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雕塑作为人类最古老的艺术形式之一，以其独特的魅力渗透于社会生活的方方面面。雕塑艺术以一种物质形态与意识形态相交融的方式存在着，它以静态的美传达艺术家们的思想情感与审美理想；而两种不同的历史与文化背景，使同一种艺术形态形成了各自独特的艺术风格特征。本文从题材、表现手法、造型手法、材料的运用等不同角度，对这两种艺术风格之间的差异进行分析、归纳和比较，并作以简要评述。如果说历史是人类谱写的一部气势宏伟的交响曲，那么雕塑艺术就是其中一部精致而独立的乐章。雕塑是造型艺术种类中最早出现的重要的艺术表现形式，也是建筑艺术以外的另一种表现实体空间的艺术。雕塑是有三维空间的由人类创造的存在于实际空间的立体形象。像米开朗基罗的《大卫》、罗丹的《思想者》、中国的四大石窟、兵马俑等都是极具代表性的作品。雕塑永远表现动态，甚至完全静止的雕像也被看作具有一种内在的运动，一种不但在空间、也在时间上持续的伸展的状态。人们可以从这一瞬间的造型中想象静态向动态的转变，想象行为的连贯，持续的活动过程，从而体味出它的活力和精神，体味出它的冷冰冰的物质材料后面的体温和感情。雕塑是可视的、可触摸到的并能反映一定意识形态及较高审美意义的实体。雕塑艺术是世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠，也是根植于自己民族传统文化土壤上的一颗常青树。

在人类的文明史上，东方文明与西方文明是两大最鲜明的文明。尽管两者都产生于奴隶制和封建制这同一种社会基础上，都受制于人类思维发展和文化艺术发展的一般规律，但由于社会历史条件、文化传统、民族审美心理的差异，故而在雕塑艺术上形成两种各具特色的艺术风格。

一、题材差异

中国社会是一个农业社会，中国田园牧歌式的乡村文明，使人与自然及生态系统始终保持着和谐的关系。因而中国早期雕塑题材以动物为主，《四羊方尊》、《莲鹤方壶》等就是其中的杰作。自佛教传入中国以来，宗教佛像也成为中国传统雕塑的表现对象之一，最有名的当推云岗石窟、龙门石窟、麦积山和敦煌石窟这四大雕塑群，此外还有大量的寺庙造像。同时在中国厚葬习俗的影响下，君主及达官贵族大势修造陵墓及陪葬品，使得陵墓雕塑成为中国雕塑艺术上的又一珍宝，最具代表性的就属秦始皇陵的兵马俑。

对比之下，西方的社会基本上是一个宗教性的商业社会，城市化的生产培养了西方人的外向性和冒险性的性格，再加上海上，陆路交通发达，同东方交流广泛，这一切都有利于科学、文化和艺术的发展。神话传说是两方雕塑题材之一，如希腊人认为每一种自然现象都是神的力量显现的结果，人和神是同源的，神就是人最完美的体现，神同人一样有血有肉，有喜怒哀乐。不同的是他们长生不老、神通广大而已。就在这样一个环境下产牛了关于缪斯、阿波罗为主神及其统率下的缪斯的神话。

对人体美的表现也是两方雕塑家们的又一题材。体育竞技和大型的敬神是古希腊社会生活的一项重要内容，体育竞技大多以裸露身体的方式进行，这也许是为了在竞技比赛的同时显露强悍，优美的体型。这种社会风尚的流行无疑给雕塑家提供了一个很好的观察和创作的环境，给比赛胜利者雕像也成为雕塑家的一项任务。如米隆的《掷铁饼者》。

二、精神追求上的差异

在中国人看来，主体与客体相通、感性与理性共融，视“天人合一”为宇宙观核心，相信天人感应、天人相类。这种思想的必然结果即自然的入化和人的自然化，确信人们心中所要抒发的东西，都能在宇宙世界找到相应的事物，并以其恰当的方式表达出来。汉代霍去病的陵墓，墓前有十多件石雕，如马踏匈奴、跃马、卧马、卧牛、伏虎、野猪等。其中最具代表性的就是《马踏匈奴》。为了表现霍去病的赫赫战功，作者别出心裁的雕造出一匹气势轩昂、庄重雄强的战马，马的神情果断沉着，仿佛在时时刻刻警惕着，防止被踢翻在地的匈奴败将挣脱而逃，体现出霍去病“匈奴未灭，无以为家”的坚定意志。虽然没有直接雕造霍去病的形象，但是通过《马踏匈奴》整个作品不难体现他的品格与精神，使人联想到英勇无敌的青年将军，似乎听到击败匈奴的胜利呼声。其它石雕也分别体现出将士们不顾艰险，浴血奋战的英雄气概。

《昭陵六骏》是唐太宗李世民生前所乘六匹战马的雕刻形象，艺术家概括地塑造了六骏的立、行、奔、驰的健美姿态，并显示六匹骏马那英勇而温顺、刚毅又善良的性格。造型饱满剽悍，神韵充沛飞扬，层次转折有力，在外光映射下富于变化，具有节奏感。雕刻的是马反映的是人，象征唐太宗李世民的品格，歌颂了李世民的伟业丰功。

除了表现人的精神品格和功绩外，也成为体现当时统治阶级权力的载体。例如清代十三陵，墓前的石象背加鞍鞯，上托宝瓶，头施笼佩，四足平衡，完全依照皇帝的仪仗，其寓意为“太平有象”——动物失去了自身的个性特征和活力，成为皇权的象征。

以上以物喻人，“天人合一”的例子在中国雕塑艺术中举不胜举。而西方则在征服自然的过程中突出了人的意志。西方雕塑的表现题材基本上是以人体为主，就算是神话人物也是以人为衣钵，体现人体的美。每个时代的雕塑家几乎都共同关注人体与精神的统一。如古希腊雕像就是通过人物整体，在单纯与静穆中显示出一种理想的美。黑格尔说过，“希腊民族性格的特点在于他们对直接呈现的而又受到精神渗透的人身的个性具有高度发达的敏感，对于自由的美的形式也是如此，这就使得他们必然要把直接呈现的人，即人所特有的受到精神渗透的躯体，作为一种独立的对象来雕塑，并且把人的形象看作高于一切其他。形象的最自由的最美的形象来欣赏。”①(注：参见〔德〕黑格尔著，朱光潜译《美学》第三卷（上册），商务印书馆，1996年版，第158页。)

三、表现手法上的差异

雕塑是三度空间的立体造型艺术。雕塑品的实际体量与绘画的虚拟体量从视觉感受上是不一样的，绘画中的虚拟体量要达到雕塑的实际体量是完全不可能的，这也就是雕塑魅力所在，它以各种不同的表现手法带给人的视觉冲击和震撼是其它艺术形式无可替代的。

作为精神的实际存在，西方人体雕塑在“理念”世界的支配下具有了自身的独立价值，它不是凭借自然景物的烘托，而是凭借光线与阴影的变幻以展现形体的空间实在性，因此西方人体雕塑是严格意义上的空间艺术，在20世纪以前，希腊雕塑的物理性的立体空间概念，成为西方雕塑家共同参照的范式。

中国美学突出强调情景交融，虚实相生，艺术家们共同追求着那种“天地浑溶一气，明暗高低远近，不似之以似之”的境界，营造着“往不复，天地际也”的独特空间。北京天坛的圜丘面对着一片虚空的天穹，以整个宇宙作为自己的庙宇，反映出中国人与生存方式密切相关的时空互渗的空间意识。因而中国的雕塑往往不是以孤立的实体出现的，而是尽可能采用“借景”、“虚实”等种种方式，以求与自然景象合为一体。那些石窟造像多是通过背景热烈激昂的雕绘故事的陪衬和烘托，而显得更加宁静和睿智，从而弥补了独立的圆雕在表现空间容量方面的局限性，构成了一个空间形式包含时间节奏和动感的艺术世界。唐代的帝王陵墓所确立的“以山为陵”的体制，使陵墓、陵前雕刻与自然起伏的山势巧妙结合，令观者“身所盘桓，目所绸缪”，西方那种瞬间直观把握的空间感受在这里变成长久漫游的时间历程。

