艺术对于我们的生活意味着什么？

艺术对于我们的生活意味着丰富、启发和情感共鸣。

艺术作品以其独特的表现形式和内涵，丰富了我们的生活体验。无论是绘画、音乐、戏剧还是文学作品，艺术都能够引发我们的思考和感受，帮助我们更好地理解世界和自我。艺术作品中的美和创造力激发了我们的想象力，扩大了我们的视野，使我们能够从不同的角度看待问题和面对挑战。

此外，艺术也能够触动我们的情感，唤起内心的共鸣和感动，给予我们安慰和慰籍。艺术作为一种表达方式，能够帮助我们表达内心的情感和体验，使我们更加真实地与他人进行交流和连接。因此，艺术对于我们的生活来说是不可或缺的，它丰富了我们的精神世界，让我们的生活更加有意义和充实。

艺术是人类情感和精神生活的创造性表现，任何艺术表现形式都包含着特定的情感和思想。在艺术课堂中，学生除了掌握基本的艺术技能，还要在学习中丰富自己的情感和思想，提高审美情趣，通过艺术与自己情感生活的连接和相互作用，学习用艺术的方式表达和交流情感，获得创作、表现和交流能力，达到健全人格、陶冶情操的效果。新的《全日制义务教育艺术课程标准》（实验稿）中对艺术课程的情感价值作了明确的表述：艺术课程为学生提供多角度、多方面、多渠道的情感体验，学生有机会选择自己喜爱的方式进行自我表达和交流，使情感得到丰富，达到人格的提升和心灵的净化。

这就充分说明了情感体验的重要性，它是艺术课堂教学中的重要组成部分，让学生获得丰富的艺术情感又是提高整体艺术素养和培养创新精神的重要保证，同时，是否具有丰富的情感体验也是检验学生是否具备良好的艺术素养的重要指标。学生带着情感进入艺术课堂，在课堂中通过艺术感知丰富自己的情感体验，二者相互促进，相辅相成。积极丰富的情感能促进认识过程、意志过程，使个性品质得到全面发展。无论是技能表现还是艺术欣赏，都要求学生在与艺术接触的过程中调动各种感官去体验，挖掘艺术作品中的精神内涵。而情感则在这个过程中起着桥梁和纽带的作用，在欣赏艺术作品或是参与艺术表现时，没有积极、合理的艺术情感的体验和参与就难以与作品产生共鸣，也就无法真正地完成艺术创作和艺术欣赏，使艺术教学的有效性得不到保证。

为此，教师有必要在自己的教学活动中运用多种手法来促进学生的艺术情感的体验和积累，努力创造机会使他们获得丰富的艺术情感，提高审美情趣、陶冶情操，培养良好的艺术素养，形成真挚朴实的情感，进而达到人格上的健全。所有的教学活动都应该围绕着这个目标来展开，教师要充分考虑到学生的知识结构能力水平和兴趣爱好等方面的因素，针对不同的教学内容制定相应的教学策略，辅之以有效的教学手段，确保学生在艺术技能方面获得有效提高，在艺术情感体验上得到丰富。那么该如何来丰富学生的情感体验呢？有那些途径和方法呢？笔者在平时的教学中进行了一些探索，重点从以下几个方面进行尝试，并将自己的心得体会做出总结，就如何培养学生良好的艺术情感体验与大家进行交流。

一、成为自己作品中的主角。

鼓励学生参与美术比赛创作，在画面中表现自己比表现别人更容易释放出情感。

积极地用参加绘画比赛的机会，让自己进入到画面中去，成为自己画面里的主角。美术课堂的平时作业因为受到时间上的限制，学生投入的精力相对会比较少，作品中的情感、技能因素也不容易得到很到的体现。而一旦参加绘画比赛活动时他们则会更加专注。因为准备的时间比较长，作品在构思表现、深入刻画上一般也相对完整。教师可以充分利用参加绘画比赛的机会鼓励学生都来参与创作，并尽可能将自己画到画面里去，选择适合自己的题材和故事，并投入自己真挚的情感，就会更容易画出有感染力的作品。

例如：第九届全国中小学生能书画比赛的主题“我是合格的小公民”。教师在辅导学生创作时，就充分利用了美术作品的情感表现的功能。首先提出“什么是合格的小公民”以及

“怎么样来成为合格的小公民”等问题，在师生交流探讨中来引导学生树立自立、自强、奉献、关爱、自尊等价值观，明白这些都是培养健全人格的基本素质。然后提出讨论话题：

我是中学生了，怎么在家庭中或集体中做出自己应有的贡献？如何付出力所能及的劳动、怎样实现自己的人生价值等等？设想在这样的一幅画面中，父母在阳光下的稻田里辛苦地收割稻子，而你能做什么呢？学生的回答有帮助收割、提着篮子送水送饭等等。用这样简单的故事情节就足以表现出“合格小公民”的主题，学生在创作时就会很容易带着情感去画作品，因为作品中包含着对父母的关爱、对自己行为的肯定！这样的作品就将美好和睦的家庭生活展现在人们面前，同时也是对丰收的喜悦之情的表达，是非常具有感染力的艺术作品了。而且学生在创作的过程中始终会想到画面中的辛苦劳动的父母和自己的那份关爱，那将是一种真挚情感的流露，艺术与情感自然地结合在一起。情感表达的作用通过自己的艺术创作得到了很好的体现，同时艺术情感也在这个过程中逐步丰富和深挚起来。

情感在审美心理活动中，一方面，诱发各种心理因素积极参与创造活动，另一方面，融入其他各个环节的心理活动中，使整个创作活动都感染上情感的色彩。在艺术创作中情感是展开形象思维的一种重要方式，它诱发形象记忆和情绪记忆以形成一定的情感体验。

二、营造生动活泼的教学情境，形成积极的情感体验。

现在的教师面临的压力比较大，可能会受到各种问题的困饶，但不能将自己不好的情绪带进课堂。面对学生时要保持积极的心态和乐观的心理，始终展现给学生们的是一个朝气的面孔和温和善意的笑脸，在情绪上给学生一个放松的心态。也不能因为现在有的孩子不太听话或是有的班级整体表现不够理想就影响到自己的情绪。倘若是教师首先把自己和学生对立起来，并保持了一定的距离，那就很难实施有效的教学活动，从而影响到学生的情绪，使他们失去了学习的兴趣和动力，艺术情感体验也就无从谈起。所以教师要善于建立融洽的师生关系，形成积极的情感体验，要有合理的鼓励和表扬，树立他们的信心，通过活跃课堂气氛来调节情绪，利用恰当的环境对人心理和情绪情感的影响来实施教学。

人的情感总是在一定的情境、一定的场合下产生的，生动活泼的教学情境可以激发学生的积极情绪体验，是对学生进行情感教育的有效手段。课堂活动是教师、学生和教育情境相互作用的过程。所以，教师要通过积极的手段来营造良好的课堂气氛，让集体的合力来带动、影响全班级的同学的情绪情感，从而参与到艺术情感的体验中来。这种集体的影响也就是心理学中所说的“从众”心理。积极的课堂气氛不仅有利于学生在放松的环境下展现自我，而且也会促进学生创造性思维的发展，因为课堂气氛会通过教师和学生的语言、动作和情绪来暗示他人，从而导致学生间在情绪情感上发生连锁性的反映，从而带动他们一起积极地参与到教学活动中来。这也是我们在课堂教学中可以加以利用的。

