水彩画有哪些表现技法？

水彩画是利用水彩的性能、特点，形成表现的技法，随着不断实践，技法得到不断的创新和发展，但最常用的基本技法有下列几种：

1透明画法：这是最基本的水彩颜料使用法，是从管中挤到调色盘中，在笔上蘸些水，调成为叫淡彩的有色水。徐在画面上，就能通过这一透明色层看见下面的色。等颜色干后，再把第二层重叠地涂上，最初的那层色就被改变，两个色层看着就象混合起来一样，下层不被遮盖住，因此叫透明画法。

2湿画法：很近似中国水墨画，也是水彩画最常用的一种技法。首先把水彩纸泡在水中，等纸吃透水以后，把纸平放在画板上裱好，用水彩颜料略多调些水，颜色较薄，趁湿时一笔笔画于纸上，利用水与色的相渗化，产生一种润泽、轻快感，这种方法无明显笔触，衔接自然，适用于画雨、雾天和远景，有独特效果。湿画法，用笔宜大，落笔要快，一气呵成。

3干画法：用笔蘸了颜色以后，尽可能地把笔甩干，持笔要有一定的角度，使笔的侧面能接触纸头，动作要快，尤其是在色块的边缘外，这样可以画出所需要的粗糙效果。用这种手法在作画中可画出一个调子的变化，如最暗处可画实点。而亮面颜色可涂得有粗糙感。这种手法适应表现天空的云、波浪、水流和瀑布等的点点闪光。

4刀刮法：局部的高光如果不能完全留出来也可用刀“刮”出来的办法。用较厚的水彩纸，用普通的小刀，使刀口与纸面成30°角刮，用刀的动作，最好要快些才能刮出肯定的线条。这种方法除刮高光以外，还可用来刮细小树枝、细线等。另外，还可视画面需要，在未涂色之前，把纸头对着光线放，用刀刮出肯定的线条，每条刀痕都一样。接着就用水彩颜色，用一支大小适当的笔，在刮出线条的地方平涂，马上就出现两种颜色，刮过的地方纸头表面微发毛呈有规律的沉淀花纹。这种刮出的线条表现树皮、建筑墙面等，很有效果。除此外，还可用橡皮在作画之前在纸上摩擦，或用细砂纸在纸上来回擦，使之起毛，再涂透明色，作大面积的色彩天空、地面等等都是很适宜的。但要避免再作二遍色，以免出现灰脏现象。

5洗涤法：画水彩画洗涤法运用是很普遍的。如画面上亮光，由于用色不当或过重。都可以用洗涤的方法来加工改正。其方法有二：（1）湿洗法，如画面背景部分褶纹，物体暗部反光，人物面部的高光等等。在画面未干时，把洗干净的笔上水分挤掉，然后刷洗出它的亮处，效果很好。但这只能用于画面不重要的部分，因洗涤后，被洗部分容易色彩单调，笔触柔软，所表现的景物也易软瘫无力。这种方法作人物面部高光，可多用。（2）干洗法，就是在作品完成以后，为增强作品的完美而运用的一种特殊方法。如静物的高光部，流水和瀑布，薄如蝉翼的花瓣及其他部分凡认为不恰当的，都可经过干洗、其方法：用较硬的笔蘸清水在已画好部分轻轻反复洗涤，再适当地施以薄薄的色彩。就会得到极好的效果。

6水彩色和油画棒混合运用的方法：这是一种新的绘画表现方法，油画棒原是油画颜料的一种。它作为水彩画的一种辅助颜料配合水彩颜料作画，取得很好效果。如画雪景，先用油画棒点画出空中飞雪、地面积雪，然后用水彩颜料画出天空与地面明暗处，因油画棒与水彩不相融合，于是画面的明暗处和天空就会出现点点飞雪和积雪，过去难以解决的问题，现在很容易的解决了，这就是油画棒突出的优点。除此外，还可用白蜡来和水彩颜料配合运用。通过这些方法的运用，我们要总结经验，举一反三，创造出更多的新技法来。

我没有想到自己会爱上水彩。水彩画给我的印象就是大写意，而我以前并不喜欢大写意的中国画，总觉得不够精美。直到在遇见“绘生活张震”，完全颠覆了我的偏见；我想这是我在最大的收获。