除了空间表现手法上的差异，中国雕塑以写意为主的表现手法与西方雕塑的写实性表现手法也形成反差。由于中国雕塑很晚才与实用美术真正分离，在漫长的岁月中，雕塑大多只是实用美术的一种装饰手段。装饰不求再现，只追求表现物象，因此形成了中国雕塑不求形似，只求神似的特征。不讲究描摹写实，在塑形上注重写意传神，气韵生动，虚实相生，“神似胜于形似”，这种中国式的美学观念可以说贯穿了整个古代雕塑史，即使有时表现出一定的写实性，也只是比较细微而已，在本质上依然属于意象性造型。正因为中国艺术以表现、抒情、写意见长，追求艺术意境，中国古代雕塑也具有浓郁的东方情调和意境特色。“所以汉代那些女陶俑会有着细柔的腰肢，有着如盛开的喇叭花一样美丽形状的裙裾和翩翩起舞般的拂袖姿态；所以敦煌北朝的彩塑佛像会有着不可言说的微笑，并且在这微妙的笑容中透露着内心的智慧和远离尘世的洒脱风采；所以敦煌唐代的彩塑菩萨会有着如血脉在流淌搏动的肌肤和薄如蝉翼的透体天衣；宋代晋祠的彩塑侍女会有着美人鱼一般的身段。”而我们在欣赏的时候，必须使用我们本民族的艺术标准和审美习惯，才能够真正感觉中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。

而在西方，就雕塑而言，他们建立了人类历史上独一无二的写实性雕塑。这种写实性雕塑风格的产生是由于“模仿说”的明确提出。古希腊的哲学家亚里士多德认为最好的艺术必须“照事物的应当有的样子去模仿”。而模仿是人的“一种自然的本能”。强调对外事物的模仿和反映是发端于古希腊的西方艺术传统。“模仿说”如同一面镜子，反映视觉的真实。如《米洛的阿芙洛狄特》与《大卫》都是对人体的真实再现。并且，围绕着人体塑造，古希腊令创造出一系列的标准法则，如1：7和1：8的人体比例。文艺复兴时期又创立了透视学和解剖学两大成就，有些雕刻家如多纳太罗、米开朗基罗等还亲自动手做人体解剖实验。这些都是为了能更好、更准确的模仿自然，更完美的刻画雕塑形象而服务的。

四、造型手法的差异

中西雕塑艺术家都重视线条的表现力，重视以线条造型为共同的媒介，而西方的用线仅服务于造型。黑格尔认为速写或草稿卓越的表现了画家的天分及其特点，安格尔认为线和形愈简练愈美和有魅力。可见线条对画家的造型所具有的重要作用。对雕塑特别是圆雕来说，线的因素更是不见其痕迹，雕塑家刻意追求的是团块和体积、重视三维空间的立体效果，素描中的线条只是充当表现这种效果所界定的轮廓线。米开朗基罗曾说过，一个好的雕刻作品即使从山上滚下去也不应有一处磨损。中国古代雕塑和绘画都来自于原始实用美术，从彩陶时代起，绘塑便相互补充，紧密结合。中国雕塑不仅吸收了绘画的线条色彩的特点，而且还习惯在雕塑上绘色描线。中国古代长期绘塑不分家，而且对绘画更为重视，因而雕塑具有了明显的绘画性。这种绘画性导致中国雕塑区别于西方雕塑追求团块和体积，因而是线条在雕塑中发挥重要的造型辅助作用。雕塑家“运刀如运笔”，通过富有弹性而又丰富多变的线条，或表现飞奔的情态，如汉代的“四灵”瓦当、龙门莲花洞中的飞天等；或表现不同质感；或表现不同体型；或表现不同个性……。总之这种“净化了的线条”既体现了各自的时代风格，又具有各种不同的功能。行云流水，骨力追风，刚柔相济，状物抒情，充分展示了中国雕塑中线条的灵活性和自由美。

另外，中国古代雕塑还喜好在雕塑上绘色。如新石器时代的彩陶艺术、战国的随葬木俑、汉代的画像砖石，唐宋的“影壁”形式，无不是塑绘与雕绘相结合的产物。晋唐以来的佛教塑像更具有绘画的风貌，莫高窟盛唐时期的彩绘菩萨，设色浓艳华美，体态雍容华贵，生动的表现出盛唐时期的贵族妇女的风度神韵，这种艺术效果充分显示了中国雕塑家的创造才能和民族特色。这与西方雕塑很少设色区别也很大。在这方面，西方雕塑与其它门类艺术之问有着严格的界限以及各自独立的表现方法。从古希腊时代直到20世纪之前，西方雕塑作品很少有设色者，中间仅18世纪法国“洛可可”风格产生时，出现一丛敷彩的建筑装饰雕像，以适应王室贵族的审美趣味和感观享受。但那种净素妍雅。强调光影感的大理石刻雕塑则长期占据主导地位。西方雕塑家大多尽力排除从色彩的优越性中择取绘画的辅助方法。法国雕塑家法尔孔奈说过：“如果雕刻能保留在自己确定的范围之内，它就不会丧失自己任何一项优点；但是，如果它要使用绘画的全部手段，它就会受到失败的威胁。这两种艺术各有各的表现手段，色彩不是雕刻的手段。”

五、材料的差异

雕塑是使用真材实料来实现作者的创作意图的。材料不仅有坚硬的质地，而且也能像色彩一样借物传情，发挥和延伸设计者的思想。如花岗石的坚硬能使人产生出坚如磐石之感；大理石的洁白能使人产生出纯洁无暇之感等等。罗丹的作品大家都熟知，在他的雕塑作品中，可以看到作者彭湃的激情。他那双天才的手用泥土塑造的肌肤下似乎流动着生命的血液，假使没有以能保留住作者手印的青铜来铸造，那么可想而知我们将无法欣赏到这动人的一幕。

在雕塑材料的使用上，中国雕塑较之西方尤为丰富，如土、木、石、玉、铜等等，其中以与自然密不可分的土木居多。从仰韶文化的人像陶塑到长沙汉墓中的彩绘木俑；从秦陵兵马俑到唐代木雕迦叶像，从敦煌莫高窟的彩塑菩萨到明清时代的小品雕刻，皆体现出中国人对土木的依赖性和亲切感。西方由于工商文明的发展而较早地摆脱了人对自然的依附性，在雕刻材料的选择上也较早地扬弃了土和木的利用，在雕刻材料的选择上创造了以石雕为主流的雕塑艺术史。

总之，中西方历史与文化背景的不同特征，决定了西方艺术的注重写实性与而中国艺术崇尚写意性的两种不同审美取向；同时在造型手法和材料等运用上也造就不同层度的差别与异同。中西雕塑艺术虽有风格特征之别，但无优劣高低之分，以上只是对各自风格与观点的评述，有助于更深入地了解雕塑这一艺术领域的奇葩。

1 论中西方雕塑的发展历史 特别全面

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2中国雕塑发展史

一、史前雕塑（公元前6500年-公元前1600年）

中国迄今发现最古老的雕塑，属新石器时代氏族公社繁盛阶段的遗物。原始社会雕塑对探讨社会发展进程、研究造型艺术与意识形态的历史，具有重要意义，所以历来深受人们的重视。这一时期雕塑的造型还都是依附整体器物上的饰物，均为粗略的，夸张式的，具有极强装饰性。其中最具代表性的当属陶塑人像。（见图1）石雕与骨雕人像仅有少量出土。

