对当前装饰画教学的反思 人物装饰画彩色

　　摘 要学习装饰画是设计专业学生的基础训练课程，也是吸收纯绘画艺术精华很好的途径。然而，当前设计专业学生对装饰画的语言、形式、材料都普遍缺乏深入的认识和研究,导致装饰画的创作方法单一，作品缺少艺术感染力本文对目前装饰画教材的编写和教学中存在的死板程式化，概念化的现状进行反思，强调装饰画是时代审美趣味最直接的体现，是极具视觉智慧的绘画形式。我们的教学应从陈旧的教学观念中走出来，着力培养学生用装饰语言表达艺术情感和时代美感的能力。

关键词情感；艺术符号；形式意味

前 言

最近阅艺术设计专业学生写的有关装饰画的论文，其中涉及到装饰画的定义时很多学生写到：“装饰画是一种起源于战国时期的帛画艺术，并不强调很高的艺术性，但非常讲究与环境的协调和美化效果的特殊艺术类型作品。”我感到非常奇怪，询问学生这一定义从何而来，答曰：“百度词库。”上百度网查询，果真如此！说装饰画“不强调很高的艺术性”，这本来就是一个很荒唐的误会，却得到设计本科毕业生的肯定并引用至其毕业论文中，让我不得不反思当前我们的装饰画教学是否给了学生恰当的引导，学生是否真的理解什么是装饰画，装饰画的创作意义是什么。

装饰画是人类最古老的艺术表现形式之一，无论是阿尔塔米拉洞窟壁画，还是中国敦煌的佛教壁画，抑或是那文纳教堂的查里曼大帝镶嵌画——这些艺术作品在艺术史上都是不可替代的，具有划时代意义。可见，装饰画在一定的历史时期有着多么重要的社会功用。当然,今天装饰画的传达意义的功能已让位给了各种媒体，但是其“饰”的目的却有更多的延伸，也就是说装饰画不仅是用于“装饰”，更在于美的时代体现。

一、装饰画是视觉智慧的结晶

装饰,按《古代汉语词典》释为：装，藏也，饰，美化。装饰乃是按一定的目的而做的美化修饰。装饰画不过是用装饰语言将美的形式和情感呈现在平面上的一种绘画形式。装饰画相对于写实绘画而言有自己的独特的艺术语言，写实绘画多是拘泥一个特定的时空，用光影、色彩、透视等手段呈现一个幻象空间，而在装饰画是在多元的时空中以意象造型和抽象美的形式来表现世界，以多种材料技术相符合的表现手段来传达对美的感悟。

在语言交流和信息传播不发达的古代社会，装饰画因多用于教堂、寺观等公共场所的装饰中，因此它不只是起着美化修饰的作用，还承载着教化、宣讲的社会功用。装饰画的特殊性在于需兼顾一定的实用性，从而使其绘者的个性表现相对减弱，但是完全不妨碍装饰画在“饰”的同时表达绘者对世界的丰富感知：克里木特的装饰画用华丽的色彩,写实的造型和名贵的金属材料镶嵌技法来表达对死与生、尊严和堕落等严肃的人生问题的思考；马蒂斯为汶思教堂所做的彩色玻璃装饰画，使用了剪纸的洗练的造型，不仅达到纯粹的视觉愉悦和简括造型的回归，又是对传统描述性表达的全面反叛——可见装饰画的美不仅在于视觉愉悦，更重要的是创造时代美学的体现，这是需要很高的智慧去创造的艺术，决不是“并不强调很高的艺术性，只强调与装饰环境协调的艺术”。因此,我们在教学中不应片面强调装饰画的装饰作用，更应引导学生用装饰语言去表达观念和精神，去创造有视觉智慧的艺术作品。

二、当代装饰画教学的误区

1装饰造型来源过于概念化和单一。

写生-变形\变色-归纳通常是学习装饰画造型的基础训练。这一方法是我国工艺美术教育家庞薰琹等前辈在20世纪40年代提出来的教学方法。总结出这样行之有效的装饰教学方法是源于先辈们在西方留学时，受到19世纪末20世纪初的工艺美术运动和新艺术运动中自然主义的影响：装饰造型的动机基本来源于自然形态，特别是动物和植物的形态，在装饰造型上突出表现曲线和有机形。所以装饰造型的训练往往从写生开始，经过归纳、整理自然形态，再到对物象的主观变形，来达到传达绘者美的体验过程。从当代艺术创作手法来说，这只是装饰画造型的手段之一。但是很遗憾，我们今天大部分的装饰画教材不仅照搬这一传统，甚至还从这一传统出法，延伸出极为死板的造型方法，比如平面化、拉长变形、添加图案法、剪形法等等，使丰富的装饰造型语言变的极为程式化和死板，这也让很多同学产生了认识上的误区：认为装饰画的具象表达必须是经过夸张、变形、平面化处理的自然形态，甚至将图案装饰和装饰画混为一谈。其实，装饰画的造型来源极为宽泛，不仅从自然写生变化而来，还可以从已成为艺术符号的图像、图形中来。实际上，当代装饰画创作的资源已由“自然”转换为“图像”资源。现代画家通过提炼、分解、重构等手段对图像符号的间接或直接的使用也是现代装饰画的创作重要手法。安迪沃霍尔以超市里各种消费品的商品形象、明星照片为造型资源，以丝网的重复印制为手段创作一系列的波普艺术作品，极富有现代装饰性。美国艺术家基恩哈林在纽约地铁创作的一系列壁画，采用涂鸦的方式，将具有非洲风格的图案符号和现代标识符号相结合，创作具有强烈风格化的装饰画。可见当代装饰画造型的来源，不只是局限于第一自然的。装饰画的造型来源更应该顺应变化，表现当代社会的生活状态和审美关照。

