对餐馆的经营也开始厌倦了，认为工作压力太大，长期困于餐馆中，仿佛笼中鸟，虽然赚得了大量财富，若无健康福气去享受，实在是徒然白费心机。因此和迈克尔商量，放弃了餐馆业务，离开纽约转到加州的贝来尔去。在加州的一段时间，天娜和迈克尔的感情出了问题，彼此貌合神离，同时天娜却迷上了一位信奉佛教而臭味相投的男士，这就是迈克尔不得不舍其而别的原因。但天娜移情别恋仅属昙花一现，其后，天娜又离开贝来尔转回巴黎，在那里有不少知交故旧，然而这些知交朋友，不少都是同性恋者，提携天娜的时装设计家劳布什和顾问华浩尔，都先后在1986和1987年间染上艾滋病去世。最不幸的是天娜于其后两年留居巴黎期间，竟和巴黎香水皇后的前夫爱思丁维尔发生了不寻常关系。爱思丁维尔是上层社会人物，离婚后曾在纽约的同性恋者群中胡混。

一代红颜殒灭于艾滋病

1989年，天娜和迈克尔正式宣布离婚，天娜返回日本开设珠宝商店，却突然患上肺炎，住院检查治疗时，医生却宣布其实是患上了艾滋病。

天娜知道了自己患上了本世纪绝症，无可救药，但却坚决拒绝西医法治疗，只寻求宗教信仰和进食含丰富维生素的食物。并毫不顾忌地，大胆地正式向亲友及社会人士宣布患上了艾滋病。并开始把自己的珠宝财产变卖或分赠亲友，同时把过去十多年中搜罗的时装，全部编制目录赠送给时装设计学院。几年前，天娜仍然带病周游世界各国，对治疗艾滋病的信心并没有完全放弃。之后住进纽约一间最豪华的私家医院病房。1991年6月，天娜离院返回加州休养。此时死神已开始向天娜招手。天娜临终时的心愿，就是嘱咐在去世后，能以自己的名字在墨西哥成立一所艾滋病疗养院，冀以报答曾悉心照顾自己的一位墨西哥护士。她死前非常无奈的说，自己一生都没有乱交，对感情认真，和自己有过关系的男人也就这几个，却是这样的结局。

个人成就

周天娜的一生，可谓绚烂至极。十几岁时以模特身份出道的她，黑发淡妆。日日穿白色T-shirt和黑色KENZO长裤。配戴自己设计首饰的非主流美女，凭借着她独特的个人魅力在时尚界留下了无法抹杀的绚烂一笔。她的好友名单中包括ManoloBlahnik和AntonioLopez，ManoloBlahnik在他意大利的工厂里接受BAZAAR的采访时仍曾说，“TinaChow是我最亲密的朋友”，因此他认了TINA的女儿CHINACHOW为义女，甚至有专为她设计命名的鞋款。而那时最著名的世界摄影大师诸如CecilBeaton，HelmutNewton，DavidSeidner，ArthurElgort当时都争相将镜头对准了TINA，美国普普艺术大师(PopArt)大师AndyWarhol也为她做过肖像。

最为人称道的是Tinachow对斜裁大师Vionnet的个人收藏，至死都穿着华衣美服的她对此独具慧眼。很难说三宅一生的设计思路不是因此受到影响。Vionnet的真迹属博物馆珍藏级别。全球收藏Vionnet最多的博物馆是法国的MuseedelaModeetduTextile，共130件，其中118件由Vionnet捐献。收藏最多的国家是美国，加起来共有175件，其中纽约CostumeInstituteoftheMetropolitanMuseumofArts搜集了80件最罕见精品。80年代起，由IsseyMiyake推动，日本人开始大手笔在拍卖市场高价竞标，收藏在TheKyotoCostumeInstitute，共有28件。剪裁技巧奇妙、对布料要求之高以及对材料的浪费很难被抄袭模仿，也是Vionnet昂贵（一件市价4至7万美金）的原因。许多著名的设计师都曾试图将一件Vionnet的斜裁晚装解构，看能否以更经济的方法，重塑其神奇的原貌，但是都没能成功。

