颜料调色方法有：互补色调配、相邻色调配、透明色调配等。
1、互补色调配
这是将红绿、黄紫、蓝橙，调配出对比强烈的颜色，补色是色轮中相对的一组颜色。紫色的补色是**，绿色的补色是红色，橙色的补色是蓝色，将一组补色混合会得到饱满的棕色和灰色。补色运用有得有失，补色并列时，会引起强烈对比的色觉，会感到红的更红、绿的更绿。
2、相邻色调配
相邻色调配法就是色相环中色相相邻的颜色，相对单色对比，邻近色对比增加了色相对比，能够产生柔和的过渡效果，因此视觉效果更丰富。相邻色在色相上比较接近，色彩的冷暖属性，还有情感特性上都比较类似，所以相邻色搭配能很好的保持画面的协调与统一。
3、透明色调配
将透明颜料与白色混合，可以制作出半透明的颜色。自然界中的颜色是很微妙的，对于每次调和颜色所用的量的比例也是不同的。具体可以参考色环图，然后加入适量白色来调出我们所需要的透明色。
调色注意事项：
1、冷暖色调及三原色、二次色、三次色
冷暖色调是指，在画色彩时，远处（或后面）的物体偏冷、对比减弱，前面的物体相对偏暖、对比加强，这样可以使空间感产生。具体到某个物体时，它的材质、肌理、物理性质（如反光度等）以及环境因素等都会对它自身的固有色产生影响。
三原色就是固有色，二次色（间色）为调一次产生的颜色，三次色（调色）是需要调两次才能产生的颜色。
2、水分要控制好
颜料是由树胶和颜料粉混合的浓缩膏体，使用时需用水调开，因此加多少水是十分重要的。先湿后干，是相对而言的。很多都误以为湿就是要加很多水，水分过多会导致颜料干了以后变色、变灰，会使颜料变薄，导致下面的颜色翻出，还容易把下面一层的颜色洗上来。
16种技法，让你作出漂亮的婚纱手绘插画！
为了更好地体现出服装画的不同风格,表现着装者的整体气质和完美效果,在画正稿之前必须对人体动态进行周密考虑。
1
在绘制礼服、婚纱服装时,则选择身体有扭动、突出曲线美的动态;只有选对了人体动态才能将设计意图通过模特的姿态准确完整地展示出来!
2
其次,在婚纱设计绘画中,一定要分明主次,主要表现的是婚纱,所以人物一定要简单线条表现,婚纱要着重细节表现。
3
既然是服装设计的一种,材质表现非常重要,婚纱多以轻纱、蕾丝、钻等材质为主,表现的绘画手法很重要,一定要体现出婚纱的不同材质。
当然啦,若是想熟练绘制各种不同风格的时装画,就需要了解服装画的各种画法技巧,下面给大家介绍16种绘制方法~
1
淡彩法——以勾线为主,在时装画的主要部位,简略地敷以色彩。这种敷色方法,由于采用水彩画着色法,故多用水彩色或水粉色。
勾线的工具,可以选择钢笔、铅笔、炭笔、毛笔、马克笔等。此方法较为简洁明快,方法易于掌握且较为快捷。
2
平涂法——是常用的时装画技法之一,简便易学。它采用每块颜色均匀平涂的方法,颜料多采用具有一定覆盖力的水粉颜料或马克笔。
平涂法有两种:一是勾线平涂,二是无线平涂(亦称为没骨平涂)。勾线平涂是平涂与线结合的一种方法,即在色块的外围,用线进行勾勒、组织形象,这是勾线平涂最常用的方法。勾线的工具可以多种多样,勾线的色彩,亦可根据需要随之变化。
无线平涂是利用色块之间的关系(明度关系、色相关系、纯度关系)产生一种整体的形象感,并不依靠线组织形象。勾线平涂易获得装饰性效果,可根据需要适当留飞白,产生一种光感。色块之上,还可以叠加如点、线等的装饰,增强装饰性。
3
喷洒法——包括两种方法:一种为喷绘法,另一种为洒色法。
喷绘法是以喷笔等喷绘工具为主的绘制方法。由于喷绘工具绘制的色彩细腻、均匀,所以它不仅可以绘制出具有写实风格的时装画,且能使画面达到一种神秘效果。
洒色法是将色彩洒在画面的一种方法。它以毛笔、海绵等工具敷上颜色并洒在画面所需之处,以达到一种不规则的点状的肌理效果。时装画中的某些点状面料肌理、背景处理可以使用此方法。
4
晕染法——晕染法是从中国工笔画技法中吸取而来的一种时装画技法。
采用两支毛笔交替进行,一支敷色,一支沾清水,由深至浅均匀染色。这种技法可以用于时装画中的人物、有光泽的面料、薄料等。
5
撇丝法——这是中国画、染织图案设计中的一种技法。采用毛笔敷色之后,将笔锋撇开,形成间隔、长短等不规则的排线。
用这种方法,可以绘出袭皮的长毛质感以及丝状物。
6
重叠法——以色与色的逐层相加,产生另一种色相、明度、纯度等不同的色彩。这种效果,一般表现透明、或需要加深的色,可以多次进行完成。
相加色彩的次数,可以三或四次、甚至更多,一般来说,以纸张的承受力、颜色的覆盖力和所要表现的效果为准。
比如表现纱的效果时,可以运用重叠法,由浅至深,逐层、逐次晕染,使其产生透明的效果。
7
剪贴法——以面料、报刊、色纸等一些可用于剪辑、拼贴的材料,按画面需要进行拼接、粘贴的一种时装画技法,它可用作间接预视面料运用的整体效果。
在时装广告、时装潮流预测等形式中,常用此法。
8
阻染法——利用颜料中油性颜料(油画棒、蜡笔、油性马克笔等)与水性颜料(水粉色、水彩色、水性铅笔等)相互不融的特性,以一种颜料作纹理,另一种颜料附着其上,由此产生两种颜料的分离。
此法多用于深底浅色面料的处理,如蓝印花布、蜡染面料以及镂空面料等。
9
拓印法——拓印法是将棉花、海绵、布等材料,使其形成一定的形状,敷上颜料之后,作于画中,可形成一定的肌理效果。
亦可预备如纸或塑料材料制成的某种所需形状,再用拓印之法,形成某种所需形状的特殊肌理效果。
10