张震老师是内心有风景的人，他的水彩花卉给了我很大震动。我从没有想过水彩画也可以如此精细！所以老师的水彩网络课程一开我就报名。

从手忙脚乱地追课，从不知所措地孩童般的涂鸦，直至一个月后掌握了大致的笔法，懂得了些许专业术语。当我一笔一笔沉浸其中，细致地完成那幅“十里桃花”的时候，心里一下子沉静下来，我在瞬间感受到了绘画的魔力。泼墨的潇洒，细节的刻画，有收有放，张弛有度。

课程，不仅仅就是画画，在这每天两个小时左右的时间里，我们所学所交流的不仅仅是画画这件事，更有许多对人生对生活的态度，对生命对存在的解读。老师磁性的音质，年轻的热情，心灵的坦然与豁达无不深深影响着我们这群追画人。

画，是你心情的表达与宣泄；爱画的你，变得敏感好奇，似乎回到了纯净的童年，满眼里只承载着美好：日升了，它的霞彩是那样干净让人感动；日落了，夕阳无限辉煌更有沉淀的厚度；春来了，点点触触，娇嫩可爱；夏至了，绿叶如盖，清爽如风；霜降了，华美馥郁，气质如虹；冬藏了，素净如初，简洁明朗……

老师说，色调是围绕型走的，起型一定要严谨；而光是水彩画的生命，光影的把握是水彩画是否灵动的关键！

因为我常常起型偏大，于是找好水平透视线之后，我就再多加一条垂直的中线来帮助自己分配各部分的比例。

因为我的画纸是裱在画架子上立着画的的，但是初次拿毛笔总是稳不住，常常要将小手指垫在画面上，一不小心就会把画面沾染脏。在画“冬季夕阳”的时候，我看到在旁边比划太极扇的孩子，又想起学习推拿时老师曾经嘱咐要用腰肩来带动手臂，我即刻将此运用到运笔上，一下子恍然大悟。

大面积的晕染曾经让我头痛，总是不得章法，开始时总是不敢下笔，只是用笔尖点点触触，出来的效果就是背景凌乱零碎，不完整，后来上课时着重问了老师这个问题，老师提醒说是用笔的侧锋压下去。于是在废纸上反复试验中渐渐找到了感觉。

背景色的调染开始对我来说也是个难点，我的背景色总是纯度过高水量加不上去，后来索性提前加好水，再把颜料一点点加进去，这样既节约了颜料，调配出来的背景也浅淡了很多。

远山的色调我开始画时颜色有些生涩，不灵动，还是水加不好的原因。于是画到画纸上之后，我再轻轻拂上一层水让它自然晕染开，弥补很有效。

至于树枝的穿插，那就是看到树就去观察，再想象用到画纸上的舍和留。新枝和枯枝的颜色有什么不同，新枝和枯枝上树叶的分布特点有什么不同。杨树与柳树的区别，桃树的姿态与枝干的遒劲，远树和近景树色调的深浅区别……

光影最关键，因为每天上晚班时恰好迎着夕阳走，于是边走边遥望夕阳在树林间的光照感觉，哪里最亮、哪里会产生暗影。早上早起一会儿，就可以看到朝阳的光影效果，原来是一种新生的纯净感，转瞬即逝，与夕阳完全不同！

枯笔的掌握相对顺利一些，唯一不太好把握的是粗细，这个还要多练习。

师傅领进门，修行在个人。老师给了我们一个引导，但是具体的实施却因人而异。就像老师上课时所说，即使色调调成一样的，也会因为用笔的手法和力度不同而产生出不同色调。这个完全是个人的绘画情绪和风格了。

我的用色稍显浅淡，不够大胆和肯定，终究还是画得少，放不开。二期的时候我准备用4K的纸锻炼一下自己，用色用笔尽量洒脱一些。这是老师常说的一句话“人有多大胆，画有多大产！”我想，这也是我放开性格的一种方式。

第一期的水彩课程马上就要结课了，这一个月的共度时光是紧张而愉快的。我结识了一群有朝气的真善美的女子，她们温暖、柔和、善良、认真、敬业、阳光，有志气、有追求，对待生活不懈怠。每一个人的进步，每一份鼓励和点评都让人感动。在这个温暖的春天我们不期而遇，并且还要携手走下去，一起描绘夏日凉风、金秋的绚烂、冬的素净，以及人生的精彩！