例如：对李可染的《牧牛图》的理解欣赏，除了从水墨技法上进行引导学习外，教师也尝试着从生活经验和情感印象方面来展开教学。做到先以情感人，然后才关注画面的技法构图等相对比较专业的问题。在课堂实践中表明，最能引起学生兴趣的还是作品本身能唤起他们内心深处的某种情感。这种内在情感是从生活经验中积累得来的。从乡村出来的孩子多少都会有过一些与动物相处的经历，牛羊兔狗鹅鸭等等。教师让他们试着回忆一下童年的时光，可以用引导的话语来提醒他们：还记得童年时的动物朋友吗？与自己最喜欢的动物伙伴在一起是多么的令人难忘，还想再回到从前吗？闭上眼睛吧，回忆一下童年，脑海中浮现了儿时的好朋友了吗？然后由同学们讲述孩童时与动物有关的趣事，教师也介绍自己小时候就和伙伴骑在牛背上模仿过“三英战吕布”的故事，老师自己扮吕布，手拿一只长竹竿，骑着一头

老水牛，其他小伙伴扮关羽、张飞、刘备各自骑着一头牛厮杀在一起，引起学生浓厚的兴趣。

有了教材中的《牧牛图》的铺垫，加上师生的发言，学生们的情绪被调动起来了，从艺术作

品中唤醒的情感体验也开始帮助他们展开想象。有的同学在城市里长大，缺少相关的与家畜在一起的生活体验，但是可以在其他同学们积极的情绪中受得感染，也容易从同学的愉悦中感受到快乐。教师这时候再适时讲解李可染创作《牧牛图》的意图和内在情感的表现，学生也就更加容易接受了。这样的教学设计就很容易将全班的气氛调动起来，学生的注意力也开始关注艺术作品内在的情感表现，而不仅是只看到作品中画了什么、用什么来画等等比较浅层次的问题。他们和画家的情感融洽地结合在一起，以致于觉得《牧牛图》不是李可染创作的，而是他们自己创造的，而且觉得这个作品所表现的镜头就是他们小时候的故事。教学活动是认知过程与情意过程相互交织、相辅相成的一个过程，而兴趣和愉快的相互作用和互补更为学生的智力活动和情感体验提供了最佳的情绪背景，它可以改变学生在教学过程中的情感活动的性质，变消极状态为积极状态，提高课堂教学中情感体验的有效性。

三、大题小作，避免“审美恐慌”，拉近艺术作品与日常生活的距离。

情感是人对客观事物是否符合自己需要的态度体验。艺术欣赏教学中有很多美术作品是国内外艺术大师的经典名作，但普通观众有时会觉得这些作品过于高雅和经典了，与自己的情感需要的距离太遥远了，也就从心理上直接排斥了这些作品，甚至会有些恐慌心理。他们会想：挺难的吧，看也看不懂。或者觉得反正是名家的作品，肯定是好的，不会差。至于好在哪、难在哪，他们并不关心。这就妨碍了课堂教学中的情感体验和师生交流，失去了欣赏、理解作品中深层内涵的可能。要避免发生这种情况，教师要设法拉近艺术欣赏与学生之间的距离，把那些看似“高深”、“高雅”的艺术尽量通俗化、简单化和生活化，降低欣赏的要求和难度，做到“大题小作”。为避免教学过程中的乏味，可利用故事和趣闻展开教学。但是故事要本着尊重历史和艺术的原则，不能出现庸俗的情节或是一些流言诽闻，而是要注重趣味性、真实性和有利于教学欣赏的原则。在教学方法上，要鼓励学生积极参与课堂教学，而避免教学上的“满堂灌”，教师的滔滔不绝的讲解会加重学生的厌烦和恐慌心理。教师在教学设计上更要下功夫，引导学生积极主动地欣赏作品。如可以这样说：“假如把这幅马蒂斯的《红色的和谐》送给你，你打算把它挂在家中客厅还是书房，或是卧室，为什么？要是家里来了朋友，你打算怎样向他们介绍这幅作品？”用这种形式，直接拉近了作品与学生之间的距离，“迫使”他们与艺术作品面对面，鼓励学生参与讨论，勇于发表自己的见解，从参与中体验作品的精神价值，挖掘出作品深层次的内涵。教师可以给予适当的解释说明，但不是去说服他们一定要喜欢某某作品，而是鼓励各抒己见。同时，教师也要适当介绍自己个人的看法，也会对学生有一定的帮助，起到合理引导的作用。甚至可以对其中某些作品进行批评（当然也是个人的喜好，在不影响总的原则的基础上）。这样学生会觉得有点新鲜感，可能会和他们的想法一样。因为欣赏的内容大多数都是好评，似乎带有一定的强迫性和主观性，学生见多了难免会有些麻木，毕竟他们还不能自觉地欣赏对他们来说是比较高深的艺术作品，需要教师慢慢引导。欣赏作品的过程中，真正重要的是对作品的情感价值和艺术表现力的感知，而不是对作品做出好与坏的评价。教师在情感和精神上和学生站在一边，会获得他们的信任，是开展有效引导和实施有效教学的前提和保证。

四、重视学科渗透，把握与艺术教学有关的热点话题和知识点。

中学的艺术教材中多次出现了凡高的绘画作品，我注意到在语文教材中也出现了介绍凡高的文章和绘画作品，说明凡高现在是备受人们推崇和关注的。但是作为中小学生来说，毕竟对外国的艺术大师了解不多，就很难对其产生认同感。但是既然是语文教材和艺术教材同

时都出现了关于凡高的相关信息，相信学生也会注意到这一点，他们会对关于凡高的教学有

所期待。因此教师要抓住这个有利的时机，寻找最有效的途径来让学生接触凡高、了解凡高，将他的作品用最直观的方式展现给学生，除了了解他的艺术风格和生平简介，还重点介绍他的“后印象派”画风就是通过作品来抒发自己内心强烈的情感，以及他的油画作品对世人产生的深远影响。教学活动围绕凡高作品中的情感因素来展开，如热烈奔放的笔触、夸张大胆的用色，以及在作品中表现出的对生命的热爱和渴望。他的《向日葵》中灿烂的金**所表现出的生命的张力，感染了无数的观众。将经典的事例呈现在学生面前，让他们来感受倍受关注的艺术大师是如何抒发自己的情感的。而语文教材中有关凡高的介绍也恰好和艺术课堂教学形成互补。这需要教师及时了解相关学科的信息，重视学科之间的信息和知识的渗透，利用一切有价值的条件来提高艺术课堂教学的有效性，从而使学生在积极的课堂教学活动中丰富自己的情感。

五、文字表达，树立信心。

鼓励学生用自己的语言来描述对艺术作品的理解。

我发现，在回答一些课堂提问时，有些同学表现的不太自信，特别是对艺术作品的评价，他们也不是很肯定。教师要努力改变这种现状，让学生明白：评价作品时的对与错并不是关键，甚至可以说是没有对与错之分，关键是要说出自己的观点和理由。把自己的想法说出来，就是最好的评价。如对大师作品中人物神态的理解，动态的把握，色彩的感觉等，尝试评价他人作品来提高自己的艺术感知能力、锻炼语言表达能力，在评价中培养良好的艺术情感和艺术理解能力。在口头表达还不太习惯的情况下，可以让学生用散文、诗歌和随想等书面的形式表达自己对艺术作品的体会，逐渐适应后就可以通过课堂上的直接回答来大胆评价艺术作品了。在这个过程中情感体验起着帮助树立自信的重要作用，又通过主动积极的评价丰富自己的情感体验。