转印法——采用转印纸上的图案,并将这些图案用刮笔转印到画中。转印的图案具有工整、快捷等优点,但受到转印纸图案种类及尺寸的限制。流行预测、商业设计图等多用转印法。
11
凹凸法——使用一定的外力,将画面所要处理的部位,敲打、压挤出凹凸效果来,由此而产生一种立体的效果。
例如,在钮扣、口袋、装饰物等需要着重突出的部位,可以采用此法。但需要注意的是,运用此法时,色彩的选用,不可太多,最好使凹凸处理在色块,或单色色块上,甚至是无色之中。凹凸的部分,其面积不宜过大。使用凹凸法时,应注意力度的大小,以及纸张的弹性、厚薄,以免损坏画面。
12
磨擦法——用枯笔、海绵、橡皮、布等带有阻力的粗糙的材料,敷上少许颜料,磨擦画面,或用砂纸、牙刷等工具磨擦画面,由此而产生一种较为朦胧、陈旧的某种痕迹效果,此法称为磨擦法。
如牛仔布料的处理、皮革及段子、裘皮等常用磨擦法。
13
流彩法——有些面料纹理或某些特殊肌理的效果,常采用流彩法。此方法利用颜料的流动性达到表现的目的。
首先用适量的清水打湿需要处理的部分,然后用含有一定量水分的颜色置于其中,小心翻动画面,使色彩流动至满意为止,干后即成为具有流动感的画面效果。
亦可预先在镜面、水面(需用油性颜料)等光滑的材料表面将颜料作好流动的色彩肌理,然后用画纸覆盖其上,将流动的色彩印入画中,最后进行剪辑处理。
14
折皱法——将画面按所需揉、折成皱,再敷上色彩作画,产生一种肌理效果,称为折皱法。此法用于特殊的面料和背景肌理效果的表现。
15
复印法——复印法是较为快捷的一种方法。利用现有资料,进行多次复印、剪接,再复印、再剪接,达到期望的效果。
运用此法需注意时装与人物的衔接,以及画幅大小的衔接、表现形式、风格、资料的版权等问题。
16
刮割法——这是利用某种硬物、尖状物或刀状物,刮割画面,使其产生一种特殊效果的方法。如对袭皮的处理或表现时,常常采用尖状物,沿裘皮纹理适当刮划,能表现出裘皮的蓬松、真实感。
由于刮割法对纸张有损害,运用此法时,需考虑刮割的深度与纸张的质地与厚度,避免划破纸张。
如能熟练运用这其中的几种方法,你还怕自己画不好美丽的时装效果图吗
(来源网络,版权归原作者所有)
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—END—
手绘彩色插画该怎么做？用什么颜料？什么笔？首先要准备好画板,最好是实木的那种,因为比较平。
然后就是纸,“老人头”的素描纸不算太贵,质量也还可以,以前读“工美附”的时候大家都是用它画。素描纸比水粉纸平,所以画出来效果好。其次就是裱画用的水溶胶带,还有喷壶。喷壶是用来喷湿水溶胶带的,具体操作、用水溶胶带裱画如果不会的话,可以问问卖胶带的老板,他们一般都会,有的还是学画画的。
画画用的铅笔“中华”和“老人头”的就可以了,用太贵的也没必要,因为画画是要大量练习,用太好的太浪费。
橡皮什么的看着店里中等价位的买就行。
颜色什么的,其实没有特定的范围,水粉、水彩、彩铅、油画棒、蜡笔、马克笔、色粉、国画颜料等等,只要你能想到的都可以用来画插画。用什么绘图工具是看个人喜好。画画时思维不要太局限,这和学数学是不一样的。
如果刚开始练习,想从最基础的做起,可以先画水粉风格的,水粉算是画面层次感表现是比较强的了。
买颜料最好买一个牌子,不同的牌子,名字虽然不同,但颜色很接近。通常大家都买“马利”牌,他家的颜色比较正也不是太贵,很多太便宜的牌子颜料的颜色发灰。当然你如果喜欢灰调子,也可以买几个。
颜料最好不要买整套的管装的那种,除非你画的是水彩风格颜料用的比较少。管装的比较盒装的贵很多。第一次买颜料就挑自己喜欢的颜色就好,不喜欢的颜色买了也不会常用。金色、银色、荧光色,喜欢的话可以买,就是这些颜色贵一些。用荧光色调色的话,颜色还算蛮特别的。第一次买颜料颜色至少要超过30种才够用。
用水粉颜料画的时候多用一些水就能画出水彩的感觉,所以不用特意买水彩的东西。
用水粉的时候,趁水粉没干可以水溶彩铅勾画。好像彩铅没有单卖的,买24就可以了,更多装的那些颜色都比较接近。你想单纯用彩铅画画的话,可以48色或是更多颜色的。
马克笔可以在水粉干了后继续画细节,原则也是按喜欢的来买。3块一支的就行,太便宜的是时间放太久的那种,马克笔放久了会干。
针管笔的粗细一般是001到10之间,按自己的感觉挑不同粗细笔的3支。日本牌子的针管笔比国产的好用。针管笔是用来勾轮廓的。
去美术用品批发市场买价格合算,更多的是能感受感受画材。不懂的还可以问老板,逛市场是一件很有趣的事。
不用刻意买教插画的书,多去书店逛逛、看看店里书上介绍的画材,记住了就行。
最后再唠叨几句,去图书馆借《波隆那年鉴》来临摹练习吧,买的话太贵,也没必要,借的话就很合适了。《波隆那》算是最经典的插画集,书中大都是欧洲插画师画的,每个人的画都很有特色。
全彩手绘是什么意思全彩手绘是指使用彩色绘画工具(如彩铅、油画颜料等)手工绘制的作品。它与黑白手绘不同之处在于,它能够更加生动地表现色彩、光影、细节等,更能够表现出艺术家想要表达的主题和情感。全彩手绘常用于插画、漫画、动画等艺术领域。
经典蓝（19-4052 Classic Blue），又被称为“潘通蓝”，是全球色彩权威机构潘通色彩研究所于2020年发布的年度色。
经典蓝一经问世，便受到了各大品牌及设计师的追捧，它所体现的持久与自信，给予了我们坚实可靠的依赖，蓝色本身就是经典的色系，而经典蓝更是一个不朽的蓝色调，简洁而持久。