二、商周雕塑（公元前1600年-公元前221年）

这个时代雕塑作品侧重于动物外形的器皿、饰物和人物的捏塑，形体小巧，造型粗略，带有浓厚的人情味。青铜器艺术代表了商周雕塑的最高水平。此时的青铜作品虽然多具实用目的，但已初步具备了雕塑艺术的特性。一些夸张、变形、奇特的纹饰，渲染了威严神秘的气氛，形成了端庄、华丽、气质伟岸、形象乖张的艺术特性，突出反映了商周时期人们的审美观和对自然环境的理解。鼎是这一时期典型的雕塑作品。而《司母戊大方鼎》就是此期间最著名的作品之一。（见图2）

司母戊大方鼎身呈长方形，口沿很厚，轮廓方直，显现出不可动摇的气势。鼎的周围则布满商代典型的兽面花纹和夔龙花纹。它凭借庄严的造型，庞大的体积和神秘的花纹，成为商朝贵族王权与神权艺术的最典型代表，同时也是研究中国古代历史的重要史料。

三、秦代雕塑（公元前221年-公元前206年）

公元前221年，秦始皇统一中国之后,建立专制统治国家，即利用雕塑艺术为宣扬统一功业、显示王权威严的政治目的服务，在建筑装饰雕塑、青铜纪念雕塑、墓葬明器雕塑等方面，都取得了划时代的辉煌成就。

秦代是中国封建社会上升期，在雕塑作品上，秦追求写实逼真。雕塑在建筑装饰、陵墓装饰和“明器”中发展，形成雕塑史上的第一个高峰。秦建筑装饰表现在宫室、苑囿、亭阁楼榭和陵墓神道建筑上。最为壮观的是被称为世界 “第八奇观”的秦始皇陵出土的兵马俑。（见图3）

兵马俑的发掘，给世人展示了秦代雕塑艺术的辉煌成就。其兵俑形态各异、栩栩如生；其马俑身材矫健、活灵活现。人物雕塑更注重面部的形象刻画，神态万千、精细逼真，秦俑坑发掘的铜马车更是雕塑艺术史上的奇迹。充分体现了主导那个时代的高大、雄健的风尚。

从总体看，秦代雕塑的风格特点是浑厚雄健，朴实厚重，庞大强壮，气魄宏大，体现出封建社会的上升期的积极向上、朝气蓬勃的精神风貌，具有崇高的力和数的巨大、超常的审美特征。

四、汉代雕塑（公元前206年-公元220年）

汉代雕塑在继承秦代恢弘庄重的基础上，更突出了雄浑刚健的艺术个性。这一时期的墓葬雕塑特别发达，已从秦陵地下墓葬的雕塑的形式发展到地上的陵墓表饰。在形式上突出了石雕作品的雄浑之势和整体之美。

汉代雕塑作品的品种和数量相当丰富，呈现出的主体面貌浑厚简练、生动完整。这个时期雕塑艺术成就，突出表现在大型纪念性石刻和园林的装饰性雕刻上，其中汉朝骠骑将军霍去病墓石刻就是留存至今的一组非常具有代表性的大型石雕作品。

霍去病墓石刻群雕在中国雕塑史上有着十分重要的地位。它打破了汉代以前旧的雕刻模式，建立了更加成熟的中国式纪念碑雕刻风格，具有划时代的意义。这些作品以其简洁的造型，粗犷的风格，宏大的气势，不仅寄托了对英雄的歌颂和哀思，也反映了正处于上升时期的汉朝统治阶级那生机勃勃的精神面貌。霍去病墓的石刻群雕，是中国古代雕塑艺术发展史上的一座里程碑，对后世陵墓雕刻的艺术风格产生了极其深远的影响，是汉代以后中国古代大型纪念碑雕刻的典范之作。

而《马踏匈奴》（见图4）是整个群雕作品的主体，同时也是这些雕塑所讴歌的主题。 整个作品风格庄重雄劲，深沉浑厚，寓意深刻，耐人寻味，既是古代战场的缩影，也是霍去病赫赫战功的象征。雕塑的外轮廓准确有力，形象生动传神，刀法朴实明快，具有丰富的表现力和高度的艺术概括力，是我国陵墓雕刻作品的典范之作。

五、魏晋南北朝雕塑（公元220年-公元581年）

魏晋南北朝是一个佛教思想与儒学思想碰撞、交融时期。因此，统治者利用宗教大建寺庙，凿窟造像，利用直观的造型艺术宣传统治者思想和教义。代表性的石窟为：敦煌石窟、云冈石窟、龙门石窟、麦积山石窟等。（见图5）

石窟内雕塑大量的佛像，有石雕、木雕、泥塑、铸铜等，佛像雕塑遂成为当时中国雕塑的主体。这些石窟在发展中不断增加新的雕塑作品，历代都对石窟进行重修、扩建、新增和补充。

石窟艺术在中国雕塑中很有代表性，如东晋时期的戴逵，擅长雕刻和铸造佛像，他在建康瓦棺寺所作的玉躯佛像，与顾恺之的壁画《维摩诘图》和狮子园的玉像被称为“瓦棺寺三绝”。这个时期的雕塑特点为较注重细部的刻画，技术更圆转达纯熟，雕塑形象和题材大都为宗教题材，因而雕塑形象具有神化倾向和夸张的特征。宗教使雕塑艺术的题材单一化，但宗教精神的内在动力却也促进了大量精品的诞生。

六、隋唐雕塑（公元581年-公元907年）

中国隋唐时代在经历了延续约 3个半世纪的分裂和动荡以后，重新得到统一和安定，进入一个政治经济空前繁荣的历史时期，从而促使雕塑艺术的发展出现新高峰。经过隋和初唐的过渡阶段，融会了南北朝时北方和南方雕塑艺术的成就，又通过丝绸之路汲取了域外艺术的养分，使雕塑艺术大放异彩，创造出具有时代风格的不朽杰作。

隋唐是中国封建社会的鼎盛期，也是文学艺术发展的鼎盛期。宗教造像艺术、陵墓的装饰雕刻艺术、陪葬的陶瓷雕塑艺术、肖像造型艺术等都进入一个空前繁荣时期。宗教造像艺术在唐代有长足发展，其中比较有代表性的有敦煌石窟，龙门石窟等。

龙门石窟在经历魏晋唐多个朝代的开凿后，随历经千年岁月的风霜，仍不失其神秘华丽之彩。龙门奉先寺群雕更显示出大唐帝国的强盛。其中奉先寺大卢舍那佛龛是最为辉煌的杰作。（见图6）其九尊一铺的形式为一佛、二弟子、二菩萨、二天王、二力士，还有二尊供养人雕像。是一个有主有宾、层次井然的有机整体。这也是意想造型中强调人是审美主体的观念。

此时的佛雕作品既博大凝重之态，又不失典雅鲜活之美。其雕塑风格的多样化与技巧的纯熟已达到了史无前例的水平。

七、宋及金雕塑（公元960年-公元1279年）

宋代以城市为中心的商品经济空前繁荣，市民阶层壮大起来，代表市民趣味的审美观念随之兴起。与此同时，理学的兴盛使人们更关心现世生活，关注来世的佛教日趋衰落。因此，宋代的佛教雕塑无论内容还是风格都明显世俗化，那些神圣不可及的面貌渐渐模糊了，代之而起的是更接近现实生活的形象。造像艺术集中转入南方，如广元、大足、安岳、杭州、赣州都是摩岩造像较集中之地。（见图7）

大足石刻是我国石刻艺术的精品。尽管它的开凿有着宣扬佛法说教的主旨，但雕塑匠师的高超手段，至今仍使人们为造像之精妙而赞叹不绝，从而受到无上的精神享受。大足石刻无愧为中国雕塑史上的一大奇观。

在世俗题材方面，宋的陵墓石刻多沿袭唐之传统，但气势渐弱。继中晚唐之后的宋代雕塑进一步生活化、世俗化，创作手法上趋于写实风格，材料使用上则更加广泛。宋代的彩塑较为发达，在佛雕造像上较唐代有了较大变化，此时的佛雕造像以观音菩萨居多。