病逝

周天娜是国际时装界的明星，也是第一位公开宣布患上艾滋病的著名女性，她去世时年仅41岁。1992年1月24日，周病逝时分，她的父母子女皆围在她身边。周天娜的去世震动了整个国际时装界和与其有关的人物，从时装设计专家、摄影家，到流行曲歌手、艺术家、杂志编辑和展览馆主管等，都为其哀悼落泪。巴黎、纽约、伦敦和东京等地不少社会名流都纷表哀悼，称其为时装界的女神。

小说点评

香港女作家亦舒的小说《圆舞》的女主角，即以周天娜为原形创作。亦舒有篇杂文叫《林青霞，真要命》里面写道“数年前在半岛大堂见到周天娜，惊艳到下巴要跌下来，灵魂好不容易归窍，拍拍胸口说“幸亏咱们有林青霞”能和绝色美女林青霞之媲美，可见天娜之美艳程度。

时装，作为一种艺术形式，成为很多艺术家表达自我的出口。当时装与**产生碰撞，时装使**的刻画更淋漓尽致，**也将时装定格成永恒。

1770年，奥地利公主玛丽€€安托尼瓦特嫁给了法国王储做太子妃，年仅14岁的她对一切都懵懂无知。王室的生活和路易十六的宠溺让玛丽皇后极尽奢华之能事。

**以洛可可艺术为中心，夸张的裙撑、纷繁的坠饰、X型轮廓造型、印花布料为玛丽皇后串起了一个浮华的梦。

刚进入法国王宫时，她还是一个穿着蓝白相间朴素裙装的公主。成为王后，将头发盘起，装饰上假花；裙子的V领开到胸口，露出丰满的胸部；古典精致的折扇扇来香风，神秘性感的面纱更增添了她的骄奢*逸。

十三岁的女孩伯莱尼发现自己的表姐塞西莉亚与仆人儿子罗比之间的情愫，由于嫉妒，将另一个表姐被强奸的罪名安在罗比身上。罗比遭受牢狱之灾，被迫与心爱之人分离，参加了太平洋战争。伯莱尼为了赎罪，放弃剑桥大学去当了战地护士，一生由于自己的谎言感到悔恨。

表姐塞西莉亚的墨绿色长裙让人惊艳难忘，瘦削的后背，形状优雅的蝴蝶骨，配上一头精致的卷发，让人想溺在这深沉的墨绿里。

罗比与塞西莉亚在那个阳光明媚的午后，因为花瓶掉入水池而产生了激烈的 情感 碰撞。

影片服装充满了浓浓的英伦风格，塞西莉亚为爱与家人决裂之后一直都在等待罗比的归来。剪裁贴身的大衣与西装，配上圆顶礼帽，更加塑造了其为爱坚定的形象。

No3 我是爱

女主爱玛身处意大利米兰靠纺织业致富的米奇家族，地位、家庭、金钱一样都不缺。然而热爱烹饪的她遇到了儿子厨艺高超的朋友安东尼奥，从此坠入疯狂的爱河。

Jil Sander高级精致的剪裁、柔和克制的配色塑造了爱玛强大充满母爱的形象。然而这一切都包裹不住爱玛为爱痴狂的心。

No4了不起的盖茨比

19世纪20年代的美国爵士乐风靡，人们沉浸在纸醉金迷之中。富豪盖茨比深爱着已经嫁人的黛西，即使她并没有等自己战后归来，他还是相信两人的爱情矢志不渝。

影片中Miuccia Prada和Catherine Martin共同创作超过40套**造型，灵感来源于Prada和Miumiu以前的造型。享乐主义盛行的年代，闪亮的串珠、华丽的珠宝、亮片与水晶让名媛们化身派对女王。

No5 蓝色茉莉

名流茉莉因为发现丈夫的婚外情一怒之下将其告发，却引得丈夫公司涉嫌诈骗行径暴露。两人破产，丈夫在狱中自杀。投奔妹妹的茉莉因为谎言被情人抛弃，精神崩溃的她开始回忆自己的过去。

