《蒙娜丽莎》现在大概值多少钱？大神们帮帮忙

截至2020年03月13日，蒙娜丽莎画像现在它属于无价之宝，在1920年的时候就被估价345亿美元。

在1913年的时候，一个意大利人从法国偷走了《蒙娜丽莎》，理由就是达·芬奇是意大利的，他认为这幅画应该归意大利所有。之后这位小偷将画偷回意大利之后，要求几千万美金的辛苦费。然后买家商人验货之后，发现这幅画是真品，于是就报警将小偷给抓了。

但是出于他的爱国精神，在意大利民众的拥护下，并未给予这位小偷太大的惩罚，坐了几天牢就被放了。之后经过几番交涉之后，意大利还是将《蒙娜丽莎》这幅画给交还法国了。在重新得到画之后，法国就立刻除了一台规定，宣布《蒙娜丽莎》是国宝，它的价值无可估量。

当时意大利和法国正式对这幅画进行估价，它价值34．5亿美元。也就是说如果当时意大利不归还画，法国想要那回画，可能需要34．5亿美元。现在这么多年过去了，这幅画的价值只会更高，很多能价值高过百亿，全球顶级的富豪都少数能够买得起。

扩展资料：

《蒙娜丽莎》的成功，在于作者准确地捕捉到了模特儿最微妙的表情和最动人的瞬间。

达芬奇这种现实主义的创作方法，使蒙娜丽莎那富有魅力的青春美被永恒而鲜活地留在画面上。我们从蒙娜丽莎的脸上可以看到，透过那微抿的嘴唇，微挑的眼角和微凝的双目。

悄然地流露着一种恬静、淡雅而又神秘的微笑，自然、纯真、朴素地将一丝不易觉察的、充满着人性情感的内心活动透溢出来。

我们还可以从蒙娜丽莎那双随意地交搭着的双手上，透过柔润而丰满的肌肤，精谨而准确的结构，自然而生动的状态，感到一种富有青春生命力的血液正在指掌间流淌。这是鲜活而富有灵性的生命体。

　　肖像画是描绘具体人物形象与神态的一种绘画体裁，力求描绘真实而富有典型特征的人物形象。西方肖像画起源于古罗马帝国，最初是从宗教画分离出来的。我们有记载的美术史，是以从奥地利维伦多夫地方发现的一个妇女石雕像开始叙述的。这件仅有10多厘米高的小石像，被考证为公元前30000年～25000年的史前文明遗迹。她低着密布卷发的头，却被略去了面容，硕大无比的一对乳房，如小山丘一般堆置在饱满之极的腹部之上，造型极实在又极夸张。这是一个始祖母的形象，在荒蛮时期，她是人类先祖们对生命能得以延续，对生殖、对性神秘力量崇拜的女神偶像。她标志着肖像艺术有着最古老的起源。人类可模仿、可描绘的宇宙万象之中，人当然最先关注自身形象。无论是出于崇拜，出于敬仰、亲爱，出于对美的倾慕、怀念或者出于憎恶、仇恨、鄙视，肖像作品都可能成为这种种感情借以对话的媒介，因而有史以来肖像作品的创作都源于人们自我相互关照的需要。

油画肖像艺术的发展经历了以下几个阶段：

一、表现另一个自我阶段

古埃及的法老们，在他们的宫殿和陵墓中，为了永远地拥有另一个自我，驱使艺术家们为他们及其后妃与亲属、随从等制作肖像，这些被指令要求仿真人的雕塑与绘画，在古埃及艺术家手中产生了惊人的写实感觉，同时又形成了高度概括的装饰性效果，具有一种庄严、宏伟肃穆而神圣的意象。埃及艺术气度博大，影响波及古希腊、罗马、中东、印度等地区，成为欧洲早期绘画最主要的方法。

二、表现和谐理想真、善、美的阶段

公元前5～4世纪，古希腊的艺术家们，通过在形象上的运用，力求复制人眼所看到的世界，发现并运用透视技法描绘有体积感的空间，他们创造了另外一种人与自热在观念上更为贴近的艺术。希腊人把神拉入人间真实的生活，赋予神和人同样的躯体。在他们的心中，美是一种永恒存在于一切形态和理念之中的本源，他们崇尚善与美的统一，认为美的最高境界是心灵美与身体美的和谐一致，所以这一时期的肖像作品不仅表现人物的形象，更重要的是表现人物内心的真、善、美。古希腊的艺术家创造了这一时期最辉煌的典范。

三、真实具体的再现阶段

罗马在征服希腊之后，随即被希腊文明全面同化。他们模仿希腊的艺术，复制希腊的作品，使希腊艺术中的古典主义精神得以传承。这一时期的罗马人物肖像则更重视具体人物的个性特征，从而为肖像艺术创造了一种追求栩栩如生，酷似原形的再现法则。虽然这一时期艺术家的地位不如希腊时期那样受重视，但是他们的作品在造型与色彩的表现力等方面都达到了一个很高的水平。

四、对人生自我价值的发现阶段

文艺复兴时期的大师们面对自然，力求真实地反映视觉中的客观物象，他们不懈地努力，通过研究分析，建立了解剖、透视、比例、光影、构图、色彩等一系列的科学法则。这一时期，几乎所有的大师都是人物画家，同时又都是杰出的肖像画大师，他们注重表现人物的表现情感世界，使作品达到形与神的完美结合。如达·芬奇的《蒙娜丽莎》肖像写实作品，造型严谨，结构、比例准确，微妙的明暗关系，层次丰富的空气透视法以及对五官表情的精细刻画，使不可名状的神秘微笑中若隐若现出一种优雅而崇高的美感。

五、新材料的发明与技法变革的阶段

文艺复兴时期的画家们对绘画艺术的另外一个巨大贡献，是对油画材料的发明与技法上的完善。15世纪以后，欧洲画家还沿用埃及到罗马流传下来的“丹配拉”画法，但是“丹配拉”颜料难以融合，干燥后暗部容易变成浅色，色彩不易活动微妙的过渡效果，缺乏润泽与透明的感觉，逐渐不能满足画家们对绘画表现效果的追求。因此，从10世纪以后，人们开始尝试用植物油作颜料粉的调和剂。用亚麻油、核桃油调和的颜料非常润泽，颜色变的透明而沉稳，色彩之间易于混合，能产生细致、微妙的变化。于是，画家们开始把这种油画技术和蛋彩画法混合，交替使用，用油彩在“丹配拉”画过的底子上加强色泽，提高画面的透明感和亮度，使油画色彩达到空前的神奇效果。

六、异彩纷呈的鼎盛阶段

文艺复兴初期和盛期的天才们，以高涨的激情所创造的奇迹，影响到了整个欧洲，使欧洲的绘画有了普及性的繁荣。法国曾最早受到文艺复兴影响，从普桑的追随者发动的理性古典主义思潮对鲁本斯追随者所标榜的巴洛克艺术发起挑战开始，到罗可可艺术奢靡俗艳的作风，充斥欧洲宫廷，再到大卫新古典主义伴随法国资产阶级革命兴起。随后，浪漫主义、现实主义、印象主义、立体主义……一浪盖过一浪，令人目不暇接，在近代二百多年，巴黎成了欧洲最活跃、最引人注目的艺术中心，是一次又一次绘画“革命”的策源地。

在巴黎奥赛博物馆，人们可以看到19世纪末、20世纪初法国画坛那些最令人激动的画面。看到近现代绘画各种流派之间那种相互传染，相互刺激又各自标新立异的历程。

被称为“现代绘画之父”的塞尚，他主张“面临”自然而非模仿自然，他渴望为绘画建立一种结构，他说：“我所追求的，最重要的是表现，在放弃原本原样地表现运动的方法时就可能达到一种更高的理想的美。”他的肖像画，也体现为立体主义的表现，造型简括，特征鲜明，色彩厚实，气质强悍。高庚，在色彩和造型语言方面更主动地转向平面化的装饰性，追求一种东方情调的神秘感。而梵高，在强烈的个性中，埋藏着对艺术近乎宗教般的狂热。他从米莱的素描中，找到了一种用色彩线系去强化情绪感的语法。从此，油画笔在他手中似乎变成了燃烧着的火把，一切自然形象在梵高画中都成了他表现欲望的“借题”。