而关于经典蓝的讨论也从未停止，它和蓝色有何区别，又有哪些巧妙的使用方式，这都是值得我们去深究的话题。
今天，数艺君就借色彩大咖梁景红老师对经典蓝的深度剖析内容，为大家带来一场“经典蓝”的盛宴。
以下内容由梁景红老师提供。
蓝色与经典蓝
蓝色有很多种，经典蓝是怎样一种蓝？
Pantone发布2020年度色——经典蓝
蓝色有很多种样貌。手工染色现在可以染出22种蓝色。每种不同层次、色彩浓度不同的蓝色都非常好看。而经典蓝正好在居中偏后的层次里。所以它其实是比较深的一种蓝色了，如果再深又很难保持住蓝色的特征。
染色时会出现深浅不一的蓝色，本身就形成了很好的搭配，即下文中谈到的深浅色平衡搭配。如果保留一部分白色，就很好的形成了下文中提到另一种搭配方法：有彩色与无彩色的平衡搭配。因此仅仅这两种情况，就已经可以成为好的作品。
当然这样的搭配在平面设计中是不足够的。在服装、纺织品、面料等行业可以形成高雅不俗的作品，也是因为这两种搭配通常伴随花纹出现，扎染或经过设计的花纹会使作品即使颜色单一，却不单调。
经典蓝可以单独使用，是因为它本来就有很强的吸引力，气场足够。
比较起来天蓝，经典蓝是深蓝色，人们会沉醉其中。它的积极一面是：内敛、稳重。它的消极一面是：忧郁、距离感。可以依靠搭配来弱化消极面，强化积极情感。
运用『平衡法则』来配色
『平衡法则』来自我的原创归纳总结。首次发表在2012年UPA用户体验国际峰会中，由我主讲的色彩工作坊《色彩对于设计意味着什么》中。后归纳总结于《梁景红谈色彩设计法则》一书中，2015年由人民邮电出版社出版。
深浅色平衡搭配
互补色平衡搭配
冷暖色平衡搭配
有彩色与无彩色平衡搭配
纯色与花色平衡搭配
面积大小差平衡搭配
情感互补平衡搭配（首次补充）
下面，我将以上7点平衡法则为要点，逐一展开给大家讲讲，它所蕴含的意义。
1经典蓝的深浅色平衡搭配
深浅平衡的作用：增加画面层次感，制造呼吸感
都是深色会感觉憋得慌，浅色如同空气，深浅搭配，画面才有呼吸感。
这个最简单了，深蓝、浅蓝随意搭配，搭配时，面积比例不要太大，一般情况下搭配出来作品都是稳定的。
这种方式也叫单色相搭配，即单色系作品，容易形成统一的形象。深蓝与浅蓝搭配完全没毛病，放心用。
2经典蓝的互补色平衡搭配
互补平衡的作用：人们视觉心理需求得以满足。
蓝色的互补色是橙色。看到蓝色，首先想到橙色就对了。这样思考，或许你觉得有点简单粗暴。其实不是这样的。橙色也有很多种，深浅不同、发黄、发红等不同的橙色。浓度厚重、轻薄明亮的橙色，所以在互补色的搭配范围内还有很多种精彩的结果。
我们讨论的虽然经典蓝（深蓝），但是浅蓝、天蓝、雾霾蓝与橙色搭配也是非常好用的。你可以试试看，完全不会跑偏。如果是橙色为主色，蓝色就是点缀色，蓝色为主色，橙色就是点缀色，很好的平衡了我们内在心理、生理上的需求。
3经典蓝的冷暖色平衡搭配
冷暖平衡的作用：平衡过冷或过暖带来的视觉失衡、感受失衡。
人类是很脆弱的生命体，很冷的环境、很暖的环境都无法生存。演化到我们心理层面后，过冷灰的画面会给我们失衡的感觉，需要点缀一些暖色。反之亦然。
可能有人说，穿搭一身蓝色也没问题啊。是的，但是肤色就成为暖色的所依，所以也是平衡的。
有看过《梁景红谈色彩设计法则》一书的朋友可能知道冷暖色、冷冷色、暖暖色、暖冷色，或者叫做微暖色、微冷色的概念，这种真的适合专业人士，创作时的细致考量。一般情况下，蓝色是冷色，选择任何一个暖色通常都很好配。红色、橙色、**、或者暖绿色都不成问题。
比较起天蓝、湖蓝、浅蓝、雾霾蓝。
经典蓝太深了，或者说太冷了。因此，经典蓝的设计中，非常多是与**、橙色的搭配。**最为突出，因为很容易综合掉它的冷。
另外，减少蓝色的使用面积，可以降低它的冷调性，更容易让画面感受平衡。
这里的玫瑰色与浅湖蓝成为暖色的所依。蓝色的面积不大，可以很稳重的压住重心。白色、灰色作为调和色，这款球鞋，应该很吸引小朋友。
为了突出**，用蓝色陪衬也是一种不错的用法。其道理也是离不开冷暖平衡。这种方式会把暖色衬托的更艳丽噢。彼此引发优势。
4经典蓝的有彩色与无彩色平衡搭配
有彩色与无彩色平衡的作用：节奏更舒服，不无聊。
蓝色作为有彩色，那么就可以选择黑白灰进行搭配了。反之，只有黑白灰就很需要有彩色来点睛。如蓝、白配。蓝、黑配，完全可以稳定的成立。
蓝与白色没什么好解释的，很经典。任何视觉领域随便用。
黑与蓝厚重的组合，需要点睛，因此增加了铜金色，显得厚重中带有高贵。
同理，张子枫妹妹的亮片小蓝裙，就是点睛之处，这样黑和蓝的组合就不会单调。其实转换为平面设计也是同样的道理。
蓝色与白色，也是深浅平衡，所以白色很好的制造了留白。蓝色与黑色也是深浅平衡，黑色更能拿稳中心。灰度色可以使画面加入多层次。仅仅黑白灰就能唱出戏啦。
5经典蓝的纯色与花色平衡搭配
纯色与花色平衡的作用：控制视觉张力与节奏。
纯色和花色的搭配其实非常好理解，不能到处都是花的，否则各个都想喧宾夺主，那谁都别想出彩了。如果纯色配花色就可以张弛有力，主次分明，很有节奏感。这个思路在绘画、穿搭、室内设计、平面设计等都常用也实用。
蓝色的熊就好像一块颜色一样，稳住重心。花花草草成为了它的背景。
如果没有蓝色压住重心，这个家居可真的要翻天了。谁进去也舒服不了。但是有了镇静剂一样的蓝色，它还是成立的 ，显得很有趣。
6经典蓝的面积大小差平衡搭配
