《汉江临泛》中,作者流露了什么情感?三、四两句写出了景物怎样的特点?

《汉江临泛》中,作者流露了什么情感?三、四两句写出了景物怎样的特点?,第1张

诗人要与山简共谋一醉,流露出对襄阳风物的热爱之情此情也融合在前面的景色描绘之中,充满了积极乐观的情绪

“江流天地外,山色有无中”,以山光水色作为画幅的远景汉江滔滔远去,好像一直涌流到天地之外去了,两岸重重青山,迷迷蒙蒙,时隐时现,若有若无前句写出江水的流长邈远,后句又以苍茫山色烘托出江势的浩瀚空阔诗人着墨极淡,却给人以伟丽新奇之感,其效果远胜于重彩浓抹的油画和色调浓丽的水彩而其“胜”,就在于画面的气韵生动难怪王世贞说:“江流天地外,山色有无中,是诗家俊语,却入画三昧”说得很中肯首联写众水交流,密不间发,此联开阔空白,疏可走马,画面上疏密相间,错综有致

浅谈水彩画“即兴”创作的影响

摘要:“即兴”绘画创作早在中国古代的绘画就有记载,是指事先没有做充分的体会和构思,临时产生兴趣,仅就当时的感受创作。但是,我要说的“即兴”创作不同于那些仅仅是为了宣泄情感的即兴创作,也不同于那些片面强调无意识的即兴创作。我们所要追求的“即兴”创作应该是在自由创作的同时,重视“即兴”创作所产生出来的作品,其内容和形式也需要相互统一,并且具有独特内涵和风格的完美作品,应该带给欣赏者心灵上的洗涤和视觉上的享受。

关键词:水彩画;“即兴”;影响

中图分类号:J215文献标识码:A文章编号:1005-5312(2011)05-0161-01

一、“即兴”创作对艺术家本身的影响

水彩画作品是承载艺术家思想情感的载体,要想“即兴”的创作出好的作品,这对艺术家自身的内在要求只高不低,基础不能丢,基础打牢是为了能更好的即兴发挥,而不是为了即兴而即兴。虽然人们普遍认为,水彩画只论文联盟wwwLWlmcoM适合创作概括性、随意性的、水色淋漓的画面效果,一定要水味儿十足才能凸显水彩画透明、水色流动等艺术特点,其实它同样可以进行深入、严谨、细致入微的形体塑造,而且也不失其水彩画独有的魅力特色。美国画家安德鲁·怀斯的水彩画作品是经典的范例,其中《流浪汉》一画中对一个流浪汉的形象进行细致深入地刻画,造型严谨,人物的头发、胡须都表现得十分逼真到位,可谓是细致入微。人物形象表情传达出的艺术感染力极其的强烈,使人感受到一丝宁静背后的孤独和伤感。除了创作造型严谨的人物画之外,怀斯也画一些看似寥寥几笔,随意速写的,构图却极其讲究的作品。画面中横线竖线的安排,近景远景的比重,色调深浅的对比,就给人一种“多一份则嫌胖,少一分则嫌瘦”得感觉,画面经得起推敲,很耐品。这与他自身所具有的深厚的艺术修养是分不开。

我们总是期望着能够在水彩绘画创作的道路上持有独特的观念,然而我们并未能逾越出本就存在的原理和范畴。绘画艺术的一般原理我们经常听得到,读得到,有些甚至是耳熟能详,但是只有当我们真正的了解了这些原理的深层意义的时候,它们才是属于我们的真理,对我们来说才会运用自如,逐渐推陈出新,成为新的。如果一个画家能真正的了解自己,那对他来说是幸运的,有好处的。绘画艺术创作的过程有时候是很矛盾的,有人习惯直接写生创作,有人喜欢凭借想象创作;有些艺术家的内在气质和他所应用和表现的手法不相符,同时也在探索着不同的技术手法的价值问题,艺术家在进行自我挣扎,旁观者也有不同的观点和争论。其实挣扎和争议都是必然存在的,也没有必要去排斥任何一种绘画创作的方式,同一个艺术家轮流运用不同的创作方式是常有的事儿。我们更没有必要为了追求与众不同的画面效果而刻意的去寻求古怪离奇的表现手段,这样也避免不了低俗和平庸。

“即兴”绘画创作的关键就是在提醒画家们注重自己内在品质的提高,并在一定程度上,引起画家创作时内心的专注和平静,起到缓和的效果。当一个艺术家具备了深厚的文化底蕴和轻松自由的作画状态时,那么他所创作的作品也会传达出相应的内涵和效果。

二、“即兴”创作对受众精神的影响

水彩“即兴”画面的产生基本还是要以自然世界为依据,通过艺术家有意识的再创造,再现出来源于自然又高于自然的色彩艺术,这在一定程度上能表达自然的本质,传达创作者的情感,同时也会引起观众们的情绪变化。水彩画只是揭示自然本质的一种手段而已,“即兴”的画面所表现出来的不确定性的幻象会带给观众们一种超越自然的感觉,然而画家自己首先要具有这种感觉,才能通过自己的作品向观众传达这一情感想象。也就是说,画家在艺术创作的时候具有一种什么样的感觉意识、精神状态,观众从其作品中就能够或多或少的感受得到。你画家创作的轻松,看的人也就放松;画家表现的画面不安,观者也会产生动荡的感觉……艺术家们可以用无限多的表现方式来表达思想情感,这也使得他们有可能在受众内引起同样无限多的情感共鸣。

艺术作品本身应当含有自己的全部的意义,以便传达给观众,让观众在看到作品名称和创作题材之前就读懂它。水彩画“即兴”画面在一定意义上是要排除功利性目的。“我向往着什么呢。我向往一种均衡的、纯粹的、没有激动的或引人入胜的题材的艺术。这种艺术对每个脑力劳动者,对事业家以及对作家来说,是一种脑力劳动后得到的放松和休息,是一种类似一张舒适的安乐椅的东西,在这张“安乐椅”里人可以坐着休息,以恢复肉体的疲劳。”这是“即兴”创作的绘画作品带给,也是艺术创作应该带给人们的精神上和视觉上的享受。

三、结论

在水彩画传统创作的基础之上,加入“即兴”创作意识,使得画家能够充分的放松心态,在轻松自由的状态下创作出好的作品。艺术家画得轻松,同时也让观众看着轻松,两者都得到了情感的载体和心灵的释放。