六、充分利用色彩的情感印象来丰富他们的艺术情感体验。

色彩是艺术表现中不可缺少的元素，色彩更是情感印象的载体。人们对色彩的情感有着一种直觉上的感知。色彩其实本无情感可言，但我们生活的地球是一个五彩缤纷的彩色世界，人们靠色彩感知了大量的信息和符号，自然界中的春暖花开、寒暑易节对人们的影响大多是通过色彩的记忆在人们的内心深出留下烙印，因而当某种色彩在人们面前出现时，便不由自主地联想到生活经历中所遇到的相关感觉，引起内心的共鸣，便生成了“情感”。我们误以为这种情感来自于色彩，其实它来自于我们对生活的体验，与我们的社会生活紧密相连。艺术作品中的色彩情感有着超越色彩实体的象征价值，它是更具夸张、概括和理想化的色彩。色彩作品中的情感印象对于创造者来说是积累和凝聚，对于欣赏者来说是积累和释放。不同的色彩通过其象征意义分别传达着不同的情感和印象。自然界中的色彩有千万种，不同的色彩或是色彩组合可以传递不同的情感信息。三原色的精神和情感表现价值就非常独特。如：

**，明度亮也最能发光，象征光明、知识、真理和领悟；红色，有着不可抗拒的光辉，象征富有生气的大地和兴奋、热情、好战、战火等，红橙色有着温暖闪光的特性，象征炙烈的

火焰。因为火总是红红的，给我们以热量和温暖；而兰色象征冬天的力量、阴影、透明且有平缓宁静感，纯兰倾向于黑暗，常用来表现黑夜。其他的情感印象如冷暖、华丽、朴素等多种多样。可见色彩作为情感印象的载体，可传递的信息符号是非常丰富的，因而它成为人们生活中不可缺少的组成部分，被用来装饰物品、美化环境，为我们的社会生活服务。

色彩的美学价值来自于色彩的象征意蕴，而色彩的象征意蕴与人们的情感存在着对应关系，就是说色彩的艺术魅力和欣赏者的情感印象之间存在着互动互文的同一性。情感原本是内心深出的记忆体验，而色彩会与这些体验一一对应，从而表现出色彩情感印象的丰富性。学生在了解了色彩的情感价值的基础上再来面对艺术作品欣赏和参与艺术创作时，便会将色彩的情感印象更合理地融入到自己的情绪情感中去，从而使自己对艺术作品的情感体验得到提升。在欣赏和创作作品时对色彩的把握就会有全新的感受，目的会更明确，搭配会更合理，对色彩的想象会更大胆，也就更加有助于他们利用色彩来传达自己的情感，从而达到丰富情感的目的。

艺术创作来源于生活，艺术情感是伴随着体验生活能力、艺术构思能力和艺术表现能力的提高而逐步丰富和深挚起来的，在艺术创作的全过程中始终充满着艺术情感，没有情感的艺术形象是苍白无力的、没有生气和神韵的。学生面对艺术作品时需要释放自己的情感，教师要引导他们重视对艺术作品中的情感价值的理解，在学习中不断丰富自己的情感和思想，从而培养良好的艺术素养，提高审美情趣，达到健全人格、陶冶情操的效果。

参考文献

《全日制义务教育艺术课程标准》（实验稿）

《再说德育》 孙学策 著

《教与学的心理学》 皮连生 著

《反美学》 潘知常 著

《生活教育论》丁丁 著

一、“艺术是社会生活的反映”正确地揭示了艺术本质的某一方面而不是一切方面

因为，“艺术是社会生活的反映”这一命题，它无法回答下述问题：第一，既然艺术是社会生活的反映，为什么面对同一社会生活的艺术家会创作出不同的艺术作品？第二，既然艺术是社会生活的反映，为什么艺术作品必然与现实生活有或多或少的差别？第三，既然艺术是社会生活的反映，为什么艺术家要有选择地反映社会生活？第四，道德、哲学、社会科学都是社会生活的反映，它们为什么不是艺术？

对待“艺术是社会生活的反映”这一命题有两种观点：第一种是坚持它并推进它以期全面地揭示艺术的本质；第二种是否定它从另外的角度去揭示艺术的本质。

二、否定“艺术是社会生活的反映”这一命题的观点是错误的。

当代一些西方美学家认为“艺术是社会生活的反映”这一命题是错误的。因为，他们认为：

第一，艺术不是生活的再现而是情感的表现。

我们并不否定“艺术是情感的表现”，我们所否定的只是把“艺术是情感的表现”与“艺术是社会生活的反映”截然对立起来，并且用前者否定后者。我们认为，表现情感与反映生活是统一的，表现了情感也就是反映了社会生活。

第二，艺术不是生活的再现，而是一个与现实毫无关系的独立世界。

西方现代派美学家普遍认为，艺术是与现实世界无关的特殊世界。

实际上，艺术与现实确实是有差别的。否认这种差别是错误的，夸大这种差别，把艺术看作脱离现实的独立存在，同样是错误的。

比方说，印象派画家莫奈创作的《干草堆》。莫奈最关心的是忠实地表现自然界的光与色，他创作的十数张《干草堆》每一张都表现了特定时刻的光与色，在莫奈激情跌宕的画笔下，大自然的光影似乎在呼吸和闪动，怎能说它不是现实世界的反映呢？脱离现实世界是无法创作出特殊的艺术世界的。

第三，艺术不是生活的再现而是“有意味的形式”。

西方一些现代派美学家认为，艺术是有意味的形式。准确地说，就是一个有审美能力的人接触形式时所产生的审美情感，就叫做“意味”。他们否认艺术是再现的，认为再现往往是艺术家低能的标志。然而，在解释意味与形式的关系上，他们一味地去否定艺术的再现，而不断地用形式说明意味，用意味说明形式，结果陷入了一种循环论证的尴尬困境。

其实，摆脱困境的方法只有一个，坚持艺术是生活的再现。

通过以上fenix，我们足以得出结论：艺术是社会生活的反映，这个命题是正确的，是不容否定的。

民俗插画是什么意思

民俗插画是中国传统节日民俗插画图。

插画”的解释是:“指插附在书刊中的图画。有的印在正文中间,有的用插页方式,对正文内容起补充说明或艺术欣赏作用。

主要是针对书籍插图作为的定义,是一种狭义的定义。

绘本中的艺术美——8种艺术风格绘本赏析（94）

每一本优秀的绘本都是来自世界各地的知名画家精心制作而成的作品。阅读绘本时,可以培养儿童深层次的审美情感和审美创造力。每种艺术风格都有鲜明的特点,绘本也不例外,我们一起来欣赏绘本中的八种艺术风格。

1、抽象派

抽象派艺术是非具象的,抽象艺术注重物体内在形式和外在品质。抽象派艺术家们不会拘泥直接的艺术表达,往往会夸大或简化事物的形式。强调情绪和感觉的表达,如泰拉·葛拦罕·金恩的《敌人派》。

2、卡通风格

卡通风格的绘画人物都有些呆呆萌萌的,插画家并不想让他的绘画作品表现得逼真和写实。许多卡通画家都有自己的风格,而且很容易识别出来。比如汤米·狄波拉就喜欢用黑色圆点代表人物的眼睛,人物的身体大多矮小粗短。凯文·亨克斯喜欢在他的卡通画种添加小插图等等。类似卡通风格的图画书还有汤米·狄波拉的《巫婆奶奶》、喜多村惠的《小猫布兹爆笑故事集》等等。

3、表现主义

表现主义的绘画是由20世纪的艺术家们兴起的,这种绘画的特点是能够很好地表现出图画书故事的主题和情感。表现主义重在表现情感,但绘画的线条和人物面部表情往往被夸大和扭曲,这是画家为了达到烘托情绪的效果。比如克里斯·范·奥尔斯伯格的《勇敢者的游戏2》、保罗·欧·泽林斯基的《风铃草姑娘》。