后印象派之后，以“形神”的真实再现为立足之本的肖像，在这种主张观念和个性新奇的时代已不大可能产生举足轻重的影响力了，立体派、野兽派、达达派、抽象派以及超现实主义画派，潮流竞逐，一浪高过一浪，汹涌澎湃，铺成了20世纪人类绘画史上最为壮观。最为气象万千的一页。

描写分为人物描写和景物描写两大种，人物描写又分为神态描写，外貌描写，动作描写，心理描写语言描写等，景物描写有着渲染当时气氛，烘托人物心情的作用。

肖像描写

指对人物外形各方面的特点的描写。肖像不仅指人的身材、容貌、服饰，还包括人的姿态、神情、习惯性特点等。肖像描写是刻画人物的一个重要方面，也是塑造人物形象的重要方法之一。

在实际生活中，每个人的肖像是各不相同的。由于每个人的出身、职业、地位、教养、经历、性格的不同，必然在人物的外形上留下不同的痕迹，肖像与性格有着紧密的内在联系。肖像描写的好与坏，对于展现人物性格关系重大。成功的肖像描写能使人物形象更鲜明、生动，使人物个性更突出。因此，优秀作家都极重视人物肖像的描写。

描写人物的外形，至关重要的是描写人物的眼睛。眼睛是心灵的窗口，它最富于表情，最能传达人物的内心秘密。鲁迅曾说：“要极省俭的画出一个人的特点，最好是画他的眼睛……倘若画了全副的头发，即使细得逼真，也毫无意思。”（《我怎么做起小说来》）他在《祝福》中写祥林嫂第一次到鲁四老爷家时，她的眼睛是“顺着”看人；两个后，她因再嫁又死去丈夫，被迫第二次来到鲁家时，她虽“顺着眼”看人，但“眼角上带些泪痕，眼光也没有先前那样精神了。”当她知道周围的人是在嘲笑她再嫁之事时，她总是“瞪着眼睛，不说一句话”；在她去世前，“只有那眼珠间或一轮，还可以表示她是一个活物。”作者通过对祥林嫂眼睛变化的描写，将吃人的封建礼教逐步强加在她身上的苦难，深刻而形象地反映出来。

肖像描写首先遇到的是视角问题。肖像描写的角度，大致有三种：一是作者观察的角度，二是人物自我观察的角度，三是作品中其他人物观察的角度。究竟选择哪个角度写，这要根据作者的创作意图和表现人物性格的需要来确定。一、从作者观察的角度写。这个角度便于作者抒发爱憎感情，表达自己鲜明的倾向性。如赵树理在《小二黑结婚》中对三仙姑一肖像描写：“三仙姑却和大家不同，虽然已经四十五岁，却偏爱当个老来俏，小鞋上仍要绣花，裤腿上仍要镶边，顶门上的头发脱光了，用黑手帕盖起来，只可惜官粉涂不平脸上的皱纹，看起来好像驴粪蛋上下了霜。”作者对她那种老来俏打扮，是厌恶的，并给以辛辣讽刺。二、从人物自我观察的角度写。这个角度便于将肖像描写与人物心理描写有机地结合起来。如鲁迅的《高老夫子》是这样写的：“这一天，从早晨到午后，他的功夫全费在照镜，看《中国历史教科书》和查《袁了凡纲鉴》里……首先就想到往常的父母实在太不将儿女放在心里。他还在孩子的时候，最喜欢爬上桑树枝偷桑椹吃，但他们全不管，有一回竟跌下树来，磕破了头，又不给好好地医治，至今左边的眉棱上还带着一个永不消灭的尖劈形的瘢痕。他现在虽然格外留长头发，左右分开，又斜梳下来，可以勉强遮住了，但究竟还看见尖劈的尖，也算得一个缺点，万一给女学生发见，大概是免不了要看不起的。他放下镜子，怨愤地吁一口气。”作者通过高老夫子顾影自怜的描写，将其假道学的面目与自我怨愤的情绪巧妙地融合起来了。三、从其他人物观察的角度写。这个角度易于收到一箭双雕的艺术效果。曹雪芹在《红楼梦》第三回中描写林黛玉初交见到贾宝玉时，她以少女的敏感与细心，观察了贾宝玉全身的打扮以及容貌、神情：“却是位年轻公子：头上戴着束发嵌宝紫金冠，齐眉勒着二龙戏珠金抹额……面若中秋之月，色如春晓之花，鬓若刀裁，眉如墨画，鼻如悬胆，睛若秋波，虽怒时而若笑，即真视而有情；项上金螭缨络，又有一根五色丝绦，系着一块美玉……越显得面如敷粉，唇若施脂；转盼多情，语言若笑；天然一段风韵，全在眉梢；平生万种情思，悉堆眼角。”这是通过黛玉的视觉给宝玉绘制的一幅肖像画。这幅肖像画自然溶进了黛玉的感情色彩——真可谓一箭双雕。

肖像描写可以一次基本完成，然后反复点染，逐渐充实；也可以分为多次，随着故事情节的发燕尾服而逐步完成。肖像描写的技法，可以是工笔描写，也可以是简笔勾勒，还可以是漫画笔法。可以采用静态描写，也可以采用动态描写。俄国作家冈察洛夫在《奥勃洛摩夫》中对奥勃洛摩夫的肖像描写是为工笔描写。李朝威写则属于简笔勾勒。契诃夫在《套中人》中对别里科夫外貌的描绘就是漫画式的。一般说来，西方作家比较擅长工笔细描，而中国作家则更喜爱简笔勾勒；中国作家常用动态描写法，即更多地描写行动中的人物肖像，而西方作家却更多采用静态描写法，但这不是绝对的，也有例外，像阿•托尔斯泰就反对用几十页篇幅对主人公肖像作静态描绘，主张“主人公的肖像应该人运动本身，通过斗争，通过冲突，通过行为显现出来。”（《阿•托尔斯泰论文学》）

在肖像描写技法中，还可以借助比喻、象征和夸张等手段来突出人物肖像的主要特征。总之，描写肖像的技法是多种多样的，或单独使用某一方法，或多种方法交叉使用。但无论使用哪种方法都必须注意捕捉人物的外形特征，要由表及里，“以形传神”，切忌犯脸谱化、套子化、程式化的毛病。

写作基础知识-写作技法-描写

一、描写概述

什么是描写？描是描绘，写是摹写。描写就是用生动形象的语言，把人物或景物的状态 具体地描绘出来。这是一般记叙文和文学写作常用的表达方法。

写文章，只有通过描写，才能做到"绘声绘色"、"活灵活现"、"栩栩如生"、" 历历在目"、"维妙维肖"。这是因为作者通过具体的形象化的语言写人、状物，把客观对 象写得有声、有色、有昧、有形，使人有亲临其境、如睹其人、如闻其声、如嗅其味、如见 其色、如历其事的感觉。

描写的特点有哪些呢？"今日读者的味已经受到与阅读竞争的其他活动的影响。所有这 些活动都影响到现代写作，也改变了描写的性质 "今日读者要求动作快，甚至在描写中 也是一样。……你可以注意到现代描写的如下特点：1、全文统一于一种语调、语气和气氛 --描写中的所有事物都只加强一种感觉印象。任何削弱或改变这种感觉的都要删去。2、 动作--现代读者拒绝在为描写而描写上花费时间。他们需要在整个描写中有行动和动作。 3、许多感觉印象--作者运用词语诉诸读者的五种感觉器官，使他们'感觉'到作者所描 述的一切……。4、活跃的、生动的图象--好的描写包含着能使你看见并深深记住的图画 。"（〔美〕威廉·W·韦斯特《提高写作技能》） 描写的作用是什么？主要是再现自然景色、事物情状，描绘人物的形貌及内心世界，使 人物活动的环境具象化。

二、细描与白描

细描：使用大量生动、贴切的比喻，绚丽的文字，斑斓的色彩，进行浓笔涂沫。例如《 荷塘月色》的一些段落。

白描：以质朴的文字，抓住人物或事物的特征，寥寥几笔就勾勒出人物或事物形象的写法。 鲁迅在《作文秘诀》中写道："白描却没有秘诀。如果要说有，也不过是和障眼法反一调： 有真意、去粉饰，少做作，勿卖弄而已。"(《南腔北调集》)例如朱自清的《背影》对父亲 的描写就是这样。也可以说，白描实际上是用叙述的方式进行描写。