文艺复兴 欧洲的文艺复兴也是世界历史发展中的一个重要阶段。一般是指15世纪、16世纪。作为欧洲文艺复兴运动发源地和中心的意大利,则要提前到14世纪。这场运动的时代背景,是欧洲的意大利首先在封建社会内部出现了资本主义经济的萌芽,城市工商业的繁荣及其政治上的相对独立或自治。由意大利开始,以后席卷全欧洲的文艺复兴运动,就是欧洲新兴资产阶级继承、借鉴和利用古希腊、古罗马的古典文化,在意识形态领域里对封建主义和宗教神学发动的一场革命。这场革命,对于破除近千年的封建思想意识和宗教神学观念对人们的束缚,是一次伟大的思想解放运动。它使欧洲的科学、文化出现了前所未有的繁荣。正如恩格斯指出的,这是“人类没有经历过的最伟大的进步的变革”。

文艺复兴时期美术之所以取得高度成就的主要原因。概括地说,主要是以下三个方面的原因:

1由于人们的思想从长期的宗教桎梏中解放出来,发扬了勇于探索、富于进取的精神;例如,达·芬奇、米开朗基罗、丢勒等,都是多才多艺的人。达·芬奇和米开朗基罗为了更好地表现人,他们亲自解剖人的尸体,达·芬奇一个人亲自解剖了三十多具尸体,画了不少人体解剖图;米开朗基罗对人体的解剖知识,超过了当时著名的外科医生。

2从古希腊、古罗马的古典美术中汲取了营养。例如,古希腊、古罗马的注重现实生活、重视描写人的创作方法,以及表现完美的人体的技巧等。

3透视法的发明和油画材料、油画技法的改进。

意大利文艺复兴时期早期著名的美术家布鲁涅列斯奇(1377年—1446年),借助数学,发明了焦点透视法,使画家们可以在平面上如实地再现客观世界的真实面貌,极大地增强了画面的空间感。15世纪尼德兰著名画家凡·埃克兄弟改进了油画的材料和技法,大大地提高了油画的表现力和色彩效果。在这以前,欧洲流行的绘画主要是“湿壁画”(趁墙壁未干即在上作画)和“蛋彩画”(以鸡蛋清调和颜料在木板等材料上作画)。它们都有很大的局限性。而凡·埃克兄弟在前人尝试用油溶解颜料的基础上,采用了含有树脂的稀释油(至于是哪一种油,至今说法不一),使颜色易于调和,便于运笔,又可层层敷设,形成丰富的色彩层次和光泽度,干透后颜料附着力强,不易剥落和褪色等优点。这些优点,进一步提高了欧洲绘画的写实能力。从而使文艺复兴时期的绘画艺术,成为欧洲绘画艺术发展史上的第一个高峰,而且其影响十分深远。

人文主义 欧洲文艺复兴时期的先进思想。14世纪发源于意大利,然后流传其他国家。人文主义是欧洲新兴资产阶级在反封建、反教会斗争中形成的思想体系。在中世纪,教会统治着欧洲封建社会的全部文化,把意识形态的其他一切形式都纳入宗教神学中。教会控制的僧侣学校只教授神学、法学科目,视古典文化为异端邪说,不准阅读与研究古希腊、罗马的典籍即“人文典籍”。以新的社会经济关系为基础的城市出现后,与神学相对立的城市世俗文化得到发展,兴办了一批与僧侣学校相对立的世俗学校,打破了教会长期垄断教育的局面。世俗学校开始设置“人文学科”。“人文学科”是同中世纪基督教神学针锋相对的世俗文化,以人和自然为研究对象。“人文主义”的名称即由此而来。“人文主义”反对一切以神为本的旧观念,宣传人是宇宙的主宰,是万物之本,以“人权”对抗“神权”,向中世纪的教会统治和宗教教义发出了英勇的挑战。人文主义者否定教会宣扬的人一生下来就有罪孽,否定人生的目的是死后永生的来世思想,猛烈抨击教会鼓吹的禁欲主义。他们肯定现实生活,颂扬现世欢乐和幸福,赞美爱情是人的最高尚的情感,认为人有追求荣誉和财富的权利,等等。所以,人文主义在反对中世纪的教会统治和宗教教义、破除封建社会的旧观念方面,具有重要的进步意义。欧洲文艺复兴时期优秀的美术作品也无不闪耀着人文主义思想的光辉。

尼德兰 是荷兰语Nederland的音译。“Neder”意为“低地的”,“land”意为“国家”或“土地”,所以,尼德兰又被译作“低地之国”。它主要是指荷兰,全境约有四分之一的土地低于海平面,三分之一的土地海拔不到一米。历史上的尼德兰还曾包括今比利时、卢森堡以及今法国东北部的一些地区。文艺复兴时期的尼德兰曾是西班牙王国的属地,分成17个省,共有三百多个城市,是当时欧洲资本主义经济最发达的地区之一。世界上第一次资产阶级革命——尼德兰资产阶级革命就爆发在16世纪。

2美术作品

达·芬奇《最后的晚餐》 (壁画,484×880厘米,1495—1497年,米兰圣玛丽亚·格拉契修道院藏)

列奥纳多·达·芬奇(1452年—1519年)是文艺复兴时期意大利最杰出的画家、科学家和发明家。他一生完成的绘画作品不多,但几乎件件都是不朽之作。他的作品自始至终具有鲜明的个人风格,并善于使艺术创作和科学探索结合起来,深沉、含蓄、富于理性。他晚年潜心科学研究,死后留下大量笔记手稿及草图,从物理学、数学以至生理解剖,几乎无所不包。他的技术发明也遍及民用、军事、工程、机械各方面。因此恩格斯称赞他:“不仅是大画家,而且也是大数学家、力学家和工程师,他在物理学的各种不同部门中都有重要的发现。”

壁画《最后的晚餐》是达·芬奇为米兰圣玛丽亚·德拉格拉齐耶修道院饭厅而创作的。它不是一般的灰面湿壁画,而是掺用了一些油彩,所以有的美术史书籍中不称它为壁画,而是标为“油性蛋剂颜料”。由于这是一种不成熟的新的尝试,所以原画在16世纪时就已逐渐褪色霉坏,加上后人保存不善,现在已很模糊。目前有关方面正试图以现代科技加以修复,但进展缓慢。