柔和的色调，得体的剪裁，良好的质感塑造出一个休闲中带着精致的都市女人。大地色系、干净的米色中间夹杂着浓烈的红色和金色，塑造了这个可怜又可恨的茉莉。

**里的服装引领着 时尚 潮流，虽然作为剧情的辅助道具，却成就了一个个经典，而这些留在胶片里的艺术值得我们细细品味。

设计理念

TISSOT天梭品牌设计理念崇尚本色、自然。以简约、精致、个性的风格还本归原。人本精神为主体的设计指导思想，倡导现代衣着感观与精神体验的结合。使产品兼备舒适、品味与体贴。理想主义元素的加入，使产品韵味十足。而紧贴国际最新服装潮流的设计方法配合品牌表现的时尚背景，强烈的时空差异使产品呈现出更富魅力的时尚感。

材料

生命力：天梭手表材料从来都是衡量一块天梭手表品质的重要因素。 天梭手表材料涵盖了表壳、表链、表盘以及擒纵装置等机芯零件，但近几年来，天梭手表表带、天梭手表表扣的材料也开始变得精彩纷呈。碳纤维 、镀金PVD、彩色陶瓷、不锈钢镀镍等，一串串生涩的名词忽然之间闯入了我们的生活。大概有人会怀疑，年复一年，这手腕上的方寸之物，从外观设计到内在机芯，制表大师们的创意和想像力还能给人们带来什么样的惊喜？也许天梭手表不同于服装，它的生命力不在于千变万化，而在于经典的款式和有节制的一点点变化。每年各大天梭手表品牌基本都会推出新系列和限量款，这些产品本身都是以完善产品线或改进原有尺寸为主，但基本款型一般不会改变，只会在尺寸、色彩、材质等细节方面做出变化。为了不断带来设计新意，天梭手表品牌大多乐意与豪华车或奢侈品珠宝品牌进行联姻合作，由此推出限量版，以保持其旺盛的生命力。珠宝天梭手表更受关注：受到2014市场风向标的影响，在今年的巴塞尔天梭手表展上，2014那些曾经专注于做好天梭手表本身且不屑于在表盘上镶钻的百年老品牌，也纷纷推出一款款“满天星”，表盘、表圈、表带，满眼所看之处全是珠宝。我们不知道这算是勇敢还是妥协，但从技术的角度看，珠宝的使用与镶嵌工艺本身就是一件技术含量极高的工作。

体育运动&成就

在体育和探险领域，天梭同样全倾全力，这不仅是对历史的传承，也是其国际化视野的体现。从世界上最大的体育场，到最高的山峰以及最遥远的疆域，天梭都是您腕间最值得信赖的伙伴。和过去一样，在2013年中，天梭的logo在各类大型赛事和活动中频频出现，这无疑是一个绝佳的平台，向人们展现天梭对精确计时孜孜不倦的追求。除了担任世界摩托车锦标赛MotoGP™、FIM超级摩托车赛、国际篮联FIBA、澳大利亚橄榄球联盟AFL以及RBS六国橄榄球锦标赛的官方指定计时外，天梭还为世界自行车、击剑和冰球锦标赛提供计时和数据处理服务。在规格更大的综合性体育赛事中，天梭卓越的表现也同样令人信服。天梭曾经为1998年、2002年和2006年的亚运会以及2007年在巴西里约热内卢举行的泛美运动会计时。此外，天梭还将为2014年在韩国仁川举办的亚运会提供同样的服务。2014年，天梭迎来双重挑战——和FISU世界大学生运动会展开合作，肩负起世界大学生夏季和冬季运动会计时、计分，成绩公布等多项任务。天梭定能在这两项大型赛事中交出一份满意的答卷。