2装饰画的表现形式等同于构成形式

当前装饰画教材编写的普遍模式是：造型来源从写生开始，造型手段强调平面化的造型方法，或是从传统图式中截取造型原素，再导入到现代的平面构成形式中。这种教学方法不能不说是一条创作装饰画的捷径，但却是弊端显见的方法，首先将极具艺术表达力的装饰形式简单化。虽然平面构成的学习，能让学生在单纯的构形基础上快速领悟形式的美感，但平面构成的形式规律是基于普遍视觉感受规律的总结，是抛弃了图形符号语义的纯形式感觉的研究，平面构成的形式规律是不能完代替装饰画的构成形式的。装饰画的形式不仅是需要形式的美感，更应是一种“有意味的形式”。很遗憾，目前很多的装饰画教材中一提到形式构成，就是完全移植平面构成的形式规律，导致学生作品形式雷同、单调，装饰语言和装饰形式之间缺少联系。其次，注重形式强化训练的结果是装饰画的符号语义被舍去，忽略了装饰画独有的精神表达和形式之间的紧密联系。我们很多学生的作品徒有形式构成，而无精神内涵。装饰画是人们对世界的一种再创造，既然是一种创造就应该表现出各自的对世界的认知和评判、选择与构建。其形式构成语言不仅是复杂的形式组合，而更应是注入了当代人的情感形式。实际上，我们的教学误区在于过分强调方法，而疏于装饰情感的表现培养。

结 语

正如设计教育的先驱约翰内斯伊顿所说“在艺术表现方法的教学方面最根本的是唤起具有不同气质、才能的学生富于个性的反应。”真正意义的装饰画是拒绝单一、机械程式不变的概念化倾向，它强调的是艺术中的创造性，而非毫无个性的矫饰之风。我们装饰画教学应以美化修饰为基点，大力拓展学生对现代装饰语境的把握和对时代美学的表达。

参考文献

[1] 约翰内斯伊顿 设计与形态[M] 上海:上海人民美术出版社, 19968

[2]罗伯特休斯著，刘萍君译新艺术的震撼[M]上海:上海人民美术出版社, 19978

[3] 苏珊朗格著,腾守尧译艺术问题[M]南京:南京出版社,20061

[4]王受之著世界平面设计史[M] 北京: 中国青年出版社, 20029

例：俄国的构成主义运动是二十世纪初国际现代主义运动的重要内容之一。俄国构成主义设计是俄国十月革命胜利前后在俄国一小批先进知识分子当中产生的前卫艺术运动和设计运动。构成主义的目的是改变旧的社会意识，提倡用新的观念去理解艺术工作和艺术在社会中应扮演的角色，坚决的提出设计为社会服务。构成主义的艺术家希望通过对造型艺术的词汇和构成手法的再定义，为未来的人们创造一种新的生活方式。

至上主义和构成主义为人们揭示了一个普遍规律：视觉艺术的某一要素，如线条、色彩、形式、都具有其自身的表现力，从而独立于世界表象的任何关系之外。马列维奇(Kasimir Malevich)、嘉博(Gabo)、克利(Klee)等人，他们把最新奇的抽象艺术带入构成主义体系中来。二十世纪初的现代艺术，尤其是立体主义和构成主义雕塑的几何造形和构成形式，对二维艺术设计和建筑空间设计有很大参考价值。

一：二维艺术设计

至上主义代表人马列维奇的平面作品把单纯的几何形作各种组合、色调单一，却传达了一种动力感和空间感。他运用富于动态的斜方组合把画面安排得紧张和复杂，几何构成表现了情感的波动。马列维奇的学生李西茨基（FL Lissitzky）是传播俄国至上主义的重要人物，它的平面作品《用红色锲子打入白色》是采用完全抽象的形式，强烈地表达出革命观念的现代海报之一。李西茨基强调抽象形式与社会应用的结合，把几何造形、照片和字体以一种前卫的方式组合起来，从中可以看到“现代”设计的特点。**《战舰波将金号》海报设计背景是抽象的线条构成，主体则是在呐喊的水手，将几何造形、照片和字体设计元素有机地结合起来。他把照相技术引入平面设计，制作成照相蒙太奇地效果，体现了构成主义所推崇地机械韵律感。苏联导演爱森斯坦创造了构成主义式的新**剪辑手段蒙太奇，他导演的**《战舰波将金号》充分体现了这种风格。

亚历山大·罗钦可（A1exander M．Rodchenko）是构成主义的三位创始者之一。他不但是苏俄有史以来最重要的摄影家，也是苏俄十月革命中的重要艺术导师。罗钦可的观念是最激进的。他在一九二三年又发表了惊人的学说，声称“绘画已死，艺术家应同时具备画家、设计家和工程师的三重任务。”然后就从此搁下画笔、油彩，而拿起相机。他认为：“相机是社会主义之社会与人民的理想眼睛。” “只有摄影能回应所有未来艺术的标准。”他们在自己的文化环境中，为着一种变革而努力工作。在他们的作品中通过一种纯几何的观念显示出反个人主义的思想。半个多世纪后的今天，在当代摄影家的作品中，也表现出一种构成主义造形理念的影响。这也许正是我们的艺术继承传统的结果。而怎样对待继承与革新，也是每位摄影家应该深思的问题。