《最后的晚餐》取材于基督教圣经中耶稣被他十二个门徒之一的犹大出卖的传说。因耶稣在耶路撒冷被捕前,与他的圣徒们共进了最后一次晚餐而得名。这类题材的宗教画从中世纪到文艺复兴时期,不断有人创作,且形成了一套程式化的表现手法。达·芬奇的这一作品则以其独到的匠心,卓越的构图,深刻的人物心理描写而成为不朽的杰作。达·芬奇在这一作品中,紧紧抓住耶稣在与十二门徒共进晚餐时,突然说出“你们当中有一个人要出卖我”以后,众门徒顿时显出各种不同神态的这个极富表现力的瞬间,着重刻画了各个人物的内心世界,表达了画家对善与恶、美与丑、崇高与卑鄙的鲜明爱憎。对人物的微妙的心理描写,达到了空前的高度,全画的构图十分完美。横幅的画面以耶稣为中心,组成严格对称的构图。十二个门徒平均分成对称的四组。由于这几组人物之间彼此具有紧密的联系和各种不同的姿态,又显得丰富而统一。此外,在画面空间与背景的处理上,用透视法画出了深远的空间。所有这些,使这一作品成为举世闻名的杰作。

达·芬奇《蒙娜丽莎》 (木板油画,53×77厘米,1503年—1506年,巴黎卢浮宫藏)

一般认为,《蒙娜丽莎》是达·芬奇为意大利一个富商年轻美貌的妻子所作的肖像画。达·芬奇为此花了四年心血。当时,蒙娜丽莎刚刚丧子,心情很不愉快。达·芬奇为了不让她的画像露出愁容,特地请来乐师为她演奏美妙的音乐。她听到入迷之时,露出了一丝微笑,但眼神仍然带着怅惘、忧伤。达·芬奇以他高超的艺术技巧画下了这一刹那的笑容。从她的眼神和几乎完全临空的中指,人们可以想象出她正在聆听音乐。在蒙娜丽莎的脸上,朦胧的光线若隐若现,使得她的眼和嘴的轮廓有些模糊,令人难以捉摸,故使人觉得她的微笑有神秘味道,这正是这一千古杰作最具有艺术魅力的所在。

多纳太罗《大卫》 (青铜,高126厘米,1443年—1444年作,佛罗伦萨国立美术馆藏)

多纳太罗(1386年—1466年)是文艺复兴初期意大利最杰出的雕塑家、现实主义美术的重要开拓者之一。青铜雕像《大卫》是他重要的代表作,也是文艺复兴时期第一个全裸的人体雕刻。它标志着希腊、罗马的人体美术传统又得到了恢复。出自《圣经》传说中的大卫的这一形象,是欧洲文艺复兴时期美术家经常表现的题材。传说古代犹太人的国王大卫,在少年时就以甩石绝技击杀了巨人歌利亚,因而闻名。多纳太罗的这一《大卫》,正是表现少年大卫杀死巨人后,用脚踩在巨人首级上,流露出胜利的喜悦和自豪的情景。大卫这一形象,不仅人体比例正确,而且体态优美,线条流畅,表现了多纳太罗塑造人体的高度技巧。

米开朗基罗《摩西》 (大理石,高255米,1545年,罗马文珂里教堂藏)

这是米开朗基罗最著名的雕像之一,原是为教皇朱理二世陵墓所作。摩西是基督教《圣经》中传说的古代以色列民族的政治、宗教领袖和立法者。他曾率领以色列人摆脱埃及法老的奴役,又在上帝的授意下与人民相约订立了法律,即“摩西十诫”,他是一个被理想化了的英雄人物。米开朗基罗之所以选择这一人物,既体现了他对古代英雄的崇敬,也寄托了他对新时代英雄的期待,即希望意大利也能出现像摩西这样的英雄人物,把正处于分裂状态中的祖国统一起来。所以,他塑造的摩西体格健壮犹如大力士,整个身体蕴藏着无穷的精力。他头上的代表智慧之光的两个角和那垂胸的美髯,都是为了突出这个神话般英雄人物的神异与伟大。摩西深沉的眼光与大义凛然的气概,以及右手紧紧地保护着象征“摩西十诫”的石板,意味着他对保卫人民利益的忠诚和信心。至于雕像对极其复杂的衣纹和质感的处理,以及摩西双臂肌肉和静脉的刻画,使人完全忘记这是冰冷的大理石,而是活生生的血肉之躯,充分显示了米开朗基罗高超的雕刻技巧。

西斯廷教堂天顶画 (壁画,3654×1314米,约480平方米,1508年5月—1512年10月,梵蒂冈西斯廷教堂藏)

西斯廷教堂天顶画是米开朗基罗在绘画创作方面的最大杰作。它分布在该教堂整个长方形大厅的屋顶。整个屋顶长3654米,宽1314米,平面达480平方米,但由于屋顶是券拱形结构,画面略呈曲形,实际面积达500平方米左右,乃是美术史上最大的壁画之一。

提出由米开朗基罗来完成西斯廷教堂天顶画的任务,原来是出于心怀嫉妒的建筑师布拉曼特(1444年—1514年)的主意,他企图以此使缺乏绘画创作经验的米开朗基罗当众出丑,达到贬低米开朗基罗的目的。所以,当教皇执意要米开朗基罗担当这一创作任务时,他确实感到很为难。但意志坚强的米开朗基罗还是勇敢地接受了这一挑战性的创作任务。他将最初的无比悲愤的心情很快转化为创作的激情,谢绝助手协作,独自一人站在18米高的脚手架上作画,经过四年极其艰苦的劳动,终于出色地完成了这一宏大的创作任务。

最初,米开朗基罗对这一壁画的设计是比较简单的,只是在屋顶四周画些基督教的先知和圣徒,中央则以图案作装饰。后来经过反复考虑,才决定以这一教堂宏伟的建筑结构作框边,把整个长方形大厅的屋顶划成中央和周围两大部分,并以中央为主,全部绘以基督教的宗教故事和人物形象。其中宗教故事取材于基督教的《创世纪》,即所谓上帝创造世界的故事。故西斯廷教堂天顶画也称为《创世纪》壁画。按照基督教“创世纪”的传说,上帝创造世界是在六天完成的:第一天是分开宇宙中的光暗;第二天是把水分成了天上的水和地下的水;第三天创造了陆地和各种植物;第四天创造了日、月和星辰;第五天创造了鸟类与鱼类;第六天创造了各种兽类以及男人和女人。米开朗基罗创作的天顶画则在这基础上增加了“亚当、夏娃被逐出乐园”、“洪水”等情节,根据整个屋顶的平面划分,分别绘制了名为《神分光暗》《创造日月草木》《神分水陆》《创造亚当》《创造夏娃》《诱惑与逐出乐园》《挪亚献祭》《洪水》《挪亚醉酒》等九幅大型宗教故事画。周围建筑框边的拱间壁面画了12位男女先知,四角画摩西、大卫等故事,在建筑构件上面和间隙处还画有各种青少年形象。整个壁画中形体鲜明的人物形象共有343个之多,大部分比真人还大,有的甚至大于真人两倍之多,真可谓规模宏大,气象万千。壁画公开展出后,举世公认为空前绝后之作。由于米开朗基罗长达四年之久的高空仰面作画,他的颈项僵直,以致看书看信均须置头顶仰视,其劳动之艰苦可想而知。

