如何更好地把握艺术歌曲的情感表达

音乐是最善于表现人们的情感，引起情感共鸣的艺术形式。古人云:“感人心者，莫先于情”。教师只有充分运用“情感”这一因素，以情激情，以情施教，利用情感资源点燃学生对音乐的情感之火，启发学生的情感资源，才能激发出学生的学习兴趣，帮助学生领会理解音乐作品所表达的情感，使学生在情感的氛围中感受音乐，从而提高课堂的效率。在教学中，我们要运用多种方法，丰富学生音乐情感体验，引领学生走进音乐世界。一﹑深化音响感知，丰富学生情感体验音乐作为一种音响艺术，对其感知必须通过听觉来进行。听觉是感知音乐和理解音乐的前提，是音乐艺术实践中最重要的过程。通过聆听音乐﹑表现音乐，使学生充分体验蕴涵于音乐音响形式中的美和丰富的情感，并产生强烈的艺术共鸣。在音乐教学中，无论使唱歌课还是欣赏课，都应遵循听觉艺术和感知规律，注重以音乐为本，从音响出发，以听为中心，立足于培养学生良好的听觉感知。音质清晰﹑悦耳的音响可以给人带来愉悦，并诱发美感的产生。乐曲的情感有长有短﹑有明有暗，通常与节奏﹑节拍﹑力度﹑调式﹑调性等音乐要素配合运用，从而塑造出千变万化﹑绚丽多彩的音乐形象。学生从听音乐中已经感受到作品的丰富多彩和音乐多样的表现手段，诸如不同的速度﹑力度﹑音调﹑节奏﹑音色等等，正因为不同音乐元素的组合，乐曲所产生的效果﹑意境也就不同。通过欣赏，使学生较为准确地感受不同的音乐作品所表达的不同内容﹑意境和思想感情。如在欣赏《长江之歌》时，播音员那富有感情的解说，让学生深切地感受到母亲河的勃勃英姿和哺育万物的情操。当高昂起伏的《长江之歌》响起时，学生会情不自禁地赞美长江﹑歌唱长江。“音乐内涵的多义，情感的丰富，意向的飘浮不定，让人在多次重复的欣赏中引起不同的想象﹑联想，获得种种不同的感受。音乐形式的复杂﹑丰富，音响在时间中的不断变化伸展，也会使欣赏者在反复的聆听中获得多层次的审美感受。”可见只有反复聆听﹑多次体验，才能想象出音响背后多彩的画面，才能体验到音符串起的各种情感，才能获得丰富的音乐感知。二﹑深化视觉感知，发展学生情感体验音乐形象以模拟﹑象征等手法，把人们的生活现象用音响表达出来。在音乐教学领域借助绘画的视象性﹑具体性，能让学生眼观耳闻，产生联想﹑扩展思维，如身临其境般在愉快的气氛中更好地理解音乐情感。在学生欣赏﹑歌唱﹑视唱﹑简单音乐创作中常用“音画合壁”的教学形式帮助学生体验音乐情感。小学低年级课本中老牛﹑公鸡﹑小鸟并在同一画面，学生可以形象地领悟高音﹑音色概念。欣赏柴科夫斯基的“四小天鹅舞曲”，若运用芭蕾舞剧《天鹅湖》的画片﹑幻灯或教儿童回忆影视中曾经看到的四只小天鹅天真活泼的舞蹈形象，这些视觉的表象有助于儿童用听觉来感知舞曲旋律﹑节奏﹑情感的变化。要在音乐的海洋中自由遨游，还需要进行更高层次的音乐视觉感知，即经过长期听觉体验的积累，产生不同程度的内心听觉，可以不用直接唱（奏）和聆听音乐作品，通过读谱，根据谱例的节奏节拍﹑旋律﹑力度速度及风格的变化引发联想，内心即产生了对某个音乐形象的体验。如有经验的指挥家﹑演奏家在演出之前，总要静心读谱，从视觉上感知音乐，进而在演出中完美地用头脑驾驭，用技巧来表达音乐情感。小学音乐教材的音乐作品都是经过精心挑选的名曲，通过谱例的视觉直观形象，能加深学生对旋律所表现的音乐情感的记忆和理解，如果能从小学中高年级开始，持久地引导学生在视觉感知中体验这些音乐作品的深邃情感，就能较深入地体味并挖掘旋律的美感。如教唱舒伯特的《摇篮曲》，歌曲的旋律美感﹑母子情深，首先可以从视觉中体验到；歌谱（五线谱）给人的视觉印象如同母亲摇着孩子安睡的律动一起一伏，由此知道此曲表现的是一种轻柔舒缓﹑安详慈爱﹑优美静谧的音乐情感。三﹑通过联想升华，强化学生情感体验在理解音乐的基础上，引导学生能够积极思维，进入音乐作品留给我们的艺术蕴含点。通过联想﹑升华，加深对音乐作品的领悟与理解，培养学生的创造力与想象力。例如，在教学生唱《翅膀》后，我让学生分组讨论歌曲为何以“翅膀”为歌名。四年级的学生很有思想，他们讨论的结果是：“太阳”“春风”“黄河”“理想”“知识”虽然没有翅膀，但这是用拟人的手法，给它们“安”上翅膀，使歌曲显得更加形象﹑生动。你看学生说得多好，接下来我又问：我们要拥有什么样的翅膀才能飞得更高更远？学生说：我们一定要拥有“知识”“理想”这两副翅膀才能飞得更高更远，将来才能成为国家的栋梁。瞧！学生的回答多么精彩。实际上“创造”也就是指学生在巩固﹑应用﹑认知﹑成果的同时，向更高一个层次发展，是学生在应用﹑拓宽和延伸得活动中尝到学生活动的乐趣和满足，进而陶冶了他们的情操。总之，教师应发挥音乐学科的优势和优点，在实施情感教学的过程中，创设具有真情实意的教学意境，利用一切可以利用的情感资源，抓住情感教学的要点，激发学生的情感共鸣，体验音乐的美感，提高学生的心理素质，使学生在情景交融的课堂中愉快地学习。