水彩画进度1

水彩画进度2

水彩画进度3

水彩插画论文

水彩画是绘画中最简便的一种画法。由于水彩画的设备比较简单,购买起来比较便宜,易于普及,所以中小学中的图画课多采用水彩画。许多画家开始学画时也是从水彩画入手的。由于工具轻便,户外写生容易携带。对于瞬间即逝的黄昏、晨雾、风雨烟云尤其适于表现。

水彩画是一种用水溶化颜色的透明色在纸上作画,它能够渗化,重叠形成物体,由于用笔蘸水色在纸上挥毫,长于潇洒自如,生动清新、爽快自然的特有风格。透明是水彩画的一大特点,可以用亮色盖在暗的色底上,由于它没有覆盖力,能不断增加色调的丰富性,同时亮部必须留出来,和用纸的白色作为亮部的色底,纸的底色起到色调的合成作用。

彩画是现代绘画中一项重要的表现媒介。

水彩画以其独有透明清澈的特质,不以厚涂而却能追求空闲、质、量和绘画上幻化的语言和节奏,使其能问鼎、深入现代画的领域中。

现代水彩画早已打破了西洋画史上固有的插图草稿,附属性表现的观念。以当代世界水彩画的实例,绝对能与旧时代日子中的画作出了鲜明的对照,发觉现代水彩画,吸收了早期荷兰、英国的传统技法精华,德国人精辟的描写,冷静的设计性,欧洲的浪漫风格,美国的现实观感和美式写实,中国人正以其深厚的传统文化,哲学观念、生活体验,揉和科学精神与自然,内在的观照,作逐步的探寻认清白我,酝酿著水彩画的新方向。

第二次世界大战以来,绘画运动复兴,时代启发了思想、潮流、艺术再创造,而拒绝局限与因循中西艺术家活用了新旧的素材物料去创造有生命的、有个性的现代艺术。

寻求艺术是最高目的,达致水彩画的高尚境界,和精湛的功力,定必须仰赖於结实的技术与基础。我们历年创作与研究的经验论文,侧重技法的研讨,是苦心求取艺术表现的「实在化」,而没有运用自如的水彩技法,是无法在水彩艺术上自圆其说的。我们重视艺术、重视学理,但同样地要注视画技所蕴含重大的能量,和表达的深广度。

我们欣赏作品,不能否认被其华美完整的画面所吸引,但其色调、笔触、卓绝成熟之结构,绝不会影响作品的深度和严肃性。如果一张画的技术是恰到好处的,那技术就是艺术的一部份,与内容融合为一体,成为感人的作品,其技术自有其崇高的价值,不会逊色,因此运用书技之先,必先考虑以思想,以艺术支持,发自诚意,技、艺之配合应如影随形。

我不赞同水彩画只能停在艺术的表面之说。艺术的高低不是取决於素材的类别,而是关系於其艺术修养的广狭,优劣,也仰赖表现的方法,角度的差异而分野。现代水彩画也因此而获致自由自在的多样性,或含启发性、发展性。

我们敬慕十九世纪的泰纳、二十世纪塞尚的水彩,也欣赏其他巨匠。他们水彩画的成就是实在的,在这时代中,如果我们期求有所进展和显著的超越,在艺术的寻求中,技术上盲目的奋发,僵化於理论的巢臼中,同是危险的病症。

研究现代水彩画,是一项重要课题,水彩显著的各种特性和运用可以剖释详论,其使劣点、及与艺术的关连性,表现的程度可能性。了解中国现代水彩画艺术不同的形态与发展,去了解画法所负担的重大任务,在有其术良心的人手中,画法是绝对的学术性,而且是一个艺术内涵底问题、成败的关键。好的画法更是伟大作品诞生的先决条件。

以二十世纪为分野,现代水彩画之所以异於近代,或更古老年代的水彩画,其一是内容与形式的剧变,其二是画法的突破而产生广泛的进展。内容与技法密切的配合和革新,才产生成功的绘画创作,扩大而成有力的潮流和画派。现代水彩画适应时代的需求,画时代的产物,表达现代人的精神,排除不适合应用的见解和迟钝的表现方法,使艺术的血脉流通,成为新的生命、新艺术。往日的水彩艺术多表现於宁静的境界,单一、含蓄的画法,单调的式样与缓慢的步调之中,或者更多的因袭而缺少强烈的个人感受。