壁画中的许多人物虽多系宗教人物,但他们都不是基督教所宣扬的逆来顺受的奴仆和罪人,而是体态健壮,具有强烈的意志与力量,显示了米开朗基罗是用人文主义思想来表现这些宗教人物的,寄托了他一贯追求的对英雄人物的崇敬和理想。所以,这一作品与其说是表现虚幻的上帝创造世界的传说,倒不如说是体现了米开朗基罗对宗教传说的再创造。

米开朗基罗《创造亚当》 (天顶画《创世纪》局部,1508年—1512年)

这是米开朗基罗著名壁画《创世纪》中的一个画面。亚当是基督教宗教传说中的人类的始祖,是上帝按照自己的形象用尘土造就的人,再将生气吹入其鼻孔即成为有灵魂的活人。这里所见的画面就是表现上帝正赋予亚当以生气的情景。画面左侧的亚当虽然已经成形,但因缺乏生气,还不能站起来,只能侧卧着。上帝耶和华为了赋予亚当以生气,正以他的右手指向亚当,即将与亚当的手指相接触,将生气赋予亚当。亚当正欲站立起来的身姿以及他那健壮的身体似乎就要迸发出无穷的力量,一个顶天立地的巨人即将站立起来。这里的亚当,与其说是宗教传说中的人物,倒不如说是米开朗基罗对于人的健美、力量和智慧的赞颂,是对人的觉醒的渴望。

《椅中圣母》 拉斐尔(意大利)(木板油画,直径71厘米,1515年作,佛罗伦萨比蒂美术馆藏)

拉斐尔(1483年—1520年)和达·芬奇、米开朗基罗一样,是文艺复兴盛期意大利的艺术巨匠,人称意大利文艺复兴“三杰”。他比达·芬奇小30岁,比米开朗基罗年轻8岁。他虽然只活了短短的37岁,但他善于吸收包括达·芬奇、米开朗基罗在内的艺术前辈之长,融汇贯通,创造了被后来的古典主义者尊奉为典范的理想美的艺术世界。他的重要代表作除本课欣赏的《椅中圣母》外,还有《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》等。

《椅中圣母》是拉斐尔一系列圣母像中最精致的一幅作品。在这一作品中,一位善良、和蔼的母亲取代了神圣、庄严的圣母。她像普通的母亲一样,把自己的孩子耶稣抱在膝盖上,静静地用脸颊亲着孩子,从中可以体会到母亲的一片温情。据说这幅画中圣母的形象,是拉斐尔根据自己的恋人弗尔娜丝创作的。拉斐尔通过对恋人的描绘,创造了理想美的典型形象。

在这一作品中,拉斐尔既严格遵循了中世纪以来基督教题材绘画的许多传统规则,例如,为显示圣母神性而在头上画的光圈,小耶稣旁边的合着双手的小圣约翰的象征他身份的手杖(圣约翰曾以牧童的身份预言基督的到来,牧童用的手杖便暗示着小圣约翰的身份),圣母的红色上衣罩着蓝色的外套(基督教规定,红色象征着上天的爱,蓝色象征着上天的真实),同时,又有拉斐尔自己的创造,例如,圣母头上的光圈,已由中世纪时的金色的圆盘变成一个似有似无的圈,使它与整个画面很自然和谐。再如,基督教规定的圣母的上衣需要罩上蓝色的外套,拉斐尔为了画面的谐调,将它们处理成:圣母的蓝色外套完全脱下,盖在膝盖上,而在抱着小耶稣的手臂上露出了红色上衣的袖子。

值得注意的是,就在这红与蓝两大鲜明的色块之间,恰好是小耶稣的位置所在。小耶稣的衣服是**的,从而在画面上形成了红、黄、蓝三原色的对比而又和谐的效果,同时,红与蓝之间加上大块**,使画面增添了富丽的色彩。

此外,拉斐尔在处理这种圆形画的构图方面,表现了独具匠心的构图技巧。例如,现在我们看到的圣母坐在有靠背椅子中的姿态:左膝盖,即画面深处,位于小圣约翰胸前的膝盖高高地抬起着,在现实生活中是一种坐着很不舒服、很不自然的姿态。但人们看画时,不大注意到这一点。这主要是因为圣母左膝盖上面的圣约翰的头吸引住了人们的视线。如果用手指把圣约翰的头遮去,就立刻会发现左膝盖很不自然地突出在画面上。人们还会想,这左膝盖这样高高抬起,左腿一定是踏在什么东西上才会比右腿显得高的。可圣母又偏偏把孩子抱在低低的右腿上。在生活中一般是不会这样做的。而所有这些都是为了适应圆形构图的需要,而这些又不易为人所察觉,使人感到不自然。这就是拉斐尔匠心独运的所在。

《雅典学院》 (意大利)拉斐尔(油画,底边宽82米,1509年—1510年作,梵蒂冈博物馆藏)

这是拉斐尔为罗马教皇在梵蒂冈签署法令的一座大厅内所画的四幅大壁画之一,又称《哲学》。它以古希腊著名哲学家柏拉图所创建的雅典学院为题,并以柏拉图及其弟子亚里士多德为中心,描写了古希腊以来五十多个各方面的著名学者,以此歌颂人类对智慧和真理的追求,赞美人的创造力。位居画面中心的柏拉图和亚里士多德,一人以指头指着上天,另一人则伸出右手指着他前面的世界,以此表示他们不同的哲学观点:柏拉图的唯心主义和亚里士多德的唯物主义。以他们两人为中心,两侧分别画出一些著名学者,如台阶下右侧的、手执圆规正弯腰画圆的秃顶老人是著名几何学家欧几里德(也有人说是阿基米德)。人物形象生动,各自的活动和动态,都统一在为探求真理而自由争辩的崇高主题之中,丝毫不显杂乱。整个作品的构图十分宏大,画面层次分明,人物有聚有散,疏密得当。作为背景的三层高大的拱门,既显示了画面很强的纵深感,又加强了全画的宏大气魄。在色彩处理上,乳**的背景与人物衣饰的红、黄、白、紫等互相交错,鲜明而十分协调。