4、印象派

印象派的绘画风格是由19世纪的法国画家们兴起的,这种风格特别注重光的运用。印象派的艺术家运用颜料创造出光线支离破碎或反射的效果,力图表现对生活的感受和印象,并不对现实做详尽的描绘。明亮的色彩和温柔的笔触通常是印象主义绘画的显著特点。在《狼婆婆》中,插画家杨志成用光和影的互动创造出画面的平衡感,他把狼画在黑暗的阴影中,而狼的眼睛却闪闪发亮,这一设计暗示出人类对于黑暗的恐惧。

5、民俗风格

民俗风格所表现的是人类世代传承的信仰,反映出一个民族的信仰、价值观和文化习俗。能给读者强烈的地域感。艺术家们需要花很多时间和精力研究一个地方的民族服装、民族心理和民族精神,之后才能创作出具有地域气息和手工效果的插画。如:保罗·戈布尔的《野马之歌》。

6、素朴主义

素朴主义风格是充满童趣的,它都是平面的布局和二维的画面、比较容易识别和解读,这类绘画有细节处理,但不会有细致的描绘。采用这种画法的插画家通常没有接受过专业的绘画训练。比如薇拉·B威廉斯的《妈妈的红沙发》。

7、浪漫主义

浪漫主义并不算是图画书中常见的风格,但插画家有时也会使用。这种风格常用大胆的颜色和梦幻的构图烘托华丽的气氛。在《灰姑娘》中,插画家KY克拉夫特使用了丰富的色彩营造出奢华富贵的效果,体现了灰姑娘从贫穷苦难到奢华美艳的华丽转身。浪漫主义的画风最适合于童话故事和民间传说。还有像KY克拉夫特的《睡美人》。

8、超现实主义

超现实主义的绘画富有想象力,强调梦幻与现实统一,特点是丰富而细腻的细节、天马行空的构思和离奇荒诞的图像。超现实主义绘画作品中的人物或物体经常是扭曲的,如同梦幻一般。比如安东尼·布朗、大卫·威斯纳都是以超现实主义的画风而蛮生童书出版界,如大卫·威斯纳的《三只小猪》。

狼婆婆属于民俗风格吗

属于。狼婆婆是属于民俗风格的,在《狼婆婆》中,插画家杨志成用光和影的互动创造出画面的平衡感,他把狼画在黑暗的阴影中,而狼的眼睛却闪闪发亮,这一设计暗示出人类对于黑暗的恐惧。

艺术是内化于我们的物种身份——我们的人性的，我们每个人都应该全力关注生活的质量并思考生活的意义，而不是无助地被卷入简化的和实用的消费主义以及只重视效率的和“娱乐至死”的社会之中。

       —— 美国当代艺术理论家，埃伦·迪萨纳亚克《审美的人》

艺术这个概念是历史的产物，在不同的时代有不同的含义。

在中国古代，“艺”是种植的意思，艺术指技艺，官学要求学生掌握六种基本才能，称为“六艺”，包括：礼（礼节）、乐（音乐）、射（射箭）、御（驾驶）、书（书写）、数（技术）；古希腊，“艺术”指“手艺”、“技艺”，包括：绘画、编织、刺绣、建筑术、器具的制作等；古罗马“自由人”的艺术，又叫“自由艺术”，包括：诗歌、音乐、舞蹈、历史、天文、几何；西欧中世纪早期学校中的七种主要学科，称为“七艺”，包括：文法、修辞、逻辑、算数、几何、天文、音乐。

艺术的这种用法表明，作为一个范畴，实用的技艺与非实用的艺术尚未具体区分开来，那时艺术还是一个包含了诸多领域的整合概念。1746年，法国美学家，阿贝·巴托第一次提出了“美的艺术”的概念。所谓“美的”这个界定，清楚地表明了它与“非美的”（即实用的）艺术的差别，巴托认为美的艺术主要有六种：绘画、音乐、诗歌、舞蹈、雕塑和建筑。之后，艺术逐渐从传统的技艺中分离出来，获得了自身的独立性，并不断加深和扩大其内涵和外延。到了现代，艺术大体分为：语言艺术（文学、播音等）、造型艺术或美术（绘画、书法、摄影、雕塑、建筑等）、表演艺术（音乐、舞蹈、相声等）、综合艺术（**、电视、歌剧、音乐剧等）四类。

人们关于艺术的认识也在不断地发展和演化。在古希腊，赫拉克利特、德谟克利特、苏格拉底、柏拉图、亚里士多德等哲学家就提出了模仿说（再现说），即艺术（绘画、音乐、文学等）是现实世界的模仿，文艺复兴、17世纪的古典主义、19世纪的现实主义都主张这种模仿说；18世纪以后随着浪漫主义思潮的兴起而出现的表现说，认为艺术是情感、心灵或者自我的表现；19世纪，出现了艺术的形式说，比如，英国形式主义美学家，克莱夫·贝尔（1881~1964年）提出了“有意味的形式”理论，认为“有意味的形式”（线条、色彩等以某种特殊方式组成某种形式或形式间的关系，并激起我们的审美感情）是一切视觉艺术的共同性质，是其最根本的东西；20世纪出现的惯例说，则是从根本上否认艺术与非艺术的区分，主张一切物品都可以是艺术，只要能得到大家特别是艺术界的承认，就是艺术。

北京大学哲学系教授，叶朗（1938年~）在其《美学原理》一书中写道：“艺术的本体是审美意象。艺术品之所以是艺术品，就在于它在观众面前呈现一个意象世界，从而使观众产生美感（审美感兴）。”

就是这一个“意象世界”，使人类实现了与自然的沟通、融合、共生共存、和谐相处；就是这一个“意象世界”，营建了人类的精神家园，回护着人类的幸福；就是这一个“美感”，使人类增进了对自然和生命的认识、理解和热爱；就是这一个“美感”，使人类提升了日常生活的境遇——从琐屑到隽永，从沉闷到活泼，从狭隘到豁达，从黯淡到靓丽，从干枯到蓬勃，从空虚到丰盈，从庸俗到卓越。因此，艺术是人类生活和生命的一部分，在某种意义上，艺术成就了人类！

埃伦·迪萨纳亚克在其《审美的人》一书中写道：“在整个人类历史中，艺术就是作为塑造和美化我们所关心的事情的强化手段和特殊行为而产生的。艺术就是使一个人关心的事情特殊的活动，对每个人来说都是基本的。艺术是内化于我们的物种身份即我们的人性的，是人类的一种正常的和必需的行为，就像其他普通又普遍的人类职业和使人专注的事情，如交谈、工作、锻炼、游戏、社会化、学习、爱与关心一样，应该在每个人身上得到认识、鼓励和发展。”

然而，在今天这个物化的社会里，“物质的、技术的、功利的追求越来越占据压倒一切的统治地位，人的物质生活与精神生活失衡，人的内心生活失衡，人与自然失衡，人的生活失去诗意，人类失去家园”（叶朗《美学原理》），艺术成了高远的天空飘浮的烟云，离我们的生活越来越远，艺术不可避免地被边缘化了。“从北京到纽约，再到巴黎、伦敦，艺术家都是收入最低的一个行业，甚至比民工的收入还低。在世界最大的艺术家聚居圣地宋庄（位于北京市通州区），有一些艺术家正在沦为乞丐。根据国外的职业收入调查报告，有90%的艺术从业者都没有稳定的收入，其中75%的艺术家终生没有收入。艺术家的低收入已经成为国际问题。”

首先，艺术表达情感。

心理学认为：“情感是人对客观事物是否满足自己的需要而产生的态度体验。” 英国情感史研究先驱，文化人类学者，威廉·瑞迪在其《感情研究指南 情感史的框架》一书中，把情感定义为：“一系列常常被同时激活的、联系松散的思想材料，因其太多而在短时间内无法转化为行动或话语。” 常见的情感表现为：喜欢、厌恶、愤怒、悲伤、爱慕、仇恨、幸福、美感等，这些情感是我们生命的力量之源，是人性的阳光和雨露，是人类与机器最根本的区别之一。