构成主义风格影响到许多欧洲国家的平面设计，如包豪斯的莫霍里-纳吉（Moholy-Nagy）的设计当中反映尤其明显。他的平面作品全都是绝对抽象的作品，他设计的包豪斯丛书、海报、拍摄的照片和制作的**，都具有强烈的理性特征，并且显示了理性化对于设计造成的积极效果。他相信简单结构的力量，利用平面来表达这种力量。当代美国的设计大师艾普瑞乐（April Greiman）版面的空间化设计，在一定程度上显然是借鉴了构成主义大师李西茨基对于空间、平衡和造型的视觉思想，并将其应用到了实践中。她强调人的直觉性对设计的决定作用，重视形式的表现力，主张为了表现可以牺牲可读性。艾普瑞尔的版面设计，一方面强调视觉中的二维性表达方式，即运用平面化的语言。另一方面，她却又利用编排方面的技巧，把深度感引进到版面中。重叠的造型，极具指示性和众多性格不同的标记线，富有动感、方向感及空间悬浮感的几何图形，暗示出了强烈的透视关系。这是使她的设计作品充满活力的关键所在。

二：空间设计

马列维奇设计了一些所谓至上主义的建筑模型，例如《空间中的独立形式》，这些模型成为以后建筑的重要蓝图，而且影响了现代建筑的国际风格的进程。俄国构成主义的影响在沃尔特·格罗佩斯(Walter Gropius)地设计中表现非常鲜明。构成主义把结构当成是设计的起点，以此作为建筑表现的中心，这个立场成为世界现代主义建筑的基本原则。

塔特林(Tatlin)是构成主义的奠基人，他把各种材料在一系列几何造形的基础上作了研究，认为材料和有机组合的造形是一切设计的基础。《第三国际纪念碑》是塔特林的代表作，它是雕塑、建筑与工程结合在一起的抽象构成，使用了动力、空间和各种材料，体现了构成主义关于空间、时间、运动和光的宏伟构思。进行虚拟空间设计的要素是与构成主义雕塑一致的。构成主义雕塑对材料和机械结构的特质有着深入的思考和理解，他们用立方体、圆柱体构成宏伟建筑式结构，既表现了工业时代特有的冷漠和非人格性亦在大自然威力的反衬下显出“机器静止时的深刻沉默”。

嘉博(Gabo)的雕塑把体量转变成线条和平面轮廓，认为艺术的重点应是在空间中的势，而不再量感，它首先把机械动力的真实运动引入雕塑，创造了最初的活动雕塑。现代装置艺术受到嘉博雕塑风格的影响，装置艺术似乎满足了繁忙的当代人的生理需要和心理平衡，充分反映变化中的世界，因为装置艺术中静止的物品并不是绝对静止的，它们所存在的空间环境和社会处于永恒的运动中，因此它们本身的意义也在不断变化。

对于俄罗斯的构成主义者们，他们已超越了马利维奇，他们为艺术是自治的精神活动的观念而辩护，正是塔特林首倡了这一观念，后由他的制作主义继承者采用并得到发展。这一观念认为艺术家应该接受再培训以成为合格的技师和工程师，为的是在现代工业社会里能够取得与工人兄弟们一样的地位。技术艺术（Technology Art）最重要的一项资源是与重新解释与利用运动艺术（Kinetic art）和光-动艺术（Lumino-Kinetic Art）中再现的光与运动有关的。在德国魏玛的包豪斯实验艺术家发展了一种结合光和运动的艺术。包豪斯的莫霍利·纳吉和亚历山大·卡尔德（Alexander Calder）各自独立地在20年代和30年代探索一种真实的运动艺术，但是只是到50年代，动态艺术（Kinetic Art）才真正形成。

无论我们是进行平面设计或空间设计，构成主义艺术家所创造的造形方法对于现代设计有着非常重要的指导作用。

1、目标不同

艺术应该打破传统，发人深思。技法越好思想体系越成熟这个茧就越坚硬，想打破它就会越困难。

设计必须构图合理，色彩搭配要讲究，使用的字体要推敲，图案要取舍，符合物理学规律。各个方面要能达到一种“和谐的张力”，才能是好的平面设计作品。

2、特点不同

艺术，形象把握与理性把握的统一、情感体验与逻辑认知的统一、审美活动与意识形态的统一。

设计，设计的速度、设计的准确性、设计的信息量。

3、分类不同

艺术，艺术可以分为造型艺术、表演艺术、综合艺术和语言艺术四大类。

设计：

（1）沟通设计

沟通设计（Communication Design），有时也称为沟通艺术（Communication Arts）或是视觉传达设计（Visual communication）。

（2）平面设计

平面设计（Graphic Design）：是CI系统的视觉表现化，通过平面的表现，突出企业文化和企业形象。

（3）三维设计

三维设计（3D Design）：是一个广泛的种类、然而并不常用、在三维设计当中、多以电脑动画、工业或建筑设计的三维模型为主要创作的项目。

--设计

-艺术

　　论当代艺术对设计的影响

　　内容摘要：后工业社会之后，人类生存的状态问题一直困扰着我们。当物质与精神的二元对立逐渐消解，艺术与设计之间的界限正在消失，并成为艺术化生存的主要选择。现代主义艺术对现代设计从观念到形式甚至操作方式都产生了根本性的影响，这种影响还表现在设计家通过艺术的方式去思考。观念设计就是这种思考的结果，在观念设计中，创造性思维得到了充分的表现。