二、静态描写与动态描写

静态描写：指平面地静止地对人物或景物进行描写。如《子夜 》一开头，描写黄昏时苏州河外白渡桥的景色，就是用这种方法来表现三十年代旧上海的畸 形的繁华的。

动态猫写：指以动来写静，或把物用拟人化的手法进行描写。如朱启清《 绿》中所写的梅雨亭："这个亭踞在突出一角的岩石上，上下都空空模路鹨恢徊杂フ 着翼浮在天宇中一般"。

三、人物描写

刻划人物形象，离不开对人物的描写。丁玲说："有许多人物是我们大家都熟悉的。但是要 把这个人物画出来，让读者认得，理解，体会，引起自然的爱憎，是需要许多手法的

那么，有哪些人物描写的手法呢常用的有正面描写和侧面描写两种。

首先，我们来研究正面描写。所谓正面描写，是指直接描写人物的外貌、心理和行动。

(一)外貌描写：也称肖像描写。即是对人物的外貌特征(包括人物的容貌、衣着、神情、体 型、姿态等等)进行描写，以揭示人物的思想性格，表达作者的爱憎，加深读者对人物的印 象。

进行外貌描写一般使用：1、简笔勾勒特征；2、运用修辞手法；3、寄托作者爱憎；4、借助 他人眼睛；5、相关人物对比；6、一人几幅肖像；7、结合其它技法。

外貌描写的要求是：根据需要，抓住特征，绘形传神，刻画性格，显示灵魂。其关键在于： 第一，进行肖像描写，要根据情节发展的需要去写，不能每写到人就必写人的肖像。有的作 者不懂得这个道理，因而他笔下的肖像描写有时是不必要的。写肖像，不能眉毛胡子一把抓 。鲁迅告诉我们，要"画眼睛"。"画眼睛"是写人物肖像的关键。鲁迅是很善于"画眼睛 "的。他在《祝福》中14次写到样林嫂的眼睛，而每一次眼神的变化，都透露出人物当时 的 心理和性格的变化。需要着重指出的是："画眼睛"，这是比喻的说法，并不意味着描写人 物外貌非得画眼睛不可。

鲁迅所说的"画眼睛"的意思是：善于细致地精确地描绘人物外貌最富特征的部分，而舍弃 与表现人物性格和精神面貌无关的其它东西。鲁迅写祥林嫂是"画眼睛"，但也写了祥林嫂 "花白的头发"；写阿Q则着重写他头上的瘌疮疤，却比写眼睛更能表现出他的精神胜利法 ；写闰土，在写眼睛的同时，也写到闰土的手："那手也不是我所记得的红活圆实的手，却 又粗又笨而且开裂，像是松树皮了。"反映了闰土生活的艰辛和痛苦。写孔乙己却没有写眼 睛，而是写他那件"又旧又破的长衫。"

写肖像的高要求是刻画性格、显示灵魂。鲁迅曾立志画出中国国民的"活的灵魂"。列夫· 托尔斯泰为了写出玛丝洛娃的灵魂，勾勒出玛丝洛娃在牢中的内心世界，曾对玛丝洛娃的外 貌描写修改了二十次。

第二，外貌描写切忌公式化、脸谱化。一般情况下，"人如其面"。然而人的内心与外貌并 不总是一致的，外表漂亮不一定心灵美，而且，"知人知面不知心"。优秀作品中写的好人 外貌不一定都是漂亮、英俊；写的坏人也并不一定都是麻子、瞎子、跛脚。如《牛虻》中的 中年牛虻，就是瘸腿，面部丑陋，有刀伤痕。法捷耶夫的《毁灭》中的英雄莱奋生却矮小而 背脊稍微弯曲。这都说明，作家即使描写心爱的人物也不是"脸谱化"地一味美化人物，而 是严格地尊重生活的真实。在写批判人物时，有时常常以外形美来反衬人物的心灵丑，如《 毁灭》中的反面人物美谛克，他风度翩翩，却动摇变节。《红楼梦》中的王熙风美丽俊俏， 却心毒手狠。

（二）心理描写：以语言文字对人物的内心世界、思想道德品质、个性性格特征所进行的描 写。

进行心理描写应注意掌握以下三个原则：

第一，写人物的心理活动，应写特定的人物在特定的环境中必然产生的心理活动，而不能为 心理描写而进行心理描写。如大雪寒天里，一般人想的是驱寒取暖，快出太阳；这是人本能 的常态的要求。可是特定的人物在特定的环境中，就不一定如此想。 第二，写心理活动，要防止左一个心理活动，右一个心理活动。只有在关键的情节、动作、 表情出现时，才伴之以心理描写。 第三，写心理活动，要努力写人物细微的感情波澜和复杂的心理变化过程。例如高尔基 的《母亲》最后一章所写尼洛夫娜发现暗探时一刹那的动摇、害怕，以及内心冲突，直到坚 定、沉着。

（ 三)行动描写：通过语言文字表现人物自身在矛盾斗争中的行动，来展示人物的性格特征和 精神面貌的描写。

为什么要进行人物行动描写呢这是因为人们的所作所为是其思胄愿竦闹苯颖硐帧T文学作品中，人物行动描写是塑造人物的主要手段。施耐庵要塑造武松的性格，就安排了一 回"景阳岗武松打虎"，全是写武松怎样"打"，从行动上描写出武松英雄的本色和武艺的 高强。书中写他采取先防御、后进攻的策略，又显示出他的谋略与机智。作者正是通过对武 松打虎的全过程的生动细致描写，表现了他多方面的性格特征。所以，茅盾说："人物的性 格必须通过行动来表现。"又说："既然人物的行动(作品的情节)是表现人物性格的主要手 段，那么，人物性格是不是典型的，也就要取决于这些行动的有没有典型性。作者支使人物 行动的时候，就要尽量剔除那些虽然生动，有趣，但并不能表现典型性格的情节 (《关 于艺术的技巧》)

行动描写应掌握两个原则：一、人物性格应当从他自己的行动里流露出来；二、人物的行动 应当经过选择，足以表现人物的性格。因此描写人物行动的目的就应十分明确；三、要注意 人物行动的生动性和典型性。所谓生动性，指的是作者不仅要写出人物在做什么，而且要写 出他怎样做。所谓典型性，则指的是作者要写出人物为什么这样做，而不那样做。

以上讲的正面描写方法，在写作时，不是机械地按照外貌描写、心理描写、行动描写三 种方法进行描写的。"人是社会诸关系的总和"。在描写人物时，要将这些方法综合起来， 灵活运用，这样才能把人物写得活灵活现，栩栩如生。

其次，在研究了正面描写之后，我们来看什么是侧面描写。所谓侧面描写是指：不从正 面去描写人物，而是从对其他人物、事件的叙述和描写中渲染气氛、烘托人物的描写方法。 清人毛宗岗在评《三国志演义》时，认为这部小说经常采用衬托的手法来刻划人物性格。他 在"群英会蒋干中计"这回的评语中写道："文有正衬，有反衬。写鲁肃老实，以衬孔明之 乖巧，为反衬也。写周瑜乖巧，以衬孔明之加倍乖巧，是正衬也。譬如写国色者，以丑女形 之而美，不若以美女形之，而觉其更美；写虎将者，以懦夫形之而勇，不若以勇士形之，而 觉其更勇。"

任何事物总是相互联系着矛盾着而存在。衬托的方法正是辩证规律在艺术创造中的一种 反映和应用。《艺概》的作者刘熙载说："正面不写写反面，本面不写写对面、旁面，须知 睹影知竿乃妙。"我国古人把这种方法称为"反面敷粉"。

对于正面描写和侧面描写，在具体描写人物时，也应根据主题需要，按照情节发展的具 体情况，考虑是用正面描写还是用侧面描写，抑或是兼用正面描写和侧面描写。

四、环境描写

环境描写，是指对人物与之发生直接关系的那种外界条件--社会和自然的描写。

人物的活动，事件的展开，总是在一定社会环境、自然环境中进行的。"人创造环境，同样 环境也创造人。"（马克思、恩格斯《德意志意识形态》)因此，写人记事常常需要对环境 进行描写。茅盾在《关于艺术的技巧》中指出："人物不得不在一定的环境中活动，因此， 作品中就必须写到环境。作品中的环境描写，不论是社会环境或自然环境，都不是可有可无 的装饰品，而是密切地联系着人物的思想行动。"