面积差大小平衡的作用：制造聚焦。
色彩的面积差在任何设计中都非常重要，主要是为了聚焦、点缀、拉开画面层次。即使是穿搭也非常常见，周身蓝色，来个红色包包或腰带。蓝色的沙发上有个白色的垫子之类的。
前三者是蓝色面积大，其他颜色面积小的情况。蓝色为主色，深邃、忧郁。
后三者是蓝色面积小，其他颜色更大的情况。蓝色为点缀，聚焦、稳定。
7经典蓝的情感互补平衡搭配
情感互补平衡的作用：避免失衡，使作品适合大众审美。
蓝色忧郁的一面是存在的，想要抹掉这一点。可以采用积极向上的颜色，比如橙色就引导搭配后的结果向积极一面发展。橙色的过于积极的部分也会被蓝色稳住。这个思路其实就是情感互补思路，可以使两个颜色都扬长避短。
多对『平衡对色』来配色
作品想要成立，至少有一对平衡对色。但结构、造型复杂的作品肯定包含多对平衡色。
画面丰富的作品，通常蓝色要与很多周围的颜色进行对比，自然形成多种平衡对色。
为什么没用色相环讲解呢？
一来，搭配思路还有很多。想给大家介绍一些简单易行，便于记忆的。从我的角度看，所有颜色都可以和蓝色搭配，如果两个颜色搭配有些失衡，没有亮点，其实加入第三个颜色进行调和就好了，如同画龙点睛一样，又或者如同解穴功夫，把两个被『定』住的颜色『激活』。
采用法则的好处是平衡对色的设计很好掌控，好记忆，好判断。涉及到三色的时候，就考虑怎么再多一对平衡对色就可以了。二来，色相环分析三色搭配是很方便的，但是不适合非专业的人去学习，也不适合碎片化学习，难度大很多哈。
这里的蓝色好绿色、红色、**都很好的融合在一起。而且还如此的突出。
色彩参考方案看哪里？
色彩参考主要提高自己的色彩判断力。在设计过程中的原始雏形阶段，判断色彩方向和定位。主题颜色、主要印象定义下来。其他的微调就好办多了。
1 胶带
色彩参考图示：多彩的、活泼、浓郁
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配紫色。
方案二：搭配红色。
2 瓷器
色彩参考图示：清脆的、干净、质朴
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配橄榄绿。
方案二：搭配土红。
3 餐布
色彩参考图示：清爽、新生、田园
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配橘红。
方案二：搭配淡绿。
4 纸品
色彩参考图示：宁静、忧郁、唯一
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配天蓝，增加暖绿（平衡过冷的感觉）。
方案二：搭配天蓝、增加神秘感的紫色。
5 广告
色彩参考图示：可爱、萌萌酷、粉嫩软
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配淡色粉、增加黑色与橘红。
方案二：搭配深色粉。
6 靠垫
色彩参考图示：华丽
蓝色和金黄、棕色其实搭配起来挺华丽的，
图示不行而已，因此配色没选**，选的洋红
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：靠近油画处理
方案二：比较低调的灰色系
7 小物件
色彩参考图示：文雅
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配红，增强对比
方案二：搭配绿，增强调和
8 布艺
色彩参考图示：生命、稳重
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：维持原状，强调了**的分量
方案二：维持原状，但颜色不再厚重
9 瓷砖
色彩参考图示：海洋、沙滩、清爽、冰凉
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：维持单色系、更明亮
方案二：维持单色系、更沉稳
10 糕点
色彩参考图示：神秘、深邃、想吃一口
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配紫红、跳跃起来、神秘感消失
方案二：搭配深藕荷色，更女性、更神秘
11 鞋子
色彩参考图示：可爱、运动、女性向
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配玫瑰红，更成熟
方案二：增加天蓝、转向男性向
12 服装
色彩参考图示：夸张、华丽
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配红、黄，持续艳丽，用薄荷色调和
方案二：搭配橙色，用湖蓝调和
13 服装
色彩参考图示：光感、无限可能
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：强调紫色
方案二：转为内敛、沉稳、厚重的感觉
14 桌布
色彩参考图示：清新
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：转向成熟
方案二：以绿色向为主
15 制品
色彩参考图示：冲突、活力、生命力
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：用褐色降低互补色的冲突