　　关键词：艺术化生存 现代主义艺术 观念设计 创造性思维

　　正文：

　　一位教士登上一列火车，由于他经常乘坐这辆车，因此列车长认识他。教士伸手到口袋中掏车票，但没有找到，他开始翻他的行李。列车长阻止了他：“教士，我知道您肯定有车票，现在别急着找。等找到后再向我出示。”但教士仍在找那张车票。当列车长再次见到他时，教士说：“你不明白。我知道你相信我有车票，但——我要去哪里呢”这是一个幽默故事，但是却暗含了我们人类对自己未来命运的追问——我们要到哪里去呢我们未来的生活理想和目标是什么我们需要什么样的生存方式这种生存方式如何获得

　　一、艺术化生存的必然选择——艺术与设计

　　人类生存的美、生存的合理性以及人类的未来命运，都与设计的理念以及设计的方式有根本的联系。设计是我们追求理想生活的一种方式，甚至可以说是当代文明的一种境界，一种诗意的、艺术化的理想，同时也是我们当代人无法回避的事实，无法逃遁的生活环境。

　　未来社会，人类理想的生存方式是艺术化生存方式。艺术化生存方式，是一种全面和整体的生存方式，不仅需要知识和技术，还需要更成熟的人类情感。按照这种生存方式，从事艺术的一个重要目的，就是要通过创造和欣赏艺术，更好地掌握自己和认识自己，而不是让无情感的技术和机器掌握自己。人类必须通过这种艺术，在技术发展遭遇的暗礁中踏出一条回归自己的路。在这条路上，设计和艺术一直相伴相随，共同改变和影响着人类的生活。

　　我们生活在视觉时代，每时每刻目睹媒体的各种图像，不断从艺术角度做出抉择。选购服装、买块地毯，购置家用电器等，我们都要在款式、颜色和图案上做出抉择，只是我们很少意识到艺术抉择这件事，或者很少留心自己兴趣和标准的起因。

　　每件艺术品都是一种潜在的刺激物。能给人以最深刻的人生体验的艺术品就应算是最伟大的艺术品。艺术是一种想象，与生俱来，还可以培养成生命的一部分，使人终生受益。艺术抉择从根本上是我们自己的视觉文化意识的趋向性。就创造和欣赏而言，艺术教育的一个主要目的就是要培养这种意识，使我们能更充分地体验周围多种文化的世界，从而更好地了解我们自己。

　　与其说艺术是一件东西，还不如说艺术是一种活动。艺术既是创作活动，也是观赏者的响应活动。进入后工业社会以后，社会产品的生产已不再被简单地分为纯物质或纯精神了，模糊性填平了物质功能与精神功能的沟壑。逻辑性的求同思维不再是科学家的代名词；形象性的求异思维也不再是艺术家的天赋。两种思维综合交叉将使设计之树遍布人类社会活动的各个角落。设计与艺术之间的界限正在消失，一个二者之间对话的“边缘地带”迅速形成。因此这样的设计理应成为艺术教育的重要组成部分，而艺术也理所当然地成为设计的重要方面。“设计应被认为是一个技术和艺术的活动，而不是一个科学的活动。”(Marco Diani语)

　　作为有艺术含量的创造活动，设计通过把预期目的和观念具体化、实体化的手段，满足着人类的物质和精神需求，对于具体的设计项目而言，技术的规定性和艺术的创造性是为达成设计目标而存在的两个要素，它们共同构成了满足设计艺术最终形态的物质和精神功能要求的整体。设计中也常常发生这样的现象，一个设计不是直接地进入生产，而是巧妙地引发另一个新的设计。因此艺术相对于设计更重要的意义还在于，艺术在设计活动中可以开启设计者的思维，拓展其想象空间，探索无限的可能性，以解决设计中表达的问题——观念设计或概念设计。

　　二、难解难分——现代主义艺术与现代设计实践

　　在近代，现代设计与现代艺术之间的距离日趋缩小，新的艺术形式的出现极易诱发新的设计观念，而新的设计观念也极易成为新艺术产生的契机。很多工业设计品的形式表现出与现代雕塑和绘画的密切关系。现代主义艺术与现代设计相互影响，在建筑和雕塑方面尤为瞩目。许多设计家就是艺术家，设计了许多时代性的代表作品。如赖特的流水别墅、门德尔松的爱因斯坦天文台、勒•柯布西耶的朗香教堂等等。而勒•柯布西耶等许多设计家，早年几乎都热衷于现代艺术活动。

　　包豪斯时期，结构主义的抽象形式设计与新造型主义绘画和雕塑就存在着惊人的共同之处。许多现代主义艺术家被邀请到学院讲学，教授基础课程，如著名的现代主义艺术家费宁格、依顿、康定斯基、保罗•克利、莫霍伊•纳吉等等。

　　依顿在教学中重视发掘学生的艺术创造能力，启发学生的色彩感受；康定斯基对色彩、形体的近乎科学方式的理性分析，影响了学生的理性认知能力和表达能力，康定斯基总是在一系列讲演中用图表来说明自己的色彩理论。他那强调数量有限的原色以及外加黑与白的“日尔曼式的”色彩理论，后来形成了广泛的影响。纳吉的构成主义摄影实践和基础课教学，对学生的造型能力和思维能力的发展有不可低估的作用。保罗•克利对包豪斯色彩观念的特殊贡献是他关于色彩级数特性的结论，并将这种结论应用在绘画和教学中，体现了很强的色彩科学的精神。约瑟夫•艾尔伯斯的绘画《向正方形致敬》就源于其老师保罗•克利的色彩级数原理。

