[水彩画中运用光营造意境浅析]星空枫叶水彩画教程

　　意境是中国传统美学思想的重要范畴，绘画是通过塑造直观的�具体的艺术形象构成意境，为了克服造型艺术由于瞬间性和静态感而带来的局限，画家往往通过富有启导性和象征性的艺术语言和表现手法显示时间的流程和空间的拓展。水彩画是光色的艺术，且色是光的衍生，在水彩画中应该更好地利用光，在绘画平面上创造自然、绚丽变幻的效果。扩展水彩画技法表现领域，丰富画面的表现效果，增强水彩画的艺术表现力，营造意境空间。在绘画中依据画面的需要，有意识地选择与组合光，通过对这种语言的有效运用从而达到营造意境的目的。

一、设计不同的光源色营造意境

同一物体遇到不同光源将呈现不同的色彩,不同光源的物体必然受其影响而出现不同的色彩,光源色是统一画面色调的重要因素。色调往往给人以鲜明的第一印象，起着关键性作用。色调在情调的渲染和情感的表达方面能够迅速地触及人们的心灵，使人受到感染。

色调的冷暖表达不同的意蕴,画家常会选择不同的色温来作为光线色彩，不同色温的光源色笼罩下的物体也就会呈现出不同的色调，从而使人感觉到不同的情调，如透纳的画是优美的、浪漫的，他一生所致力、追求的是光、雾、蒸汽、太阳、火光、水和反光……这些东西在他的画面上统统交织成甜蜜、美好和幸福的肉身与痛苦深刻的灵魂，运动着组成团块和升腾着的焰火，呈现出近乎抽象画的韵律感。明亮的**常常是他描绘光的主色调，如《1834年10月16日国会大厦火灾》，透纳选用橙**为光源色，通过其特殊的技法创造出了一个发光体，与天空的淡蓝形成了对比，使欣赏者能强烈地感觉到那熊熊的大火把河面和天空都照亮了。整个画面是绚丽、热烈的。

大自然中光的情态可以说是多姿多彩，随着时辰和季节的转换，光确定了万物的造型色温和气氛。为使景物沐浴在恰当的光线中，必须懂得如何用光创造出特有的情调，并将其传达给观众。光源色的选择是确定画面气氛的重要一环，笔者认为光源色不一定是本色或发光体的效果的准确记录，而是作者根据画面的需要和所要表达的情绪设计好光源色（即确定主色调），这样才能使作品引起观众的共鸣。

二、设计不同强度的光营造意境

按照审美感知选择性的原理，在美的创造特别是艺术美的创造中，将主体的感知稳定地引向对象，使无意注意转化成为有意注意，使无关的感知尽可能被抑制下去，与特定对象有关的感知高度兴奋起来，在大脑皮层的相应区域的优势兴奋中心，从而获得充分的感受。**之所以有特写镜头，绘画雕塑之所以有突出部分，舞台之所以采用追光，都是为了调动观众的注意力，引导观众进行选择。

不同强度的光能产生不同强度的对比，通过对比和阴影变化来渲染空间的环境氛围，加强画面的空间感。当空间中光线幽暗或空间处于阴影当中时，处于其中的人会感到空间收缩、紧张和压抑，反之，当空间中光线较强时，处于其中的人会感到舒畅、开敞和放松。如果介入空间的光线是点状和线状的话，那么光影的变化、交织将不仅能够赋予空间层次感，也会使空间变得丰富、活跃甚至具有神秘感。在水彩画中明暗、光影的各种组合就能表现出物与物的距离，人与物的距离。通常人们认为离眼睛越近，其明度越高，背景的东西总是很昏暗的，其实相反，前景既是最暗的也是最亮的。也就是说，光影的强烈对比才把轮廓显示得更分明。反之，背景的光影对比则消失了许多，以至整体消失在明亮的灰色里。强烈的光影对比勾勒出物体的轮廓，这就是“实”，色彩对比减弱，明暗反差较小，这就形成了“虚”，通过虚实的对比营造画面的意境氛围。

明暗虚实对比是艺术创作中常用的手段，通过对视觉心理学的研究，已证实亮部比暗部、饱和色比中性色、暖色块比冷色块更容易吸引人们的目光。在创作中，画家常运用光影对画面进行经营设置，来渲染画面的氛围，使欣赏者产生遐想。光影大师伦勃朗最擅长用强烈的明暗对比方法来渲染画面氛围。如《夜巡》,在画中他运用了聚光的效果突出刻画了两位在说话的军官，其余的人都被安排在中景和后景。把精美的细节和模糊不清的整体有机地结合在一起。画面中形成了强烈的明暗对比，给观众强烈醒目又和谐统一的印象，非常具有戏剧性，构成诗意般的动人境界。水彩画是光的艺术，通过光的运用使画面产生虚实对比，通过对比来营造意境。如透纳的《红色的瑞吉》,表现的是大自然的湖光山色。作者巧妙地运用对比手法，尤其是画面中山与水的交界部分，采用了随意自如的用笔，色彩微妙，远景的天空和云彩处理得灵逸洒脱，大面积的红紫色远山含蓄、朦胧。整个画面大实大虚、大明大暗、大冷大暖，有着朦胧、和谐 、梦幻的层次变化。如《格里松山的雪崩》是一幅惊险的画面，雪崩从天而降，势不可挡。画面中心明亮的雪崩与前景被折断了的大树根浓重的暗部形成了强烈的对比，显得鲜明突出，更增加了险境气氛。画家用急速的笔触使崩塌下来的雪块产生动态感，表现了大自然运动的生命和壮丽。又如《夕照》，夕阳投射在江面上的一道光影与前景浓重的桌椅形成一种强烈的视觉对比，让人联想到江畔的黄昏，抒情而惬意。就像诗词里描写的美景一样：“一道残阳铺水中，半江瑟瑟半江红”，传达出无尽的意境美。强烈的光影给人以明快强烈的感觉，而柔和的弱对比则给人以朦胧神秘感。这样的例子还有很多，这都是画家在客观的基础上充分运用了对比的方法对自然的表现。作品的艺术内容决定一定的形式，光影对比强弱的选择应该根据具体内容来确定，对于黄土高原雄壮巍峨的阳刚之美，以实为主的强烈对比画法就比较贴切，而面对江南水乡雨雾的那种朦胧、轻灵秀美时，以虚为主的弱对比则更适合。对光影的设计安排使形式与内容达到了完美统一。