方案二：用明亮的**和香芋色调和互补色的冲突
16 布料
色彩参考图示：复古、年代感
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：增加了深一点的土红，
这个颜色可以维持这种旧旧的复古感
方案二：跳跃的颜色多一点，
天蓝和红会有很多可能性
17 纸品
色彩参考图示：可爱、青春
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：蓝色红色搭配，双色调
方案二：反差强烈，蓝色更突出
18 颜料
色彩参考图示：闪耀、星辰、神秘、距离感
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：以搭配淡雅紫色为主，转为优雅
方案二：搭配暖一点的香芋色，转向女性感
19 制品
色彩参考图示：文化、内敛
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：增加蓝色、绿色、持续内敛，
增加小范围蓝色对比
方案二：增加**，高强度反差对比，改变方向
20 时装
色彩参考图示：艺术、波普
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配橄榄绿、增加红色、**持续原状
方案二：搭配暖色为主，走平衡路线
21 星球蛋糕
色彩参考图示：可爱、深邃
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配淡橙色、重点为褐色
方案二：搭配搭配土红色、土**
22 颜料
色彩参考图示：神秘、诱惑
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：维持原状，成熟、优雅
方案二：搭配浅品红，年轻很多、神秘感消失
23 扎染
色彩参考图示：质朴、小森系、文艺
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：维持原状。
方案二：增加相邻色土绿、点缀色品红。
24 制品
色彩参考图示：青春、活力
重构方案以蓝色为主色 ↓↓↓
方案一：搭配红色，保持活泼气氛增加天蓝。
方案二：搭配嫩**。
看了以上内容，大家应该对经典蓝的实际设计运用有了一定的认知和见解，虽然用法和场景主题多变，但只要使用得当，效果还是非常不错。
从实际来说，色彩设计不仅与主题表达密不可分，它还可以引导视线移动，传递情感信息，制造美的享受。可以毫不夸张的说，能不能成为优秀的作品，色彩有决定作用。
为了更细致的与大家探讨和分享，12月5日，我将在数艺设在线平台开设直播色彩课程《设计师色彩必修课》，旨在帮助设计师解决设计过程中经常遇到的选色、搭配问题，掌握初级到中级的色彩知识，建立色彩与工作之间的桥梁，分析商业经典案例中色彩的设计规律，从而让学员掌握色彩的运用技巧。
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（备注：色彩）
内容来源：本文内容转自梁景红个人公众号（梁景红色彩设计插画）
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当然可以。那些颜料像云翳一样的搭配被称为色彩层次，是绘画中常用的技法之一。
首先，你需要考虑你要表达的情感和主题。然后，选择一些能够表达这些情感和主题的颜色并确定它们的浓淡。你可以测试一下这些颜色在一起时的效果。如果需要，你可以调整颜色的浓淡来达到更好的效果。
在搭配颜色时，最好选择3-5种不同的颜色，并适当地将它们混合使用。混合颜色时，将一些颜色放在画布的底部，其余的颜色则放在上面。这样可以增加画面的层次感和深度。
记得要不断尝试和实验，找出最有效的搭配方法。
据说画眉之风起于战国，在还没有特定的画眉材料之前，汉族妇女用柳枝烧焦后涂在眉毛上（好怪异的化妆哦，还是做现代人好）。古代汉族妇女画眉所用的材料，随着时代的饿发展而变化。从文献记载来看，最早的画眉材料是黛，黛是一种黑色矿物，也称“石黛”。描画前必须先将石黛放在石砚上磨碾，使之成为粉末，然后加水调和。磨石黛的石砚在汉墓里多有发现，说明这种化妆品在汉代就已经在使用了。除了石黛，还有铜黛、青雀头黛和螺子黛。铜黛是一种铜锈状的化学物质。青雀头黛是一种深灰色的画眉材料，在南北朝时由西域传入。螺子黛则是隋唐时代汉族妇女的画眉材料，出产于波斯国，它是一种经过加工制造，已经成为各种规定形状的黛块。使用时只用蘸水即可，无需研磨，因为它的模样及制作过程和书画用的墨锭相似，所以也被称为“石墨”，或称“画眉墨”。到了宋代，画眉墨的使用更加广泛，汉族妇女们已经很少再使用石黛。关于画眉墨的制作方法，宋人笔记中也有叙述，例如《事林广记》中说：“真麻油一盏，多着灯心搓紧，将油盏置器水中焚之，覆以小器，令烟凝上，随得扫下。预于三日前，用脑麝别浸少油，倾入烟内和调匀，其墨可逾漆。一法旋剪麻油灯花，用尤佳。”这种烟薰的画眉材料，到了宋末元初，则被美其名曰“画眉集香圆”。元代之后，宫廷女子的画眉之黛，全部选用京西门头沟区斋堂特产的眉石，至明清也如此。到了20世纪20年代初，随着西洋文化的东渐，我国汉族妇女的化妆品也发生了一系列的变化。画眉材料，尤其是杆状的眉笔和经过化学调制的黑色油脂，由于使用简便又便于携带，一直沿用到今天。