辽、西夏、金等少数民族的雕塑作品主流风格仍多受宋影响，但在不同程度上呈现出了其民族的特色。

八、元明清雕塑（公元1279年-公元1911年）

中国蒙古族统治者早在建立元朝之前，便先后仿照汉族建筑样式，营建上都及大都两个都城。而分布各地的寺庙塑像、石窟造像等亦展示了元代雕塑艺术的概貌。进入元代，统治者重视手工业，雕塑作为其中重要的组成部分也得到了一定的发展。

明清两代，宗教观念进一步淡薄，此时的宗教雕塑在缺少内在信仰的状态下，显现出缺乏创造性和生命力的程式化倾向。而明清的世俗雕塑艺术多趋于装饰化和工艺化。这些雕塑大多更强调实用性与玩赏性功能，体现出工艺品的特色，而早期雕塑那种强烈的精神性功能则大大削弱了。但是，这些装饰性、玩赏性的作品往往不受陈规限制，面貌各异，这也可以算是明清时期雕塑艺术的一个亮点。其作品造型一般小巧玲珑、精致剔透、精雕细凿，缺乏大气之作和大型之作，艺术上逐渐转向个人化、内聚性的风格。

而一些与广大人民群众尤其是市民群众及知识阶层有着较密切关系的各种小型的案头陈设雕塑和工艺品装饰雕刻，则有显著的发展，出现了生机勃勃的景象，代表着这一历史时期雕塑艺术的新成就。

明清帝陵的陵墓表饰较前代规模更大，像设更多，布置讲究、技术娴熟，但其既缺乏唐代的超然、也缺乏汉代的雄浑，此时的作品更能满足人们的赏心悦目之功能，失去了前代的创造活力。 明清雕塑有明显追随唐宋风格的痕迹，在名目繁多的寺庙里，供奉着各式各样的神像，其造像多为彩塑，即泥塑彩绘。从题材到表现手法日趋世俗化、民间化，形成了工巧繁缛、萎靡纤细、色彩亮丽的艺术风格。如泥彩塑千手观音。（见图8）

九、现代雕塑（公元1911年后）

进入20世纪后，中国传统的宗教雕塑已处于衰落时期,民间小型雕塑虽很繁荣,但未能成为主流。辛亥革命及五•四运动前后到30年代，许多青年赴英国、美国、日本等国学习雕塑。他们归国以后，大多从事艺术教育，成为中国近现代雕塑艺术的开拓者，促进了中国各种形式雕塑的发展。这个时期比较大的创作有为纪念孙中山和其他民主革命家塑制的纪念像和设计抗日战争英雄纪念碑等。

中华人民共和国建立后，中国的架上雕塑、大型纪念性雕塑、园林雕塑、城市环境雕塑民间雕塑与大型泥塑群像等雕塑艺术都有了长足发展。如江小鹣作的《孙中山立像》、王丙召作的《金田起义》等。（见图9）标志着中国雕塑艺术又进入了一个全新的阶段。

西方雕塑发展史

一、史前雕塑

新石器时代开始后，人类被迫放弃狩猎成为牧人、农民，各种手工艺术得到了充分发展。外国最早的雕塑是在人类为劳动和生活需要创造生产力极低的劳动工具--石器工具的同时创造的雕塑艺术。其经历的时间漫长，演变反映了史前人类文化逐渐丰富的过程，在这一时期没有明显的地域性分别，所以它标志这整个人类文明的最初探索，而不是单一的代表某一民族。

比较著名的史前雕塑是距今25000年前的威伦道夫的维纳斯。（见图10）他塑造的滚圆丰满的妇人形象，表达了原始人对丰产的象征性渴望。

二、古典雕塑

1、原始时期

西方雕塑的传统发源于古希腊和古罗马文化，但古希腊雕塑却又曾经被古埃及雕塑深深的影响过。

随着社会生产力的发展与原始公社的瓦解，世界上先后出现了最早的奴隶制国家，古埃及就是其中之一。埃及的雕塑艺术大约始于公元前4000年，建筑业的诞生，孕育了艺术装饰的萌芽。它长期保存了原始社会的残余，埃及的神话与宗教信仰支配了雕塑的形成和发展过程。神话、宗教信仰的保守性是决定埃及雕刻发展迟缓的主要原因。

埃及雕刻是为法老政权和少数奴隶主贵族服务的。由于受宗教思想意识支配，严格服从上层社会的审美观点和需要。古埃及雕刻除陵墓中一部分作品外，最有影响的还是陵前和神庙的装饰雕刻及纪念性雕刻。金字塔就是最著名的雕塑。其中最高的是胡夫金字塔，金字塔前的巨大狮身人面像采用一整块巨大岩石雕成，是古代最庞大、最著名的雕刻。（见图11）

埃及雕刻达到如此卓越的成就，是埃及雕刻家经过长期的探索得来的。它的雕塑艺术在古代世界美术史留下了灿烂的一页。

古埃及雕塑的审美理想是追求永恒，而古希腊雕塑的审美理想是追求真实的美。

希腊雕刻的题材大部分取自神话或体育竞技。当时，一些开明的统治者除致力于内政武力外，还提倡发展美术和文艺，在公元前6世纪以后的几百年中，古希腊科学、文学、艺术的名家辈出成就辉煌，雕塑艺术是这个时期灿烂的文化成果的一个重要方面。

爱琴海上有许多小岛屿，其中巴罗斯岛盛产大理石，为雕刻提供了最好的材料。希腊雕刻就艺术风格的变化、发展而言，可分为古风时期、古典时期和希腊化时期。

古风时期是雕刻家的训练阶段。这个时期经过雕刻家的长期探索，为后来的雕刻家开辟了道路。其中最著名雕刻家是米隆。《掷铁饼者》是他的代表作品。（见图12） 古典时期，希腊人的社会思想和宗教观念起了很大的变化，雕刻艺术逐渐趋向强调人物性格情感的刻画。希腊化时期，雕刻家继承了传统的技法，赋予作品以新的生命力和新的特色。

古希腊的雕刻家们对人体有丰富的知识和高度的写实技巧。处理衣纹线条生动流畅而有变化，不仅表现出衣服的质感，而且通过衣服表现人体的优美。希腊雕刻创造了崇高、典雅、完美的人物形象。

古罗马雕刻很大程度上是在继承了希腊雕刻遗产的基础上发展起来的，且在肖像雕刻方面却有独特的贡献，这与罗马人崇拜祖先遗容的传统风俗是分不开的。

由于僧侣风俗和祭祀礼节的流行，古罗马雕刻家较多刻画着衣人物形象。罗马早期雕刻被少数奴隶主、贵族所垄断，当时的雕刻家们雕刻的不少罗马皇帝的形象，是把罗马皇帝当做英雄的统帅来表现的。如梵蒂冈博物馆收藏的一尊《奥古斯都》，（见图13）表现了罗马皇帝手执权杖，正在向部下训话传令的瞬间动作。

这段时间的肖像雕塑以写实的风格见长。雕刻家们善于运用夸张、概括的艺术手法，细致地刻画人物，舍去繁琐的东西，加强运动感。除此之外，古罗马雕刻家还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。

古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分，它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。

2．欧洲中世纪时期

历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”，艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”，它延续了1200年左右。在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱。因此，欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。

中世纪盛期的文化艺术，经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体，许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力，哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就，如著名的巴黎圣母院等。（见图14）

3．文艺复兴时期

14世纪的法国雕塑中，哥特式艺术反映现实倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华有糟粕，许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容，但从艺术遗产的角度来看，当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品，在世界美术史上占有相当重要的位置。

从15世纪后半叶开始一直16世纪，文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里，文化艺术达到了高度繁荣，文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。文艺复兴文化是反对封建宗教的文化，提倡复兴希腊罗马古典文化，起领导作用的是正在形成中的资产阶级。

文艺复兴时期的雕刻，继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统，使雕刻艺术达到了高度繁荣，最先出现的雕刻大师是季培尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。（见图15）