环境描写分为两类：

（一）自然环境描写，又称景物描写，是对人物活动的自然景物进行的描写。

景物描写的作用主要有：(l)写景衬托人物心情；(2)写景点明时令、地点；(3)写景表现人 物关系；（4）写景表现人物性格。 进行景物描写，应该注意以下几点：

l、精细观察，抓住景物特征描写。只有抓住特征写风景，才能做到"真，好让读者看完以 后，闭上眼就立刻能想象出你所写的风景"。(《契诃夫论文学》)

2、要选好写景的时机和写景的角度。契诃夫认为"风景描写只有在适当的时候，在它能 像音乐或者由音乐伴奏的朗诵，向读者传达这样那样心情的时候，才合适，才不至于把局面 弄糟。"

3、要体现地方色彩。鲁迅指导青年作者时提出："现在世界环境不同，艺术上也必须 有地方色彩，庶不至于千篇一律。"又说："地方色彩，也能增画的美和力，自己生长其地 ，看惯了，或者不觉得什么，但在别地方的人，雌鹄词蔷醯梅浅？匮劢纾黾又兜摹"

4、写景应渗透人物的感情。写景不应该是自然主义的纯客观的描绘。王国维在《人间 词话》里把境界分为"无我之境"和"有我之境"。所谓"有我之境"即"物皆著我之色彩 "，作者或人物的思想感情作用于周围的自物景物，在所写的景物上直接渗透作者的感情。

5、采用对比方法写景。如《祝福》的开头与结尾写祝福时的景色气氛，以乐景反衬祥 林嫂的悲剧，更增强了作品对旧社会的批判力量。

6、采用象征手法写景。如高尔基的《海燕》，茅盾的《雷雨前》。

（二）社会环境猫写：从狭义上说，社会环境是指人物活动的处所、背景、氛围等；而从广 义上说，是指一定的历史时期的社会生活、人际关系的总和。如我们写一个学生，就不能不 写他所求学的社会环境：学校，学校中班级里的教师、学生及与他们的关系，有时，还要写 到他的家庭、父母、亲友。

社会环境描写必须具有鲜明的时代色彩。如同是王愿坚写红军的作品，《七根火柴》 的社会环境与《普通劳动者》的社会环境就不同；同是写过去与敌人斗争，以表现***员 品质为主题的《清贫》和《生的伟大，死的光荣》，社会环境描写也各具特征。而当代的作 品，更是具有鲜明的时代色彩，如不少作品进行环境描写时表现出的环保意识，就是过去时 代的环境中所不可能有的。 进行社会环境描写，要努力画好"风俗画"。高尔基说："不可忘记：除风景画之外， 还有风俗画。"例如鲁迅《风波》开头所写的江南农村晚饭时的情景，就是一幅颇具特色的 风俗画。

五、物体描写

在写作中，我们既要描写人物，又要描写环境，还要描写物体，即描写各种动物、植物和各 种无生命的物体--自然界客观存在的物体和人类发明、创造出来的器物、用具等。这种物 体描写，也称为"状物"。状物是对物体的描摹，类似绘画中的"写生"。

状物的目的在于使读者对所描摹的物体有一个准确而鲜明的具体印象。前人对状物提出的要 求是：以形写神，形神兼备。也就是说，状物要从"摹形"和"传神"两方面下功夫。

什么是"摹形"呢就是要逼真地描写物体的大小、形状、颜色和质地。为了使被描 摹的物体具体而形象地呈现在读者眼前，必须在"摹形"时注意抓住物体的特征，既抓住物 体的整体特征也要抓住物体的局部特征和细节特征。为此就要认真细心地观察物体、弄清该 物体与其它物体的区别，并且区分出该物体各个部分的不同之处。根据前人的经验 摹形 "要准确、生动，应注意运用数量词和方位词，进行比较，使用比喻，还可以用动态词语描 写静物。

什么是"传神"呢就是要描写物体内在的神态，使描摹的物体具有感染力，从而引 起读者情感的共鸣，或联想，或启迪。"传神"要与"形似"结合起来，切忌外加。最好是 在"摹形"过程中"传神"，当然也可以在描写的同时兼用议论，只是要适当，不可过多。

描写物体--状物应按一定的顺序进行。其顺序与观察顺序有关，与物体本身构造有关，也 与主题表达的需要有关。

按观察顺序状物，通常是依据人们的观察习惯，由部分到整体，由表面到内部，或是 由形状、色彩到位置、结构。按物体的构造状物，其顺序可以是由上到下、由前而后，从左 至右，或由主要部分到次要部分，或由外部结构到内部结构。按主题表达需要状物，它的顺 序必须与物体的主要内容相呼应，以体现物体内蕴的意义。

状物应注意艺术性，尽量写得有知识性、趣味性，以引人人胜。

关于物体的性质、功用、成因、制作过程及其用法的介绍，是另一种表达方法--说 明的内容，不属于状物的范围。

　　比如在欣赏达·芬奇的作品«蒙娜丽莎»一课时，为了让学生充分感受到“蒙娜丽莎”的那永恒、神秘的微笑，我特意把《蒙娜丽莎》放大投射到屏幕上，在优美的音乐旋律中让学生默视一分钟，用眼睛和心灵去感受她那迷人的微笑……。此时，忽然有个声音从教室的一角传来， “我觉得一点也不美”。这种想法完全在意料之外，是该假装没听到糊弄过去呢，还是要正面应对学生的“异议”呢？！此时，脑海中灵光一闪，这不是一个对作品进行深入展开辨析的方法吗？所以，我决定先放下作品，暂不作分析，而是首先从对那个时代的介绍入手，让学生感受那个时代的社会氛围，了解作者是以怎样的胆识和勇气冲破笼罩欧洲中世纪所形成的宗教的牢笼，以一个普通的妇女形象代替以往的一成不变的以宗教为题材的作品艺术形象。同时可以把这一作品与文艺复兴以前的作品进行比较，让学生感受到作者对文艺复兴人文主义的提倡和对人类生命的歌颂、对人的本身价值的肯定。然后再让学生重新欣赏这一作品，此时，学生就不会再有开始时认识的偏差，而是带着新的认识、从新的审美角度来欣赏这幅作品。他们的感受也会因此更强烈、更深入、更持久了，对作品的感受也就更充分了。

　　54岁的伦勃朗，左手握着调色板与画笔，右手叉在腰间，一副不修边幅的样子，露出他的贫穷与寒酸。胖胖的身材，缠着头巾，只有一对眼睛还在炯炯有神，他好象在思考着什么，脸上没有一丝笑容，冷冷地伫立在画架前。背景被淡化了，突出了画家的上半身，象一座塔一样巍然不动，在他身上只有艺术的生命永恒地维系着他。

　　他的自画像一般不注年份，如若把他的全部自画像排列起来，可以看出，在34岁以前，他的自画像充满着信念，具有顽强与坚毅的性格。在这一幅自画像上，画家只用简约、阔大的笔触去雕琢他的内心情感，表情的严肃，正是他忍受着日益加剧的生活重压的外在反映。

　　此画约114×96厘米大，系美国肯伍德的艾弗所私藏，后遗赠给伦敦。

　　在伦勃朗的全部肖像画中，自画像要占很重要的地位，其数量之多在历史上所有油画家中，几乎找不到第二个。就现藏世界各地博物馆的他的自画像看，据不完全统计也有90幅左右，其中60幅是油画，20幅是铜版画，10幅是素描自画像。按其后来的遭遇以及他变卖家产等情况看，很可能还有散失在私人手里的自画像作品。有一位理论家计算过，他每年平均画两幅自画像，那末，总数要在百来幅以上。

　　他的自画像不仅数量多，艺术质量也随着年龄的增长而提高。尤其在他的后半生，现实生活的磨砺使他能更深刻地认识自己。在60年代前后，他的自画像有鲜明的个性表现了。画家很注意脸部的内在气质，观者可以从中发现一种潜在内心语言。这一幅《自画像》作于1660年间，也是画家丧妻以后，家产变卖并被迁到罗桑夫拉哈特居住时期完成的一幅杰作。其时，他在事业上败落到如此地步：只能在亨德里治与前妻所生的儿子蒂土斯掌管的“美术品处理公司”里以一个“雇员”身份，整天做着搬运制成品差使。这幅画，就是他当时的真实形象。 伦勃朗的《自画像》