流行趋势

一直忠爱天梭手表，根据关于天梭手表的研究，可以分析08年天梭手表流行的几大趋势：天梭手表款继续风靡：在国内大部分人还热衷于带38-40mm尺寸的腕表时，欧美国家早已开始流行带大天梭手表，尺寸从42mm－46mm。流行的口号是BigisBeauty大就是美。天梭手表与珠宝结合更紧密：天梭手表与珠宝的结合已形成趋势，推出高档珠宝腕表。高科技材质的应用：材料从来都是衡量一块腕表品质的重要因素。它涵盖了表壳、表链、表盘以及擒纵装置等机芯零件，但近几年来，表带、表扣的材料也开始变得精彩纷呈。碳纤维、镀金PVD、彩色陶瓷、不锈钢镀镍等，一串串生涩的名词忽然之间闯入了我们的生活。陀飞轮热度依然：陀飞轮是天梭手表品牌近几年以来追求的热点。运动是永恒：生命在于运动，而生命是用时间计算的，时间与运动的关系是永恒的。天梭手表都在继续推出运动款腕表，把大量的广告经费用于运动腕表的推广上。个性化定制：遵从客户需求至上的原则，天梭手表推出个性化定制服务，满足新颖、原创、现代、时尚等个性特制。

意义

天梭手表，对天梭手表的选择表明一个人的生活态度。人的一生一定要拥有一块优质的机械天梭手表，不是因为天梭手表的名气，不是为了天梭手表能炫耀自己有钱。而是，当一块好的手表戴在手腕上，你戴出来的是这块手表背后的故事，是无数手表工匠精益求精的心血；它带给你的则是伴随一生的安心与舒适，是可以代代流传的珍贵。”研究天梭手表超过30年，已习惯从投资角度来考虑购表的George如是强调。古人一直有“择时而动，顺势而行”之说。这样的行事法则在当下亦有体现，例如，对天梭手表的选择就表明一个人的生活态度。天梭手表展为我们带来无限闪亮，眼花缭乱之余，听听资深腕表藏家的声音，看看腕表设计师的建议，或许能冷却一下将要熊熊燃烧的物欲，找准自己的“时”机。天梭手表一定价格不菲，不可能随心所欲地拥有，George常常是用收藏数年的几块名表才换到一块更好的手表。每当谈到大师们的经典杰作，George总是禁不住赞叹天梭手表的各种细节。采访中，他常常从一个天梭手表的特点跳跃到另一块手表的精彩历史。

代言人

2005年 品牌形象大使丹妮卡·帕特里克（Danica Patrick）

2005年，英姿飒爽的美国印地赛车女车手丹妮卡· 帕特里克签约成为天梭形象大使。丹妮卡经历过系统化的比赛锤炼，于同年加入印地赛车方程式比赛。这是美国级别最高的开轮式赛车比赛。丹妮卡在加入这项赛事后立刻展现出自己娴熟的驾驶技巧和速度感。在著名的印第安纳波利斯500比赛中，她获得了第四名的佳绩，并成为第一个在印地车赛中获得杆位的女性。2010年，她参加NASCAR（全美赛车联合会）比赛。从2012年开始，她决定全身心投入NASCAR比赛。2013年，她还在NASCAR斯普林特杯上成为首位获得杆位的女车手，该比赛在戴通纳500赛道上举行。

2005年 品牌形象大使徐熙媛（Barbie Xu）

2005年，天梭邀请台湾著名歌手和演员大S徐熙媛担任品牌形象大使。大S凭借著名偶像剧《流星花园》从2001年开始在亚洲地区走红。2008年，凭借着**《保持通话》，她获得了香港**金像奖“最佳女演员”的提名。2009年末，大S的事业重心开始转向**成为大中华地区非常知名的**巨星。在全力发展演艺事业的同时，她还出版过美容书籍和诗集。她在美容界和时尚界都十分具有发言权，经常受邀在电视谈话节目和新闻发布会中分享自己的美丽心得和观点。