而伟大的雕刻家米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，塑造人物形象，使人的形态有很强的力度感，以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。

4．封建主义向资本主义过渡时期

1520年左右到十六世纪末出现了风格主义，此后罗马出现了巴洛克风格的艺术，它通过绘画、建筑构成了一种潮流，推进了欧洲的文明。这时最重要的雕塑家是贝尼尼，他的作品在表达激情或宗教狂热时所使用的人体语言更加复杂，夸张的表情，起伏的形体和流畅的线条，使作为华丽的宫廷雕塑以其戏剧性的效果和纪念碑的气势，焕发出强烈的艺术魅力。

在十七世纪与巴洛克平行发展的还有法国的古典主义雕塑，它追求宏伟及平直的线条，与巴洛克以曲线为主的风格正好相反。十八世纪，法国宫廷中最先出现了罗可可美术。它是从巴洛克背景中演变出来的，并脱离了巴洛克风格，代表人物为法尔孔奈。

1790年至1840年新古典主义雕刻开始盛行，其中乌东在肖像雕塑方面有很深的造诣，代表作为《伏尔泰像》。（见图16）

之后又出现了浪漫主义、写实主义和法国现实主义运动，其中以现实主义雕塑家罗丹的成就最高。他的创作和艺术思想对于后世的雕塑有着深远的影响。他的代表作有《巴尔扎克像》、《思想者》等。（见图17）

三、现代雕塑

西方雕塑在进入二十世纪后有了很大的变化，一方面自希腊罗马的写实雕刻传统还在继续，另一方面，实验性艺术的兴起转而取代了学院派艺术，成为了主流。

立体主义的产生掀开了雕塑史的现代部分新篇章。1909年毕加索的作品《妇女头像》。（见图18）是一个重要标志，立体主义在雕塑语言内部建立了一种以几何形体的构成为基础的自身逻辑。它与传统的雕塑观念产生了决定性的断裂。

未来主义以强调动力论为原则。其代表作家是波丘尼。俄国的构成主义以透明框架的形式去包围和界定空间，彻底背离了以体量为基础的传统雕塑概念。他们积极地运用新材料去探索构成主义雕塑关于空间、时间和运动的观念。

达达主义的杜尚把小便器作为艺术品展出，（见图19）是对传统意义上的伦理、道德、美学提出的因的挑战。达达主义的美学思想广泛影响了以后的现代派艺术。之后的超现实主义也深受达达主义的影响。

20世纪50年代后，新达达、集合艺术、废品雕刻、波普艺术、超写实主义艺术都有着受达达主义影响的血缘关系。

抽象构成雕塑和活动雕塑在战后走向了室外，成为了大尺度纪念性艺术。雕塑中对光因素的利用，在战后与新科技能源观念进一步的结合了。身体艺术、行为艺术是受达达主义影响的另一种发展。

西方现代雕塑呈现出一片欣欣向荣的繁荣景象

　　雕塑的产生和发展与人类的生产活动紧密相关，同时又受到各个时代宗教、哲学等社会意识形态的直接影响。在人类还处于旧石器时代时，就出现了原始石雕、骨雕等。雕塑是一种相对永久性的艺术，传统的观念认为雕塑是静态的、可视的、可触的三维物体，通过雕塑诉诸视觉的空间形象来反映现实，因而被认为是最典型的造型艺术、静态艺术和空间艺术。随着科学技术的发展和人们观念的改变，在现代艺术中出现了反传统的四维雕塑、五维雕塑、声光雕塑、动态雕塑和软雕塑等。这是由于爱因斯坦的相对论的出现，冲破了由牛顿学说建立的世界观，改变着人们的时空观，使雕塑艺术从更高的层次上认识和表现世界，突破三维的、视觉的、静态的形式，向多维的时空心态方面探索。

　　西方古代时期的雕塑在很长的一段时间里主要是为图腾、魔法和宗教服务。在美洲，墨西哥的普勃洛州的特华坎河谷是伟大的中美洲文化的诞生地，而后在墨西哥湾地区出现了当时最先进的古典前期文化，即奥尔麦克文化。它被喻为墨西哥文明的前身。公元前300年左右玛雅文化开始出现并发展，它继承了中美洲文化传统，发展了大型雕塑，如神庙等。14世纪上半叶，墨西哥土著阿兹台克人统治了墨西哥河谷，建立了君主专制王国，形成了阿兹台克文化。16世纪时，西班牙人征服了阿兹台克王朝，接着向南方掠夺并统治了印加文化的发源地——秘鲁。在非洲文化中，雕塑是最重要的美术形式之一。黑非洲的浮雕和圆雕大都是木制的，但也有石材、金属和陶瓷。它大致分为两类：一类是民间美术，为宗教、魔法服务，也有表现自身生活的作品；另一类是为统治阶级服务的宫廷美术。这两类雕塑都内容丰富、形式多样，富有装饰性，富有表现力，视觉冲击力强。至今黑非洲雕塑仍具有独特魅力。古埃及文化是非洲文化长河中一颗灿烂的星星。古埃及雕刻是雕塑与建筑完美结合的艺术典范，具有历史性纪念碑似的宏伟、博大和非常高的艺术成就。如某些浮雕为了保持建筑的平面性，压缩体积与绘画形式中的线的组合，达到了一种新奇的艺术效果。

　　大洋洲和非洲有些文化是相似的。例如大洋洲的美术、雕刻也是为宗教和社会需要服务的。大洋洲雕塑中最著名的是复活节岛上的巨大石像。

　　欧洲古典时期的艺术是一种在赤贫后产生的新的美术形式，这种美术形式给后来整个西方美术发展带来了深远的影响。希腊雕塑家努力地使他们的作品显示出活力，他们努力并迅速地学习掌握了人体解剖结构，并逐渐取代了早期的“几何”风格，形成了最重要的人体法则，即把人的重心放在一条腿上，另一条腿则保持松弛。从而利用这一动态的视觉错觉，在无知觉的石头上表现出形体外部的松紧和内部的运动。它标志了雕塑古典时期的真正来临。同时，在古典时期浮雕也取得了很高的艺术成就。此外，古罗马在艺术上深受希腊的影响，但仍保持其自身的特色。特别是在肖像雕塑上，他们更注重客观对象，追求个性化，而非希腊的理想化。

　　中世纪时期（也叫中间时期），它所包括的范围是从古典时期结束起，直到文艺复兴之前。这一漫长的日子被基督教统治着，所以形成了基督教美术。这一时期的雕塑，摒弃了关于自然比例的种种古典法则，而去寻求一种更适合基督教题材的、形式多样的、比例被拉长了的形象。这种用抽象法式来处理的雕塑，使作品每个部分都充满了生机。这种形式的雕塑，反映了雕塑家力求把身体和灵魂结合在一起的愿望，而这种美术风格上的创新竟成为13世纪伟大的哥特式雕塑的先躯。

　　与此相同，东方也产生了一种宗教——佛教。佛教诞生在印度，佛教的诞生也带动了佛教艺术特别是佛教雕塑的发展。就佛教雕塑而言，印度人在这方面的成就是显而易见的。印度人对视觉艺术的探索基本上是三维的。在印度，雕塑、建筑甚至绘画均能以被触觉感知的三维立体的观念来表现。他们制作雕塑不是有意模仿对象，而是创造出经概括的形体，这些雕塑有一种厚实的分量感，从而达到了一种对质感、三维空间，以及纪念碑气势的表现。两汉后佛教传入中国，后又传入日本等地。

　　古希腊是公元前12 世纪―一公元前2 世纪希腊半岛和散布在地中海中的～些岛屿上的奴隶制城邦国家的总称。大大小小200 多个城邦国家，它们之间有频繁的文化 、贸易交往，也有频繁的战争，但当外族侵略时，它们会联合抵抗。雅典和斯巴达是其中两个最有影响的国家 。