艺术的起点和终点都是人类的情感。因此，法国雕塑家，罗丹（1840~1917年）说“艺术即情感”；符号论美学代表人物之一，苏珊·朗格（1895～1982年）说“艺术是人类情感的符号形式的创造”；中国现当代美学家朱光潜（1897~1986年）说“离开情感，音乐只是空气的震动，图画只是涂着颜色的纸，文学只是联串起来的字。”

其次，艺术创造自由。

人的存在是有限的，是被限制的，甚至是痛苦的。然而，通过想象和创造，艺术却可以帮助人超越有限，到达无限，幸而进入自由的存在境地。叔本华也说：“在审美时，人们是非功利性的，可以暂时从生命意志或欲望中摆脱出来，从而脱离痛苦的深海。”

中国新儒学大家，徐复观（1903~1982年）（《中国艺术精神》）认为，庄子所追求的道，即天人合一（心与物冥）及无所依凭而游于无穷的自由境界，实际是最高的艺术精神。

再次，艺术赋予生命意义。

尼采（《悲剧的诞生》）认为，世界就是宇宙永恒的生成和变化以及不断创造和毁灭个体生命的盲目的徒劳的虚幻的过程，因此世界和人生都是有缺陷的，不圆满的，没有意义的。但是，艺术却可以促使人类直视生命的痛苦和人生的悲剧，进而用审美的眼光欣赏人生悲剧的壮丽和快慰，用审美的意识看待宇宙的创造活动，领会宇宙永恒创造的快乐，并把人生想象为宇宙创造的一部分，对世界和人生作审美的辩护和肯定。总之，艺术用美把世界和人生连同其缺陷都神化了，艺术比真理对生命更有价值。因此，尼采说：“艺术是生命的最高使命和生命本来的形而上活动。我们可以通过艺术赋予生命一种意义，借此肯定世界和人生。”

另外，纪录片《艺术的力量：梵高》讲到：“艺术做到了教会做不到的事情，它带来了救赎和慰藉，艺术成功地让所有人睁开眼睛，感受生命的神奇力量，让他们看到了因日常操劳而无缘得见的愿景。”美国历史学家、社会学家、技术哲学家和文学批评家，刘易斯·芒福德（1895~1990年）在其《乌托邦的故事》一书中提到：“艺术家对美好事物的生动想象，为人们提供创造性地应对身边环境的典范、形象和理想，将人们聚集到一起，给他们提供一种愿景，重塑他们自己的生活和他们所在社会的命运，将人们引向美好的生活。”美国钢琴家、画家，马克·盖特雷恩在其《认识艺术》一书中写到：“在一个物化的社会里，艺术家的职责是提醒人们人性和精神所具有的价值。”

总之，艺术是每个人基本的，正常的和必需的行为，是人类精神生活中最有魅力的一部分；艺术更为直接地表达我们的情感，呈现更为真实的生命；艺术在有限与无限之间架起一座桥梁，给予我们精神的自由；艺术赋予生命一种意义，借此肯定世界和人生；艺术让人类回到自己的精神家园，找回人与万物融为一体（天人合一）的自在和幸福；艺术让我们的人格更完整，人性更丰盈，人生更美满；艺术缺失的人生必定是干枯、庸俗、黯淡的人生。

光字草书怎么写好看

草书书写是一种特殊的书写风格，具有独特的审美价值和文化内涵。“光”字的草书，最大的特点是化复杂为简单，最适合自学草书入门。

草书，又称“草隶”、“草原”、“草书篆”，是书法中的一种风格，是晋唐草书发展而来的一种书写变体。草书的字体整体感强烈，为线条奔放，笔画挥洒、泼墨、浓淡相宜，具有独特的生命力和表现力。草书不但难度大，而且表现形式多样，有批评、题名、庆寿等多重书写用途。

草书以其独具的魅力和艺术价值，成为了书法界的一种高端书法艺术形式，具有重要的文化内涵和艺术价值。

草书书写的要点

1、用笔的力度：草书的书写手法是尽情地挥洒墨汁，使书写产生大量水墨激情和艺术韵味。因此，在书写时，要用足够的力度向纸张上涂抹，以充分表达书写者的情感和态度，同时注意不要太过用力而损伤笔尖和纸张。

2、控制笔尖的弹跳：草书的笔画常常带有弹跳的感觉，这种呈波浪状的线条要点在于掌握笔尖的弹跳力度。要利用手腕和臂力，使笔尖在书写过程中自然地弹跳，产生独特的书写造型。

3、造型的表达：草书的书写风格注重笔画的变化和造型上的丰富性，以此表达书写者的意境和思维观念。要在书写时注重细节，充分发挥笔画的多样性和情感表达性，让草书的艺术感得以表现。

4、字体的整体感：草书的字体整体感强烈，需要注重书写的谋篇布局和平衡美感。书写过程中要掌握字形的大小和布局规律，注意每个字之间的衔接，使整篇书写形成统一和谐的整体感。

草书书写需要具备一定的绘画基础和文化修养，注重自由和情感的表达，同时要注重笔力、造型和整体感的掌握。

形容一个女人唱歌唱得有感情该怎么说

这应该叫[声情并茂]吗。这是一个成语，就是对一个人在唱歌时的表现进行的赞美。就是这个人歌曲唱得好，而其感情还很丰富。可以用成语：“声情并茂"来形容。

怎样唱歌唱得好听！而且有感情！

这个真是练出来的，不过也是有方法的，你可以从网上下教程学习，专门请老师是划不来的。现在学好唱歌很有好处，朋友在一起唱歌，出去应酬什么的 ，唱的好听都会很有面子，很受欣赏。根据你下载的教程，按照方法多练习。“无他法，唯手熟尔”。不久自然就出效果了。希望能帮到你。

怎样才可以把歌唱得有感情呢

1要了解歌曲的内涵，也就是歌曲所要表达的思想感情。理解作品的内涵，是演唱的基础。

拿到一首歌曲，先将歌词反复朗诵几遍，以便从中了解演唱者所处的时代背景、特定环境和思想感情。对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。只有在理解歌曲的基础上，才可能做到真情的表达。

2要启发音乐的想象力，应根据歌曲的内容和音乐形象，在头脑中化为一幅幅活动画面，融入其中，就是要象戏剧演员进入角色一样去身临其境。

如果把一首歌曲的基本情绪和意境设想得很具体，在表达时就会很真实和生动。应该随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音，去感受生活，从而增强对生活和人物的理解能力和想象能力，这样就可以更深的了解歌曲的内涵。

3对声音要有一个想象的过程，如对一首抒情轻柔的曲子时，可以把声音设想为“轻柔的纱巾在微风中飘洒”“树叶轻轻落在地上”这样的声音控制上；又如唱一首柔美而又轻巧的歌曲时，又可把声音比喻为“透明的露珠”、“春夜的雨滴”等等。总之，要擅于调动人声的声音“库”中最恰当的声音，唱出歌曲内容所需要的听觉效果，贴切地表现作品。

4唱歌的时候要丢掉一切来自思想上的或者声音上的包袱，消除一切紧张因素，以既充满 而又放松自如的状态进入演唱，只有情感得到了解放，才能得到自然而舒畅的声音效果，才能有更完美的感情表达。歌唱艺术应该是“有声又有乐”。

谁帮我想两句形容一个人唱歌唱得好的诗句？

此曲只应天上有，人间哪得几回闻

唱歌要怎么才唱得有感情(我声音粗和不清)

歌词理解深透，音阶把握准确，这样唱出来一定有感情。跟声粗不清关系不大，主要看自己身心的投入程度和感觉。

形容石头有感情,该怎么说

就应该说“顽石落泪”