三、设计不同方向的光营造意境

光具有线性特征，方向属性突出。依据画面物象受光方向，一般可以分为顺光、逆光、侧光、顶光、底光、散射光等。顺光，从画面前方入射的光，一般有突出物象或加强纵深的作用；侧光，是从画面侧面入射的光，物象影调明显，若很好地利用侧光光影构建画面，能较理想地表现物象的质感、体积，丰富画面层次，增强空间深度；逆光，从画面后方入射的光，往往置物象大部于阴暗中，同时能较明确清晰地勾勒出物象的线条轮廓；顶光，从画面上方入射的光，物象之投影在下；底光，从画面下方入射的光；散射光是一种较柔和的光，无明确方向性。光源的方向在显现一件物体的外轮廓和形状方面至为重要。改变光源的角度通常会使一件平平常常的东西充满魅力。

在绘画中用光的方向影响着画面的构图和气氛的营造。比如表现日出和日落，有许多画家喜欢用逆光，这样的方式可以使画面产生纵向的景深感。如克劳德・洛兰的作品《港》,帆船优美的线条与古典的建筑在日落余辉下投下长长的影子，与水面的反光相互辉映，呈现出完美的动人画面。侧光使人物或物体的体积感更强，更具有立体效果。如伦勃朗常用强烈的侧顶光来塑造人物，运用侧光在脸部形成的明暗对比来刻画人物的表情与特征。

不同方向的照明可以使阴影的特征不同，阴影对画面氛围的营造极为重要。改变光源的位置或增减光源的强度即刻会对画面的气氛产生极大影响。如胡一川的《开镣》这幅大型油画，人物造型朴素而概括，色彩单纯而热烈，构图严谨而完整，人物的组合关系层次分明。特别是画面洋溢着一种喜悦的气氛，地面上的光源是这幅作品的一大特点。前景左边的解放军战士，手提马灯，从下而上地照亮了地板与人物，特别是画面的中央下方，突出了一个巨大而冰冷的铁镣，它被画家安排在画面的这个位置，是想揭露反动势力的阴冷和残酷。翻身解放本来是一件喜悦和值得庆贺的事情，但狱中革命者的遭遇和所受到的磨难又使人产生悲戚和沉重的感觉。画家所用的光，非常恰当地解决了这个问题。局部的光亮投射在中心人物身上，使画面中暖色调暗示着自由和解放的到来，左侧背景的高墙则渲染了监狱中的恐怖与黑暗。

就水彩画而言,现代意义上的构图是指构组画面的各视觉元素在一定材质平面上的位置�性状。如光落实在画面上时的上下、左右、大小、圆缺、侧正、轻重、亮暗等及其由此衍生出的疏、密、呼应、均衡等形式状态。水彩画对光线的研究基本上是沿着油画研究色彩的道路进行的，即从明暗法到冷暖法，不同方向的光源使画面产生的投影不同，明暗的分布就会不一样，画面的冷暖比例也就不同，那么画面就会形成不同的氛围，或浓重或明亮。如怀斯的作品《女朋友》中光线透过窗户斜照在画中人物的身上，窗棂的影子在人物身上形成有趣的投影，浓重的暗部与处于强光下的人体形成强烈的对比，使画面的人物处于视觉中心，非常具有冲击力。笔者认为这是画家苦心经营的结果，通过对光与影的有序组织，画面的意境得以展现出来。

水彩语言的个性特征是形成作品信息容量的重要因素，也是水彩作品产生艺术魅力和艺术活力的重要原因。水彩是光色艺术，我们可以看到那些优秀的水彩大师对光的运用都有其独到之处，如透纳的绚烂，所以他的画充满动感；怀斯的理智，所以他的画充满了宁静与忧郁。光作为色的媒介，在绘画中准确地运用光，对光进行有意识的设计，作画过程中的随意性就会减少。光具有象征的意义，如生命、光明、理想等等；光可以表现时间：昼、夜、晨、昏。通过对光的设计运用融入作者的理想与观念，可以有效地增强作品的外延。那么融入了作者真挚感情的作品，自然会传达其意境。在水彩画中，光是通过色彩来体现的，对光的设计即是对色彩的选择与搭配。既然说是设计，那么就不是对物象的被动描摹，而是有作者的主观意识的体现。在对光的设计中，作者要考虑光色与光的投射方式、光与影的对比关系、光与影的比例及构图关系，这是对作者观念的全面阐释，这样的作品才有生命力。从对纯自然的光的描绘到具有一定指向性的光的设计，探索光作为一种绘画语言的更强的表现力。正因为如此，选择通过探讨光的设计，改变画面的构成形式以充分表达对意境的追求。在水彩画中对光的设计运用就是为了最大限度地展现时空境象而采取的表现手法，这些手法一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限，另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地，使作品中有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内涵。