音乐与情感的关系,有过自我表现、情感抽象、情感否定等多种学说,都未能全面准确地论述音乐与情感的关系音乐是人类表现性艺术产生的最早的形式之一,情感是音乐表现的内容,音乐是情感表达的形式,音乐与情感互动说准确地揭示了音乐与情感的关系希望我的回答对你有所帮助，谢谢。望采纳！

关于音乐的要素，有多种说法，有说“三要素”，有说“六要素”，还有说“七要素”，本人偏向于“三要素”的观点。以下是从网上查询到的一些资料，和你共同探讨。

音乐的构成要素

贝多芬有一句引人深思的名言：“音乐应当使人类的精神爆发出火花。”音乐究竟以哪些手段达到这样强烈的效果呢？归纳起来主要是音乐的语言、音乐的结构和音乐的谐和性。音乐的语言主要是指旋律，音乐的结构包括了节奏、曲式的因素，而音乐的谐和性主要是指和声。因此，人们常把“旋律”、“节奏”、“和声”作为音乐最主要的构成要素。音乐美学家们认为：“占首要地位的是没有枯竭、也永远不会枯竭的旋律，它是音乐美的基本形象；和声带来了千姿百态的变化，它不断提供新颖的基础；节奏使二者的结合生动活泼，这是音乐的命脉，为多样化的音色添上了色彩的魅力。”

作为“三要素”中最为重要的旋律，它有如下一些功能：旋律能模拟自然，如流水、鸟鸣等等。旋律也能反映生活，如它可以表现钟表店里的挂钟、闹钟、小钟和怀表，还能描绘钟表店里的工匠边吹口哨边开发条的场面。旋律还可以表达感情，这是旋律最擅长的功能。旋律同样可以塑造形象，这是对前三种功能的一种综合。

节奏是旋律的骨架。它是组织起来的音的长短关系。节奏的律动来自生活，如走路、游泳、打夯、锄地，人体中的脉搏、呼吸、心跳，运转的机器等等，生活的方方面面都包含着节奏的因素。虽然节奏有着纷繁的种类，但归纳起来不外乎长、短、长短结合三类。

和声是指音乐中同时发响而又相互谐和的不同高低的音相结合所构成的多声部。和声的运用，能够使主旋律具有立体感，如前所述，它可以不断提供音乐发展的新颖基础。

音乐被称作是“声音的美妙组合”。音乐主要由6个要素组成，即：节奏（Rhythm）、旋律（Melody）、结构（Texture）、曲式（Form）、音色（Tone Color）、调性（Tonality）。

　　1、节奏

　　节奏是音乐的一个方面，它包括了与乐音向前进行有关的所有因素（如重音、节拍和速度）。

　　当人们在听音乐音，会不由自主地拍打出的就是节奏，它表现了曲调的快慢缓急。节奏的一个要素是节拍（meter），它的定义是“系统地测定和安排的节奏”。节奏的另一个要素是速度（tempo）。节拍说明什么是重音，但并未说明奏出这些重音的速度是多快或多慢。常见的表示节奏述语有：广板（Large）、非常缓慢庄严而缓慢的（Grave）、慢板（Lento）慢速、柔板（Adagio）、行板（Andante）、小行板（Andantino）、中板（Moderato）、小快板（Allegretto）、快板（Allegro）、很快的快板（Allgero molto）、轻快的（Vivace）、急板（Presto）、最急板（Prestissimo）。