　　500年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。

　　哈佛大学神经科专家利文斯通博士说，蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。利文斯通博士是视觉神经活动方面的权威，主要研究眼睛与大脑对不同对比和光暗的反应。利文斯通说：“笑容忽隐忽现，是由于观看者改变了眼睛位置。”她表示，人类的眼睛内有两个不同部分接收影像。中央部分(即视网膜上的浅窝)负责分辨颜色、细致印记。环绕浅窝的外围部分则留意黑白、动作和阴影。据利文斯通说，当人们看着一张脸时，眼睛多数集中注视对方的双眼。假如人们的中央视觉放在蒙娜丽莎的双眼，较不准确的外围视觉便会落在她的嘴巴上。由于外围视觉并不注重细微之处，无形中突出了颧骨部位的阴影。如此一来，笑容的弧度便显得更加大了。不过，当眼睛直视蒙娜丽莎的嘴巴，中央视觉便不会看到阴影。利文斯通说：“如果看着她的嘴巴，便永远无法捕捉她的笑容。”蒙娜丽莎的笑容若隐若现，源于人们的目光不断转移。利文斯通指出，若要临摹《蒙娜丽莎》，描绘口部时便要望着别处。

　　1993年，加拿大美术史家苏珊·吉鲁公布了一项令人震惊的研究成果。她说蒙娜丽莎那倾倒无数观赏者的口唇，是一个男子裸露的脊背。这一论断既新鲜又荒诞，然而论证是有力的。集画家、雕刻家、建筑师、工程师及科学家等多种才艺于一身的达·芬奇，可谓是个“怪杰”。他喜欢穿粉红色外套，在胡须上毫无顾忌地涂上五颜六色，还常称自己解剖过不下30具死尸。他还是个左撇子，习惯从右到左倒着书写，别人要借助镜子才能读出他写的东西。因此借助镜子亦不失为欣赏者读画的一种方法。旋转90度后从镜中看蒙娜丽莎抿着的笑唇，恰好是一个背部线条分明的结实男性脊背以及左臂和肘部的一角；再说，表现人体美和呼唤人性的觉醒，既是大师的人生哲学，又是他的艺术观。

　　确实，在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。

　　几百年来，“微笑”的新解层出不穷。诸如微笑不露皓齿是因原型虽典雅美丽却口齿不齐；原型因爱女夭折，忧郁寡欢，难掩凄楚之态；更有甚者，把蒙娜丽莎从贵妇宝座上推落下来，把原型贬为妓女，故而微笑中带着讥嘲和揶揄。

　　美国马里兰州的约瑟夫·鲍考夫斯基博士认为：“蒙娜丽莎压根就没笑。她的面部表情很典型地说明她想掩饰自己没长门牙。”

　　法国里昂的脑外科专家让·雅克·孔代特博士认为蒙娜丽莎刚得过一次中风，请看，她半个脸的肌肉是松弛的，脸歪着所以才显得微笑。

　　英国医生肯尼思·基友博士相信蒙娜丽莎怀孕了。他的根据是：她的脸上流露出满意的表情，皮肤鲜嫩，双手交叉着放在腹部。性学专家推测：蒙娜丽莎刚刚经历了性高潮，所以才表现出令世人倾倒的微笑。

　　还有一种近乎无稽之谈的说法：她的表情就像吃了苯氨基亚胺似的，显得很陶醉，这是吃完巧克力后人体内产生的一种欢愉激素。这种说法很少有人相信，因为当时还没有巧克力呢。

　　画中，左边的地平线比右边的低，蒙娜丽莎的左侧看上去比右侧大。历史上左边代表女性，体现达·芬奇崇拜女性。电脑分析显示，蒙娜丽莎和达芬奇自画像的脸部有多处相似，可能蒙娜丽莎就是达·芬奇本人，埃及传说中主管男性生殖器的神叫阿蒙（Amon），主管女性生殖器的神叫伊西斯（Isis）——古代文字中曾将其读做L'ISA，因此Mona Lisa就是暗示AMON L'ISA，即蒙娜丽莎非男非女，是两性的融合体。

　　编辑本段《蒙娜丽莎》真伪之谜

　　按照以往的说法，达·芬奇的《蒙娜丽莎》收藏于巴黎的卢浮宫。但在收藏界却有一种说法称，挂在卢浮宫的不是《蒙娜丽莎》，真正的《蒙娜丽莎》是在伦敦一所公寓的墙上。

　　这间寓所和这幅作品的保管者普利策博士说，《蒙娜丽莎》完成后，作品就留在了丽莎·德·佐贡多家。后来，又有一个贵族请达·芬奇为他的情妇画一幅肖像，这个被称为“拉乔康达”（意为“微笑的人儿”）的女子，和蒙娜丽莎长得很像。于是，一时懒惰的达·芬奇把《蒙娜丽莎》的脸部换成拉乔康达。画作完成后，那个贵族抛弃了拉乔康达，因而没有买下这幅画。后来达·芬奇应弗朗西斯一世的邀请去法国，带去了这幅画。普利策说，使卢浮宫增添光辉的是拉乔康达的肖像画。《蒙娜丽莎》后来流落到英格兰，本世纪初被一家博物馆馆长、艺术鉴赏家威廉·布莱克买下，后来又为瑞士一财团收购，普利策便是其中的成员。

　　本世纪初，曾经有许多人大规模地复制、伪造艺术名作，有理由怀疑伦敦的那幅是赝品。但是，普利策博士对他的这幅画的真实性深信不疑。他用显微摄影技术证实，伦敦这幅画上的指纹同达·芬奇其他作品上的指纹相同；根据记载，蒙娜丽莎比拉乔康多年轻19岁，被画时披着一条表示悼念的面纱，在两幅画中，只有伦敦那幅显示一个更显年轻的女人披着漂亮的面纱；另一个证据是，拉斐尔当年在达·芬奇作这幅画时曾经作过速写，速写中的蒙娜丽莎背后有两根圆柱，这两根圆柱出现在伦敦的肖像画里，而卢浮宫那幅的背景是山崖、小径、石桥、树丛与潺潺的流水。

　　几百年以来，不少收藏家各自声称他们藏有真正的《蒙娜丽莎》,数量居然达60幅之多。更有趣的是，美国缅因州伯特兰美术馆在1984年收到一幅《不微笑的蒙娜丽莎》，经测定，此画确实是当年达·芬奇的手笔，画中的人物除了不微笑以外，其余都酷似蒙娜丽莎本人。专家由此推测，这幅《不微笑的蒙娜丽莎》可能是作者同时画的一幅底稿。

　　还有一种说法认为目前卢浮宫内收藏的《蒙娜丽莎》是一幅赝品，其依据在于1911年发生的那起盗窃案。在那起盗窃案中，《蒙娜丽莎》失窃。两年后，它出现在意大利，但是画面上蒙娜丽莎身后两旁的廊柱已经被切掉了。几年后，《蒙娜丽莎》被归还卢浮宫。但许多专家都认为，这次失而复得只是一场烟幕，真正的《蒙娜丽莎》已经被一位富有的收藏家重金收购，挂在卢浮宫内的只是一件赝品而已。

　　编辑本段《蒙娜丽莎》背景之谜

　　加利福尼亚大学教授卡罗·佩德雷蒂认为，蒙娜丽莎身后的背景是意大利中部阿雷佐市布里阿诺桥附近的景色。佩德雷蒂的证据是，达·芬奇出生在距阿雷佐约100公里的芬奇镇，并曾经在阿雷佐生活过，这一地区的原始景观与《蒙娜丽莎》的背景几乎完全一样，因此，达·芬奇很有可能采用这一地区的田园景色作为《蒙娜丽莎》的背景。当佩德雷蒂的这一观点在达·芬奇绘画国际研讨会上宣布后，许多美术史专家都对他的研究结果表示肯定。

　　编辑本段《蒙娜丽莎》死因之谜

　　按照记载，丽莎·迪·格拉尔弟尼在46岁时抑郁而死，但一位日本心脏病专家说他发现蒙娜丽莎的左眼上有一块黄斑，这是胆固醇含量过高的征兆。这个日本心脏病专家说蒙娜丽莎应该死于心肌梗塞。