2005年 品牌形象大使尼克· 海顿（Nicky Hayden）

2005年，天梭进一步加强了和MotoGP的关联，与美国车手尼克· 海顿签约。他是天梭首位来自美国的品牌形象大使。当时，他是MotoGP一颗冉冉升起的新星。

2006年，他荣获了MotoGP年度总冠军。与此同时，他也是第一位和天梭签约的、拥有世界冠军头衔的形象大使。他完美代表了天梭精神，体现了力求表现、勇于创新、突破极限的品牌价值观。

　　2007年 品牌形象大使迪碧迦· 帕多特尼（Deepika Padukone）

2007年12月，在她参演宝莱坞**《再生缘》于全球上映后不久，迪碧迦便成为了天梭首位来自印度的品牌形象大使。迪碧迦在此片中的演出为她赢得了一系列的奖项，包括：印度**奖最佳新晋女演员奖、印度星荧幕奖最具潜力新演员奖、和印度国际**大奖最佳新晋女演员奖。2013年，她凭借在**《鸡尾酒》中的出色演出，获得了评论家奖最佳女演员奖。迪碧迦目前是印度最炙手可热的女演员之一。

　　2009年 品牌形象大使黄晓明（Huang Xiaoming）

2009年，天梭邀请了中国著名演员和歌手黄晓明加入品牌形象大使的大家庭。黄晓明在中国是家喻户晓的明星，他非常热衷于公益活动，他同时还自愿参与了地震救灾志愿者工作。正面积极的形象为他赢得了许多粉丝支持，特别是年轻人群体。除了中国大陆，在台湾和香港等地区，他也拥有众多的支持者。他是一个多才多艺、意志坚定、充满活力的艺人，是担任天梭品牌形象大使的不二人选。

　2010年 品牌形象大使员托尼·帕克(TonyParker)

2009年，法国篮球运动员托尼· 帕克成为天梭形象大使。他是法国国家队队长和美国NBA圣安东尼奥马刺队的队员。他的充沛精力、无畏精神和强烈的社会责任感，使他在国际范围内广受赞誉。迄今，托尼· 帕克的职业生涯仍然保持着让人艳羡的辉煌成就。

天梭名人

1900年 莎拉· 伯恩哈特选择天梭

莎拉· 伯恩哈特是法国著名的舞台剧演员和早期的**演员，她在法国首次登台，随后红遍了整个欧洲和美洲。在1900年，莎拉· 伯恩哈特在参观巴黎博览会瑞士钟表馆时，看中一枚天梭18K金猎手怀表。这是一款首次展出的怀表，它配备了杠杆式擒纵机构。这位女星无法抵御它散发的魅力，最终将其纳入囊中。

1904年 为俄国沙皇尼古拉斯二世定制怀表

1858年，天梭创始人查理-费里西安·天梭之子查理-艾米尔·天梭带着几款怀表样

品，启程前往沙皇统治的俄国。当时的俄国是一个对艺术和技术创新极度推崇的国家。天梭制作的猎手怀表在沙皇朝野上下都获得了巨大成功。随后，天梭还推出定制怀表的服务。1872年，天梭为沙皇定制了一款猎手怀表，表盘上还用珐琅绘制了沙皇的肖像。这款怀表已经成为了某位古董爱好者的私人收藏。此外，天梭也为其它朝廷重臣定制怀表，并绘有他们的肖像。

　　1947年 女星卡门· 米兰达选择佩戴天梭表

卡门· 米兰达是著名的桑巴歌手、舞蹈演员和百老汇舞台剧演员。她的演艺事业从巴西起步，拥有“巴西炸弹”的称号。1939年，她在美国首次登台。1943年，她在一部影片中佩戴了一顶水果帽，其后，水果帽成为了她的标志性物品。在1947年，这位在20世纪40-50年代的红透半边天的明星选择了佩戴天梭表。卡门· 米兰达购买了一枚奢华的珠宝表，上面镶有一块超大的绿宝石和许多钻石，凸显了她本人的鲜明风格。