(尼德兰)凡·埃克兄弟《根特祭坛画》 的主体部分(木板油画,主体部分高35米,宽25米,1426—1432年,比利时根特市圣巴冯主教堂藏)

这是欧洲油画发展史上的一件重要作品,因为它是用革新后的油画材料画成的第一件杰作。在凡·埃克兄弟改革油画材料、技法之前,欧洲的油画实际上是蛋彩画,即把颜料与加水的蛋黄相融合,以此颜料作画。此种材料不耐潮湿,且色彩效果差。有人试图进行改革,但未获成功。直到凡·埃克兄弟在实践中最先发现了一种效果理想的含油的溶剂配方(可能主要是正确使用了树脂),取得了突破性的进展。由于绘画技巧在当时只限于师徒间的秘密传授,此种新技法始终不为人知。故后人对此技法至今仍是众说纷纭。但它的实际效果则早已为实践所证明,故美术史上常有人说凡·埃克兄弟是油画的发明者。再从这一作品的画风来看,尼德兰画家与意大利画家最大的不同之点在于画家刻意追求描写的真实性,不论是大处还是细节描写,都是极其精细。他们的不厌琐细、精益求精的刻画能力和严谨诚挚的作风,简直可以说是前无古人后无来者。

祭坛画是一种类似中国屏风式的立在祭坛上的宗教画。有独幅、有翼的三连式和多幅拼板画等多种形式。《根特祭坛画》是后一种形式的巨幅作品,共有26个画面。课本中所选的是其中的主体部分,共四个画面。上部正中是基督的像,左右两侧分别为圣母和圣约翰。下部是全画的点题部分(此画原称《羔羊的崇拜》)。羔羊是基督的象征,所以,众教徒对它顶礼膜拜。有趣的是,庄严的宗教仪式在美丽的大自然中进行,体现了画家对自然的热爱。这在以前基督教的宗教画中是很少见的。

扬·凡·埃克《阿尔诺非尼夫妇像》 (木板油画,82×60厘米,1434年作,现存伦敦国家画廊)

扬·凡·埃克(约1390年—1441年)和他的哥哥胡·凡·埃克(1370年—1426年)在美术史上合称“凡·埃克兄弟”,是文艺复兴时期尼德兰著名画家,油画材料和技法的革新者。扬·凡·埃克博学多才,富于钻研精神。“尽我所能”是他的艺术格言。观察入微、描绘细致,重视对人物性格的刻画,注意空间构成的处理和光、色的表现,是他的艺术特点。他最著名的代表作《阿尔诺非尼夫妇像》集中体现了他的艺术成就和特点。

油画《阿尔诺非尼夫妇像》是世界美术史上的重要作品之一。首先,它是运用改革后的油画材料和油画技法绘制的。画中的许多景物被描绘得非常出色。例如,房间里的铜烛灯经过精心打磨后的金属质感,男子的由丝绒制成的沉重的贵族袍,以及小狗刚硬的毛皮,都非常逼真自然。其次,这一作品的表现手法新颖而又富于独创性。这主要表现在:这种男女组合的全身双人肖像是史无前例的;同时,这一肖像的背景是十分真实的室内景,也是罕见的;此外,这一对夫妇所摆出的仪式般的姿势,可想而知这是正在举行一种仪式,即正在举行结婚仪式,这也是以前所没有的。当然,在这一作品中,也保留了不少中世纪美术惯用的寓意象征的手法,如鞋子脱在一边表示结婚,床是婚姻的象征,窗边的橘子意味多产,小狗象征对爱情的忠诚,新娘的白头巾表示纯洁;绿色长衣象征生育;红色的帐幔代表性的和谐,室内的吊灯和烛光象征上帝之光,壁上的圆镜代表基督教宣扬的天堂,挂在镜旁的念珠,则是艺术上常用的忠贞的暗喻,吊灯上的一根蜡烛,常常是用于宣誓典礼,特别是用于婚礼。还有一个引人注目的是画中的一面小圆镜和画上的签名。

这面小圆镜既是基督教宣扬的天堂的象征,也是室内的重要装饰,同时也是画家借以扩大画面空间、增强艺术表现力的一种手段。即画家通过这面小圆镜,把这对夫妇的背影,以及观看婚礼的人也画了出来。小圆镜的四周还画有10幅小画,这又一次使我们看到了尼德兰绘画注重细节和精雕细刻的画风。画上的签名是画家本人写上去的,它写着:“扬·凡·埃克在此,1434年”。画家之所以特地留下这样一个签名,实际上是使这一描绘结婚仪式的作品,具有结婚证书的价值。因为,扬·凡·埃克与画中主人公阿尔诺非尼是好朋友,阿尔诺非尼邀请扬·凡·埃克创作此画实际是让画家充当了自己的证婚人。所以,无论从哪方面讲,这都是一幅很有独创性的风俗画性质的肖像画。

丢勒《四使徒》 (木板油画,215×75厘米,1523年—1526年作,慕尼黑老绘画陈列馆藏)

丢勒(1471年—1528年)也是欧洲文艺复兴时期杰出的代表人物之一。他是当时德国最杰出的版画家和油画家,而且在工程技术方面也有重要的创造。在美术方面,他一生创作了许多木刻、铜版画和油画。他的油画《四使徒》(又译作《四圣图》)是他晚年最重要的代表作。画家创作这一作品的时候,德国农民战争(1524年—1525年)刚刚结束。画家试图通过描绘当时流行基督教新教认为的四个圣徒,即约翰、马太、保罗、马可(画面自左至右),来表达他对祖国命运的深切关注和要求伸张正义、谴责邪恶的思想。所以,他在四使徒之一的约翰的形象上,直接采用了德国宗教改革运动中的杰出活动家麦朗赫顿的肖像特征。联系到这幅作品所创造的顶天立地的人物形象和这一作品悬挂的场所——纽伦堡市政厅,更可以使我们体会到画家创作这一作品的真意所在。此外,从这一作品中也可以看到丢勒艺术的一些重要特点,即造型结实,线条遒劲,构图严谨,气魄宏大。

成就和意义

文艺复兴虽以学习古典为特点,却绝非单纯的复古,实质上是通过学习古典的途径创造新文化。希腊、罗马的古典艺术由于中世纪的长期破坏,已经相当残缺,虽极力恢复,所得仍属有限。然而文艺复兴时代的人们学习古典,并不是简单仿效,而是取其精神。