　　在每个城邦内部，实行着一种以公民大会为最高权力机关的奴隶制民主政治，即：城邦的管理权直接归全体自由民，而没有一个凌驾于公众（自由民）之上的统治者。这种制度赋予古希腊人思想上极大的自由，他们可以自由地讨论政治，从事哲学 、 艺术 、 自 然科学的研究等等 。 在这样自由、民主的气氛下，产生了许多直到今天仍影响着欧洲乃至整个世界的伟大哲人、科学家以及辉煌的艺术品（艺术家本人或缺记载入自由与民主赋予古希腊人类的睿智和对真善美的迫求，自由与民主使得古希腊人充分地享受生命，塑造生命。英雄神， 即是完美的人，古希腊人把宇宙间的真善美直接表现在人本身上，特别是对人体美的沤歌，成为他们的美之艺术永恒的主题。

　　经过漫长的历史，古希腊人辉煌的艺术文化尚留给我们一些建筑雕塑作品和壁画。在这些少量的作品中，仅论其中精美绝伦的人体表现，直到今天它也是难以逾越的高峰。通过对古希腊建筑、雕塑、壁画和工艺美术品的研究可以发现，他们所遵循的艺术法则是:质朴， 合理 ， 端庄 ， 谐调 ， 而这一法则在公元前5 世纪的艺术创作中达到了完美的顶峰 。 美术史家～般将古希腊的艺术分为四个阶段 ：荷马时代、古风时代 、古典时代 、泛希腊时代。我们仅从雕塑的角度对每个时代的风格加以介绍。

　　公元前146 年，罗马征服了希腊本土，公元前30 年又占领了埃及，自此罗马将原古希腊所统治的广大地区全部纳入罗马帝国版图。罗马不仅获得了古希腊的疆土，而且继承并发扬了古希腊的艺术文化成果，成为西方艺术中心。

　　古罗马的雕塑同古希腊是一脉相承的，而最有特色的作品是人物肖像雕塑。青铜胸像《布鲁图》是肖像作品中的优秀代表，它表现的是否是那个为捍卫共和而刺杀凯撤的英雄布鲁图还有争议，无论如何，它在表现人物严肃、坚毅的个性方面堪称佳作。塑像的眼球是用象牙玻璃制成，看起来咄咄逼人。《演说者屋大维》，据称是凯撒大帝的继承者奥古斯都大帝尚未称帝前的雕像。屋大维是罗马杰出的政治家、罗马帝国的创始者。出身于骑士家庭，父亲是元老院的元老。屋大维是凯撒的甥孙，被凯撒收为养子，使其继承了大部分财产。公元前44年凯撒被刺后，继之而起的是执政官安东尼、骑兵长官雷必达和屋大维的三人同盟，史称“后三头”。三人间不断明争暗夺，不久雷必达失势，到公元前30年，屋大维打败了安东尼，获得最后胜利，成为罗马的军事独裁者。屋大维在国家制度上保存着共和的外衣，没有恢复公开的军事独裁制度。他把自已称为“第一公民”，意即元首。元首政治开始于公元前27年1月13日。元老院觉得屋大维有能力镇压奴隶和保卫奴隶主的利益，就赠给他“奥古斯都”的称号，意为神圣、庄严、伟大。在元首制下，元老院实际上受元首的控制，屋大维本人是元首、统帅、终身执政官、首席元老、大祭司长，独揽军事、司法、行政、宗教等大权，实际上是皇帝。所以，屋大维树立的元首制实质上是一种隐蔽的君主制，屋大维统治罗马是罗马帝国的开始。

　　《演说者屋大维》是一件等身裸体大理石雕像，右手弯举至额，作沉思状，左臂上搭着斗蓬，左手反拿着代表雄辩之神墨丘里的权杖，现已遗失。人物形体健美，比例谐调。很明显，在人体形象的表现方面古希腊遗风很浓。

　　《戎装的奥古斯都》是一座高204厘米的大理石雕像，约作于公元前19一公元前13 年之间，这是一系列奥古斯都雕像中最具代表性的一个。在这个雕像中，奥古斯都被刻划为一个左手拿权杖 ，右手高高抬起指向前方的雄伟的帝王形象 。他身上穿着极合体的销甲，销甲上还刻有带情节性的装饰花纹。在他向前迈进的右腿旁，有一尊可爱的小爱神形象，这试图要说明奥古斯都大帝不仅是位英明的统帅，还是一位仁爱之君。《阿格利帕头像》，阿格利帕是奥古斯都的女婿，也是他治上的坚定支持者，他为罗马城的建立付出了极大努力。这尊大理石头像集中表现了他刚毅，果断，不屈的性格。面部肌肉的表现含蓄有力。

　　意大利的文艺复兴是一次著名的历史运动，始于1401年，是文化艺术的一次再生。整个西方文化的知识面貌产生了具大的变化。它不仅恢复了古典时期古典美术的形式和题材中的关于人文主义文化的含义，同时强调以科学的态度观察客观事物，这种艺术作品突出地表现了艺术家对透视学和解剖学的深刻认识。个性的解放和世俗文化是文艺复兴时期的两大特点。这一时期产生了许多杰出的艺术家，其中多那太罗和米开朗基罗是雕塑的杰出代表。被称为“文艺复兴三杰”之一的米开朗基罗的艺术成就不仅仅表现在雕塑上，还深入到美术的各个领域。

　　十七八世纪，受罗马的影响产生了巴洛克和洛可可风格的雕塑。巴洛克雕塑很少是单件作品或单独存在，它的设计以四周的建筑为背景，创造出光影、空气、环境等与雕塑紧密相连的氛围。才华横溢的吉安·洛仑索·贝尔尼尼是雕塑家、建筑师、画家、舞台设计师和作家。这位天才是巴洛克的杰出代表，他把高超的技术和艺术完美地结合在一起。无论在选题方向，还是在制作方面都表现出惊人的艺术洞察力和精湛的技巧。18世纪一些英法雕塑家以一种忠于客观对象的表现手法创造了新型的，通常是肖像的作品，这种风格被称为洛可可。如让·安托万·乌东的《伏尔泰》。

　　19世纪，在欧洲的许多城市广场和公共建筑上安置了一大批显示出卓越技艺的纪念碑和纪念性雕塑。法国著名雕塑家让·巴普希斯特·卡尔普以强烈的浪漫主义精神创作了《舞蹈》。整个作品充满了生气，节奏流畅优美。弗朗索瓦·吕德的《凯旋门》浮雕充满了激情和民族自豪感。梅达尔村·罗索把印象派绘画理论用于雕塑，从而把绘画和雕塑融合在一起。他的作品表现了在色光的照耀下雕塑最闪动最精彩的部分，而让其它部分减弱，表现了丰富的光影和人物性格变化 。

　　谈到19世纪的雕塑，不能不提到罗丹。罗丹的艺术天才和独特个性，使他的作品从墨守成规中走了出来。作为一位天才雕塑家，罗丹的秘诀在于善于用雕像的动态和姿势表达内心的情感和内涵，并注入了令人无法忘怀的现实主义和人文主义思想。

　　

“海，一望无际，看不见终点在哪里……”这清澈的歌声才刚刚唱起，就引得台下的观众一片喝彩。唱歌的是素有“歌坛精灵”之称的歌手姚贝娜。

2012年《中国好声音》的第二季，她凭一首《也许明天》而赢得了四位导师的“转身”。然而，好景不长，登上《中国好声音》舞台之后的姚贝娜才短短三年就香消玉殒了！

姚贝娜，她的生命永远定格在了33岁，让人心生怜惜。

有人说她是“精灵”、“百灵鸟”、“音乐的天使”……的确，她不但拥有一副好嗓音；而且在音乐艺术方面，她以自己的广泛实践，在艺术境界与艺术水平方面超越了许多人。

其实，早在2008年，姚贝娜的名字就闪闪发光了。当时，那个年仅27岁的姑娘，在当年第十三届中央频道（CCTV）全国青年电视大赛流行唱法的决赛中，以19919的高分摘下“金奖”。