个人创建是被重视和富有价值性的,十九世纪柯特曼(Cotman),加尔丁(Girtin),尤其是泰纳(Turner)洞察水彩的弱点,把线与淡彩的束缚解除,使水彩走入色彩、气氛,能自由抒发的新境地成为水彩发展史的转捩点。二十世纪塞尚认为自然不只是表面的,而有它的深度,他有影响后世极深的表现法则;他在水彩画上的留白,表现了白色本身机能上的感觉,和他的分面笔触,是实在的,是高度的表现而带著深刻的推理,给予后世水彩画许多启发性。

水彩书之前途和它的价值观,是系於个人的基本观念、自信和决心。水彩媒介是受时间、面积、乾湿控制、叠色次数之难题而异於其他素材,虽然它较难表达「量」和「触觉感」,有较多的偶然性,然而能克服困难弱点,认清其优点,发挥它长处的画家甚多,如克利、诺尔德、费宁格、格罗兹、夏加尔、杜菲的作品,证明水彩画该有深厚的发展性。

今日的水彩画,是观念影响表现方法,也是素材的广泛应用而扩阔了观念的界限,譬如说,从前对於「水渍」,是水彩画技术上的大毛病,现代水彩则反过来利用这种缺点,而成为画中表现的特点,如喷渍与转印中的奥地利画家克拉马斯梅耶的作品,和中国青年画家陈秋瑾的画就是这种例子,产生了新的美感。韩舞麟以昼刀和极少的水份来画石头和花草。梁丹卉用前人认为过多的水份来画湿松的花果和静物。顾重光以极尖细之国画笔来「描」蔬菜水彩画,也利用喷笔处理层次。CarlJPlackman的水彩素描观念成份重於数世纪前素描的纪录性功用,而显示较多的艺术性。

水彩画应保有其透明性,及水与色彩的优良关系,这是水彩之所以称为水彩的原因与本色。「画」水彩画和「玩弄」水彩是两回事,两种我都采纳,因只会「画」,必然趋於严谨而不多样,只会「玩弄」则失去绘画的意义。不会「玩弄」水彩,难以发扬,艺术之路,应当反问自己而予以协调改进。

最后,艺术工作者要以科学实验者的精神,有恒地本其诚意,从尝试挫折中找出力向,承继传统的优点,创造新的未来。

水彩论文题目来源怎么写

毕业论文(设计)内容要求:1对水彩画材料、技法、表现形式的相关问题进行研究。

2研究水彩画的审美品格及其文化身份特征。

3研究水彩名家的艺术风格与创作手段。

4分析水彩画在中国的发展状态与特点。

5探究当代中国水彩画存在的问题。

6探索水彩画创作中出现的问题和对策。

论文《谈水彩风景写生》怎么写啊！

论谈水彩风景写生

作为色彩教学中的水彩风景写生,是一门帮助学生理解和认识基本的构图、造型、色彩、审美等规律的有效方法。它的主要目的是通过对客观景物的观察,在研究绘画基本规律的同时,理解水彩画这一包含丰富技法的画种,有意识地充分发挥它的技法之长与表现特色,树立起自己的审美意识,探寻自己的艺术表现形式(水彩语言)表达出自己的艺术个性。

通过多年的水彩风景写生和教学实践,以下我想从观察、表现、情感三个方面谈谈水彩风景写生。这三个方面是水彩风景写生的重要环节,并相互紧密联系,构成一个完整的整体。观察是水彩风景写生的第一个环节。在这一环节中,首先要解决怎样观察的问题。水彩风景写生作为一门眼睛的艺术,是要把繁杂、百变的自然景看成一幅画。由此,要有从局部看到一个大画面的能力,尽可能地掌握主动性,树立整体的作画意识,并忠实于自然。其次是要善于发现,要在丰富多变的自然物象世界中去发现画面。在观察中,从所关注的自然物象的结构、形态入手,从中寻找点、线、面的构成规律。如:建筑物的空间构成关系,树木枝叶的线面关系,天、地、物的形状构成及色彩构成,从中寻找我们所要求的绘画空间和画面构成,最终在自己的脑海中形成一幅整体的画面景象。这种画面景象是朦胧的、不确定的,具有诱人的美,使画者产生表现的欲望和激情。风景写生中对自然物象的观察要强调对瞬间美的记忆和把握,特别是光影与色彩的变化。这是写生中变化最快、最大的两个因素,从时间上说变化以早上和傍晚最大。因此,对光影与色彩瞬间的定格,也是观察中最难的。它依赖于大脑对瞬间物象的记忆能力,也依赖于画者对空间结构、光影透视、光色原理的掌握程度,依赖于画者表现技术(技法)的熟练程度。