　　编辑本段《蒙娜丽莎》身世大白

　　几百年来，有关画中女子真实身份的论证从未停止过。德国海德堡大学专家在图书馆的历史文件书页旁注笔记中获得最新线索，揭开了蒙娜丽莎的身世之谜。

　　海德堡大学专家宣称，通过分析图书馆内一本约500年历史的藏书页空白处潦草的笔记，他们可以确认，这位有着神秘微笑的女子闺名丽莎·盖拉尔迪尼，是意大利佛罗伦萨布商弗朗切斯科·德焦孔多的妻子。这份文件由大学笔迹部负责人阿迈恩·施勒希特博士两年半前发现。文件原所有者阿戈斯蒂诺·韦斯普奇与达·芬奇熟识，是当时佛罗伦萨政府官员。他文件空白处所留笔记中，把达·芬奇比做古希腊艺术家阿佩莱斯，说达·芬奇正同时创作3幅作品，其中之一便是丽莎·德焦孔多的画像。文件标注日期为1503年10月，与专家判断作品完成的大致时间1503至1506年间刚好吻合。

　　《蒙娜丽莎》是法国巴黎罗浮宫(前译“卢浮宫”)的镇馆之宝，也被称为“德焦孔多夫人”，其中的姓氏在意大利语中有欢欣快乐之意。

　　编辑本段《蒙娜丽莎》原型之谜

　　500多年来历史学家们一直为达·芬奇名画《蒙娜丽莎》的原型众说纷纭，争论不休。尤其是画中人脸上神秘的微笑是人们猜测的不解之谜。最近，意大利佛罗伦萨市一位普通教师吉乌塞普·帕兰蒂又提出了新的说法，蒙娜丽莎是一位有5个孩子的“家庭主妇”。

　　据英国《每日电讯报》1日报道，帕兰蒂对佛罗伦萨市档案进行了长达25年的研究，而后得出一个结论：《蒙娜丽莎》原型是达·芬奇父亲一位朋友的妻子丽莎·格拉迪尼，她是一名有5个子女的家庭主妇。

　　据帕兰蒂考证，丽莎在1495年16岁时嫁给佛罗伦萨丝绸商人弗兰西斯科·吉奥康杜，而吉奥康杜则是达·芬奇父亲皮耶罗的好友兼邻居。丽莎是吉奥康杜的第二任妻子。这对夫妻的感情很好，育有5个子女。吉奥康杜在自己的遗嘱中称，丽莎是他“心爱的”和“忠实的”的妻子。

　　帕兰蒂认为，《蒙娜丽莎》的画像完成于丽莎24岁那年。达·芬奇的父亲安排了一切，自己花钱让儿子为朋友的妻子画了这幅画。当时达·芬奇正被一场财务纠纷所困扰。他的父亲大概想通过这种方式来帮助自己的儿子。

　　在关于《蒙娜丽莎》原型的传说中，有人说画中人是当时佛罗伦萨城内的一个名妓，也有人说画中人是达·芬奇本人的女人版自画像。去年，一个名为谢文·纽兰德的美国教授声称，他已经发现了《蒙娜丽莎》微笑背后的真正秘密。《蒙娜丽莎》脸上之所以永远带着微笑，是因为画中的主人当年在做达·芬奇的模特儿时正好怀了身孕，是一个母亲对新生命即将诞生时产生的那种神秘的微笑。

　　目前，帕兰蒂正趁暑假期间把自己的研究成果整理成书，计划在8月正式出版发行。

　　达·芬奇《蒙娜丽莎》原画蔵于巴黎卢浮宫。但是几百年来，收藏家们声称自己收藏的《蒙娜丽莎》画作竟达60多幅。

　　编辑本段《蒙娜丽莎》失踪之谜

　　因乔迁展厅要中断展览，30年来第一次将在卢浮宫展厅里“消失”

　　《蒙娜丽莎》一直在卢浮宫中默默向观众微笑。今年4月4日她终于可以休息一天了。

　　本报综合报道 4月4日，游客们将不会在卢浮宫看到《蒙娜丽莎》那迷人的微笑。根据卢浮宫的声明，《蒙娜丽莎》将于那天乔迁展厅，“休假”一天，这将是这幅名画30年来第一次在卢浮宫中断展览。

　　卢浮宫方面在声明中说，时隔4年，《蒙娜丽莎》将于4月4日那天搬迁到重新装修过的旧展厅中去。2000年时，因为旧的展厅年代久远，保存条件和安全措施都存在问题，因而卢浮宫将《蒙娜丽莎》转移到了现在的临时展厅之中。

　　根据馆方的解释，中断展览一天将是无可避免的，因为在那天工程人员需要给搬迁后的《蒙娜丽莎》安装照明设施和特殊的反光玻璃，以及设置更合理的参观路径。为了避免到时慕名而来的大批游客失望，卢浮宫已经通知了全世界将近6000家旅行社，同时在自己的主页上用10种文字做了说明。

　　达·芬奇名画《蒙娜丽莎》是卢浮宫最负盛名的艺术品，据统计，卢浮宫90％的参观者都不会错过这个“微笑”。博物馆的纪念品店每年售出的《蒙娜丽莎》纪念品超过33万件，包括明信片、磁铁和拼图。

　　自1789年卢浮宫成立，《蒙娜丽莎》入住以来，除了几次意外事件外，馆方一直避免中断此画的展览，按照该馆一个工作人员的说法，“伦勃朗、提香和格里柯都可以被束之高阁数周，但《蒙娜丽莎》不可以”。甚至这幅名画的监护人本人都只能在卢浮宫闭馆的时候接近此画，进行研究工作，对此画的X光探射研究就是在半夜进行的。

　　《蒙娜丽莎》最后一次在卢浮宫参观者的视野中消失是在1974年，那次，她远渡重洋去了日本巡展。据专家估计，今后这样的巡展将不太可能再发生，而升级后的展厅也有足够的能力应付每小时1500人的游客流量，因此今年4月4日很可能是很多年内《蒙娜丽莎》惟一的一次休假。

　　编辑本段说不尽的蒙娜丽莎

　　蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。

　　人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。

　　这是一个神话，它与达·芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。

　　其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。

　　驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？

他们所表达出来的感情其实就是对于袁隆平院士的尊重，500架无人机勾画出袁隆平的画像，就是最好的一种纪念的方法。

这件事情已经得到了大家的广泛关注，500架无人机是一个非常大的规模，目的就是能够让大家对于袁隆平进行更好的纪念。从这件事情当中，我们可以看出来大家对于袁隆平的感情都是非常深的，而且袁隆平的去世对于大家来说影响非常大。

袁隆平造福了人类。

袁隆平的技术不仅仅造福了我们国家的老百姓，而且对于全世界所有老百姓其实都起到了一定的贡献，因为这些人因为袁隆平所做出的贡献，再也不怕吃不饱饭了。我们国家已经过上了非常不错的生活，但是全世界有很多的人正在挨饿，让他们吃饱饭也是袁隆平的梦想。

大家必须要记住袁隆平。

每一个人都必须要记住袁隆平，有一个委员建议，把5月22号作为全国粮食安全日，我认为这是非常好的一个纪念方法。每一年的这一天，我们都能够对袁隆平进行各种各样的纪念，而且也能够教育我们的子女不要去浪费。

每一个人都应该纪念袁隆平。

纪念袁隆平爷爷是我们每一个人都应该做的事情，因为袁隆平爷爷所创造出来的技术，对于我们每一个人来说都是有帮助的。对于一个人最大的尊重其实就是在去世之后进行纪念，每一个人都必须要通过不同的方式来进行纪念。

这个社会当中总会有人离开这个世界的，但是离开这个世界之后，依然是能够被大家记住的人，其实并没有太多。这些在去世的时候之所以能够得到大家家的广泛关注，就是因为他们为这个社会做出的贡献实在是太大了。

着重表现面部特征：肖像画的重点通常是被描绘者的面部特征，包括眼睛、鼻子、嘴巴等。因此，在构图时应该将注意力集中在这些区域，用精细的线条和阴影来表现细节。

保持比例和对称性：肖像画的构图应该尽可能地准确反映被描绘者的外貌特征，包括面部比例和对称性。在构图时，应该注意这些方面，并在必要时使用比例尺和准确的测量工具来确保准确度。

突出人物性格和情感：肖像画不仅仅是要表现被描绘者的外貌特征，还要突出他们的个性和情感。通过表现面部表情、眼神和姿势等细节，可以传达出被描绘者的性格和情感状态。

创造适当的背景：肖像画的背景应该是简单的，以不分散观者的注意力。在构图时，可以选择一个简单的背景或通过添加一些细节来增加画面的复杂性，但是不要让背景成为画面的主角。