唱歌怎么才唱得好，还付有感情

什么歌只要用自己的真感情去唱，都会打动人心的。

怎样可以把歌曲唱得有感情

每首歌曲都是一个故事，去体会去感受，把自己融入那个故事，假象自己就是主人公，去体会你自己的感情再借由歌声抒发出来，那就是你自己对于这首歌的独特感情与理解，别人也就能体会到你个人独特的感情。

怎样唱歌才可以唱得有感情？怎样才可以投入

唱歌技巧

歌曲的演绎是需要很多方面表现的。

第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。以后的文章中，我会把我知道的尽可能的与大家交流。

第二是情感。这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因，是因为歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。所以，如果唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。

第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人！歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。

第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗？你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗？这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。

第五是素质。这就是业余歌手和专业歌手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。你知道自己唱歌时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业歌手也不全面，但我个人认为，如果要做专业歌手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。

理解歌词

在学一首新歌之前，有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的？又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境？一首歌曲，无论是先有词还是先有曲，双方作者都是认真揣摩对方（词作者或曲作者）要表达的意境和思想，如果到了你这里，你居然完全不理会他们的用心良苦，就这么凭著自己的感觉唱，我觉得不妥。有些个性歌手喜欢按照自己的理解这样表达自我，这种方式不是不好（而且我也喜欢这样），但我会先把作者的意图先搞明白再发挥。再说不是每首歌曲都适合你任意发挥的，有些词曲你找不到更合适的表达，比如国歌。

在你深刻理解歌曲以后，你的情感处理方面一定会好很多，如果你的感悟能力强，你会情不自禁的把某个音唱重，某一个音轻轻带过，一个 的长音会拖得很饱满……

话和唱歌，除了旋律、节奏、气息，还有其它区别吗？有，那就是吐词的方式。请你随意的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”，然后投入的把它唱出来……会发现唱的时候嘴型是向两边开启的，而且要夸张一些。如果你觉得差不多，就是你的吐词有问题。所以唱歌要比说话嘴型要夸张，这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。

演唱国语歌，还是标准的好。比如“Z、C、S”和“an、ang”和“L、N”的区别是很容易搞混的。港台歌星有时会把个别字故意唱得不卷舌或卷舌，要不就是自己的舌头打不过来、要不就是他们觉得那样不好听，或者他们根本就不知道这个发音。当我们翻唱他们的这些歌曲时，我没有明确的主张，为了模仿，不纠正也行。但如果是要唱自己的风格或比赛，那就要改正了。

关于粤语歌，劝你们还是学好再唱，要不很容易搞笑的。就像我以前唱粤语歌一样，自认为标准，现在才知道有差距。粤语中也有类似与国语中的“Z、C、S”和“an、ang”的微妙区别，不认真学是学不好的。

气息

说道这个话题，就有些茫然，因为这是最不好用言语表达的东西。我在唱歌之前，练美声两年，给我的感悟很深，气息基础对我的帮助很大。一般没有学过声乐的人发声很平，就用平常说话的位置（嗓子）发音，我们叫它声音发“白”，没有色彩、没有过滤。以下我就表述一下美声练声的方法。

声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁，到脑后，到口腔后根，整个声音应是竖立的，靠后的。请找一找这样的感觉：你大口咬一口苹果，露出上牙齿，在一口咬下去的同时，发出“嗯”的声音，感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置，这就是美声发声的一个共鸣点。接下来把气息下沉，小腹膨胀，稍在小腹用力一顶，在刚才的位置发声，男声喉结压下，女声多注重声音在脑后靠上的位置，你会发现声音比以前要大多了。经常靠墙练习有助于发声，因为靠墙可以接触你的后脊梁，让你更容易找到感觉，并且胸腔的共鸣能和墙产生共振，让你更容易找到胸腔共鸣的感觉。先从“米～妈”的练习开始，逐步升高，有助于练习高音气息；再从高往低练习，这样反复，总有一天你会找到感觉的。美声讲究“通透”，经常想象自己的声音是竖立的，而不是扁平的；另外还讲究的是“共鸣”，声音通过胸腔或胸腔以上的共鸣后，会很圆润、饱满。要体会共鸣，你可以这样做：闭上嘴巴，发出“嗯”的音，稍带点深情的感觉，“嗯”的长一点，会感觉头和胸前在震动，如果气息好，这种共鸣会给你的声音添色不少。仔细听听一些高大的美国人讲话，就会知道什么叫胸腔共鸣了（外国人的胸腔结构更容易产生共鸣）。

另外我还要提到的是肺活量，歌手演唱需要较大的肺活量，比如一些很长、不换气的某句旋律，可不要唱完以后面红耳赤、只喘粗气。肺活量要经常锻炼身体才能保持。还有就是掌握一定的技巧可以弥补一些肺活量不足的现象。首先就要练气息，好的发声方法它能很好的控制声音通过嗓门的流量，比如唱到“……不怕你背叛我……”这一句时，气息不稳的歌手可能一下就把“怕”字的音以爆破的方式唱出来，一下就把本来肺活量不足的气放跑了，如果后面有不换气的长句不把他憋死才怪。而气息功底好的歌手能控制这些爆音的流量，演唱时话筒也不会出现一些扑声。所以我建议大家练声的时候嘴前放一盏蜡烛，尽量练声时保持蜡烛不摇晃吧！这样你的气就会保持在你的体内长一些时间。想想你是一直往外呼气坚持得久还是憋住不出气保持得久呢？当然这还需要歌手要放松，不要紧张，一紧张，心脏跳动加快，你的气息就更稳不住了

这里我只能讲这么多，这些是要靠感悟的。不过我要提醒的是，练声是演唱流行歌曲基础，千万不要用练声的方法直白的演绎流行歌，那样就过于做作，就会像阎维文唱“一无所有”。

关于流行歌曲的用嗓，我的观点是只要符合歌曲意境，要喊要破也未尝不可，但这些都是美声中绝对禁止的，所以我们要取长补短，因为我们不是为了唱美声而练美声，我们是为了唱好通俗才练美声，就像武术要练马步一样，你见过打架的时候蹲著马步打的吗？

有朋友说这样的表述很难理解，要我说说流行歌手里谁的气息很通透，就照着感觉去学更容易领悟，这也是一个有效的方法。个人认为，女歌手你们就多听一下“张惠妹”的吧，她可是天生通透的气息；男歌手就多揣摩一下“满文军”的吧，他可是真正靠气息在唱歌的，另外，张学友的气息很好，但对于教学，满文军更适合

高音

这是朋友们最喜欢问的一个问题，用他们的话，因为高音“够拽”，呵呵！再次补充一下，好的演唱要综合很多方面，不能说高音越高就是唱得越好。确实，很好的高音能给歌曲的 部分增添渲染力，但奉劝朋友们不要只知道高音的价值而忽略中低音，其实饱满的中低音也很有感染力

唱高音的时候，气息一定是以小腹、丹田为根基的，京腔讲究“丹田气”也是指的这种发声位置。

找找感觉1：如果你是一个女孩，鞋子上突然有一只老鼠，你会怎样？估计会“啊～”的一声长鸣，并且还有“假声”的发声位置。等你平静之后，你在“啊～”一下看，大多数再也“啊”不上去了。为何？因为你收到惊吓的的那一刻，你的小腹在紧张，（想想被惊吓的感觉，是不是全身肌肉绷紧？）正因为有了这样的根基，加上一股强大的气流（可以理解成唱歌的气息），直冲嗓子眼，声音不高才怪。所以，你可以把飙高音的感觉理解成“紧张”、“振作”，记住，一切以小腹为根基，要唱高音不是抬起头往上扯的，是感觉重心向下的一种反弹力。