达・芬奇说过：“请看亮光，并思量它的美吧！眨眨眼睛再看它，你就会见到本来并不在那里的东西，而原来在那里的，已不知去向。”光就像魔术师一样创造出意想不到的境界，影子则让这境界出神入化，当尝试着用不同的光影效果去表现同一个主题的时候，会有许多收获，会更深刻领悟到光影在绘画中的分量。

参考文献：

[1]克里斯托夫・欣克水彩画里的色与光[M]董冀平，译，中国青年出版社，1999

[2]艺术概论/中国艺术教育大系[M]文化艺术出版社，2006

[3]李广元色彩艺术学[M]黑龙江美术出版社，2000

[4]保尔・杰克逊水彩画技法光感的表现[M]丁伟，译江苏美术出版社，2002

[5]何政广世界名画家全集：透纳・英国水彩画大师[M]河北教育出版社，2001

作者单位：广东嘉应学院美术学院

（责任编辑：鞠向玲）

水彩画是艺术实践的一种手法。由于水彩画颜料比较便宜，使用方便，而且色彩感觉也很理想，所以一般人都乐于使用。其次，水彩画本身具有十分迷人的魅力。 它的清爽神俊，浓淡相宜，都具备潇洒风雅的格调。水彩画颜色的透明性，重色彩技法，干湿技法运用，使画面显得水乳交融，带着令人陶醉的特殊风韵，对观众就像感受爽朗的清风。 作为艺术创作活动的一种形式，水彩画是艺术情感流露的语言中的一种。画面中水的渗化作用， 流动的性质，以及随机变化的笔触，让人感觉得到那种光波的流动。 这种意境是其他画种难以比拟的。从字义上来看，所谓的水彩画就是用水作为稀料来专门调合能被水稀释的颜料，所绘制在特别的水彩纸上的图画。由于它们采用的工具与所用材料和制作过程的特点，水彩画与其他各种绘画有着显著的区别。当今随着科技的发展，绘画材料的增多，用水作为稀料的颜料又多了水粉、丙烯、透明水色等。这样我们就得对水彩画的概念重新下定义。从水彩画的特点下定义，水彩画并不单指用水调和颜料这点而言，水彩画有着自己丰富的内涵和一整套与别的画种截然不同的技法。水份多少的控制，水份与颜料的比例，水份在纸上留下的痕迹都成为画面韵律形式及体现的表素。总之，水份是水彩画的生命与灵魂，它起着支配画面效果的主要作用。从两三百年前到现代，水彩画的概念有所拓展，内涵更广，内容更丰富，大大拓宽了原来的含义，认为只用水来调合颜料画在纸上，画面色彩节奏由水份含量来控制就称之为水彩画。因为现代水彩不仅用水彩色，也用水粉色，丙烯色，国画色，透明水色，局部甚至还用油画色、油画捧、油漆、食盐、沙石等等，也有几种颜料混合使用。总之，水彩画发展的每个阶段的共性就是整个画面的节奏、关系、色彩都是通过水份含量的多少来体现的，画面效果是通过对水份的控制达到的。 水彩画并不是一开始便为人们所认识的，在水彩艺术的早期，人们认为水彩画没有油画那样丰富，缺少美学价值，也没有版画那样的经济价值，是用来速记色彩或勾勒草图，是一种附属、低级的画种。油画优越论占据了人们的心理，水彩画只被看作绘画的偏门末技。 在水彩艺术发展的初级阶段，有很多的水彩艺术家曾借用油画的绘制技巧，他们想以油画技巧提高水彩画的表现能力。但到了后来，水彩画艺术在自己的道路上突飞猛进的时候却是在完全摒弃了油画技法的影响之后，才逐渐形成了一整套完整的独特的技法，从而形成了一种独立的画种。 如今我们在许多优秀的水彩画中，很难再看到修改、揩擦和小毛点彩的痕迹，更少看到油画技法的影子，因为水彩画的特性就是在第一笔中便饱含了自己的特色——颜色纯净、透明、清晰、自然。 水彩画一般分为透明水彩画法和不透明水彩画法两种。透明水彩画法就是用水调和颜料，薄薄的涂画一层，使画面上的色彩清晰明快，具有透明的感觉，不透明画法除清水之外，还可用树胶，使画面色彩更微妙，更柔和。由此可以想到，随着观念的更新、题材和技法等领域的拓宽，水彩画的概念将更加广阔和深远。

水彩插画论文

水彩画是绘画中最简便的一种画法。由于水彩画的设备比较简单,购买起来比较便宜,易于普及,所以中小学中的图画课多采用水彩画。许多画家开始学画时也是从水彩画入手的。由于工具轻便,户外写生容易携带。对于瞬间即逝的黄昏、晨雾、风雨烟云尤其适于表现。

水彩画是一种用水溶化颜色的透明色在纸上作画,它能够渗化,重叠形成物体,由于用笔蘸水色在纸上挥毫,长于潇洒自如,生动清新、爽快自然的特有风格。透明是水彩画的一大特点,可以用亮色盖在暗的色底上,由于它没有覆盖力,能不断增加色调的丰富性,同时亮部必须留出来,和用纸的白色作为亮部的色底,纸的底色起到色调的合成作用。