希望这些建议对您有所帮助！

特点都突出到位了，只是细节刻画少一些

吴勇此前称设计是一种情怀，你能理解其插画设计的风格吗？我真的非常不能理解他插画设计的风格，让人感觉到匪夷所思，不明白想要表达一种什么样的情怀，简直就是胡说八道。一张脸有一滴眼泪什么设计

一张脸上有一滴眼泪是当下樱花妹流行的一种立体“眼泪妆”。

年轻人流行自己动手制作创意装扮，自己动手才有原创性，可以和其他人做出区别，容易在网上获得更多的点赞，一些女生会用热熔胶制作眼泪妆。

就是将热熔胶挤成水滴状，然后再用假睫毛胶贴在脸上，试图营造出立体饱满的“泪滴”效果。当然，并不是把高温熔化的热熔胶直接挤在脸上，否则当场就会烫伤肌肤；而是先把热熔胶挤在光滑的塑胶板等地方，待其冷却凝固后再取下，最后才粘贴在脸上。

现代肖像艺术

现代肖像图形设计具体内容包括：眼睛、嘴、鼻子、耳朵、毛发、脸型以及面部表情等，其中人们对眼睛和嘴巴的关注度最高。

头部作为最灵敏的部位，可以直接反应对外界的刺激以及自身的内在感受，长期以来设计师将肖像图形作为重要的设计元素，来进行创意的表现和个人理念的传递，形式和手法上更是千变万化。

怎么画好板绘人物？看看明星的御用肖像画家的绘制过程相信很多人对板绘是又爱又恨爱，唯美精致，作画方便恨，恼人的PS和适应不了的压感总感觉握在手里的不是常用的那支笔不过，喜欢也好，讨厌也好这种新时代的艺术创作形式已经成为趋势很多青年艺术家或设计师都因高超的板绘能力从事着插画师或原画师的职业不仅画得一手好画，收入也是颇丰！来自韩国首尔的艺术家林进成非常喜欢数字绘画至今为止，画了两百多幅肖像画为明星画像已经成为他的主要工作他绘制的肖像画逼真细腻准确地抓取着人物的外貌和性格特点游刃有余地诠释着人物温柔性感的一面细看林进成的作品人物皮肤和毛发的肌理处理得栩栩如生特别是面部以及嘴唇的高光给人物增添了不少鲜活的神采画好板绘绝非易事故此，我们也为大家整理了林进成部分作品的视频创作过程供大家欣赏及学习更多精彩便在GZH“眼缘艺志”都说板绘易上手画错了可以轻易地擦掉再修改但这只是为我们的创作提供了便利并不能直接提高我们的绘画水平起形、比例、上色等技法仍需要我们不断练习这里为大家简要归纳了一些板绘的小贴士希望可以帮助一些初学者当然大家各自都有自己的绘画习惯不必强求，画得开心就好1、首先清理事先画好的线稿层记得将线稿层置顶并将层属性设置为正片叠底随后在线稿层下平涂灰色进行初期的光影刻画2、再新建图层，依旧是正片叠底继续光影的细节刻画值得注意的是要降低草稿层的不透明度这样才能更清楚地看清每步要画的细节3、每种颜色都有自己的亮度和颜色数值要熟知各种颜色的配色比例在板绘界一直流传着一句话：最亮的蓝色永远比最亮的**暗4、接着就是发挥想象力想象光线投射的角度继续新建图层，用平涂的方法上色随画随调整，调节画面的各种小细节其实板绘肖像画是有很多技巧的只要做好每一步，不难画出一幅完美的作品这也就需要我们日积月累的练习了无论是板绘还是手绘都是记录景象以及表达思想的途径画很容易，画好却很难科技发展到今天板绘的出现让更多人爱上了绘画但无论出于何种目的我们最应该做的还是将作品画好还等什么，快行动起来你的ipad不要只用来看视频、玩游戏哦！

500年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。

哈佛大学神经科专家利文斯通博士说，蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。利文斯通博士是视觉神经活动方面的权威，主要研究眼睛与大脑对不同对比和光暗的反应。利文斯通说：“笑容忽隐忽现，是由于观看者改变了眼睛位置。”她表示，人类的眼睛内有两个不同部分接收影像。中央部分(即视网膜上的浅窝)负责分辨颜色、细致印记。环绕浅窝的外围部分则留意黑白、动作和阴影。据利文斯通说，当人们看着一张脸时，眼睛多数集中注视对方的双眼。假如人们的中央视觉放在蒙娜丽莎的双眼，较不准确的外围视觉便会落在她的嘴巴上。由于外围视觉并不注重细微之处，无形中突出了颧骨部位的阴影。如此一来，笑容的弧度便显得更加大了。不过，当眼睛直视蒙娜丽莎的嘴巴，中央视觉便不会看到阴影。利文斯通说：“如果看着她的嘴巴，便永远无法捕捉她的笑容。”蒙娜丽莎的笑容若隐若现，源于人们的目光不断转移。利文斯通指出，若要临摹《蒙娜丽莎》，描绘口部时便要望着别处。

1993年，加拿大美术史家苏珊·吉鲁公布了一项令人震惊的研究成果。她说蒙娜丽莎那倾倒无数观赏者的口唇，是一个男子裸露的脊背。这一论断既新鲜又荒诞，然而论证是有力的。集画家、雕刻家、建筑师、工程师及科学家等多种才艺于一身的达·芬奇，可谓是个“怪杰”。他喜欢穿粉红色外套，在胡须上毫无顾忌地涂上五颜六色，还常称自己解剖过不下30具死尸。他还是个左撇子，习惯从右到左倒着书写，别人要借助镜子才能读出他写的东西。因此借助镜子亦不失为欣赏者读画的一种方法。旋转90度后从镜中看蒙娜丽莎抿着的笑唇，恰好是一个背部线条分明的结实男性脊背以及左臂和肘部的一角；再说，表现人体美和呼唤人性的觉醒，既是大师的人生哲学，又是他的艺术观。

确实，在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。

几百年来，“微笑”的新解层出不穷。诸如微笑不露皓齿是因原型虽典雅美丽却口齿不齐；原型因爱女夭折，忧郁寡欢，难掩凄楚之态；更有甚者，把蒙娜丽莎从贵妇宝座上推落下来，把原型贬为妓女，故而微笑中带着讥嘲和揶揄。

美国马里兰州的约瑟夫·鲍考夫斯基博士认为：“蒙娜丽莎压根就没笑。她的面部表情很典型地说明她想掩饰自己没长门牙。”

法国里昂的脑外科专家让·雅克·孔代特博士认为蒙娜丽莎刚得过一场中风，请看，她半个脸的肌肉是松弛的，脸歪着所以才显得微笑。

英国医生肯尼思·基友博士相信蒙娜丽莎怀孕了。他的根据是：她的脸上流露出满意的表情，皮肤鲜嫩，双手交叉着放在腹部。性学专家推测：蒙娜丽莎刚刚经历了性高潮，所以才表现出令世人倾倒的微笑。

还有一种近乎无稽之谈的说法：她的表情就像吃了苯氨基亚胺似的，显得很陶醉，这是吃完巧克力后人体内产生的一种欢愉激素。这种说法很少有人相信，因为当时还没有巧克力呢。

《蒙娜丽莎》真伪之谜

按照以往的说法，达·芬奇的《蒙娜丽莎》收藏于巴黎的卢浮宫。但在收藏界却有一种说法称，挂在卢浮宫的不是《蒙娜丽莎》，真正的《蒙娜丽莎》是在伦敦一所公寓的墙上。

这间寓所和这幅作品的保管者普利策博士说，《蒙娜丽莎》完成后，作品就留在了丽莎·德·佐贡多家。后来，又有一个贵族请达·芬奇为他的情妇画一幅肖像，这个被称为“拉乔康达”（意为“微笑的人儿”）的女子，和蒙娜丽莎长得很像。于是，一时懒惰的达·芬奇把《蒙娜丽莎》的脸部换成拉乔康达。画作完成后，那个贵族抛弃了拉乔康达，因而没有买下这幅画。后来达·芬奇应弗朗西斯一世的邀请去法国，带去了这幅画。普利策说，使卢浮宫增添光辉的是拉乔康达的肖像画。《蒙娜丽莎》后来流落到英格兰，本世纪初被一家博物馆馆长、艺术鉴赏家威廉·布莱克买下，后来又为瑞士一财团收购，普利策便是其中的成员。