找找感觉2：见过橡皮水管吗？要水管里的水飙向更远怎么办？掐紧水管前端，缝隙一小，压力增大，水就冲得更远。其实高音不一定要音量很大，有些歌手演唱高音时唱出很大的声音，我们说那是用力气和肺活量在唱，而不是在用气息和技巧在唱。想象水龙头理论，应该可以悟出些道理。

找找感觉3：地上有一块很大的石头，把它搬起来吧。你一弯腰，嘴里数数：“一、二、三、走……”，我想这个“走”字你一定用了气息。我不多说了，感觉一下吧，身边有些什么重的……呵呵！这只是一些我创立的让你感觉气息的方法，不正规，但很有效。

还要告诉大家一点，表现高音的能力与你本身嗓子条件有关，如果嗓子天生高亢是很大的优势，比如“孙楠”就是典型的高嗓子，高音演绎不会那么费力。嗓音条件不好的歌手就要靠大量的气息和方法了，但不管是嗓音条件好或不好，声音都是通过气息唱出来的，就像香菸要通过过滤嘴一样，声音过滤一下会更美。

另外我还告诉大家一种心理方法，高音时想象你是在面对广阔的大海高歌，望不到边的海天一色，这样的风光不值得你大声呐喊吗？

中低音

中低音一般要饱满、深情为好。但也像高音一样，很多人欠缺中低音的共鸣。低音是要靠胸腔共鸣和宽大的嗓音结构才能体现的，先天性比较强。以我的经验，低音潜不下去的嗓音是很难练低下去很多，能下去几个音阶不错了。如果一定要录制低音丰富的歌，早上起来不刷牙、不洗脸直接录，声音会下去很多。所以，中低音欠缺的人尽量避免这样的歌，扬长避短，同样中低音丰富的人一定要好好发挥它的潜质，中低音唱好是很迷人的哦！

唱低音要胸前和嗓子放松，用叹气的方式可以加强一些共鸣，实在很低的地方可以加些气息产生口腔共鸣，会感觉声音浑厚一些。但不管怎样，嗓音天生浑厚的人的发挥余地要多得多。

唱中音要多加以润色，包括吐词换气都具有美感，当然这又与感受唱功有关，中低音多听听“蔡琴”的吧。

整体与风格

很多歌手只注意句与句的细节，把演唱的细节单位放在“句”的上面，而不是在整首歌上。

把整首歌画一条起伏的线条吧，你会知道哪里该低调、哪里该高亢了。眼光放高一点，就像足球场上的位置感一样，盯着区域性怎么打出长传进攻的有效配合呢？

除非有了一定的实力，否则别谈风格。歌手前期我赞成模仿开始，但不要单一，多唱各种风格歌手的歌，耳濡目染的就掌握了一些共鸣、唱腔以及气息的初步体验，这是好事，到了成熟以后，加上自己的练声和感悟，再挖掘自己的风格是水到渠成的事。

演唱要投入，但投入是要有一个度的，不是要你“使劲”投入，过分伤感或喜悦，在理解词意的基础上，有分寸的投入即可。比如有些类似的词：“……你怎么舍得我难过……”，我就见过唱得痛苦至极的人，那样就没有感染力了，反而觉得好笑。但我也见过一个真正失恋的朋友在卡拉ok唱这首歌，演唱的时候面无表情、唱得很平静，嗓音沧桑，唱腔演绎出来的那种无奈和孤独感染了现场的每一个人。我觉得这就是刚刚好的分寸，不需要抱头痛哭。但又有几个人随时能演绎这么到位的呢？这就要靠歌手的音乐感受了。

再给大家举个例子：有些朋友在模仿歌星时，不自觉的夸大了明星的特点，比如模仿张学友时，会过分压着嗓子做出那种怪怪的厚实的声音（那时张学友早期的一个特点，现在好像不多见了）；在模仿张国荣时，会夸大他的那种大舌头似的靠后的共鸣；模仿王菲时更是那种让人觉得好笑的舌头打结的怪音。其实仔细听听原唱，并没有那么夸张。我就听过一个声音很像张学友的朋友唱歌，每次唱学友的歌的时候都没有把握分寸，后来我劝他多些本色，反而更像原唱了。其实有时候旁观者清，多请教朋友们的意见会很有好处。

另外，情感丰富的人唱歌会比情感平淡的人要演绎得好。与歌曲中的情感产生共鸣，也需要歌手的生活阅历丰富。经历得越多，感悟得就越透彻。

这可是很多朋友追求的东西，呵呵！认为没有颤音就不够专业、不够拽。殊不知颤音在歌曲里只是一种表达方式而已，没有颤音就不能唱好歌吗？

颤音，实质是用气息演绎歌曲的时候，强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动，小腹给予气息的压力产生了气流。我倒不赞成流行音乐一定要用这样死板的方式产生颤音，有些歌星通过喉结的抖动（刘德华）和嗓子眼的一紧一松（张信哲）“做”出了颤音。这些都是一些小的技巧或是一种风格，但在很多 部分，他们也具有强大气流的颤音。所以，还是那句话，气息是根本。用了气息，自然会有气流的冲击产生颤音。对于流行歌曲，有些低调的地方不需要像唱民歌一样每个字都在气息上，有时似一种悄悄话，有时像一种无奈的叹息，不会有强大的气流支援你的颤音，这时就需要你用一些小技巧来修饰你的尾音，我认为流行歌曲的颤音表现不完全靠气息顶出来，有时候抖抖喉结，控制嗓子眼里的声音也未尝不可，只要整体在歌曲的氛围之中不受影响即可。

没有颤音的朋友如果铁定对颤音垂涎三尺，就从模仿开始吧——模仿救护车叫唤。好笑吧？这只是没有声乐老师在身边、一种自我揣摩的方法，当然不属于常规的声乐练习。发出“呜呜”的依次回圈高低的滑音（稍快），他能让你找到抖动喉结的感觉，慢慢的吧“呜呜”的发音转变成“嗯嗯”的发音，再慢慢的转成“你～”的发音，再唱一些“你”结尾的一句歌……呵呵，这只是一种感受喉结抖动的颤音方式，与气息发声不一样，保准声乐老师看了会气死！但没件事都需要循序渐进，慢慢揣摩，不妨试试。

最后再次发表一下我的观点，我们如果眼光放高一点，这段历史时期流行强调颤音的唱法，也许再过5年后就不流行强调颤音的唱法了。何必为了没有颤音而苦恼呢？颤音虽然能有效的渲染歌曲气氛，深沉而具有穿透力，但我也愿意喜欢听一些质朴、纯洁的声音。所以，只要用心唱就好，也许你会更有特色。

要怎样才能把歌唱得很有感情

投入，揣摩歌中的故事，将自己假想为主角去体会那种心情，用情深处闭上眼睛边想像故事边唱，前提是要熟悉歌词与旋律，不要在唱的时候还要想下一句歌词或是音调，不要分心，不要去注意自己是否走音或太认真去听耳机中自己的声音。

至于发音可以在不唱歌前先念一下歌词看一下自己有哪些字咬不准。

抑扬顿挫就是在唱的时候如果投入就会自然而然得表现出来了

光与影小学说课稿

　《光与影》内容分为两部分。第一部分是光源；第二部分是影子。那么，下面是我给大家分享的光与影小学说课稿，供大家阅读参考。

光与影小学说课稿1

　我对《光与影》这课进行了深刻的教研活动,将说课过程同大家一起研究,希望大家多提宝贵意见。

　一、说教材：

　1、教材分析：《光与影》是河教版美术七年级下册第8课内容。本课是以造型表现为主，结合作品欣赏的综合课型。通过合作学习的方法，让学生探讨用不同工具材料用明暗表现物体的方法，提高学生的造型能力和情感表现能力。光与影是表现物象立体感的一种重要手段。色彩斑斓的世界需要光才能看到，而且不同的光还会引发人的不同情感反应，光与影是绘画中表现物象的重要艺术语言。采用制作的多媒体课件辅助教学，既加强了课堂的交互能力，又调动了学生的学习积极性，还可以对他们进行艺术熏陶。