清洗方法

一块天梭手表往往价值上万，购回如何保养呢？通常来说，机械天梭手表应在2到3年内保养1次，保养时，要将天梭手表零件全部拆散，用120号汽油擦拭机芯，然后再经专业设备清洗手表内其他器械，最后上油、拼装。除了天梭手表内的零件外，清洗手表时还要打磨抛光天梭手表的外壳。因为手表对技术参数要求非常高，所以清洗手表是个非常精细的活儿，专业的清洗通常需要5天才能完成。而旧手表经过如此复杂的专业清洗后，一般都可以翻到八成新。当然，清洗天梭手表需要一定费用，尤其是上万元的天梭手表，保养费用更是高昂。根据天梭手表品质不同，拆洗费也多少不等，像欧米茄手表，普通手表的拆洗费是770元，如果是金表，拆洗费在800元以上。按手表行业协会规定，上万元的手表，除了拆洗费外，还要按天梭手表档次价格等加收千分之一的检查费。对于那些并非长期佩戴的机械手表，也应定期上弦，使其机芯片转动。至于石英表，它的电池使用寿命一般是1至2年，电池应定期更换，换电池时还应更换天梭手表的密封圈，并对其作防水测试。具有更换电池提示功能的手表，当提示出现后3周内就应将电池换掉。手表表壳表带的材质有钨钛合金、不锈钢、软纤维、普通钢质等种类分别，佩戴时除了要避免与超过或相同硬度的物体摩擦碰撞外，还要定期清洗，以保持其良好的装饰性。另外海水、盐水浴、香水、洗发精、指甲油、洗甲水等含化学物质的化妆品等对天梭手表的镀金层及金属面有一定腐蚀，应避免接触。即使天梭手表有防水功能，也不是什么水都能防，比如30米防水，就只能防防洗手水、洗脸水、雨水、车溅水等，如果进行淋浴、游泳等，手表肯定吃不消。马师傅提醒消费者，无论防水深度多少，都不可以戴表蒸桑拿，蒸气的热度会加速防水胶圈的老化，无法正常保护机芯。

洛杉矶同一栋建筑物上，约翰斯顿马克李事务所（Johnston Marklee）设计了两间拥有不同感觉的精品时装店铺。

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图一）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图三）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图四）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图五）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图六）

第一眼看去，位于比佛利山（Beverly Hills）和世纪城（Century City）交界处的建筑物中的这两间店铺风格极为迥异。临街的梅森马丁马吉拉（Maison Martin Margiela）店铺，外墙面上使用了闪闪发光的塑胶面板。进入之后你会发觉来到了布满错视画墙体的巴黎艺术画廊。而建筑后部的马曼格（Mameg）店铺外墙则使用了普通的红砖，室内是充满原始魅力的纽约阁楼，店主索尼亚尔曼（Sonia Eram）将候塞因卡拉扬（Hussein Chalayan）、吉尔桑达（Jil Sander）的拉夫西蒙（Raf Simons），以及考斯米克万德（Co ic Wonder）的设计作品在这里进行了组合搭配。

不过如果你逗留片刻之后，就会慢慢发现这两间店铺之间的关联——它们是约翰斯顿马克李建筑事务所（Johnston Marklee A rchitecture firm）同时设计的两个专案。

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图七）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图八）

好莱坞时装界有这样一个背后的故事。尔曼将马吉拉时装带到了自己之前在洛杉矶的两个马曼格时装店中。其实当马吉拉这个法国品牌选择店铺位置时，负责人并不了解洛杉矶的市场状况，于是尔曼同意去寻找合适的地方。与此同时，她自己店铺所在的建筑正巧被卖掉了。所以为什么不寻找一个同时适合两家店铺的地方？她最终找到的是这座4700平方英尺的建筑物，有着弓形桁架吊顶和三扇天窗。这里最早曾经是汽车修理店，之后又成为一家高尔夫精品店，再后来作为教堂使用，然后空闲了5个月之久。与丈夫马克李（Mark Lee）一同主持约翰斯顿马克李建筑事务所（Johnston Marklee）的莎伦约翰斯顿（Sharon Johnston）认为，那时的这栋建筑物“状态尚可”。其实尔曼与建筑师之间的良好关系早在多年以前李为他的妻子在第一家马曼格精品店为他的妻子挑选了一件黑色约瑟夫田米斯达（Josephus Thimister）上衣时就已经建立。尔曼对于李的选择表示称赞，之后便聘请了约翰斯顿马克李建筑事务所为她设计第二家马曼格店铺。