古典艺术的具体形式固然予人以启发,但更重要的是从中领悟到现实主义的方法和古典社会的民主思想。中世纪被教会控制的美术基本上是非现实主义的,宗教神学笼罩一切;反封建的文艺复兴新美术主要以贯彻现实主义和体现反对宗教禁欲主义的人文主义思想为宗旨,而古典美术也正是在这两方面成了新美术的良师益友。因此,文艺复兴美术之学习古典不同于其他时代的复古、仿古倾向;也不同于中世纪美术中偶尔可见的习用古典形式的个别现象。与此相关的是,从具有现实主义这个本质特征看,某些西欧的早期文艺复兴美术(如尼德兰美术),虽然学习古典这方面尚无多大发展,却同样应

被认为是新美术的一个杰出代表。

文艺复兴美术的现实主义方法和人文主义思想,在创作实践上是密切结合的。人文主义强调人性崇高与身心的全面完美,重视世俗的现实生活,反对神学权威和封建特权。新美术创作的真实完美的人物形象和生动丰富的现实情景,就最能体现这种思想,产生最为广泛和强烈的反应。加以在当时具体条件下,新美术创作是较易为广大群众和新兴资产阶级接受的文化形态,因此美术变成文艺复兴文化最受欢迎的代表,成果也最为丰富。文艺复兴美术作为西方近代美术的源头,它的基本风格和表现技法构成了西方近代美术的主要传统,影响极其深远。在造型艺术方面,它以写实传真为首务,开创了基于科学理论和实际考察的表现技法,如人体解剖和透视法则等,从而使它得以达到古典艺术之后一个新的高峰,在风格和技法上它和东方艺术以及一切近代之前的艺术有本质区别。在建筑艺术方面,它以恢复古典建筑传统为首任,同时着重探讨建筑美感的理性法则,从而奠定了西方近代建筑延续数百年的典范形制。在社会身份和专业教育方面,文艺复兴的艺术家也经历了从中世纪转向近代的演变。14~15世纪,艺术家犹组织在行会里,等同工艺匠师,学艺亦在作坊中采取师徒传授形式。

16世纪起渐有改变,艺术家成为类似近代的知识阶层的一员,行会变为学会或艺术学院,艺术家的个性、个人才能与风格特色得到承认。有关艺术家的传记、评述以

及艺术史的研究也从此时开始涌现。

参考资料:

http://supersophia1024spaceslivecom/blog/cns!E9103E8EC149C127!1164entry

水彩插画论文

水彩画是绘画中最简便的一种画法。由于水彩画的设备比较简单,购买起来比较便宜,易于普及,所以中小学中的图画课多采用水彩画。许多画家开始学画时也是从水彩画入手的。由于工具轻便,户外写生容易携带。对于瞬间即逝的黄昏、晨雾、风雨烟云尤其适于表现。

水彩画是一种用水溶化颜色的透明色在纸上作画,它能够渗化,重叠形成物体,由于用笔蘸水色在纸上挥毫,长于潇洒自如,生动清新、爽快自然的特有风格。透明是水彩画的一大特点,可以用亮色盖在暗的色底上,由于它没有覆盖力,能不断增加色调的丰富性,同时亮部必须留出来,和用纸的白色作为亮部的色底,纸的底色起到色调的合成作用。

彩画是现代绘画中一项重要的表现媒介。

水彩画以其独有透明清澈的特质,不以厚涂而却能追求空闲、质、量和绘画上幻化的语言和节奏,使其能问鼎、深入现代画的领域中。

现代水彩画早已打破了西洋画史上固有的插图草稿,附属性表现的观念。以当代世界水彩画的实例,绝对能与旧时代日子中的画作出了鲜明的对照,发觉现代水彩画,吸收了早期荷兰、英国的传统技法精华,德国人精辟的描写,冷静的设计性,欧洲的浪漫风格,美国的现实观感和美式写实,中国人正以其深厚的传统文化,哲学观念、生活体验,揉和科学精神与自然,内在的观照,作逐步的探寻认清白我,酝酿著水彩画的新方向。

第二次世界大战以来,绘画运动复兴,时代启发了思想、潮流、艺术再创造,而拒绝局限与因循中西艺术家活用了新旧的素材物料去创造有生命的、有个性的现代艺术。

寻求艺术是最高目的,达致水彩画的高尚境界,和精湛的功力,定必须仰赖於结实的技术与基础。我们历年创作与研究的经验论文,侧重技法的研讨,是苦心求取艺术表现的「实在化」,而没有运用自如的水彩技法,是无法在水彩艺术上自圆其说的。我们重视艺术、重视学理,但同样地要注视画技所蕴含重大的能量,和表达的深广度。

我们欣赏作品,不能否认被其华美完整的画面所吸引,但其色调、笔触、卓绝成熟之结构,绝不会影响作品的深度和严肃性。如果一张画的技术是恰到好处的,那技术就是艺术的一部份,与内容融合为一体,成为感人的作品,其技术自有其崇高的价值,不会逊色,因此运用书技之先,必先考虑以思想,以艺术支持,发自诚意,技、艺之配合应如影随形。

我不赞同水彩画只能停在艺术的表面之说。艺术的高低不是取决於素材的类别,而是关系於其艺术修养的广狭,优劣,也仰赖表现的方法,角度的差异而分野。现代水彩画也因此而获致自由自在的多样性,或含启发性、发展性。

我们敬慕十九世纪的泰纳、二十世纪塞尚的水彩,也欣赏其他巨匠。他们水彩画的成就是实在的,在这时代中,如果我们期求有所进展和显著的超越,在艺术的寻求中,技术上盲目的奋发,僵化於理论的巢臼中,同是危险的病症。

研究现代水彩画,是一项重要课题,水彩显著的各种特性和运用可以剖释详论,其使劣点、及与艺术的关连性,表现的程度可能性。了解中国现代水彩画艺术不同的形态与发展,去了解画法所负担的重大任务,在有其术良心的人手中,画法是绝对的学术性,而且是一个艺术内涵底问题、成败的关键。好的画法更是伟大作品诞生的先决条件。

以二十世纪为分野,现代水彩画之所以异於近代,或更古老年代的水彩画,其一是内容与形式的剧变,其二是画法的突破而产生广泛的进展。内容与技法密切的配合和革新,才产生成功的绘画创作,扩大而成有力的潮流和画派。现代水彩画适应时代的需求,画时代的产物,表达现代人的精神,排除不适合应用的见解和迟钝的表现方法,使艺术的血脉流通,成为新的生命、新艺术。往日的水彩艺术多表现於宁静的境界,单一、含蓄的画法,单调的式样与缓慢的步调之中,或者更多的因袭而缺少强烈的个人感受。