　　节奏的运用对音乐的影响极大。

2、 旋律

　　　旋律是由连续演奏的一些音符所造成的，旋律是音乐所要表达的意思同，它是人们想要听的东西。从技术上讲，人们可以创造出两个音符的旋律，我们可从二种不同种类鸟的叫声中可以听到两个单音。人们不用任何其他声音，也不用任何伴奏，就可以哼出、唱出、吹出这两个音来。旋律历来以一个特定的音为中心，这个直是起始点、核心点和结束点，一首曲子中的其他音都与它有联系

　　掌握某些音乐作品中的旋律较容易一些。与海顿的交响曲的古典旋律相比，舒曼的交响曲的浪漫旋律更加热情奔放，抒发个人感情。一首成功的作品不必采用很强的旋律，但是动听的、容易哼唱的旋律，总会给予普通的外行听众更多的欢乐。许多没有研究或分析过音乐的人，很容易被擅长旋律的作曲家的曲子所吸引。

　　3、结构

　　　旋律是横向的，音符一个接着一个，而结构是附加在这个音符线上的东西。取得结构的一个方法是使用和声（harmony）。一个人不能给自己的声音配上“和声”，他需要一位朋友与他一起唱，或者需要一把吉他来弹拨，有了和声使乐曲具有深度，旋律是一连串乐音，而和声却是同时响起的乐音。

　　结构中的和弦（chord）是指同时发出三个或三个以上的音，它在和声中扮演重要角色。和弦不仅涉及到每个和音以及每个和音同它所配合的旋律之间的关系，而且还涉及到和音的律动和彼此的关系。

　　在用旋律加和弦构成的音乐作品中，和弦往往是由“协和”（consonant）音，即听起来悦耳的、平和的、不刺激人的、稳定的乐音所组成的。但是和弦也可以用音级不断变化、确实刺耳的乐音——即“不协和的”、“活跃的”、“不平稳的”乐音所组成，这种不协和的和弦被作曲家用来制造紧张状态，而协和的和弦则被用来缓解这种紧张状态、从一个和音到另一个和音的前后律动，就是和声的全部内涵。

　　　4、曲式

　　曲式被称之为作曲家选择的‘建筑”形式。音乐需要一定的结构，音乐的每一时期都体现了特定的音乐形式，反映出时代的特色、对音乐知识的理解、作曲家的技巧和所要达到的目的，以及听众的欣赏品味。

　　音乐的结构或模式可以是严谨的，也可以是自由的。作品采用严谨的曲式并不说明作曲家缺乏想象力或独创性，如巴赫、莫扎特和贝多芬的作品就是如此。问题不在于采用什么曲式，而在于赋予曲式什么内容。对于业余音乐爱好者来说，那些作品模式、结构或曲式不正规的音乐不但难以跟上思路，而且不容易理解，这个道理就同我们欣赏抽象派雕塑和无韵诗时的情形一样。

　　一些主要的曲式名称，如交响曲，因其仍在流行，所以人们一般都知道，但一些较古老的曲式人们则比较陌生。音乐界人士喜欢说，不论采用什么曲式，音乐作品结构的基本法则是重复和对比。

　　　“曲式”一词还将包括如歌剧（opera）、神剧（oratorio）、弥撒（mass）和清唱剧（cantata）等声乐艺术形式。

　　5、音色

　　音乐演奏中所使用的每一件乐器都有自己的音色。例如，长笛的音色与大号就不相同，即使这两样乐器演奏完全一样的音符。例如一个管弦乐团中有几十件各不相同的乐器，它们就像美术家调色板上的色彩一样多，这些音色在配器法中起重大作用，配器就是为管弦乐团作曲的方法。

　　俄罗斯浪漫主义作曲家里姆斯基科萨科夫，他说：“配器是作品灵魂的一部分。一首为管弦乐团想出的作品，是离不开某些音色的”。音乐界人士有时喜欢把各种音质等同于特定色彩，如竖笛能发出一种类似柔和蓝色色调的声音，而小号发出的声音则像火红的色调。