画眉是中国最流行、最常见的一种化妆方法，产生于战国时期。屈原在《楚辞·大招》中记：“粉白黛黑，施芳泽只。”“黛黑”指的就是用黑色画眉。汉代时，画眉更普遍了，而且越画越好看。《西京杂记》中写道：“司马相如妻文君，眉色如望远山，时人效画远山眉。”这是说把眉毛画成长长弯弯青青的，像远山一样秀丽。后来又发展成用翠绿色画眉，且在宫廷中也很流行。宋朝晏几道《六么令》中形容：“晚来翠眉宫样，巧把远山学。”《米庄台记》中说“魏武帝令宫人画青黛眉，连头眉，一画连心甚长，人谓之仙娥妆。”这种翠眉的流行反而使用黑色描眉成了新鲜事。《中华古今注》中说杨贵妃“作白妆黑眉”，当时的人将此认作新的化妆方式，称其为“新妆”。难怪徐凝在诗中描写道：“一旦新妆抛旧样，六宫争画黑烟眉。”
到了盛唐时期，流行把眉毛画得阔而短，形如桂叶或蛾翅。元稹诗云“莫画长眉画短眉”，李贺诗中也说“新桂如蛾眉”。为了使阔眉画得不显得呆板，汉族妇女们又在画眉时将眉毛边缘处的颜色向外均匀地晕散，称其为“晕眉”。还有一种是把眉毛画得很细，称为“细眉”，故白居易在《上阳白发人》中有“青黛点眉眉细长”之句，在《长恨歌》中还形容道：“芙蓉如面柳如眉”。到了唐玄宗时画眉的形式更是多姿多彩，名见经传的就有十种眉：鸳鸯眉、小山眉、五眉、三峰眉、垂珠眉、月眉、分梢眉、涵烟眉、拂烟眉、倒晕眉。光是眉毛就有这么多画法，可见古人爱美之心的浓厚。
文森特·凡高的绘画是以绚烂的色彩、奔放的笔触表达狂热的感情又不失引人深思的象征内涵而为人们熟知的。凡高开始其艺术生涯的年代正是西方绘画艺术在诸多层面都发生根本性变革的年代，而色彩的解放就是其中最明显且极具本质影响的变革之一。印象主义画派受西方现代光学发展的影响和启发，主张室外作画，注重外光分析，追求瞬间光色印象的表现，把文艺复兴以来的静态的色彩再现转变为动态的色彩再现。而凡高从印象主义出发，并超越印象主义，将这种动态的色彩再现发展到由主观体验所控制的感情色彩的表现，从而成为现代绘画色彩全面解放过程中的不可或缺的环节和有着重要的影响及意义。
一、凡高绘画中的色彩语言的形成
凡高油画作品中的这种强烈的情感色彩也并不是在他刚开始其艺术生涯时就具备的，他对于自身这种感情色彩本质的觉醒也经历了一个漫长的过程。它的形成首先是与凡高那苦难的人生经历、独特的性格密切联系在一起的。
凡高1853年出生于荷兰的一个新教牧师家庭，他早年做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。
凡高在学画的初期，感受到德拉克罗瓦绘画的“头脑里的太阳和心中的风暴”的强大震动和滋养，他也分外敬重米勒，他朴素而充满强烈的宗教意味和道德意识的绘画艺术，引起了凡高的强烈的感情共鸣。在他学画的早期就大量临摹了米勒的印刷品。虽然后来的艺术风格已经与米勒大异其趣，但他仍然梦想着画一件像米勒一样深深触动人们心灵的作品。《食土豆的人》是他早期的代表作品，在画中表达了自己对跟他一样生活在苦难之中的农民的同情和尊敬。在绘画表现上重视农民形体和姿态的塑造、环境氛围的营造，以粗犷的笔触，浓重的色彩去填充他的画稿。颜色由于反复涂抹，显得厚重混浊，缺乏透明度。
很明显，这一时期光和色彩并不是他关注的重点，它所追求的这种“真实”也并不是学院式的视觉再现的真实，而是一种他的主观感受的真实。就像在给他弟弟泰奥的信中所说：“如果我的人物是准确的，我将感到绝望，你应该明白，我不愿意他们是学院式的准确……这些话告诉我们，凡高的绘画从一开始就有着非常强烈的主观表达的意识，这种主观感情的表达并不是通过色彩来实现的，但这种情感倾向使他得以牢牢把握住自己以后的发展方向。
不可否认，凡高作品中这种强烈的情感色彩表达的形成得益于印象主义画派的色彩理论和实践，但是值得注意的是，凡高在荷兰期间——即在正式接触印象主义画派之前——就已经（即使仅仅是在直觉上）认识到色彩解放的可能性。“色彩自身就能表达某种东西”，这是1885年，也就是他创作《食土豆的人》的这一年，他在他所居住的荷兰小村期间所写下的。
1886年是凡高绘画艺术的一个转折点。这一年，他来到法国巴黎，被印象主义画风中的那种明亮且极具动感的色彩所吸引。在印象主义绘画光色理论和实践的启发之下，他逐渐改变了他的色彩感觉方式，由以前的那种传统的静态的色彩感觉方式转变为印象主义画派的动态的色彩感觉方式。色彩感觉方式的改变，大大地改变了他的绘画作品的面貌。他兴奋地说：“……法国的社会指导着我的思想，显得这么有益，非常有益，也有益于全世界。”他抛弃了荷兰时期的那种灰褐色调子，画面色彩开始变地鲜亮起来。原来画面中一直保持着的黑色不见了，也没有了灰色和褐色，画面所呈现出来的是印象派并置笔触的红黄蓝三个原色和由他们混合而成的绿色、紫色、橙色，特别注重色彩中的补色关系。