彩画是现代绘画中一项重要的表现媒介。

水彩画以其独有透明清澈的特质,不以厚涂而却能追求空闲、质、量和绘画上幻化的语言和节奏,使其能问鼎、深入现代画的领域中。

现代水彩画早已打破了西洋画史上固有的插图草稿,附属性表现的观念。以当代世界水彩画的实例,绝对能与旧时代日子中的画作出了鲜明的对照,发觉现代水彩画,吸收了早期荷兰、英国的传统技法精华,德国人精辟的描写,冷静的设计性,欧洲的浪漫风格,美国的现实观感和美式写实,中国人正以其深厚的传统文化,哲学观念、生活体验,揉和科学精神与自然,内在的观照,作逐步的探寻认清白我,酝酿著水彩画的新方向。

第二次世界大战以来,绘画运动复兴,时代启发了思想、潮流、艺术再创造,而拒绝局限与因循中西艺术家活用了新旧的素材物料去创造有生命的、有个性的现代艺术。

寻求艺术是最高目的,达致水彩画的高尚境界,和精湛的功力,定必须仰赖於结实的技术与基础。我们历年创作与研究的经验论文,侧重技法的研讨,是苦心求取艺术表现的「实在化」,而没有运用自如的水彩技法,是无法在水彩艺术上自圆其说的。我们重视艺术、重视学理,但同样地要注视画技所蕴含重大的能量,和表达的深广度。

我们欣赏作品,不能否认被其华美完整的画面所吸引,但其色调、笔触、卓绝成熟之结构,绝不会影响作品的深度和严肃性。如果一张画的技术是恰到好处的,那技术就是艺术的一部份,与内容融合为一体,成为感人的作品,其技术自有其崇高的价值,不会逊色,因此运用书技之先,必先考虑以思想,以艺术支持,发自诚意,技、艺之配合应如影随形。

我不赞同水彩画只能停在艺术的表面之说。艺术的高低不是取决於素材的类别,而是关系於其艺术修养的广狭,优劣,也仰赖表现的方法,角度的差异而分野。现代水彩画也因此而获致自由自在的多样性,或含启发性、发展性。

我们敬慕十九世纪的泰纳、二十世纪塞尚的水彩,也欣赏其他巨匠。他们水彩画的成就是实在的,在这时代中,如果我们期求有所进展和显著的超越,在艺术的寻求中,技术上盲目的奋发,僵化於理论的巢臼中,同是危险的病症。

研究现代水彩画,是一项重要课题,水彩显著的各种特性和运用可以剖释详论,其使劣点、及与艺术的关连性,表现的程度可能性。了解中国现代水彩画艺术不同的形态与发展,去了解画法所负担的重大任务,在有其术良心的人手中,画法是绝对的学术性,而且是一个艺术内涵底问题、成败的关键。好的画法更是伟大作品诞生的先决条件。

以二十世纪为分野,现代水彩画之所以异於近代,或更古老年代的水彩画,其一是内容与形式的剧变,其二是画法的突破而产生广泛的进展。内容与技法密切的配合和革新,才产生成功的绘画创作,扩大而成有力的潮流和画派。现代水彩画适应时代的需求,画时代的产物,表达现代人的精神,排除不适合应用的见解和迟钝的表现方法,使艺术的血脉流通,成为新的生命、新艺术。往日的水彩艺术多表现於宁静的境界,单一、含蓄的画法,单调的式样与缓慢的步调之中,或者更多的因袭而缺少强烈的个人感受。

个人创建是被重视和富有价值性的,十九世纪柯特曼(Cotman),加尔丁(Girtin),尤其是泰纳(Turner)洞察水彩的弱点,把线与淡彩的束缚解除,使水彩走入色彩、气氛,能自由抒发的新境地成为水彩发展史的转捩点。二十世纪塞尚认为自然不只是表面的,而有它的深度,他有影响后世极深的表现法则;他在水彩画上的留白,表现了白色本身机能上的感觉,和他的分面笔触,是实在的,是高度的表现而带著深刻的推理,给予后世水彩画许多启发性。

水彩书之前途和它的价值观,是系於个人的基本观念、自信和决心。水彩媒介是受时间、面积、乾湿控制、叠色次数之难题而异於其他素材,虽然它较难表达「量」和「触觉感」,有较多的偶然性,然而能克服困难弱点,认清其优点,发挥它长处的画家甚多,如克利、诺尔德、费宁格、格罗兹、夏加尔、杜菲的作品,证明水彩画该有深厚的发展性。

今日的水彩画,是观念影响表现方法,也是素材的广泛应用而扩阔了观念的界限,譬如说,从前对於「水渍」,是水彩画技术上的大毛病,现代水彩则反过来利用这种缺点,而成为画中表现的特点,如喷渍与转印中的奥地利画家克拉马斯梅耶的作品,和中国青年画家陈秋瑾的画就是这种例子,产生了新的美感。韩舞麟以昼刀和极少的水份来画石头和花草。梁丹卉用前人认为过多的水份来画湿松的花果和静物。顾重光以极尖细之国画笔来「描」蔬菜水彩画,也利用喷笔处理层次。CarlJPlackman的水彩素描观念成份重於数世纪前素描的纪录性功用,而显示较多的艺术性。