　　各种乐器有音色不同，其个性的表现则更这突出：

　　小提琴——表现所有情感

　　中提琴——表现浓浓的愁思

　　大提琴——表现所有情感，但比小提琴所表现的更加强烈

　　短笛——表现狂欢

　　双簧管——表现质朴的欢乐和悲怆

　　小号——表现大胆、勇武和骑兵渐近的声音

　　大号——表现力量和粗扩

　　英国管——表现朦胧的愁思

　　竖笛——在中音区表现流畅和温柔

　　浪漫主义时期的作曲家的作品则更注意音色，在讲述故事、描绘心境或事件的音乐上，充分利用现有的，或者有可能得到的乐器的不同声音的音色来表现。

　　6、调性

　　调性对于业余音乐爱好者来说较难理解。当我们拨动一根弦受到拨动时，它会发出固定领率的声音，发声时这根弦的每秒振动次数相等。钢琴的最低音每秒振动30次，最高音每秒振动40次。不论琴弦长短，经拨动后它所发出的声音和其一半或两倍长的琴弦发出的声音几乎一样，这两根或短或长的弦分别发出高于或低于第一根弦所发出的声音，但三根弦的音却是相同的。钢琴上的一个音，如C音，即能在键盘的高音部找到相同的高音己也能在低音都找到相同的低音C。数百年前，西方作曲家把一根弦的长度分成12段。虽然在小提琴上看不出来，但却能在钢琴上找到代表这个12个音的7个白键和5个黑键，这12个健代表了传统西方音乐使用的12个音。每个键，不论白键还是黑健，都与相邻的键相差半音。

　　大家都知道，7个白键分别是由字母表上的前7个字母的名称命名的，从A到G。每个突起的黑键有两个键名。当它处于比白键高的位置时，称为升半音，反之称为降半音。因此，在键盘图上升C和降D是同一个黑键。这个键盘图还说明，钢琴上的五个白键，即A、C、D、F、G，它们的右侧都有一个升音的黑键，而其他两个，B和E，则没有。两个毗邻键之间的音差仍是半个音高，不论它们是白白、白黑还是黑白相连怕永远不会出现黑黑相连的情况）。因此，A键（白键）和B键（白键）之间相差一个全音，因为中间有一个黑键。而E键和F键，虽同为白键，但只相差半音，因为中间没有黑键。一位钢琴家从白色的C健开始弹奏，并且只用7个白键，我们会听到熟悉的“do-re-mi-fa-sol-la-ti-do”自然音阶。由于他选择了C作为起点，并且只用这几个键弹奏一个曲调，加上和弦，那么这首曲子就是“C大调”乐曲。C大调和其他调不同，仅包括白键，如果他仅弹奏白键，那他就是“完全忠于调性”，他没有“放弃”或“失去”调性。他的作品将以他选择的音阶的第一个音为中心，在本例中，就是C。这个C音是“主音”。“调性”反映了属于一个调的和弦与和声的关系。

音乐基本要素：音乐的基本要素是指构成音乐的各种元素，包括音的高低，音的长短，音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成 音乐的常用的“形式要素”，例如：节奏，曲调，和声，以及力度，速度，调式，曲式，织体等。构成音乐的形式要素，就是音乐的表现手段。

　　由低到高的顺序可分为：　

　　1、节奏：音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。我国传统音乐称节拍为“板眼”，“板”相当于强拍；“眼”相当于次强拍（中眼）或弱拍。

　　2、力度：音乐中音的强弱程度。

　　3、速度：音乐进行的快慢。

　　4、旋律：声音经过艺术构思而形成的有组织的、有节奏的和谐运动。旋律是乐曲的基础，乐曲的思想感情都是通过它表现出来的。

　　5、和声：和声包括“和弦”及“和声进行”。和弦通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向（同时）重叠而形成的音响组合。和弦的横向组织就是和声进行。和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用；还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。以3度关系往上递进。

　　6、调性：一个音阶上产生出来的和声。音乐界中一共有24个大调（大调=调性）

　　7、曲式：音乐的横向组织结构。

注：以上材料非本人原创，均是由网上搜索而来，作者不详，谨此致歉。。

是以表演和倾诉的方式来表达感情的。

音乐实际上也是一种表演方式，和朗诵，舞蹈，表演是一样的，都是为了表达一种感情，或者悲伤，或者欢快，总有一首歌唱到你心里，音乐是有力量的，而这种力量是由作词人作曲人和演唱者还有这首歌背后的制作团队共同配合完成的。

首先一个好的旋律可以带动听众的神经系统，让他跟着这种旋律跳动，这就是音乐情感的传递，是从演唱者通过高超的演唱技巧和感染力，还有他对歌曲的把握和表演张力成功的把他对这首歌曲作品的理解和想表达的感情传递给观众，那么这个表演就是成功的。