尔曼位于建筑后部的这家最新的马曼格店铺，低调的特性与马吉拉面街店头的闪亮高调形成了鲜明的对比，不过这恰恰符合尔曼的设想。她以前店铺的位置都被刻意设计得异常偏僻。正如约翰斯顿所回忆的：“我们花了一个月的时间才找到她的位于布伦特伍德（Brenood）迷你型购物中心的第一家店。”在比佛利山，马曼格精品店有两个入口，客户可以通过密布著紫薇花的小花园从室外直接步入室内，或者也可以逛完马吉拉店铺后，通过以珍珠金烤漆涂刷的连接走廊从另一入口进入。

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图九）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十）

为马吉拉店铺做设计时，约翰斯顿马克李建筑事务所必须遵守该品牌的国际标准。“他们把每一个空间作为俯拾之物，然后将它们折叠以体现符合欧洲审美的特点。”李说道。于是就有了错视画墙体和乙烯基仿木地板的设计概念。这使得整个室内气氛体现出这个时装品牌特有的身份特点。建筑设计师雕琢的两个内部空间，也保持着俏皮和幽雅的设计风格。

比较靠前的空间是珠宝首饰专柜。那些时尚的人字靴也许已经算是很酷的了，但和摆放它们的展示架相比，可就显得平凡多了——那是一个塑胶长形香槟杯组成的结婚蛋糕，置于抛光压克力台面之上。“这种重复手法的使用几乎到了荒谬的程度”，李说道。摆放手袋的展架就简单多了，只是在镀银砖墙上嵌入工业钉创造效果。主要的空间则是售卖男女服装的场所，这里使用的反光镜不时地在和人们玩著以假乱真的游戏。镜面展示桌使得装饰着白色外套的二手沙发和有着超自然外观、饰面著透明乙烯树脂的镀银模特儿显得更加鬼灵精怪。房间中央摆放著一个镜面体，里面是两个更衣室，看起来几乎像消失了一般。每间更衣室内都有一个镜面墙板，框架上的超大灯饰会使你联想到旧时好莱坞明星的梳粧台。侧边墙上则挂满了时装模特的黑白照片。

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十一）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十二）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十三）

“马吉拉的特点是将所有事物都饰面起来，就像戏院一样，”李说道，“而马曼格则是将每件事物的本体暴露在外。”砖墙喷砂，混凝土抛光，尺度也变得大起来。贯穿后墙面的是一个12英尺高，44英尺长的阶梯储藏室。尽管它本身只是个白漆中密度纤维板盒子，但细部其实极为一丝不苟，每个隔间角度的大小和位置都是经过仔细的推敲而成。整个设计的另一个大动作是把夹层楼面移到了屋中的另一端，储藏室的背后。上空三个巨大的天窗将客人的注意力成功吸引到下方摆放在弗兰克盖里（Frank Gehry）桌台的商品之上。

工作人员房间占用了夹层空间的一部分。尔曼的“办公室”只不过是摆放在主要销售楼层中央的18世纪英式桌，周围都是古旧的服装模特儿。这样一来，她便始终不会远离她的客人。“这就是我的客厅。”她说道。办公桌对面是一对黑色真皮安东尼奥奇特里奥（Antonio Citterio）沙发，看上去好像是直接从54工作室（Studio 54）搬运而来。

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十四）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十五）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十六）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十七）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十八）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十九）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十一）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十二）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十三）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十四）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十五）