歌手韩红很是认可姚贝娜的唱功，在比赛现场，她对姚贝娜给予了很高的评价： “你的演唱细腻而不失张力，洋气而不失中国特色，所以我们评委给你打出了一致的高分，我们认可你的唱功！”

老一辈歌手满文军则评价说：“在我看来，她的唱法是正宗的‘流行唱法’，她的音色甜美，声音控制能力强，这次的冠军是众望所归。”

2003年，姚贝娜在国家文化部举办的“全国声乐新人新作比赛”中一举斩获二等奖。

2005年，在北京保利剧院首次演出大型音乐剧《金沙》中，年仅24岁的姚贝娜就凭借扎实的音乐功底，获得了著名音乐人“三宝”的赏识并担任该剧女主。在剧中，姚贝娜凭借单声道演绎了一段横跨三千年的凄美爱情故事。

然而，骐骥千里，非一日之功。姚贝娜嗓音出色、才华横溢的背后，是聚沙成塔、寸积铢累的学习与练习。

1981年，姚贝娜生于湖北武汉，父亲是武汉音乐学院的声乐系系主任，母亲是湖北省歌舞团的专业演员。从小就酷爱音乐的她，更是被家人悉心培养。

4岁时，姚贝娜就开始走入音乐了，她每天有长达十几个小时的时间泡在钢琴弹奏中。随后，她进入了武汉音乐学院附中学习。

可以说，她的整个童年都泡在了音乐里，每个细胞、每根神经都无不浸透了音乐的濡染与熏陶。这也使得她后来毋庸置疑地选择了音乐之旅。

她先是跟随冯家慧老师学习声乐。17岁那年，姚贝娜跟随父亲去了深圳之后不久，便以优异的成绩考取了中国音乐学院声乐系。进入声乐系之后，姚贝娜又师从声乐教育家董华学习。

从中国音乐学院毕业之后，姚贝娜又以优异的表现考入了海政文工团，她成为了一名身着戎装的专业军旅独唱演员。海政文工团是中国歌坛方阵里“根正苗红”的一个单位，也是组名歌手如吕继宏、宋祖英等人云集的歌舞团。

经过专业学习，姚贝娜有着一身扎实的唱功。在戏剧中，她能够出神入化地将《罚款》中那个操着一口武汉方言的淘气男孩表现得惟妙惟肖。在与父亲姚峰搭档的小品中，她能够以鲜明的性格、逼真的言行将《胡椒面》中的男青年饰演出来。

此外，因为歌声动听、拨人心弦。姚贝娜还曾为《汉武大帝》《阮玲玉》《情归西西里》《大浴女》《雪山飞狐》《岗拉梅朵》等二十余部电视剧与**录制主题歌曲或插曲。

尤其是在参加了2012年的《中国好声音》之后，姚贝娜的事业更是扶摇直上。《红颜劫》、《画情》、《生命的河》等影视歌曲，让很多听众和观众都认识了姚贝娜。

在声乐路上，姚贝娜展示自己的艺术素质与艺术修养，并在用歌声铺筑的音乐之旅上一步一个脚印地攀登着。

本以为，生活就会这样一直下去，可是现实却给了姚贝娜又一重击——2014年，姚贝娜被查出癌症复发。

其实，早在2011年以前，姚贝娜就被查出了患有乳腺癌。乳腺癌多发在女性身上，被人们称为“红颜杀手”。

一天，姚贝娜在浴室沐浴的时候，她不经意间发现自己的乳房有一个地方稍微凹陷下去了一小块。刚开始的时候，她只是觉得比较奇怪，等到后来发现越来越严重的时候，她慌了，赶紧去医院检查。

检查结果很快出来了，医院通知她环的是乳腺癌，这让姚贝娜措手不及。

无奈，她只好走上了与病魔抗争的道路。

2011年，姚贝娜进了手术室，进行了乳房切除手术。手术进行了8个小时。被推进手术室时，姚贝娜坦言，“当时是有点蒙的，心里直发颤”。也像大多数病人一样，姚贝娜留下了眼泪。

好在，乳腺癌被称为“最好治的癌症”，姚贝娜的癌属于早期癌症，5年的存活率可以达到几乎100%。因此，这次的手术也非常顺利，姚贝娜算是“获得了新生”。

但术后恢复也很折磨人，姚贝娜选择了最高强度的化疗，并开始吃中药。在化疗期间，姚贝娜收到了刘欢的邀约。

那时候，《后宫甄嬛传》正在拍摄，刘欢邀请她录制主题曲《红颜劫》，并且演唱电视剧插曲《金缕衣》。

即使受病痛折磨，但是她依旧不放弃自己的梦想，因为她在等，等着一个“缘”。而且，能够唱歌是一种莫大的幸福，这是她坚强走下去的意义。

身体恢复了一段时间之后，姚贝娜决定重新回归演唱事业。她参加了2012年的《中国好声音》。

其实，早在一年多以前，节目组有邀请过姚贝娜，但是当时她不太了解，考虑得比较多。但是看了第一季的《中国好声音》之后，她觉得很有趣，就去参加了。

2014年6月27日，正当广大的乳腺癌女性还在等她分享更多的抗癌经历时，姚贝娜的乳腺癌复发了。这时，癌细胞不再局限于乳房部位，而是扩散到了肝脏等地方。这时，医生建议姚贝娜对乳房进行立即的全切手术，并配以化疗治疗，以稳定病情。

然而，进行乳房全切手术是要付出很大代价的，姚贝娜最终没有配合医生的治疗。

其实，乳腺癌手术治疗成功之后，未来的5-10年都是康复修养时期。姚贝娜在手术后的时期里，长期高强度地工作，使其癌症复发的风险直接从10%上升到了90%。

她的工作太繁忙了！有媒体报道，她有的时候会一天飞3-4个城市，每天只有三四个小时的睡眠。但癌症患者是需要康复治疗的，如此繁忙，很难对病情有益处。

因此，姚贝娜成为了癌症局部复发的不幸患者之一。

2015年1月16日下午16点55分，姚贝娜因乳腺癌乳腺癌医治无效，在北京大学深圳医院去世。

她年纪轻轻，又有着自己的演唱事业，因此姚贝娜的去世非常令人惋惜。

根据她生前的遗愿，死后姚父将自己的眼角膜无偿捐献了出来，延长了他人的生命之河。

其中，姚贝娜的一个角膜，已经当年于1月16日深夜，被成功移植到了一个年仅26岁的男子身上。而另一个眼角膜则被带往成都爱迪眼科医院，去捐献给了一个23岁的年轻大学生。

姚贝娜虽然去世了，但是她却用自己的眼角膜，去为别人延续明天的光明。

姚贝娜去世后，为她修建的墓地坐落在湖北省武汉市石门峰名人文化公园。

2015年9月26日，是姚贝娜的生日。这一天下午，姚贝娜的父母、亲朋好友以及全国各地的粉丝齐聚一堂，参加“Beautiful Light”暨“心如明月，天生骄傲——姚贝娜雕像揭幕”仪式。

这座雕像是一座少女铜像，是姚贝娜的父母在她生日当天送给她的礼物。铜像的姚贝娜，穿着一身飘逸的短裙，左手托着腮望向远方，好像在思考着什么。

当时，姚贝娜的父亲姚峰邀请到了湖北美术学院雕塑系的孙绍群教授，为女儿量身定做了一座雕像。雕像挑选的是姚贝娜的父母生前最喜爱的一张照片，总高度为一米八，原材料是白铜，永不锈蚀。

铜像下方，是一个汉白玉的底座。底座与铜像的衔接处贴了一张正方形红纸，红纸上用金边黑字写着一个大大的“祭”字，既是为姚贝娜34岁生日庆生，也是对她去世后的缅怀。

铜像底座，表面用烫金字体刻着两行大字，是姚贝娜双亲姚峰先生和李信敏女士赠给她的——“一个爱唱歌的女孩，一个用生命唱歌的女孩。”这是姚父亲自女儿所写，表达了对女儿的疼与爱。