另外好的词也是情感表达的重要基础与因素，这是一种高级情感倾诉方式，而歌词就是最直接的方式，因为有些观众对旋律可能没有很好的感知力，但歌词是他们最直接听到的东西，如果词写好了，人们自然而然就会联系到自己的情感状态，从而达到这首歌想要给听众传达的主题效果，

最后再有一个看的演唱者，那么好的词加上好的曲，再通过歌手的演唱，这首歌将会被赋予新的生命力，这就是歌曲传递情感的方式。

音乐要素　　音乐基本要素：音乐的基本要素是指构成音乐的各种元素，包括音的高低，音的长短，音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成 音乐的常用的“形式要素”，例如：节奏，曲调，和声，以及力度，速度，调式，曲式，织体等。构成音乐家的形式要素，就是音乐的表现手段。音乐的最基本要素是节奏和旋律。

　　1、节奏：音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。我国传统音乐称节拍为“板眼”，“板”相当于强拍；“眼”相当于次强拍（中眼）或弱拍。

　　2、曲调：曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是完整的音乐形式中最重要的表现手段之一。曲调的进行方向是变幻无穷的，基本的进行方向有三种：“水平进行”、“上行”和“下行”。相同音的进行方向称水平进行；由低音向高音方向进行称上行；由高音向低音方向进行称下行。曲调的常见进行方式有：“同音反复”、“级进”和“跳进”。依音阶的相邻音进行称

　　为级进，三度的跳进称小跳，四度和四度以上的跳进称大跳。

　　3、和声：和声包括“和弦”及“和声进行”。和弦通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向（同时）重叠而形成的音响组合。和弦的横向组织就是和声进行。和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用；还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。

　　4、力度：音乐中音的强弱程度。

　　5、速度：音乐进行的快慢。

　　6、调式：音乐中使用的音按一定的关系连接起来，这些音以一个音为中心（主音）构成一个体系，就叫调式。如大调式、小调式、我国的五声调式等。调式中的各音，从主音开始自低到高排列起来即构成音阶。

　　7、曲式：音乐的横向组织结构。

　　8、织体：多声音乐作品中各声部的组合形态（包括纵向结合和横向结合关系）。

　　9、旋律：声音经过艺术构思而形成的有组织、有节奏的和谐运动。旋律是乐曲的基础，乐曲的思想感情都是通过它表现出来的。 音乐不以说理方式来传播，而是更多地通过熏陶及感染的途径，潜移默化地来影响人的心灵，使更多地得到美的滋润。

　　音乐是什么？音乐与人的生活情趣、审美情趣、言语、行为、人际关系等等，有一定的关联。故高洁的音乐与低价的音乐其对人们的影响是大不相同的。 音乐是人们抒发感情、表现感情、寄托感情的艺术，不论是唱或奏或听，都内涵着及关联着人们千丝万缕的情感因素。为什么音乐能表达人们的感情呢？因为音与音之间联接或重叠，就产生了高低、疏密、强弱、浓淡、明暗、刚柔、起伏、断连等等，它与人的脉搏律动和感情起伏等等有一定的关联。特别对人的心理，会起着不能用言语所能形容的影响作用。 音乐定义　　广义的讲，音 乐就是任何一种艺术的、令人愉快的、神圣的或其他什么方式排列起来的声音。所谓的音乐的定义仍存在着激烈的争议，但通常可以解释为一系列对于有声、无声具有时间性的组织，并含有不同音阶的节奏、旋律及和声。

　　《词典》上的定义是，用有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的一种艺术。分为声乐和器乐两大部门。

　　在所有的艺术类型中，比较而言，音乐是最抽象的艺术。

　　音乐可以通过几种途径来体验，最传统的一种是到现场听音乐家的表演。现场音乐也能够由无线电和电视来播放，这种方式接近于听录音带或看音乐录像。有些时候现场表演也会混合一些事先做好的录音，如DJ用唱片做出的摩擦声。当然，也可以制作自己的音乐，通过歌唱，玩乐器或不太严密的作曲。

　　甚至耳聋的人也能够通过感觉自己身体的震动来体验音乐，最著名聋 音乐家的例子便是贝多芬，其绝大部分著名的作品都是在他完全丧失听力后创作的。

　　人们想学习音乐的时候会去上音乐课。音乐学是一个历史的科学的研究音乐的广阔领域，其中包括音乐理论和音乐史。

　　音乐作为一门古老的艺术，各文化也都有其独特的音乐系统，民族音乐学是一门以该领域为讨论对象的学科。