水彩画应保有其透明性,及水与色彩的优良关系,这是水彩之所以称为水彩的原因与本色。「画」水彩画和「玩弄」水彩是两回事,两种我都采纳,因只会「画」,必然趋於严谨而不多样,只会「玩弄」则失去绘画的意义。不会「玩弄」水彩,难以发扬,艺术之路,应当反问自己而予以协调改进。

最后,艺术工作者要以科学实验者的精神,有恒地本其诚意,从尝试挫折中找出力向,承继传统的优点,创造新的未来。

水彩论文题目来源怎么写

毕业论文(设计)内容要求:1对水彩画材料、技法、表现形式的相关问题进行研究。

2研究水彩画的审美品格及其文化身份特征。

3研究水彩名家的艺术风格与创作手段。

4分析水彩画在中国的发展状态与特点。

5探究当代中国水彩画存在的问题。

6探索水彩画创作中出现的问题和对策。

论文《谈水彩风景写生》怎么写啊！

论谈水彩风景写生

作为色彩教学中的水彩风景写生,是一门帮助学生理解和认识基本的构图、造型、色彩、审美等规律的有效方法。它的主要目的是通过对客观景物的观察,在研究绘画基本规律的同时,理解水彩画这一包含丰富技法的画种,有意识地充分发挥它的技法之长与表现特色,树立起自己的审美意识,探寻自己的艺术表现形式(水彩语言)表达出自己的艺术个性。

通过多年的水彩风景写生和教学实践,以下我想从观察、表现、情感三个方面谈谈水彩风景写生。这三个方面是水彩风景写生的重要环节,并相互紧密联系,构成一个完整的整体。观察是水彩风景写生的第一个环节。在这一环节中,首先要解决怎样观察的问题。水彩风景写生作为一门眼睛的艺术,是要把繁杂、百变的自然景看成一幅画。由此,要有从局部看到一个大画面的能力,尽可能地掌握主动性,树立整体的作画意识,并忠实于自然。其次是要善于发现,要在丰富多变的自然物象世界中去发现画面。在观察中,从所关注的自然物象的结构、形态入手,从中寻找点、线、面的构成规律。如:建筑物的空间构成关系,树木枝叶的线面关系,天、地、物的形状构成及色彩构成,从中寻找我们所要求的绘画空间和画面构成,最终在自己的脑海中形成一幅整体的画面景象。这种画面景象是朦胧的、不确定的,具有诱人的美,使画者产生表现的欲望和激情。风景写生中对自然物象的观察要强调对瞬间美的记忆和把握,特别是光影与色彩的变化。这是写生中变化最快、最大的两个因素,从时间上说变化以早上和傍晚最大。因此,对光影与色彩瞬间的定格,也是观察中最难的。它依赖于大脑对瞬间物象的记忆能力,也依赖于画者对空间结构、光影透视、光色原理的掌握程度,依赖于画者表现技术(技法)的熟练程度。

表现是水彩风景写生的第二个环节。要把头脑中的画面景象表现出来,就必须通过一定的表现技法,水彩风景写生作为一门色彩写生离不开色彩与材料学原理,离不开表现技法。写生者首先要对所描绘的自然物象的色彩构成元素进行分解研究。对比分析每一块色彩的特点和不同的作用,找出所要描绘的自然物象的色彩对比、明暗对比、补色对比、饱和度对比、面积对比和基本色调等,确立丰富多变的各种色彩组合秩序。这其中的色彩组合秩序包括:色相、明度、纯度及特定色调的构成,控制各色彩区域变化和统一的秩序。在这一过程中主要要求写生者发挥主观特性的自由,以使画面色彩关系呈现出更高或更美的境界。物质材料是色彩表现的基础,不同的特性的材料工具会产生不同的技法。水彩风景写生所采用的工具材料具有相对的特殊性能,它不同于水粉、油画的工具材料,对画纸、颜料、画笔、水辅助材料与工具的性能要有一个全面的了解与掌握,并能从中找出特点,优势,克服材料工具的局限和弱点,才能把所见充分表现出来。针对不同的感受,选择适当的表现方法和技法,确定表现的基本次序和步骤,这是风景写生中的关键。水彩画作画的程序和步骤是决定作品成败的关键。因此要把水彩画的程序性与风景写生的程序性完美地结合起来,并针对具体的写生自然物象进行适当的调整,力求稳步、准确、快速地使用设想的方法、步骤表现自然物象。在具体的表现技法中,必须注意笔触与形体边缘线的处理,色层之间的相互叠加、笔触的干湿、色彩干湿之间的相互结合与浸润、笔与纸之间所产生的肌理等与表现物象的色彩变化、肌理特征的神似。多采用简单、便捷的表现方法表现自然物象的主要特征和神韵。同时要在表现中强调主观表现与客观再现的相互结合,客观再现为主,主观表现为辅,只是简单的形色关系再现的写生作品难以达到艺术表现的境界。