铜像旁边，则是姚贝娜的墓碑。由于姚贝娜的粉丝被称为“贝壳”，因此姚贝娜的墓碑也是“贝壳状”的，主体色彩是白色。

墓碑的底座则是“钢琴状”的，34根钢琴键代表姚贝娜34岁，也代表着她对音乐的热爱与执着。墓碑上是姚贝娜的一张个人黑白照。

墓碑下的烫金字体写着“永远的贝娜——1981926-2015116”。

铜像周围，则环绕着大大小小、各种类型的鲜花。粉丝们送给了她很多祝福的卡片，诸如，“生日快乐！欢迎你回家。”“贝娜：爱！回家！”而旁边的树上，则挂满了很多粉色的气球。

在她的生日上，最痛心的莫过于她的双亲。姚贝娜的父亲姚峰在现场致辞中对她的女儿深情地说：“贝娜这个武汉姑娘，回家了。安息吧，小姑娘。”

姚峰是第11代武汉人，而姚贝娜是第12代武汉人。根据姚父的说法，姚贝娜是“武汉的女儿”，而“武汉的女儿是要回家的。”

致辞的最后，姚父不舍又深情，他长叹了一声说：“我祝愿贝娜的灵魂升腾，在另外一个世界继续欢乐歌唱！”

而在现场，则循环播放着姚贝娜生前的歌曲，“我是一只鱼，望着鱼缸外的你，敲了敲玻璃，你对我微笑离去……”

现场数千名“贝壳”统一穿着黑色的T恤，并以无声纪念的方式，缅怀歌手姚贝娜。有的“贝壳”听着歌曲，不自觉地开始抽泣，留下眼泪。

现场一名19岁的华中 科技 大学的学生，从《中国好声音》开始，就成为了姚贝娜的一名粉丝。他告诉记者，姚贝娜最吸引他的是她的亲切感和真实感。

姚贝娜去世之后，他也一直关心着有关消息，这一次，他和全国各地的“贝壳”一起，来悼念姚贝娜。

记者有注意到，“贝壳”的T恤上有“41981”的字样。原来，这个一颗被美国国家航空航天局命名为“姚贝娜”的小行星。

就在姚贝娜生日的前一天，武汉音乐学院还举行了“姚贝娜纪念展”。纪念展上有许多姚父收藏的姚贝娜成长的照片，还有来自歌迷提供的许多展品。

有一位国外的歌迷，住在德国，出差到美国，最后给姚贝娜纪念展寄来了他用5512元拍得的一个手镯，以示纪念。

姚贝娜虽然去世了，但她的歌声、她的音乐成为了经典，让人迄今还在怀念。

2018年，湖南 科技 大学艺术学院的一名研究者黄雅倩针对姚贝娜版的《菩萨蛮》进行了音乐分析。《菩萨蛮》是姚贝娜演唱的《后宫·甄嬛传》的插曲。该词曲的创作者是唐代花间派词人温庭筠。

这首词描写的是女子起床梳妆打扮时的慵懒状态，整首词把女子的动作、容貌、生活状态都展现得非常唯美。而经过姚贝娜的歌声演绎之后，更是将宫内妇女的生活情趣活灵活现了。

姚贝娜在一开始唱“小山重叠金明灭”时，嘴巴没有全部张开，而是处于一种不用全力、可有可无的微张状态。

尤其是开头的“小山”两字，声音很轻，靠着气息在推动。声音给人一种烟雾缭绕的感觉，仿佛在缓缓推开一扇古老陈旧的大门。

也因为录制了很多这样影视剧歌曲，所以粉丝定义她为“影视歌曲专业户”。

黄雅倩则是这样评论姚贝娜的嗓音的：“姚贝娜演唱的《菩萨蛮》是名副其实的古风嗓……运用欲扬先抑，高低之间 情感 起伏也完美契合。”

就连内地歌手沙宝亮也曾经评价她：“这样好听的声音是砸国内女歌手中首屈一指的。”

2019年，内地戏剧演员朱旭则发表了一篇《再忆姚贝娜》的悼念文章。朱旭也是通过浙江卫视的《中国好声音》栏目认识姚贝娜的，同时他也被那首《也许明天》所触动。根据他的回忆：“当时的我竟然很忘形地对着电视流泪了……”

朱旭还回忆说：“……她的声音是那样的纯洁和富有魔力！”是的，在演唱那首《也许明天》的时候，她毫不费力地唱了好几个高音，就连原唱张惠妹也大为夸赞。

从此，朱旭喜欢上了姚贝娜，喜欢上了她的歌。他一首一首地去听姚贝娜的歌曲，从《也许明天》、《睡着了的云》、《只因为爱》、《日月凌空》、《来生还要做女人》到《梦里花》、《心火》、《生命的河》……每一首他都会认真听，一遍又一遍地听。

听闻姚贝娜去世之后，朱旭表示：“好些天我都为之心痛，为这个年轻生命的离去而倍感惋惜，为中国歌际失去这颗璀璨的星斗而不舍……”

2020年9月26日，张碧晨在微博上发了“生日快乐！”评论下方的网友纷纷留言“祝她生日快乐”、“生日快乐，我们宝每年都记得”、“六年了，谢谢你！”

……所有网友都知道，这是张碧晨在为天堂里的姚贝娜送去祝福。她连续多年都在为姚贝娜送去生日祝福，而这已经是第6年了。

姚贝娜和张碧晨都参加过《中国好声音》，而且导师都是那英。虽然姚贝娜参加的是第二季，张碧晨参加的是第三季，但是她们之间的同门情谊，甚至比导师那英还要深厚。

2021年11月26日，《中国好声音》第十季总冠军伍珂玥完成了一首特别的作品——《宝安有你》。

她在微博上发文称：“选择在感恩节这一天来完成这首特别的作品，有着属于它独特的意义。感谢姚峰老师亲自来为我监制这首歌，谢谢师父、田哥、海爷……”

伍珂玥说的“姚峰老师”，就是姚贝娜的父亲。这一次，姚峰为伍珂玥监制了《宝安有你》。许多网友纷纷感叹：“这也太有缘分了吧！”“看见姚爸爸就想起他优秀的女儿姚贝娜。”

缘分不止如此，2022年1月16日，伍珂玥为了缅怀姚贝娜，与其隔空对唱了《如花如沙（时空对唱版）》，这首歌也同样是由姚贝娜的父亲姚峰监棚的。

在姚贝娜祭日当天的下午4点55分，《如花如沙（时空对唱版）》上线。

这首专辑的封面，是两个被波浪隔开的女孩，一个女孩在上面拿着话筒扬起了手；而另一个女孩则在下面穿着粉色长裙背向而对。这首歌让姚父觉得，女儿姚贝娜一瞬间又回到了自己的身边……

“歌坛精灵”姚贝娜，一个让人无限唏嘘的名字，无数人为她的英年早逝而惋惜不已。有人说，如果姚贝娜还在，再过三五年，她升级为国家级的歌唱家指日可待。也有人说，在她的身上，遗憾有三：“实力太强，红得太晚，走得太早。”

可惜，盛年不重来，一日难再晨。现在的我们，只能珍惜当下，珍爱生命。

[1] 朱旭 再忆姚贝娜[J] 青春岁月, 2019(8):1

[2] 张萌 关于新浪微博热门话题的分析研究——以姚贝娜事件为例[D] 山东大学, 2015

[3] 本刊记者 歌如红杏始出墙——海政文工团姚贝娜与她的歌[J] 歌曲, 2007(4):1

[4] 邹建军 论姚贝娜歌曲的美学追求及其文化地理根源[J] 兰州学刊, 2016(5):9

[5] 蓝蝴蝶 姚贝娜 总有一条路是能通往属于我的罗马[J] 音乐时空, 2013(11):4

[6] 湖北荆楚网：姚贝娜雕像石门峰揭幕武汉姑娘回家了[ON]201509