凡高从印象主义绘画中吸取自己所需要的营养，但是他从来都没有像印象主义画家那样完全沉溺于光与色的表现之中。就像我们前面所讲的，凡高是一个有着强烈的主观表达意识的艺术家，他的绘画不是为了再现视觉的真实，而要表现他对事物的真实的感受和自己的感情。这种强烈的自我表现的愿望和他心中所蕴藏的那股强烈的激情，使他必定要抛弃荷兰画派的那种灰色调子，也注定他会迅速远离印象派。凡高几乎在接受印象派的同时就已经开始对印象派的绘画理论产生质疑。他们在实现视觉的真实，追逐光与色的过程中往往忽视了感情的表达，这与凡高那充满主体意识的精神状态相去甚远。凡高的绘画中独特的审美力量并不单单是视觉印象的强烈，而还有蕴涵在视觉因素之中的情感体验的深刻。在他给泰奥的信中曾明确提到这一点：“我在巴黎所学到的东西现在离开了我。我恢复了在我知道印象派之前我曾有过的理想，如果印象派画家不久就指责我的创作方法的话，我不会感到惊讶。因为滋养我的创作方法的，与其说是他们，不如说是德拉克罗瓦的思想。因为我并不力求精确地再现我眼前的一切，我自由而随意地使用色彩，是为了更有力地表现自我。”凡高不再满足于像一个印象主义者那样仅仅去表现自己的感觉色彩，而是将色彩看作是非自然主义的表现因素的直接工具，看作是精神领域（诉说人类命运的真相）的预言者，试图在色彩和感情之间找到一种契合的方式。
凡高通过各种色彩实验来研究色彩强度增加和减弱的自然规律，但是他的目的并不在于这些研究和实验本身，而是为了挖掘色彩自身所具有的那种强大的表现力。他对他的这种探索的前景充满了希望，在给他弟弟的信中说到：“我相信，一个新的色彩家画派将会在南方扎根，我越来越感到北方画家们只是把他们的理想寄托在用笔功夫和所谓的绘画性上，而不是依赖色彩本身来表达事物。”的确如他所说的那样，一种新的和感情紧密结合着的色彩表现形式开始出现在他绘画作品当中。他于这个时期所创作的《向日葵》、《夜间咖啡馆》以及众多的肖像作品中，可以明显地看到这种强烈的情感色彩的存在。凡高从自然物象中抽取颜色，然后通过色彩的对比或交融，来增强色彩的精神性，使颜料和深藏于心的真实感情达到了直接的重合。这不只是一个如何使用色彩的技巧问题，而是色彩观念从物到人的色彩本质的一种深刻变化。
二、凡高情感色彩语言的表现
从印象主义到后印象主义，凡高发展了一种有着清晰运动感的线条和强烈色彩的绘画表现形式，形成了自己的独特的情感色彩语言。因为，不论是古典主义对色彩的静态观念（固有色），还是印象派对色彩的动态观念（条件色）的认知，都只是把色彩作为观察的结果来表现，有意无意中阻隔了心与物的直接通联，而凡高则把动态的色彩观念引向观察过程本身的表现，这样，他就在绘画中真正引入了心灵世界的直接表达。
凡高绘画作品中的色彩具有明显的象征性倾向，这是他的情感色彩语言的特殊性之一，也是他与印象主义画家在色彩运用上的本质区别。色彩在印象主义者那里多半还只是一种物性表面的光色存在，只是对客观世界的光色变化进行“准确”描绘的手段。他们看重的仍然是色彩视觉的真实，并不关注色彩所具有的情感及象征意义。而凡高由于强烈的主观表达意识的介入，往往使色彩具有某种暗示性的力量。凡高对于色彩的暗示性力量有着浓厚的兴趣，在这方面他可能是受到了德拉克罗瓦有关色彩理论和实践的影响，他说：“我不知道在我之前是否有人谈过示意性的色彩，德拉克罗瓦和蒙蒂切里虽未谈及过，却实践过。”
凡高对于色彩的这种暗示性力量的运用，突出地体现在他的那幅《夜间咖啡馆》中，他说：“我在《夜间咖啡馆》里用红色和绿色表现人类的可怕的情调。这些色彩，不是呆板的按照现实主义立场的字句来说，是眼睛的欺骗者；而是一富暗示性的色彩，他表现出人们火热的情绪活动。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的**地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。作品预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索。能有如此震撼人心的力量，一方面是熟练地应用了透视技法，但更主要的是由于画面中的极具暗示性、精神性的色彩关系的组织运用。凡高的创作始终是以一种感情上的“现实主义”为目标，是一种感情的集结和疏导，由此而产生的情感色彩形式往往显得更为单纯和强烈，因此具有更强烈的情感影响力。
笔触和色彩的密切结合是凡高情感色彩语言的另一主要特色，他将印象派的色点发展成色线，他的这种色线不再仅仅服务于形体，它本身就是画家的感情的一种直接的表现。他画面中的无处不在的跳跃的、疯狂转动的笔触和着那饱含感情的色彩，暴风雨般地铺陈在画布上，形成一种强大的精神和视觉冲击。
三、凡高的色彩表现对现代绘画的影响及意义
从历史的角度来讲，凡高的作品中包含着深刻的悲剧意识、其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。但凡高的绘画中独特的审美力量并不单单是视觉印象的表述，而是蕴涵在视觉因素之中的深刻情感体验、表现，以求达到实实在在的真实。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。
综上所述，凡高及后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，建立了自己独特的审美原则，引发了两大现代主义艺术潮流萌芽，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。
同时凡高也以自己的艺术实践，向后来的画家展示了色彩自身所具有的强大的精神表现力，为他们的进一步的探索指明了方向。以马蒂斯为代表的法国野兽派画家以及德国的表现主义画家在绘画中更加全面地展开了对色彩的情感本质力量追求，从而实现了现代情感色彩本质的全面解放。
幼儿园颜料画的重难点是什么？