水彩风景写生从某种意义上讲,也是情感的表达与交流,是水彩风景写生的第三个环节。这里所说的情感指审美情感,是作为一种艺术形式或表现画者对客观世界的感受,抒发自己的情感,这也是水彩风景写生的最终目的。写生过程中情感源于自然物象,蕴集于画者胸中,流注于笔锋,凝结于水彩纸面。因此,水彩风景写生从开始到最后完成实际是一个运笔的过程,而笔触是传达情感的最重要的语言词汇,它构成写生作品的神韵。一幅风景写生作品的完成是画者感情投入和劳动的产物,它要求画者面对大自然作画时有整体意识的同时还要有真情实感,有感而发,使写生成为画者心灵深处诚挚情感的倾吐。康斯泰勃尔的纯真朴实,透纳的雄浑奇异,凡高的跳动狂热,柯罗的恬静温柔,印象派的热情奔放,无不表现出画家对大自然的情感内涵。画者的审美情感决定写生作品最终的艺术情趣与格调。在水彩风景写生中,情感贯穿于观察表现之中,流淌于整个写生过程。

情感来自于观察,亦影响画者的观察,它决定画者的表现,亦受制于画者的表现。

2015年开始自学水彩，虽然画量不大，也不是很密集，但是也可以说一直没停止过画水彩。这两年的时间里自己边画边感觉到不管是画面呈现，还是运笔，还是最后大家给的反馈，都有了很明显的变化。虽然现在经常被朋友说画的好好，但自己心里可清楚了，水平仍需要继续练习，精进。

如果问水彩画的好是什么体验，我可能会从两个方面来说说：自己内心、外界。

1内心

水彩，顾名思义水和彩色的颜料。我最喜欢它的透明性和不确定性。不同的水份+不同比重的颜料呈现的效果是完全不一样的。由于水的流动性，这就让画面的不确定性更大了。一般人都会迷失在这种不可控的效果里，抓狂。

但是水彩高手，他们对水和颜料的控制可以说是了然于心。不仅可以自己控制好画面，而且看到一幅别人的水彩，他们会如同呼吸一样本能的在心里就能调配出要达到这种效果的水和颜料的比重，以及相应的技法。虽然出来的效果可能会稍有偏差（毕竟很多效果都是随机的，不可能和原画一模一样），但是大体上是有8-9分相似的。

这简直是一种超强的内心满足感。观察能力、分析能力、控制能力完美的体现。

2外界

当你创作出来的作品，po到了大众的视野里，比如最可能的就是从朋友圈开始，收获了朋友们接二连三的点赞，留言。“哇，太赞了，美得无法形容”，“好厉害啊，可不可以送我一副，我要裱起来”（本人非常反感伸手党），不管怎样，你还是会嘚瑟的。

进一步说，如果你放在了微博或者微信公号里，随着你的笔耕不辍，慢慢积攒起来粉丝，你就变得有责任感，一段时间不po出些新画，会觉得不好意思。久而久之，你的画技也随着练习而提高。随着曝光，可能积累一些真正喜欢你的画，喜欢你的朋友。还有可能会有些商业的邀约。

此时，你会很幸福，做自己喜欢的事情能变的让更多人喜欢你，还可能会成活养活自己的技能。

      在水色中遐想

            ——观海南省青年小幅水彩画作品展

              文/容艳艳

海南省青年小幅水彩画作品展已于6月11日完美的落上帷幕，本想在展览期间抽空到海口看展，但因工作和生活琐事所缠，我只能隔着近300公里空间的距离，从一方小小的手机屏幕，在微信公众号翻看那一一幅幅明快润泽的水彩画作，对着熟悉或是不熟悉的名字，进入遐想和沉思。浮想联翩中，那些色彩纷呈的画作不觉间如水般地渗入了脑海，悄然蓄了下来。今日，平静已久海岛忽起了风雨，那些在我脑海中安放好几日的画作，竟随着淅淅沥沥的雨水冒了上来，似伸手就能摸到其水润的质地。于是索性打开电脑，对着这些画唠上几段文字。

作为海南省青年美协的会员，尽管近年来我极少参与协会的活动，但对协会仍有着特殊的感情和关注。十几年的时间，我不间断地从各个网络平台或是微信朋友圈信息中，看着海南省青年美协在老一辈画家们热忱的扶持和帮助、一代又一代青年画家们的精心呵护下，如一株瘦弱的小树般地将根系植入海岛这片美丽深厚的土地中，不断地拔高壮大，变得枝繁叶茂、朝气蓬勃，同时也有了抵御风雨的力量，这着实让人感到欣喜。

自1990年5月创会至今，算来海南省青年美协已经走过了30年的历史。当年以王家儒老师为首的主席和理事们，为协会的创建和注册做了大量的工作和努力，意在于给省内热爱美术的年轻画者们创设一个展示才华，促进自我发展的平台。2000年我在海南大学艺术学院就读，作品刚好赶上这个跨世纪的特殊年份入选协会的画展，之后便顺利地被协会吸收而成为了新会员。犹记，当年青协的画展命名为“海南省跨世纪青年画展”，其地点设在海口市解放西路的工人文化宫展厅。尽管规模不算大，但在那时也算是一件意义非凡的盛事。展览的作品大部分来自省内各地的美术爱好者，其中一小部分则为在校就读的大学生，同时还邀请了一些知名画家的作品前来参展助阵。当年画展的题材及形式也很多样，油画、水彩、水粉参差互映，各放其彩，取得了不错的社会反响。也许是在这个跨世纪的年头有了好的开端，接下来青协的发展一路都很顺利，开展的活动越来越丰富多彩，青年画家的队伍也随之不断壮大。在协会的影响和促进下，我对绘画的热情高涨，连接参加了几届的画展。遗憾的是之后因为一些客观的原因，我停笔了好些年，慢慢也就不再往海口送作品参展。唯一不变的是，协会的发展动态仍然成为我关注的事情之一。尽管忙碌琐碎的工作生活凝滞了我的脚步，却没能熄灭我心中对绘画的的热爱。我的目光依然不时追随着这个年轻而有活力的群体，日复一日地在行走在路上。日长月久，网络中一个个熟悉或是陌生的名字，不觉间在我脑海中悄然刻上了印记，甚至，我对他们当中不少人的画风竟也能熟稔于心。不知从何开始，我惊讶地发现，青年美协画水彩的队伍逐渐庞大起来。除了从事水彩创作多年的水彩画家，不少油画专业的画家也兴致勃勃的玩起了水彩，这不得不说是一个好的开端。也许，正是因为这么多人对水彩的好奇和痴迷，才有了这次精彩纷呈的水彩画展吧！