　　保罗•韦茨(Paul vitz)和阿诺德•格里姆奇尔(Arnold Climcher)在其《现代艺术与现代科学》一书中，对现代主义艺术的特征归纳如下：现代主义艺术的最突出特征是它对抽象的偏爱。到了20世纪早期，许多重要的艺术家如康定斯基、德劳内、波洛克和德•库宁的作品都有一个共同的模式，就是从早先热衷于描绘可辨识的景观或形象，转向完全或几乎完全抽象风格的成熟阶段。另一个值得注意和最整体性的倾向，是消除了透视空间，这就导致了画面的平面化。第三个显著特征是，它自觉地关注自己的历史功绩，尤其是诸多不同艺术运动理论上的解释。第四个特征是所谓的艺术的“知觉”本性，它涉及我们如何“看”和“看”什么。

　　现代主义艺术的这些特征和观念，不但深深影响着现代设计的形式的面貌，提供了设计产品的美的精神特征，更重要的是艺术家通过设计实践，积极参与到对现实物质世界的改造中来，使人化的自然具有了和谐的物质与精神的双重功能，为人类艺术化的生存方式提供了可能。

　　在当代，观念艺术作品又在纯艺术领域内掀起了艺术思潮的巨浪，影响着艺术的发展和潮流。观念艺术启迪着创造的灵性，也影响着当代设计潮流的走向。

　　三、殊途同归——观念设计与创造性思维

　　观念设计又称概念设计，原是产品设计中的一种设计方法，是设计过程的早期阶段，其目标是获得产品的基本形式或形状；是开发性的，对未来从根本观念出发的设计；是预见的，在设计中不考虑生活技术水平和材料。现在，概念设计已经从产品设计领域拓展到环境设计和视觉传达设计等各个领域，成为观念设计的同义语。

　　从一定的意义上说，设计也是一种传达活动，是运用形象或符号向观众传送一种信息的过程。通过视觉的基本元素的设定、计划、构成来达到预定的目标，使设计家同观众达成一种信息沟通。如何使信息和形式有机结合则是设计过程的全部。信息即观念，观念是设计审美评判和表达的主题。观念始终是设计的核心。观念在这里可以是一种哲思、理念、感受，也可以是形式因素本身特有的抽象内涵……它是设计的灵魂。观念设计则是一种强烈夸张的甚至是怪诞的忽发奇想的方式。把观念寓于形式之中，以一种理想的方式或非理性的，有时可以是纯抽象的方式向观者传达引导或预测着使用设计的方向和潮流。

　　观念设计启迪着艺术的创造思维，影响和引导着设计的潮流，设计艺术家要彻底解放思维的禁锢，进入创造的自由王国，观念设计将会是开启这自由王国大门的金钥匙。

　　设计活动本身就是一个不断寻求突破和创新的创造性过程。设计的过程是寻求解决问题最佳办法的过程，也是需要发挥设计师创造能力的过程。创造性是衡量设计综合价值的重要标准。创造性还来自设计赖以生存发展的社会的要求。通过设计满足引导和创造需求，是社会对设计的要求，也是人类不断发展，不断提高生活质量的具体体现。

　　技术创新在观念设计中发挥着至关重要的作用。观念设计中技术创新的本质就是要在设计领域中发现某种新事物、提出某种新思想，在很多情况下是因为现有的产品不能满足社会的需求而激发出的新颖构思和创见。技术创新的基础是知识的积累和灵感的进发，是设计人员进行创造性思维的结果。创新本身就意味着不拘一格，不局限也不依赖于某种特定的模式。技术创新的结果是一种新材料的选用或新科技手段在设计中的运用。

　　另一方面，观念设计需要创造性思维的积极参与。创造性思维是指不依常规，寻求变异，想出新方法、建立新理论、从多方面寻求答案的开放式思维方式。创造性思维离不开创造性想象。没有创造性想象，作品就没有生命力。“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步。并且是知识进化的源泉。”(爱因斯坦)设计人员要打破习惯性思维，变换角度，开阔视野，才能使自己的创造力得到更充分的发挥。创造性思维是指有创建的思维，即通过思维不仅能揭示事物的本质，而且能在此基础上提供新的、具有社会价值的产物。创造性思维有扩散思维和集中思维、逻辑思维和形象思维、直觉思维和灵感思维等多种形式。在观念设计中，要努力发掘创造性思维的能力，充分注意扩散思维和集中思维的辨证统一，准确把握逻辑思维和形象思维的巧妙结合，善于捕捉直觉思维和灵感思维的“闪光和亮点”，这样才有可能设计出新颖、独特、有创意的产品。

　　在观念设计中，主要就是通过创造性思维解决设计中的创造问题。创造性思维是艺术的主要思维方式，因此在观念设计中，由于艺术与设计的上述关系，借助艺术思维的某些特性，探索艺术思潮对设计的诱发因素，充分发挥想象力和创造力，不但是可能的，而且是必然的选择。历史已经给出了我们答案。

　　结语：

　　艺术相对于设计更重要的意义还在于，艺术在设计活动中可以开启设计者的思维，拓展其想象空间，探索无限的可能性，以解决设计中表达的问题——观念设计或概念设计。在当代，观念艺术作品又在纯艺术领域内掀起了艺术思潮的巨浪，影响着艺术的发展和潮流。观念艺术启迪着创造的灵性，也影响着当代设计潮流的走向。因此在观念设计中，借助艺术思维的某些特性，探索艺术思潮对设计的诱发因素，充分发挥想象力和创造力，不但是可能的，而且是必然的选择。历史已经给出了我们答案。

　　参考文献：

　　1、荆雷著《设计艺术原理》，山东教育出版杜，2002年

　　2、尹定邦著《设计学概论》，湖南科学技术出版社，2001年

　　3、王受之著《世界现代设计史》，中国青年出版社，2002年

这是西方数百年来的思想文化核心，也是中华民族比较缺乏的东西，西方人凭借这些在技术和社会管理方面取得飞速进步；但也带来局限，是抑制生命的部分活力，比如男女相悦离不开自然的吸引力，如果只从职位、收入、门第角度考虑和计算，理性态度是有了，但感情会受影响。所以，在涉及人类情感和性灵的地方，不能只听科学的。