　2、教学目标：教学的目的是通过强调明暗运用与表现之间的关系，提高学生对明暗学习的兴趣，加深对明暗审美价值的认识、通过借助简化的明暗练习方式，提高学生运用明暗造型及利用明暗进行情感表现的能力。美术基础知识的传授，根据初中学生心理、智力发展水平以及当前美术教学的实际情况我确定本节课的教学目标为：

　(1)知识目标

　掌握有关明暗表现的基础知识、三大面、五调子。

　(2)能力目标

　①提高学生明暗表现的能力。②培养学生明暗表现的实际运用能力。

　(3)发展目标

　①培养学生的空间想象能力。②培养学生合作学习的能力。

　(4)情感目标

　①培养学生认真学习的态度和探索新知识的兴趣。②培养学生以审美之心来观察事物、感受生活、看待社会。

　3、教学重点和难点：教学重点：引导学生初步把握明暗处理的绘画技巧、三大面、五调子之间的运用，充分发挥明暗作用，表现物体前后虚实关系。

　教学难点：怎样画好一幅素描作品，使用恰当的表现手法。

　二、说教法学法：

　著名的教育家叶圣陶说：教是为了不教，因此教学中教师只作为学生主动建构知识的促进者。让学生体验一种成就感，激发他们强烈的创造欲望。主要采用的教法：多媒体辅助教学法、观察法、讨论法、欣赏激趣法。学法：合作学习法、自主探究法、创造作业法。

　三、说教学过程：

　1、创设情景激趣导入

　当上课铃响时放一些优美的风景和音乐，这时学生满腔激情，仔细观察，为学好本课搭好基架。

　提出问题：你如何看到色彩斑斓的世界，必须具备三大条件，这三大条件是什么呢？学生回答引出光。

　教师导入：我们的生活离不开光，因为有了光，我们才看见这个美丽的世界，有人说：“光源的历史也是人类文化的历史”，的确，造型艺术是一门视觉艺术，而这一切都是因为有了光，才使其成为现实，也可以说光给自然万物带来了生机，也给造型艺术以生命。

　2、欣赏作品，自主探究，合作学习

　播放多媒体课件展示一些绘画作品，让学生了解艺术家采用不同的工具材料和方法来塑造形体、表达情感的'设计提问。

　问题：(1)光线是什么？

　(2)为什么物体具有色彩？

　(3)艺术作品中如何运用光影？

　(4)光和影的关系是怎样的？

　(5)光与影在作品中起到什么样的作用？

　(6)在塑造形体方面？

　(7)在表现气氛方面？

　学生小组讨论，回答：教师小结，重点放在：1、塑造形体方面：赋予绘画形象丰富的层次和逼真的效果，增强体积感、空间感、质量感（展示）2、表现气氛方面：不同的空间光线效果可以赋予事物所处空间以不同的气氛，艺术家可以运用不同的光影变化来营造气氛，增强作品的艺术感染力。

　3、光影变化规律

　利用立方体为学生做演示，总结规律如下：

　①物体与光线所成的角度。

　②光源的强弱以及物体距离的远近。

　③物体离观察者的远近

　④物体所处环境。

　4、感知素描，突破难点

　(1)概念―素描（提问学生自主学习）

　(2)物体受光后所产生出的明暗变化

　三大面：受光面、侧光面、背光面

　五大调子：高光、中间调子、明暗交界线、反光、投影

　5、将我所学，为我所用

　采用不同明暗表现一个石膏正方体。让学生注意画面的光影变化规律和透视现象规律是怎样的？学生认真观察后进行讨论，组内交换意见后分别用不同方法画出石膏正方体。

　教师在黑板上演示石膏正方体做画步骤，让学生更加直观明了。布置作业：每人一张石膏几何形体的素描作品。最后学生播放轻音乐，在音乐中完成作业。这种让学生观察、发现的学习充分发挥了学生的主体地位，有助于培养学生的观察力、想象力、创造力。

　6、归纳总结

　展示学生作品，学生自评、互评、教师总结。学生的作品表现风格不同，教师不要要求学生的风格必须和自己一样，而应正确地引导、培养那些个性不同的学生，要跟他们共同探讨适合于他们自身的表现方法以及发展的方向。同时，也要提醒他们，在基础未打好时，就过分地热衷于“个性”会给自己在一定程度上造成偏食的坏习惯，不利于今后的发展。

　7、板书设计

　――初步感知（欣赏作品）

　――乐中体验（画正方体（1）素描）

　――讨论探究（自评）

　――知识扩展（明暗简化练习）

　――情感升华（爱祖国、爱家乡、爱学校）

光与影小学说课稿2

　一、教学目标

　科学概念

　1、学生要知道产生影子的条件：光源、遮挡物和屏，且遮挡物要在光源和屏之间。

　2、明白判断光源的标准：正在发光而且是自己发出的光

　3、物体影子的长短、方向随着光源位置、方向的改变而改变；物体影子的大小与物体和光源之间的距离有关；物体影子的形状和光源所照射的物体侧面的形状有关

　4、从不同侧面照射得到的物体的影子叫做投影，投影在我们生活中很有用处

　过程与方法

　1、做光和影的实验，并将观察结果准确地进行记录

　2、根据实验结果分析推理出光源、遮挡物、影之间的关系

　情感、态度、价值观

　1、认识到事物之间的变化是有联系的，也是有规律的。

　2、在实验观察中养成严谨、细致、实事求是的态度

　二、教学准备

　教师演示：有窗帘的教室

　分组实验：手电筒、4开的白卡纸、长方形的小木块、铅笔、尺子

　三、教学重、难点

　探究影子的特点

　四、课时安排

　1课时

　五、教学过程

　1、引入

　引导语：对于光，我们都很熟悉，那么对于光，我们都已经知道些什么

　还想知道些什么？我们这个单元的学习是要探索光的秘密。

　2、关于影子产生的条件

　1)谁玩过影子的游戏？我们怎样才能看到自己的影子？

　2)想一想：影子是怎么产生的，亲自做一做，看看需要有什么条件？

　3）在实际操作、讨论、交流的基础上，学生知道影子的产生不仅需要阳光、挡光物体，还需要屏（墙面、地面等）

　3、关于“光源”的教学

　1）影子的产生需要光，那么，哪些物体能发光呢？学生列举

　2）引导学生进行分类，自己发光和反射其他物体的光

　3）得出光源的描述：像电灯这样可以自己发光的物体叫做光源

　4、影子的特点

　1)在刚才的影子游戏中，我们除了知道影子产生的条件外，还有什么发吗？

　2)我们再通过一些活动继续探究光源和影子的秘密，现自学科学书第25页，看看是否明白实验的方法、步骤、要求。

　3）教师着重提示、演示第一个实验

　4）分组实验，先在屏上画下影子，最后再画到课本上相应的地方

　5）分组汇报，交流实验发现

　影子会随着光源位置的改变而改变；

　影子的大小与遮挡物和光源之间距离的关系……

　影子的形状和光源照射物体侧面的关系……

　5、回顾和总结

　1）引导学生回顾：我们今天学了光的哪些知识，发现了什么规律？

　2）再做一做影子游戏，验证一下我们发现的这些规律。

　 六、作业设计

　作业本上的配套作业

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