作为幼儿美育重要手段之一的美术活动，不仅要传授给幼儿一些技能技巧，还应充分重视萌发幼儿对美术的情趣，通过美术活动，充分表现幼儿的情感，满足幼儿的兴趣，发展幼儿的创造才能，使他们的身心健康成长。培养小班幼儿的美术兴趣，可以使幼儿尽早跨入美术大门，接受美的熏陶，从而激发幼儿追求健康向上的高尚情操。
因此本班的特色是颜料画。颜料画是适合所有年龄层的幼儿，它有一定的覆盖能力，色彩纯度较高，色彩效果浑厚、柔润、鲜明、艳丽，作画工具比较简便。从某种意义讲，它用途较广，比较普及，容易接受。小班幼儿其绘画发展水平正处于"涂鸦期"，他们的生理发育不够完善，幼儿的手部肌肉力量不够、灵活性差，但由于大部分孩子接触颜料画已有一年半，因此，在前几周我们不单单只是用颜料画一些简单的点和线条，而是复习了上学期的一些颜料画。然后根据幼儿的掌握情况在慢慢增加颜料画的图案。尽量让幼儿画一些大快面的图案。还有就是在玩色活动时，我们不仅增加了幼儿用手指来按点子，还增加了用棉签、报纸、塑料管等辅助工具一起来作画。这样使颜料画的操作更加多样性，而且选择的也是孩子喜欢的一些作画工具。
由于小班幼儿不能像大班孩子那样，正确处理画的整体和局部、形象和色彩以及画的构思和表达等比较复杂的关系。如有一次，我让幼儿画苹果，因为我事先认为幼儿对于苹果肯定是很熟悉的，所以对于苹果的色彩我并没有着重指出，后来在幼儿绘画过程中，我发现有个别的孩子把苹果画成了蓝色、黑色和咖啡色，这时我意识到虽然幼儿对苹果经常接触，但在真正绘画时，他们就不会去考虑太多的因素，而是只凭着自己兴趣来选择颜色。在我发现我的失误后，我也没有指责幼儿，只是在讲评时，我说也许是幼儿看到了不好的苹果是这种颜色的，并鼓励幼儿下次画个好吃的苹果，新鲜的苹果，幼儿也很乐意的点头表示同意。
拇指画（手指画）用什么颜料去画？
拇指画用水粉颜料，沾在手上画就可以了。
手指画有专用的手指画颜料。一般也可以用水粉颜料、国画颜料，无毒的人体彩绘颜料、丙烯颜料、纺织颜料、绘画颜料等代替。
自制手指画颜料配方：1、3勺糖（汤勺）2、半勺盐、半勺淀粉3、一杯面粉（杯子就用饭锅里的量杯）4、一杯水5、食用色素制作方法：1、将所有原料搅拌均匀（色素除外），加入水，彻底搅拌成面糊，不留任何小面疙瘩。 2、倒入锅中，小火烧15秒，一边烧一边搅拌，让淀粉和糖发挥作用。
3、面糊分装入瓶，滴入食用色素，开始调配想要的颜色。 自制的颜料保质期1个月，想保存长些就多放些盐。
因为保存期短，要尽快使用。糖的作用是增加粘度，淀粉是保持分子稳定，盐是保持色劳度和保质期更长。
扩展资料：
那时并没有“笔”，除了用锐器（如尖石头、木竹片、骨头等）凿刻外，就是用手指直接在陶器上“作画”。 这石板上的画，就是后来发现的史前岩画。
1998年，我曾在山西吉县柿子滩比较近距离地观察过那里关于人祖生殖繁衍的岩画，很为那些先民艺术品的制作方法感到惊讶。不久，我在一家书店翻阅到一本精装本彩印《岩画》，这是一部以图例为主的书。
在新疆富蕴县离城约60公里的喀啦布勒根乡唐巴勒塔斯村，海拔1020米的半山腰山崖上，离地面25米处，有一洞窟，高115米，深118米，宽20米，洞口向日出的东方。在这一洞窟中，有一个突出现象是两个手印。
这是因为古代生产力十分低下，每前进一步都要付出极大劳动，先民们用勤劳的双手奋力苦斗，披荆斩棘，不断取得新的成绩，他们必然对手的神异功能产生十分崇拜的感情，把手看作取得一切胜利的象征，所以不仅在富蕴县的洞窟中赭绘巨大有力的手掌形，在哈巴河县洞窟及其他岩刻上也常见手掌形（《新疆岩画》24页）。 手印岩画遍布全世界，在新疆天山南北各条大山中的岩画上都可找到手掌形。
据陈兆复教授说，世界各地手掌形的描绘方法。 “例如，西班牙的卡斯特罗（Castallo）洞窟，在巨象、野牛、牡鹿等动物画的周围，有成群的手印，也有把手印直接印在动物的形体上的。
法国西南部诸洞如加加斯（Cargas）等发现尤多，数目可达100个以上，澳洲土人的洞窟壁画和美洲印第安人的岩画中，也时有发现”。 可知世界各地的手印很多。
在亚洲泰国鸟汶府孔尖县拍店的岩画上，发现有将近200个人手掌图，大人和小孩的都有，呈红色或深褐色或黑色。 离拍店不远的拍蒙地区，岩画上也有人手掌图。
而在中国陕西新石器时代遗址中已发现有手掌印。赵国华先生认为“这伸张的五指和手掌纹，既是表示‘五’，‘极多’。
结合到岩画，五综纹饰的内涵，我们便可以判定原来是祈求生殖繁盛，人口多多增长”（以上均引自苏北海著《新疆岩画》555页）。 岩画，是文字产生之前最早系统地记录人类生存活动、人类经济形态、思想意识、先民赖以生存的自然环境的艺术体现，它反映先民从野蛮到文明的复杂进程面貌，那些作品古朴苍拙、高度抽象、极其简练，非常传神。
它是生活原生态的实录，又是高于生活的原始艺术珍品，为研究后代指画的发展提供了参照实物。 在新石器时代的彩陶器上，先民们用研石磨细赭色、褐色和黑色等矿物质，再溶入水中，然后直接用手指当工具在陶器的外壁上勾勒点缀纹饰借以表现他们的观念意识。
还有那些留在岩石上的‘狩猎图’，这种人类蒙昧时期用手涂于岩壁上的‘艺术兴趣’，就是最原始的‘指画’吧”（2007年第一期《中国指画》09页吴润龄：《原生态与手指画》）。 综上所述，对指画追本溯，追到岩画时代，并非本人的一己之见。
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