特点——现代艺术的创作，与科学思想密不可分，结构主义与立体派，工业技术思想与未来派、风格派，机械制造形式与达达派的机械图纸绘画，弗洛伊德的释梦学说与超现实主义，还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义，等等，都是科学和艺术联手的结果，人们把艺术创作看成是一种有规律可循的造物过程，这样，艺术家出图纸，工厂按照图纸生产艺术品，就成了合情合理的艺术创作程序，1960年后的美国就是这个样子。那时，许多艺术家从事各种各样的工业与材料试验，发明新的合成材料，使用机械装置成为作品的动力系统，声光电磁成为新的艺术资源，下面几项艺术活动能说明当时的情况： （Lighi Ari）是雕塑的另一发展方向，其形式类似霓虹灯广告。代表人物是青年艺术家弗莱温（Dan Fla-vin)。

1966年纽约军械库举办《艺术和工程》试验展览，展出许多高科技手段设计的艺术品，并由此带动艺术家和科技工作者的紧密合作。随后成立的’艺术和技术试验”组织，有3000人参加。

还有更多的类似活动，频繁地出现在世界各地，形成风潮。如纽约现代美术馆有“机械”展，惠特尼美术馆有“光”展，伦敦有机械“动力”艺术展，洛杉矾有“工业”展，等等。科技力量由介人艺术发展到支配艺术，西方现代艺术在借助科学力量创造新成果的同时，也把自己送上了不归路。

后现代主义不仅仅是再平面设计中，在**、文学……都有后现代主义一派，由于后现代主义受到第二次大战的影响，人们的思想开始大变动。战后，人们人们对昔日一贯遵从的社会道德标准和价值观念产生了根本性的怀疑。所以人们在艺术创作中回去颠覆，有时甚至没有固定的灵感来源和创作背景。现代广告作为一种新兴的广告类型，首先在欧美流行开来。不久以后，国内也出现了许多具有后现代风格的广告创意。国外对于后现代广告的研究主要建立在对于后现代主义的理论性研究上，偏重于哲学类的研究。而国内的研究则偏重于实用性的总结，以及对于国外一些广告作品的评论。研究后现代广告，是对一种新兴的广告概念的探索。现代广告设计是工业社会普遍的广告传播形式，它遵循现代主义的审美原则，注重表达的规范性、虚实的连贯性和逻辑的合理性。后现代广告设计则不同，大多强调了广告设计的意识形态作用，善于把商品、特质精神、文化观念等加以解构，改变了现代广告设计的风格，往往以晦涩的表达、冷傲的形象、模糊的意旨：以荒诞、戏谑、嘲讽、自虐的形式表现；以漂亮的面目呈现，手法怪异、内容模糊、主题反叛；它有着强烈的否定与破坏色彩，重视解构而轻视建构。

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后现代广告的特点

（一）主题的观念化

现代广告设计是一种以广告主为中心的广告模式，其广告内容大多是关于本身产品的功能，外观，价格等信息。这是工业社会普遍的广告传播形式，它遵循现代主义的审美原则，注重表达的规范性、虚实的连贯性和逻辑的合理性。而面对众多类似的产品，消费者只能通过另一种方式将他们区别开来。换而言之，广告设计者需要在产品信息之外为消费者提供一种判断的依据。后现代广告更多的体现了广告设计者对于生活的理解与创新。广告的重点不再是理性的传达商品信息，而侧重于与消费者之间感性的交流。现在看来，这种类型的广告并不代表主流文化，而更多的倾向于表达边缘的、敏感的甚至是压抑的话题。这种对内心深处的挑逗，更容易引起消费者选择性的注意，更容易激起一种反抗压力的共鸣。也正是由于这一特点，极大的降低了广告发布者与广告观看者之间的距离感。

（二）视觉的冲击力

后现代广告具有很强的视觉冲击力，这也是引起消费者选择性注意的最直接的方式。在我们的生活被庞大的信息量所淹没的今天，我们很容易发现，很多时候人们也许根本就不会注意广告的内容。也许只是擦身而过，一幅惊艳的画面足以在短时间内给人留下深刻的印象。拥有这种强烈的视觉冲击力，我们不需要人们记得广告的内容，也就不需要担心自己想要传达给目标人群的信息是否已经传达到。我们只需要让人记住一个商标和关键的广告词，就好像一枚炸弹，爆发，然后迅速留下痕迹。对于受众，他们可以对广告内容进行思考，也可以不进行思考；可以当时进行思考，也可以事后进行思考。我们所做的，只是将一个品牌的烙印深深地打在每个看过的人心里。而从另一方面考虑，强烈的视觉冲击力对于欣赏者来说也是一种享受。在个性张扬的作品中，华丽的视觉效果可以为欣赏者带来情感上的宣泄，而这种宣泄也许就是我们与消费者沟通的筹码。