个人创建是被重视和富有价值性的,十九世纪柯特曼(Cotman),加尔丁(Girtin),尤其是泰纳(Turner)洞察水彩的弱点,把线与淡彩的束缚解除,使水彩走入色彩、气氛,能自由抒发的新境地成为水彩发展史的转捩点。二十世纪塞尚认为自然不只是表面的,而有它的深度,他有影响后世极深的表现法则;他在水彩画上的留白,表现了白色本身机能上的感觉,和他的分面笔触,是实在的,是高度的表现而带著深刻的推理,给予后世水彩画许多启发性。

水彩书之前途和它的价值观,是系於个人的基本观念、自信和决心。水彩媒介是受时间、面积、乾湿控制、叠色次数之难题而异於其他素材,虽然它较难表达「量」和「触觉感」,有较多的偶然性,然而能克服困难弱点,认清其优点,发挥它长处的画家甚多,如克利、诺尔德、费宁格、格罗兹、夏加尔、杜菲的作品,证明水彩画该有深厚的发展性。

今日的水彩画,是观念影响表现方法,也是素材的广泛应用而扩阔了观念的界限,譬如说,从前对於「水渍」,是水彩画技术上的大毛病,现代水彩则反过来利用这种缺点,而成为画中表现的特点,如喷渍与转印中的奥地利画家克拉马斯梅耶的作品,和中国青年画家陈秋瑾的画就是这种例子,产生了新的美感。韩舞麟以昼刀和极少的水份来画石头和花草。梁丹卉用前人认为过多的水份来画湿松的花果和静物。顾重光以极尖细之国画笔来「描」蔬菜水彩画,也利用喷笔处理层次。CarlJPlackman的水彩素描观念成份重於数世纪前素描的纪录性功用,而显示较多的艺术性。

水彩画应保有其透明性,及水与色彩的优良关系,这是水彩之所以称为水彩的原因与本色。「画」水彩画和「玩弄」水彩是两回事,两种我都采纳,因只会「画」,必然趋於严谨而不多样,只会「玩弄」则失去绘画的意义。不会「玩弄」水彩,难以发扬,艺术之路,应当反问自己而予以协调改进。

最后,艺术工作者要以科学实验者的精神,有恒地本其诚意,从尝试挫折中找出力向,承继传统的优点,创造新的未来。

水彩论文题目来源怎么写

毕业论文(设计)内容要求:1对水彩画材料、技法、表现形式的相关问题进行研究。

2研究水彩画的审美品格及其文化身份特征。

3研究水彩名家的艺术风格与创作手段。

4分析水彩画在中国的发展状态与特点。

5探究当代中国水彩画存在的问题。

6探索水彩画创作中出现的问题和对策。

论文《谈水彩风景写生》怎么写啊!

论谈水彩风景写生

作为色彩教学中的水彩风景写生,是一门帮助学生理解和认识基本的构图、造型、色彩、审美等规律的有效方法。它的主要目的是通过对客观景物的观察,在研究绘画基本规律的同时,理解水彩画这一包含丰富技法的画种,有意识地充分发挥它的技法之长与表现特色,树立起自己的审美意识,探寻自己的艺术表现形式(水彩语言)表达出自己的艺术个性。

通过多年的水彩风景写生和教学实践,以下我想从观察、表现、情感三个方面谈谈水彩风景写生。这三个方面是水彩风景写生的重要环节,并相互紧密联系,构成一个完整的整体。观察是水彩风景写生的第一个环节。在这一环节中,首先要解决怎样观察的问题。水彩风景写生作为一门眼睛的艺术,是要把繁杂、百变的自然景看成一幅画。由此,要有从局部看到一个大画面的能力,尽可能地掌握主动性,树立整体的作画意识,并忠实于自然。其次是要善于发现,要在丰富多变的自然物象世界中去发现画面。在观察中,从所关注的自然物象的结构、形态入手,从中寻找点、线、面的构成规律。如:建筑物的空间构成关系,树木枝叶的线面关系,天、地、物的形状构成及色彩构成,从中寻找我们所要求的绘画空间和画面构成,最终在自己的脑海中形成一幅整体的画面景象。这种画面景象是朦胧的、不确定的,具有诱人的美,使画者产生表现的欲望和激情。风景写生中对自然物象的观察要强调对瞬间美的记忆和把握,特别是光影与色彩的变化。这是写生中变化最快、最大的两个因素,从时间上说变化以早上和傍晚最大。因此,对光影与色彩瞬间的定格,也是观察中最难的。它依赖于大脑对瞬间物象的记忆能力,也依赖于画者对空间结构、光影透视、光色原理的掌握程度,依赖于画者表现技术(技法)的熟练程度。

表现是水彩风景写生的第二个环节。要把头脑中的画面景象表现出来,就必须通过一定的表现技法,水彩风景写生作为一门色彩写生离不开色彩与材料学原理,离不开表现技法。写生者首先要对所描绘的自然物象的色彩构成元素进行分解研究。对比分析每一块色彩的特点和不同的作用,找出所要描绘的自然物象的色彩对比、明暗对比、补色对比、饱和度对比、面积对比和基本色调等,确立丰富多变的各种色彩组合秩序。这其中的色彩组合秩序包括:色相、明度、纯度及特定色调的构成,控制各色彩区域变化和统一的秩序。在这一过程中主要要求写生者发挥主观特性的自由,以使画面色彩关系呈现出更高或更美的境界。物质材料是色彩表现的基础,不同的特性的材料工具会产生不同的技法。水彩风景写生所采用的工具材料具有相对的特殊性能,它不同于水粉、油画的工具材料,对画纸、颜料、画笔、水辅助材料与工具的性能要有一个全面的了解与掌握,并能从中找出特点,优势,克服材料工具的局限和弱点,才能把所见充分表现出来。针对不同的感受,选择适当的表现方法和技法,确定表现的基本次序和步骤,这是风景写生中的关键。水彩画作画的程序和步骤是决定作品成败的关键。因此要把水彩画的程序性与风景写生的程序性完美地结合起来,并针对具体的写生自然物象进行适当的调整,力求稳步、准确、快速地使用设想的方法、步骤表现自然物象。在具体的表现技法中,必须注意笔触与形体边缘线的处理,色层之间的相互叠加、笔触的干湿、色彩干湿之间的相互结合与浸润、笔与纸之间所产生的肌理等与表现物象的色彩变化、肌理特征的神似。多采用简单、便捷的表现方法表现自然物象的主要特征和神韵。同时要在表现中强调主观表现与客观再现的相互结合,客观再现为主,主观表现为辅,只是简单的形色关系再现的写生作品难以达到艺术表现的境界。