所以为什么不寻找一个同时适合两家店铺的地方？她最终找到的是这座4700平方英尺的建筑物，有着弓形桁架吊顶和三扇天窗。这里最早曾经是汽车修理店，之后又成为一家高尔夫精品店，再后来作为教堂使用，然后空闲了5个月之久。与丈夫马克李（Mark Lee）一同主持约翰斯顿马克李建筑事务所（Johnston Marklee）的莎伦约翰斯顿（Sharon Johnston）认为，那时的这栋建筑物“状态尚可”。其实尔曼与建筑师之间的良好关系早在多年以前李为他的妻子在第一家马曼格精品店为他的妻子挑选了一件黑色约瑟夫田米斯达（Josephus Thimister）上衣时就已经建立。尔曼对于李的选择表示称赞，之后便聘请了约翰斯顿马克李建筑事务所为她设计第二家马曼格店铺。

尔曼位于建筑后部的这家最新的马曼格店铺，低调的特性与马吉拉面街店头的闪亮高调形成了鲜明的对比，不过这恰恰符合尔曼的设想。她以前店铺的位置都被刻意设计得异常偏僻。正如约翰斯顿所回忆的：“我们花了一个月的时间才找到她的位于布伦特伍德（Brenood）迷你型购物中心的第一家店。”在比佛利山，马曼格精品店有两个入口，客户可以通过密布著紫薇花的小花园从室外直接步入室内，或者也可以逛完马吉拉店铺后，通过以珍珠金烤漆涂刷的连接走廊从另一入口进入。

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图九）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十）

为马吉拉店铺做设计时，约翰斯顿马克李建筑事务所必须遵守该品牌的国际标准。“他们把每一个空间作为俯拾之物，然后将它们折叠以体现符合欧洲审美的特点。”李说道。于是就有了错视画墙体和乙烯基仿木地板的设计概念。这使得整个室内气氛体现出这个时装品牌特有的身份特点。建筑设计师雕琢的两个内部空间，也保持着俏皮和幽雅的设计风格。

比较靠前的空间是珠宝首饰专柜。那些时尚的人字靴也许已经算是很酷的了，但和摆放它们的展示架相比，可就显得平凡多了——那是一个塑胶长形香槟杯组成的结婚蛋糕，置于抛光压克力台面之上。“这种重复手法的使用几乎到了荒谬的程度”，李说道。摆放手袋的展架就简单多了，只是在镀银砖墙上嵌入工业钉创造效果。主要的空间则是售卖男女服装的场所，这里使用的反光镜不时地在和人们玩著以假乱真的游戏。镜面展示桌使得装饰着白色外套的二手沙发和有着超自然外观、饰面著透明乙烯树脂的镀银模特儿显得更加鬼灵精怪。房间中央摆放著一个镜面体，里面是两个更衣室，看起来几乎像消失了一般。每间更衣室内都有一个镜面墙板，框架上的超大灯饰会使你联想到旧时好莱坞明星的梳粧台。侧边墙上则挂满了时装模特的黑白照片。

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十一）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十二）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十三）

“马吉拉的特点是将所有事物都饰面起来，就像戏院一样，”李说道，“而马曼格则是将每件事物的本体暴露在外。”砖墙喷砂，混凝土抛光，尺度也变得大起来。贯穿后墙面的是一个12英尺高，44英尺长的阶梯储藏室。尽管它本身只是个白漆中密度纤维板盒子，但细部其实极为一丝不苟，每个隔间角度的大小和位置都是经过仔细的推敲而成。整个设计的另一个大动作是把夹层楼面移到了屋中的另一端，储藏室的背后。上空三个巨大的天窗将客人的注意力成功吸引到下方摆放在弗兰克盖里（Frank Gehry）桌台的商品之上。

工作人员房间占用了夹层空间的一部分。尔曼的“办公室”只不过是摆放在主要销售楼层中央的18世纪英式桌，周围都是古旧的服装模特儿。这样一来，她便始终不会远离她的客人。“这就是我的客厅。”她说道。办公桌对面是一对黑色真皮安东尼奥奇特里奥（Antonio Citterio）沙发，看上去好像是直接从54工作室（Studio 54）搬运而来。

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十四）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十五）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十六）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十七）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十八）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图十九）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十一）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十二）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十三）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十四）

充满“原始魅力”的洛杉矶马吉拉店铺（图二十五）