水彩画清丽优雅、透明凝练，有着不可描述的艺术魅力。它以水驱彩、斑斓幻化，看似轻松随意，实则瞬息万变，就如一匹恣意奔跑着的野马般难以驾驭。作画的人，在这过程中若是找到合适的方法，便能享受其酣畅淋漓、水色交染的快意，若是方法和时机掌控不好，却是狼狈不堪，黯然落败。想必海南青年美协这些年轻的画家们，一定会深谙这其中的起落悲喜。数年来，面对蜂拥而至的艺术思潮和生活的各种困顿,他们依然保持心灵深处对艺术的那份狂热，在不断的创作思考中感受着真实的自我，以各种表现方式解读着自身对水彩的理解和感悟。经过多年的努力，可以看到他们当中不少人的的水彩作品已经有了很大的质变，其技法和创作的观念在逐渐地走向成熟，主题意境也有了一定的提升。

本次公众号展示的水彩作品，虽只是展览中的一小部分，然窥一斑可见全豹，从这些展示的作品中，大体可以探寻到其整体的风貌。总的来说，给我印象是题材丰富，语言多彩，既有对海南人文自然风景的精心描摹，普通劳动者的真实写照，也有对时代前行发展中城市与环境问题的思考，以及生活片段的截取等。虽说是小幅水彩画展，但小画中有大格局，小画中有大情感，画家们并不因画小而草率应付。整体作品从构思构图、气韵情调都苦心经营，在关注自然生活描写中，同时关注内心自我的表达，追求完整性却不失随意性，追求随意性但又不失完整性。可以看出，在新时代背景下，海南青年的水彩画家们在挖掘新题材、探索新技法和融合多种形式方面已经做出一些有益的探索，在表达角度和语言风格上，也展现出一定的创新意识。

作为此次展览的特邀作品，王家儒老师的《梦回幽篁》依然保持着一贯唯美诗意的画风。其画名古意盎然，让我不禁想起唐朝女诗人鲍君徽的诗句：“幽篁引沼新抽翠，芳槿低檐欲吐红。”细看其画，色调清新高雅，构图精致考究，色彩变化微妙，笔触流畅洒脱，虚实冷暖，明暗疏密、干湿浓淡拿捏得恰如其分。水色交融间，将水彩的融化之妙直通自然之微，从而把“水”和“彩”的本体语言魅力发挥到了极致，彰显了其水彩画艺术的技巧特色。

中国的乡土建筑是珍贵的文化遗产，也是画家笔下最喜描绘的景色之一。当代著名画家范迪安认为，真切观照乡土遗产，用画笔留住记忆与乡愁，实是一种自觉的文化意识。在本次画展中，从林国华的《云水谣坎下村》、王阳的《老街斜阳归宿》、姜旺的《夕阳掠过》、郑文雄的《中和古镇民居》、陈平勇《晨》这些作品中可以发现，海南青年画家们在文化意识这点上早已觉醒，并作出了一系列有益的尝试。画家们直抒胸臆，在语言图式上坚守传统，以写实的笔法，在造型、肌理、质地、色调等方面进行多方的思酌考量，注重细节的描绘和刻画，生动地再现了这些人文景观沧桑悠久的历史痕迹，同时也折射出丰富鲜活的水彩艺术语言，让人体味到了中国传统建筑的特点和魅力。而谢明秀的《逝去的时光》、符健的《博爱南老街》、黄幻聪的《初保晨曦》等画作，则以敏锐的视角去关注海南的乡土建筑，用心营造画面结构，以纯粹朴实的语言来呈现出色彩的变化，传其神韵，令人印象深刻。

  一片自然风景是一个心灵的境界。除了传统的乡土建筑，田园风光、乡村小景也是青年画家们乐于描绘的题材。海南岛得天独厚的自然风光，丰富浓郁的风土人情，与水彩画的语言形式有着天然的契合，为水彩创作提供了一个广阔的空间，想必这点大部分画家们早已心神领会。他们在一次又一次与自然的观照、对白中，终以其独具匠心的构图，明朗清新的色调，将乡村绚丽多彩的自然风光、安宁闲适的生活，表现得格外动人。