本世纪初，曾经有许多人大规模地复制、伪造艺术名作，有理由怀疑伦敦的那幅是赝品。但是，普利策博士对他的这幅画的真实性深信不疑。他用显微摄影技术证实，伦敦这幅画上的指纹同达·芬奇其他作品上的指纹相同；根据记载，蒙娜丽莎比拉乔康多年轻19岁，被画时披着一条表示悼念的面纱，在两幅画中，只有伦敦那幅显示一个更显年轻的女人披着漂亮的面纱；另一个证据是，拉斐尔当年在达·芬奇作这幅画时曾经作过速写，速写中的蒙娜丽莎背后有两根圆柱，这两根圆柱出现在伦敦的肖像画里，而卢浮宫那幅的背景是山崖、小径、石桥、树丛与潺潺的流水。

几百年以来，不少收藏家各自声称他们藏有真正的《蒙娜丽莎》,数量竟达60幅之多。更有趣的是，美国缅因州伯特兰美术馆在1984年收到一幅《不微笑的蒙娜丽莎》，经测定，此画确实是当年达·芬奇的手笔，画中的人物除了不微笑以外，其余都酷似蒙娜丽莎本人。专家由此推测，这幅《不微笑的蒙娜丽莎》可能是作者同时画的一幅底稿。

还有一种说法认为目前卢浮宫内收藏的《蒙娜丽莎》是一幅赝品，其依据在于1911年发生的那起盗窃案。在那起盗窃案中，《蒙娜丽莎》失窃。两年后，它出现在意大利，但是画面上蒙娜丽莎身后两旁的廊柱已经被切掉了。几年后，《蒙娜丽莎》被归还卢浮宫。但许多专家都认为，这次失而复得只是一场烟幕，真正的《蒙娜丽莎》已经被一位富有的收藏家重金收购，挂在卢浮宫内的只是一件赝品而已。

《蒙娜丽莎》背景之谜

加利福尼亚大学教授卡罗·佩德雷蒂认为，蒙娜丽莎身后的背景是意大利中部阿雷佐市布里阿诺桥附近的景色。佩德雷蒂的证据是，达·芬奇出生在距阿雷佐约100公里的芬奇镇，并曾经在阿雷佐生活过，这一地区的原始景观与《蒙娜丽莎》的背景几乎完全一样，因此，达·芬奇很有可能采用这一地区的田园景色作为《蒙娜丽莎》的背景。当佩德雷蒂的这一观点在达·芬奇绘画国际研讨会上宣布后，许多美术史专家都对他的研究结果表示肯定。

《蒙娜丽莎》死因之谜

按照记载，丽莎·迪·格拉尔弟尼在46岁时抑郁而死，但一位日本心脏病专家说他发现蒙娜丽莎的左眼上有一块黄斑，这是胆固醇含量过高的征兆。这个日本心脏病专家说蒙娜丽莎应该死于心肌梗塞。

说不尽的蒙娜丽莎

蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。

人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。

这是一个神话，它与达．芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。

其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她（他）不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达．芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。

驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？

有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。

我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上更多的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。

临摹名画是一种喜爱的表现，《蒙娜丽莎》就拥有世界上最多的临本。且不说今人的临摹，仅在达．芬奇时代就有好几个版本的《蒙娜丽莎》，那多半是达．芬奇的学生或助手临的。有几幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不过其中也不乏佳作。在美国新泽西州也有一幅《蒙娜丽莎》，和卢浮宫的原作极为相似，只是构图略大一些，露出左右两侧的石柱（原作构图本来如此）。画上的蒙娜丽莎秀丽、清纯，更具人间气息。专门研究《蒙娜丽莎》的学者雷特认为这幅也是达．芬奇所作，而且是最初作品，该作表现出了人物的青春魅力；而收藏于卢浮宫那幅大约作于1513年。达．芬奇到了晚年技艺愈加炉火纯青，但多年过去，蒙娜丽莎已不再年轻，而多了些许成熟与深沉。这种说法颇耐人寻味，但毕竟只是推测，难以得到证实。多数人对此持否定意见，反对者认为：达．芬奇一生中创作的绘画屈指可数，他从未重复过自己的作品。不过，这种论断也缺乏说服力，达．芬奇本人就曾经画过两幅同样的《岩间圣母》。既如此，那么他留下两幅《蒙娜丽莎》也非绝对不可能。据称达．芬奇画《蒙娜丽莎》前后耗费了四年时间或更久，那他在这其间画过一幅或多幅变体画的可能性是存在的。真伪鉴定会有专人去考据，而我们将新泽西州的《蒙娜丽莎》与卢浮宫的原作放在一起欣赏是别有趣味的。两幅画看去几乎一模一样，但仔细分析就会发现两者风格截然不同。新泽西的蒙娜丽莎看去更活泼些，娴静温柔中透出靓丽与清新；人物动态是平静自然的，毫无刻意临摹的那种拘谨与呆板；背景色彩反差较大，不似原作那般含蓄沉稳，却与该画的气氛极为协调。无疑，这是一幅佳作，但与原作相比就显得单薄了。当我们面对《蒙娜丽莎》原作时，不会有惊艳之感；那不是一位绝代佳人，似乎也不大年轻。

驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？

有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。

我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上更多的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。

但是，我们会长久端详着画面，不忍转移视线。我们首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。那笑容太浅淡了，离得再近也看不真切；然而，只要你看到画，无论距离多远，都能感到微笑的存在。微笑不仅体现在翘起的嘴角，而是遍及脸上每一部分肌肤，甚至画面的各个角落，以至观者在欣赏蒙娜丽莎的同时，内心也装满了微笑。面对真迹的感受是别处无法取代的，卢浮宫的《蒙娜丽莎》注定会被永久保存。

《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，蒙娜丽莎几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。然而在艺术界，有了法则的设立者，就会有颠覆者。20世纪是艺术走向自由与多元的世纪，许多原本神圣的法则都发生了动摇。且看《蒙娜丽莎》近一个世纪的遭遇：先是杜桑用铅笔在她那美丽的脸上画上小胡子和山羊须，并题上L．H．O．O．Q字母；而后摄影师哈尔斯曼将蒙娜丽莎的脸庞换成了达利那怪异的面容：鼓瞪的双目，翘过眉毛的胡子，青筋突起的手中塞满钱币；再是南美画家博特罗将蒙娜丽莎画得肥胖无比，脸部像是充气球几乎占满画面而手却小得几乎看不见。此后衍化风盛行，各式各样的“蒙娜丽莎”纷纷出笼。裁剪了的蒙娜丽莎、肢解了的蒙娜丽莎、污损的蒙娜丽莎甚至烧毁的蒙娜丽莎都成了独立的艺术创造；还有人将蒙娜丽莎置换成动物头像，让人哭笑不得。随着衍化的普及，具有经济头脑的企业家看中了《蒙娜丽莎》的商业价值，于是蒙娜丽莎摇身一变，成了商品推销员。来自世界各地、形形色色的商品经“蒙娜丽莎”之手而身价倍增。蒙娜丽莎或握鼠标，或持饮料，或叼烟卷，或着泳装，或披婚纱，形象千奇百怪。无论人们赞叹其想象独特，还是因其歪曲名画而不齿，广告却因此为人注目，商家借此达到了促销的目的。与此同时，还有不少人喜爱装扮蒙娜丽莎，有的国家还举办“蒙娜丽莎模仿大赛”，获奖的女士总是无比荣幸。正因有了此类活动，某些男士也产生了装扮蒙娜丽莎的念头，有人还真的实践了，男士扮演的“蒙娜丽莎”让人看了实在是忍俊不禁。

这都是近些年的事情。在这个高速运转的、文化快餐统治的世界里，再神圣的经典也摆脱不了被解构的命运。对此我们很难做出评判，也许我们会为设计家天才的创意而赞赏有加，或因玩世者亵渎神圣而愤慨不已；然而，这都是确实的存在，我们除了承认别无他途。几百年来，《蒙娜丽莎》受到太多的赞誉，超出了它自身的承载力；当人们对它的推崇达到了饱和，不再有更新的创意时，歪曲、嘲弄和揶揄就应运而生。而正本清源，又有专门研究和品评《蒙娜丽莎》的文章或专著不断问世，包括各种推断与猜测；就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟，《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。