（三）风格的多样化

由于后现代文化是一种多元的文化，后现代广告作为其思想指引下的产物，也具有层出不穷的表现形式。在后工业社会，各种艺术都被消解为一种平面化的东西，因此后现代广告设计不是一种具体的艺术风格流派，而是一种普遍模糊的观念。他们对现代广告给予了公开的否定，不再认为广告设计只是某种单线行进之路，而应该是方向多变、风格多样的表达形式。这一类型的广告作品大都是以揶揄、拼贴、拟象、戏仿等方式制作而成，并且大量运用现代高科技手段进行修改，营造出艺术语言模糊的视觉幻影 。例如，意大利品牌“迪赛尔”的牛仔装广告设计，将1943年德黑兰会议的三国首脑斯大林、罗斯福、邱吉尔的合影照，拼贴成三位首脑抱着一个身穿迪赛尔牛仔服美女的广告；KOOKAI的化装品广告，宣扬了一种女性解放思想，把男人玩弄于脚趾之间，好似猫玩弄老鼠一般，尽情戏弄调侃的情趣；贝尔尼时装店广告，左边是一具放在石棺中的木乃伊，右边是站在石棺中身穿贝尔尼时装的男性，广告语是“BERNIE’S makes the difference”。游戏可以是任何的形式，这样多样的风格，正体现出后现代文化自由的特点。

（四）诉求的个性化

现代广告注重实用性，其对象多半是具有相同特征的群体。例如，日用品广告中常出现妈妈的形象，Walkman、MP3的广告中都是充满青春活力的少男少女。而后现代广告对个性化具有很强的诉求，不再把对象约束在某一个群体内。消费文化强调回归自我，正符合人性的本质特征。在马洛斯的需求理论中，最高一层的需要是自我实现的需要。在满足了生理、安全、情感、尊重的需要之后，人们开始追求个性，寻找自我。从近年来手机的广告可以看出，对于这类科技产品的宣传已经不可能只停留在描述其功能的层面。在各处张贴的手机户外广告中，“概念化”、“个性化”已经成为贯穿整个广告的主旨，商家正在试图找寻一种方式凸显消费者在使用其产品时所表现出的鲜明个性。

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后现代广告对消费者行为的影响

（一）来源于文化的而影响着文化

后现代主义是不同文化之间相互矛盾与冲击的产物，而这一产物本身又在继续影响着文化。广告作为一种宣传手段，是需要对公众展示的。那么显然，由于这样一种与周围环境不相符合的事物存在，其周围的环境也必然随之改变。消费者并不会去效仿广告的内容，因为内容本身并没有现实的含义。而在表层之下，这些频繁出现的后现代广告确实在改变着这个社会主流的思维方式，吸引着人们从压抑的生活中解放出来。反叛、自由、骄傲，这些当代社会所具有的特点，正潜移默化的改变着我们的观念。很多时候，人们愿意看到这种具有后现代风格的广告。出于好奇心，人们刚开始接触后现代广告总是会抱着一种游戏轻松的态度。而有些人则认为，对于后现代文化的认同会使人感觉更加自我，更加个性化。这是一种新的思维方式，商家希望通过这样一种与过去截然不同的广告来刺激消费者。与此同时，随着这样类型的广告逐渐增多，后现代文化的氛围也愈来愈浓烈起来。

（二）对政治、宗教的挑战

后现代主义的解构，并不是意于创造一种新的秩序。只是为了解构而解构，为了打破旧的法则法规。出于其本质，这种不受约束的态度会不可避免的影响到地方政府以及宗教团体。后现代广告所具有的破坏性，从一方面来说刺激了消费者的感官，产生购买的欲望，而另一方面却鼓励着他们抗拒约束，以更加反叛的心理面对生活。自古以来人们都在制定并修改着法律法规，为的是将民众管制成一个整体以达到社会的稳定，宗教则是用另一种方式来达到同一目的。后现代主义的出现，意在打破这种稳定，再将这些不稳定的因素拼凑起来。但无论如何，广告只是文化的一部分，后现代文化可能造成的影响不一定会以广告的方式表现出来。毕竟我们称之为后现代，是以为它并没有成为现代社会的主流思潮。而后现代广告所应用的，只是后现代主义的一部分思想而并非全部。甚至，这可以看作商家为追求利益而制造的噱头。

（三）、对不同受众的影响

后现代广告作为一种具有很强刺激性的宣传形式，对于不同的受众自然会产生不同的效果。由于教育背景、家庭环境、思维方式、情感空间的不同，人们对事物的承受能力也会不同。我们在这里将目标人群分为以下五种类型进行讨论：

1、审美专家型

这类消费者具有很强的审美修养，可能本就是艺术家或美术学者，他们对属于艺术范畴的作品有着很强的发言权。当这类人遭遇后现代广告，首先就会对其美学艺术价值进行深入的思考。判断这是一个好的作品，还是只是打着后现代名号的糟粕。他们并不一定会因为一个好的广告作品而购买该产品，很可能只停留在对广告的喜爱上。但并不意为着施行后现代广告策略对他们不产生任何效果，更多的时候我们使用这类广告只是为了极大的吸引潜在消费者的注意。

2、追逐时尚型

这类消费者追求时尚的产品，也极容易收到广告的影响。但他们对艺术本身可能并没有深入的研究，只是凭自己的兴趣去取舍。对于这类人群，使用后现代广告可以起到很明显的作用。他们对于产品的品牌与质量十分关心，觉得时尚并非只是空洞的名称，而应该具有其真正的意义。这是一类感性的客户，他们追求的是在产品之后更深层的价值，也就是品牌文化的价值。这类消费者具有很强的购买力，也是多数奢侈品市场的主要人群。满足他们心理的诉求，就有可能维持住这部分消费者。

3、另类反叛型

这类消费者生性反叛，喜欢另类的事物。支离破碎的画面，混沌的主题，艳丽或阴暗的表现手法，正是他们所追求的感觉。与追逐时尚型消费者相似，他们对于后现代艺术可能也没有深入的了解，仅仅是为了与众不同。这种特征并不一定表现在言行举止上，也可以是一种内在的思维方式。怪异奇特的广告作品可以提起他们对产品的兴趣，使购买行为变为可能。后现代广告可以有效的吸引这一类消费者，但要使他们成为自己的客户还需要在产品的个性化上做更多努力。