王义辉的《槟榔谷》、王应功的《香蕉之乡-乐东》、黄祖洪的《佳西二月》这三幅作品，画面构图开阔，色调清雅，一草一木在水色天光间涌动着盎然的生机，让观者如徜徉在大自然的画卷中，近距离领略海南秀美瑰丽的自然景色；陈海艺的《白沙橡胶户》画面气氛营造很到位，彰显了其卓越出色的水彩功底，纯熟的笔法和用色都有着潇洒酣畅的气势；王丽娜的《田园春色》以女性细腻的视觉，展现了乡间田园清丽的气质和淡淡的诗意；云维英的《新绿》给自然赋以新的意象，朴拙的农村石屋、伸向天空的枯枝和冒着新绿的树木形成强烈的对比，表现了事物的内在精神状态，隐含着积极向上的希望之美；盛广雄的《晨曦》色调清冷空濛，意境沉郁幽眇，放达粗犷与内敛细腻的互映中，是抹不开的诗情画意。而武彩的《白毛浮绿水》则是另辟蹊径，以小见大，意趣盎然。几只鸭子，几方石头，一泓碧水，加以干净利落的色彩，寥寥数笔便勾勒出静谧闲适的乡村生活。洪永锋的《夏日暖阳》也是异曲同工，其色调清新明快，用笔生动鲜活。画中一绿荫，一小桥，一小道，均在沐浴在明媚的阳光中，让人仿若听到了自然的呼吸和生命的律动。

  此外，蔡甫镇《瓦片厂一角》、周昭柏《滨海公园的早晨》、邓正阀《琼州福地》、羊彦群《墙》、林光博《漫水桥的故事》、云维英的《暖冬》、符文妮《野山》等画作，虽描绘的只是寻常小景，然真诚朴实的绘画语言，均洋溢着浓郁的生活气息，使观者油然感到亲切。

在本次展览中，各种新的艺术思潮和创作方式也有了一定程度上的体现。可以看出，海南青协的一些年轻的画家们不再拘泥于传统水彩画法的约束，而是试图以更加多元的艺术语言来表达自己的感受。

林明润的《时光积木》以极具装饰感的构成图式，突破了时空的限制，独特地表达了对过往时光的追忆和领悟，充溢着哲学般地思考。符策联的《都市夜生活no1》、田琦的《废旧车厂的搬运工》、郗志理 《白-3》 个性化的构图及色调给人印象深刻，作品中体现了画家对当今时代前行发展中城市与环境问题的认识和思考，以及对生活的关注和表达。而赖钊 《气韵2-牧羊人》、覃秀兰《守望》作品则以象征主义和写实主义相结合的手法，加以中主式的构图、丰富微妙的画面肌理，赋予画面一种含蓄神秘的特质。

  郑惠《国际自贸港之三亚第一夜市场》生动细腻的人物造型；盛楷《城市之南方菜市场系列》简洁而富有韵律的笔触,鲜活的画面感和着烟火气扑面而来。两位年轻画家均能从生活中去发现精彩的瞬间，生动地表现了人们真实的生活状态和人文情感，使得画面抹上一层浓郁的生活气息。

黄广银的《故乡的夜》，主观地化实景为虚境，以写意抽象的笔法、含蓄朦胧的色调抒发了对故乡夜色的怀念，让人油然进入一种安宁、和谐、自然的幻境之中。刘方向《palm grove NO2》画面则笼罩着一层如烟似雾的忧郁底色，孤独的身影，如禅语般欲说还止的情绪，让观者浮想联翩。尹林华的《围舍的雨天》索性丢弃细枝末节的描绘,大胆率真地用简单的线条和色块，试图体现出一种新的图像构建的可能性。其大写意的表现方式，让人感到“无形”和“有形”之间的微妙关系。

在各种新的艺术思潮和手法的冲击中，依然有一部分青年画家，在延续并固守着写实的细腻之美，这在本次画展中也有所体现。如彭雷的《曼陀罗与杂花》，其色调明朗清丽，注重画面的光线效果，画家以深厚的水彩写实功底，细致地描绘了曼陀罗纯洁、杂花的繁复之美。曾剑超\苏恩亮 的《辉华岁月》、王远《尘伴物泯》扎实的水彩功底，在作品中也体现得非常鲜明。别致的水彩肌理、厚重质感的处理手法，主体的精细描绘，令人油然赞叹！黄丽华的《萱萱》所塑造的人物形象，具有生动的情感和鲜明的个性；黄廷梅 《守望》以平实质朴的手法，描绘了在阳光下绽放花朵的清新之美。而宋怡静《该如何安慰未知的岁月》则剑走偏锋，乍看是一幅普通无奇的写实风景，实则在写实和浪漫主义之间游走，让人遐想。

  说到最后，不得不提到椰风海韵、渔港码头这类题材。在海南，静谧怡人的港湾、色彩丰富的海水，大大小小、形态各异随着海风晃荡的船只，低头忙碌的渔民都能勾起人作画的冲动，青协的画家们也毫不例外。于是，在黄泽雷的《南海渔讯》、冼清辉的《外敦渔村的早晨》、符芳川的《渔民晨时》、李烁萌的《休渔》、陈良辉的《风雨之后》、范仕诚的《船泊》这些画作中，我们不仅领略到了气象万千的海景之美，还可以直面感受到活跃在海上这些“最美劳动者”勤劳坚韧的品质，以及昂扬向上的精神。而杨奥博的作品《帆船基地的夕阳》，则把视角投向了具有时代特征的帆船，展现了不一样的视觉美感和风采。

中国是几千年来水墨的国度，而水彩和水墨则有着异曲同工之妙，特别适合在中国发展。当前，水彩在中国正处于一个良好的发展状态，在此背景下，海南青年美协的这些画家们需要更多的展示和交流，相信本届小幅水彩作品展的成功举办，将对海南青年美协的水彩事业起到一个很好的推动作用，继而打开广阔的未来！

                辛丑年端午容艳艳于三亚