表现是水彩风景写生的第二个环节。要把头脑中的画面景象表现出来,就必须通过一定的表现技法,水彩风景写生作为一门色彩写生离不开色彩与材料学原理,离不开表现技法。写生者首先要对所描绘的自然物象的色彩构成元素进行分解研究。对比分析每一块色彩的特点和不同的作用,找出所要描绘的自然物象的色彩对比、明暗对比、补色对比、饱和度对比、面积对比和基本色调等,确立丰富多变的各种色彩组合秩序。这其中的色彩组合秩序包括:色相、明度、纯度及特定色调的构成,控制各色彩区域变化和统一的秩序。在这一过程中主要要求写生者发挥主观特性的自由,以使画面色彩关系呈现出更高或更美的境界。物质材料是色彩表现的基础,不同的特性的材料工具会产生不同的技法。水彩风景写生所采用的工具材料具有相对的特殊性能,它不同于水粉、油画的工具材料,对画纸、颜料、画笔、水辅助材料与工具的性能要有一个全面的了解与掌握,并能从中找出特点,优势,克服材料工具的局限和弱点,才能把所见充分表现出来。针对不同的感受,选择适当的表现方法和技法,确定表现的基本次序和步骤,这是风景写生中的关键。水彩画作画的程序和步骤是决定作品成败的关键。因此要把水彩画的程序性与风景写生的程序性完美地结合起来,并针对具体的写生自然物象进行适当的调整,力求稳步、准确、快速地使用设想的方法、步骤表现自然物象。在具体的表现技法中,必须注意笔触与形体边缘线的处理,色层之间的相互叠加、笔触的干湿、色彩干湿之间的相互结合与浸润、笔与纸之间所产生的肌理等与表现物象的色彩变化、肌理特征的神似。多采用简单、便捷的表现方法表现自然物象的主要特征和神韵。同时要在表现中强调主观表现与客观再现的相互结合,客观再现为主,主观表现为辅,只是简单的形色关系再现的写生作品难以达到艺术表现的境界。

水彩风景写生从某种意义上讲,也是情感的表达与交流,是水彩风景写生的第三个环节。这里所说的情感指审美情感,是作为一种艺术形式或表现画者对客观世界的感受,抒发自己的情感,这也是水彩风景写生的最终目的。写生过程中情感源于自然物象,蕴集于画者胸中,流注于笔锋,凝结于水彩纸面。因此,水彩风景写生从开始到最后完成实际是一个运笔的过程,而笔触是传达情感的最重要的语言词汇,它构成写生作品的神韵。一幅风景写生作品的完成是画者感情投入和劳动的产物,它要求画者面对大自然作画时有整体意识的同时还要有真情实感,有感而发,使写生成为画者心灵深处诚挚情感的倾吐。康斯泰勃尔的纯真朴实,透纳的雄浑奇异,凡高的跳动狂热,柯罗的恬静温柔,印象派的热情奔放,无不表现出画家对大自然的情感内涵。画者的审美情感决定写生作品最终的艺术情趣与格调。在水彩风景写生中,情感贯穿于观察表现之中,流淌于整个写生过程。

情感来自于观察,亦影响画者的观察,它决定画者的表现,亦受制于画者的表现。

水彩的表现特色：

水彩画是用水调合水颜料在画纸上进行渲染、描绘的一个画种。它具有透明性强的特点，给人以淡雅、轻快的感觉。因此，水彩画特别讲究水份和时间的掌握，水少干枯，水多混糊。因而要根据季节、天气和具体对象而定，同时，水分的运用也离不开时间的掌握，一般画大块平面涂色和背景等用水宜多，而玻璃瓷器与表面细致的物体用水宜少。由于水彩画形式单纯质朴，又接近于中国的水墨画技法，有机的和我国民族传统绘画相融合，多年来它成为学习彩色的一个最好画种。

浅谈水彩画“即兴”创作的影响

摘要：“即兴”绘画创作早在中国古代的绘画就有记载，是指事先没有做充分的体会和构思，临时产生兴趣，仅就当时的感受创作。但是，我要说的“即兴”创作不同于那些仅仅是为了宣泄情感的即兴创作，也不同于那些片面强调无意识的即兴创作。我们所要追求的“即兴”创作应该是在自由创作的同时，重视“即兴”创作所产生出来的作品，其内容和形式也需要相互统一，并且具有独特内涵和风格的完美作品，应该带给欣赏者心灵上的洗涤和视觉上的享受。