4、循规保守型

这类消费者因循守旧，不容易接受新鲜事物。对于后现代文化强烈的反体系，他们一时还无法接受。他们对后现代广告持排斥的情绪，觉得对待事物的态度应该是理性的，积极的。他们希望生活不要出现突然的改变，而那些具有后现代风格的广告作品不稳重、不乐观的态度会让他们感到不适。对于这一类型的消费者，采用后现代广告策略会得到相反的效果。

5、漠不关心型

这类消费者对于广告并不敏感，他们更倾向于评价产品本身质量与性能。在整个购买过程中，他们的目标比较明确。常常进行产品的比较，以便合理的购买产品。在现代社会中，这一类消费者占多数。在购买过程中他们会比较慎重，受广告影响不大。

（四）对消费者心理的影响

后现代广告的游戏性，可以舒缓当代社会生活的压力。人们可以随意调侃，逃避拘束，在思想上得到暂时的解放。这种自由性加上通过拼贴构成的与众不同的画面，首先在消费者心里打开一个窗口。通过这个窗口，这类广告可以影响到消费者的认知,使其对该品牌产生好感。感觉与知觉是指人们通过感觉器官对产品的个别属性或整体属性的认知。知觉是感觉的延伸，它受到各种主观，客观因素的影响。消费者自身的兴趣爱好，个性，对品牌的偏爱以及自我形象是知觉的先决条件；产品形象，企业形象其吸引力是知觉是基本条件；广告宣传，销售人员的销售行为，则是促成消费者对产品知觉的关键因素。人们通过接触后现代广告，面对事物会产生一种不同的认识方式，人的思想可能会因为处在后现代的氛围中而发生改变。而当人们接受了后现代广告这种广告类型之后，可能会更深入的去了解其内容以及文化，而这个了解的过程我们称之为消费者的学习。广告代表的并不是广告本身，而是它所宣传的产品。后现代广告建立起的应该是一种品牌文化，并通过这种文化去感染消费者，使他们参与到这种文化之中。另一方面，那些反叛、阴暗程气息很浓郁的后现代广告可能对消费者的心理带来消极的影响。甚至会使人们对该品牌产生厌恶感，其效果适得其反。

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后现代广告的应用

（一）运用后现代广告所必需的条件

后现代广告策略是建立在情感之上的营销，因此并不是所有的产品都适合使用后现代广告。广告是用来宣传品牌和产品的，只有当产品的质量和性能达到消费者所期望的程度之后，我们才可以把营销的重心放在其他的方面。作为一种全新的尝试，一个品牌首次运用后现代广告策略需要承担很大的风险。一个平庸的广告作品可能不会产生显著的效果，而一个极端的广告作品则可能毁掉一个品牌。确定一个产品或品牌是否适合使用后现代广告至关重要。因此在发布广告之前，必须先做好准备工作，考察广告的受众属于哪一类人群，有无特定的年龄段、性别、教育背景以及收入状况。再则，要考虑产品及品牌的成熟度，是否有能力受到消费者的质疑。

（二）平民艺术

商业广告并不是纯粹的艺术，而是赢利为目标的创作。所有的工作，应该围绕如何有效推广产品品牌这个中心。后现代广告之所以可以吸引人们的注意，很大程度上是因为它所带来的视觉上的享受。因此一个好的后现代广告作品，必须能够将广告主希望传达的信号表达出来。后现代广告与现代广告不同，其鲜明的特点在于它的艺术气息。不论画面多么支离破碎，都必须存在一个支点，支撑着整个作品。后现代广告是使用后现代艺术作为表达方式，但却不一定要将后现代艺术中最难以接受的部分表现出来。我的营销的对象中大多数是普通的民众，而不是艺术家。因此广告的创意要尽可能的平民化，如果过于生硬则很难建立起与受众沟通的桥梁。

（三）与广告对象深层的交流

后现代主义提倡心理的解放，提倡交流，反对约束与规则 。而作为营销人员，我们所必须做到的正是如此。营销是一种需求管理，我们了解并影响消费者需求最直接的方式就是交流。而后现代广告却可以隐晦的将人们平时不愿说明的情感表现出来，通过画面，通过调侃。在每个人心里都会有一些晦涩的想法，如果可以通过后现代主义游戏的方式将其解放出来，我们就成功的与消费者之间建立了情感的纽带。作为广告的制作方，一定要尽量去挖掘广告内在的情感，并通过不同的方式给人以暗示。正如之前所提到的贝尔尼服装广告。如果单单出现木乃伊与穿着贝尔尼服装的男性的画面，人们不免将两者联系起来，认为穿上贝尔尼服装就像一具木乃伊。但是如果加上“BERNIE’S makes the difference”这句广告词，就会表现出贝尔尼服装与众不同的特点。

（四）回避后现代广告的负面效果

正如之前所说，后现代主义具有很强的破坏力。某些广告中会存在暴力扭曲的画面，对于未成年人会产生消极的影响。甚至会出现以政治的分裂，民族间情感的不可调和，抨击宗教为主题的一些广告作品。暂且不去评论这些思想的正确与否，作为营销过程的一个重要环节，广告有义务对社会产生积极的影响。因此在使用后现代广告时，应当考虑到公众的接受程度，以及对社会的影响。一旦广告被封杀，企业无论在品牌上还是经济上都会遭受重大的损失。