关键词：水彩画；“即兴”；影响

中图分类号：J215文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）05-0161-01

一、“即兴”创作对艺术家本身的影响

水彩画作品是承载艺术家思想情感的载体，要想“即兴”的创作出好的作品，这对艺术家自身的内在要求只高不低，基础不能丢，基础打牢是为了能更好的即兴发挥，而不是为了即兴而即兴。虽然人们普遍认为，水彩画只论文联盟wwwLWlmcoM适合创作概括性、随意性的、水色淋漓的画面效果，一定要水味儿十足才能凸显水彩画透明、水色流动等艺术特点，其实它同样可以进行深入、严谨、细致入微的形体塑造，而且也不失其水彩画独有的魅力特色。美国画家安德鲁·怀斯的水彩画作品是经典的范例，其中《流浪汉》一画中对一个流浪汉的形象进行细致深入地刻画，造型严谨，人物的头发、胡须都表现得十分逼真到位，可谓是细致入微。人物形象表情传达出的艺术感染力极其的强烈，使人感受到一丝宁静背后的孤独和伤感。除了创作造型严谨的人物画之外，怀斯也画一些看似寥寥几笔，随意速写的，构图却极其讲究的作品。画面中横线竖线的安排，近景远景的比重，色调深浅的对比，就给人一种“多一份则嫌胖，少一分则嫌瘦”得感觉，画面经得起推敲，很耐品。这与他自身所具有的深厚的艺术修养是分不开。

我们总是期望着能够在水彩绘画创作的道路上持有独特的观念，然而我们并未能逾越出本就存在的原理和范畴。绘画艺术的一般原理我们经常听得到，读得到，有些甚至是耳熟能详，但是只有当我们真正的了解了这些原理的深层意义的时候，它们才是属于我们的真理，对我们来说才会运用自如，逐渐推陈出新，成为新的。如果一个画家能真正的了解自己，那对他来说是幸运的，有好处的。绘画艺术创作的过程有时候是很矛盾的，有人习惯直接写生创作，有人喜欢凭借想象创作；有些艺术家的内在气质和他所应用和表现的手法不相符，同时也在探索着不同的技术手法的价值问题，艺术家在进行自我挣扎，旁观者也有不同的观点和争论。其实挣扎和争议都是必然存在的，也没有必要去排斥任何一种绘画创作的方式，同一个艺术家轮流运用不同的创作方式是常有的事儿。我们更没有必要为了追求与众不同的画面效果而刻意的去寻求古怪离奇的表现手段，这样也避免不了低俗和平庸。

“即兴”绘画创作的关键就是在提醒画家们注重自己内在品质的提高，并在一定程度上，引起画家创作时内心的专注和平静，起到缓和的效果。当一个艺术家具备了深厚的文化底蕴和轻松自由的作画状态时，那么他所创作的作品也会传达出相应的内涵和效果。

二、“即兴”创作对受众精神的影响

水彩“即兴”画面的产生基本还是要以自然世界为依据，通过艺术家有意识的再创造，再现出来源于自然又高于自然的色彩艺术，这在一定程度上能表达自然的本质，传达创作者的情感，同时也会引起观众们的情绪变化。水彩画只是揭示自然本质的一种手段而已，“即兴”的画面所表现出来的不确定性的幻象会带给观众们一种超越自然的感觉，然而画家自己首先要具有这种感觉，才能通过自己的作品向观众传达这一情感想象。也就是说，画家在艺术创作的时候具有一种什么样的感觉意识、精神状态，观众从其作品中就能够或多或少的感受得到。你画家创作的轻松，看的人也就放松；画家表现的画面不安，观者也会产生动荡的感觉……艺术家们可以用无限多的表现方式来表达思想情感，这也使得他们有可能在受众内引起同样无限多的情感共鸣。

艺术作品本身应当含有自己的全部的意义，以便传达给观众，让观众在看到作品名称和创作题材之前就读懂它。水彩画“即兴”画面在一定意义上是要排除功利性目的。“我向往着什么呢。我向往一种均衡的、纯粹的、没有激动的或引人入胜的题材的艺术。这种艺术对每个脑力劳动者，对事业家以及对作家来说，是一种脑力劳动后得到的放松和休息，是一种类似一张舒适的安乐椅的东西，在这张“安乐椅”里人可以坐着休息，以恢复肉体的疲劳。”这是“即兴”创作的绘画作品带给，也是艺术创作应该带给人们的精神上和视觉上的享受。

三、结论

在水彩画传统创作的基础之上，加入“即兴”创作意识，使得画家能够充分的放松心态，在轻松自由的状态下创作出好的作品。艺术家画得轻松，同时也让观众看着轻松，两者都得到了情感的载体和心灵的释放。

水彩画以流动、透明、水色交融等为主要特征，是一种与自然保持和谐的艺术。尤其是它畅快、雅致、灵动的视觉效果，使人在静思默想中感悟到那种幽深清远、澹泊自然的神韵，并引发出如诗如歌的意趣，给人以强烈的视觉冲击和心灵震搏。水彩画在中国历经百年风雨，已经到了厚积薄发的阶段，近年来，水彩画艺术在我国发展迅速，越来越多的水彩画家不断挖掘出新的表现素材，撞击出新的艺术灵感，不断有新的作品来刷新我们的视觉。只有敢于探索，勇于实践，不断推陈出新，才能真正发挥水彩画的独特艺术语言，推动水彩画的繁荣和发展。

选择一处有充足自然光的地方，也许还需要准备一盏够亮的台灯，尤其是晚上画画的时候。将水彩画纸用胶带贴在画板上，放置在桌子的中央。于是，我做好了一副要画画模样的准备~

水彩画，目前是深受小盆友们喜爱的画种之一。我的画画工作室，有很多是水彩的小粉丝，大到十三四岁，小到三四岁。

可是，水彩画并不是一开始便为人们所认识的。据说，在水彩艺术的早期，人们认为水彩画没有油画那样丰富，缺少美学价值；也没有版画那样的经济价值。只是用来速记色彩或勾勒草图，是一种附属、低级的画种。但到了后来，水彩画在艺术道路上的突飞猛进，却是在完全摒弃了油画技法的影响之后，并逐渐形成了一整套完整的独特的技法，从而形成了一种独立的画种。

水彩画，是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩，色彩透明。水彩颜料携带方便，与其他绘画比较起来，水彩画相当注重表现技法，适合制作风景等清新明快的小幅画作。

水彩画在题材选择方面是十分广泛的，风景画是水彩画家们非常青睐的一种题材，钟情于大自然的画家永远不知疲倦的通过风景画来表达他们的色彩世界。

静物也是水彩画中常见的题材，静物种类繁多，形式多样，色彩丰富，绘画者可以根据自己的意图有意安排所需要的内容和构图，从而创作出意味深长的静物画作品。

相比之下人物画对技法熟练程度要求比较高，首先要具有很好的人物画素描基础，同时还需具备丰富的水彩画经验，因此人物题材不是初学者的最好选择。

建筑题材的水彩画历史悠久，出于职业性的审美爱好和需要，它们更受到建筑师们的青睐。当然也是许许多多水彩画爱好者所热衷的题材。优秀的建筑本身就是精美的艺术，通过尺度、比例、色彩、装饰以及变幻的光影效果等形象因素，引起人们感观上的审美体验。

如果你是跟着教程学习水彩画，或者上了一门水彩课，那么就会接触到一些描述你绘画步骤的专用术语。所以还是熟悉这些术语比较好：

洗笔。意思是让你把笔在盛水的容器中蘸一蘸，轻轻地把笔头按在容器底部，让画刷上的毛舒展开来，洗掉颜料。继续做这个动作，直到笔彻底洗干净。

蘸满画刷。将画刷在颜料池（指的是颜料和水的混合物）里过一遍，这样画刷里就蘸满了颜料。抬起画刷，沿着调色盘边缘轻轻滑过，去掉多余的液体。

给画刷蘸取颜料。就和通常将颜料蘸满画刷一样，区别仅在于，这一次，要把蘸好颜料的画刷沿着调色盘边缘滑过几次，这样画刷里的颜料不至于多得滴下来。

吸墨。将蘸满颜料的画刷在纸巾表面点一下，去掉多余的颜料。你可以轻轻一点，也可以用力一些点。

作为艺术创作活动的一种形式, 水彩画是艺术情感流露的语言中的一种。画面中水的渗化作用、流动的性质、以及随机变化的笔触，让人感觉得到那种光波的流动。这种意境是其他画种难以比拟的。