水彩风景写生从某种意义上讲,也是情感的表达与交流,是水彩风景写生的第三个环节。这里所说的情感指审美情感,是作为一种艺术形式或表现画者对客观世界的感受,抒发自己的情感,这也是水彩风景写生的最终目的。写生过程中情感源于自然物象,蕴集于画者胸中,流注于笔锋,凝结于水彩纸面。因此,水彩风景写生从开始到最后完成实际是一个运笔的过程,而笔触是传达情感的最重要的语言词汇,它构成写生作品的神韵。一幅风景写生作品的完成是画者感情投入和劳动的产物,它要求画者面对大自然作画时有整体意识的同时还要有真情实感,有感而发,使写生成为画者心灵深处诚挚情感的倾吐。康斯泰勃尔的纯真朴实,透纳的雄浑奇异,凡高的跳动狂热,柯罗的恬静温柔,印象派的热情奔放,无不表现出画家对大自然的情感内涵。画者的审美情感决定写生作品最终的艺术情趣与格调。在水彩风景写生中,情感贯穿于观察表现之中,流淌于整个写生过程。

情感来自于观察,亦影响画者的观察,它决定画者的表现,亦受制于画者的表现。

人物水彩画的主题可以从人物的性格、特点、情感、生命等方面入手。例如,可以刻画一个九旬老人坚韧不拔的精神风貌,或者刻画一个少女含情脉脉的眼神。此外,也可从环境背景、情感表达、色彩运用等方面下手。只有将主题与画面相结合,用丰富多彩的色彩和线条,表现出人物的魅力和情感,才能让观众产生共鸣,达到艺术的效果。

对水彩画传统教学的反思

 随着社会一步步向前发展,课堂教学是我们的工作之一,反思过去,是为了以后。那么优秀的反思是什么样的呢?下面是我为大家整理的对水彩画传统教学的反思,希望对大家有所帮助。

对水彩画传统教学的反思

 水彩画是以水为媒介,在水彩纸上直接用水彩颜色表现造型和色彩的一种艺术形式。在当代水彩画已经成为一种独特的艺术表现形式,已经被世界画坛认可。水彩画历尽沧桑,从不登大雅之堂的“小品”变成画坛公认的大画种。在中国当代艺术发展的今天,水彩画展、专题性的展览、邀请展、青年美展等展览不断出现,这都大大促进了水彩画的交流和发展,并且带动了全国各地高校水彩画专业的大力发展,呈现了极为繁荣的景象。

 水彩画的题材和表现形式多样,个性风格鲜明,无论是精细的写实,还是大笔奔放的写意或是创意新颖的抽象,都能操纵自如。但是现在的水彩画的艺术效果无论是地域差异还是风格因素,写实风格还是占主要地位。作者都过于依赖手头的彩色,甚至高校的学生都很少出去写生,在教室依靠手中的彩色闭门造车。这样就使艺术作品缺乏能动的创造力,缺乏真正的感人艺术性,更缺乏当代性。艺术终究是艺术,是生活的升华。艺术是来自于艺术家对生活的体验和感悟。体验时代,感悟自然以及现代科技进步所带来的工具和材料的突飞猛进,在不断发现和创造的实践中寻找自我,从而获得各自不同,具有时代个性和多变的艺术风貌。

 传统水彩画的材料和技法无非是水彩笔和水彩纸以及水彩颜料的使用。艺术形式与媒介材料的使用是密不可分的,如果媒介材料不能熟练的掌握和应用,作品的艺术魅力和形式语言就无法形成。水是水彩画的主要媒介物,色彩都是用水进行调和的。水彩颜料用水稀释后可以作到流淌,透明的色彩效果,但是水彩颜料不能做到油画颜料那样厚重的色彩效果,色彩的饱和度也不够强,往往会显得很单薄。水彩作品的色彩,特别是暗部的深颜色不能反复涂抹,不然会变得很脏、很灰、很死的感觉。水彩画在调色的过程中,色彩不能调和遍数太多,不然会使色彩的透明性降低,有脏、闷得感觉。所以水彩画要想得到理想的灰颜色是很不容易的。

 作为水彩画的载体水彩纸,无论是国产的纸还是进口的纸,大多数都禁不起反复的涂抹擦洗,也不能长时间在日光下,那样纸就会变黄变脆。进口纸的质量虽然说好一些,但是也不能长时间保存,这也是原作的色彩长时间保存后变色的主要原因。这也就影响到水彩画的收藏于拍卖。水彩纸不能反复修改,所以就要求作品要尽可能一次完成,这会导致一旦失败后就要重新创作,成本提高。

 水彩作为以“水”和“彩”为特点的画种,其水的韵味和彩的透明性应该得到充分的发挥和体现,这也是区别于其他画种的独特魅力。水彩艺术水准的高低并非是花在画面时间的长短,也不是描绘遍数的多少。水彩画无论厚重或是淡雅,都应该是在坚实的基础上的飞跃与升华,灵动而充满生机的投入艺术创作,求得水彩艺术真正的高水准。一件好作品产生的过程不是那么简单的。艺术家进行艺术创作其因素是多方面的,是在不断深化,不断从实践中加深认识,从而创作出理想的具有时代精神的艺术作品。艺术作品的成功要有扎实的生活基础,过硬的绘画基本功,更要有高深的审美修养作为基础。

 “求变”是符合绘画发展规律的,首先是要在观念上有所突破和对生活的体验上加深理解,其次是对绘画材料工具的深刻了解和熟练的掌握。画种特性的发挥要有其时代性,在发展的进程中画种之间的界限是不断缩小,相互交融,相互渗透的,是随时代和科学的进步而不断的拓展的。有了创新的观念和材料,才能不断有创新的作品。

 水彩艺术作为当代艺术的一种表现形式,综合材料绘画的介入是具有创造性和开拓性的。它的使用是传统绘画的审美与当代艺术多样性进行的融合,所以作为水彩综合材料的教学既要吸取传统绘画形式的养料,又要拓展水彩艺术的艺术形式和表现手段,使各种媒介材料在水彩画中得到应用和表达。这也就是要在教学实践中使传统绘画与综合材料绘画相互结合、相互渗透,创作出具有鲜明艺术个性的艺术形式和表现方法的重要性。综合材料的介入使传统绘画与当代艺术不断融合,使绘画的表现形式变得更宽、更广,是表达自由与个性,精神与物质的理想途径。在教学中通过基础造型,色彩和材质的学习与训练,再对综合材料的分析与实践,不断地总结完成对自我艺术个性与审美的升华。

 水彩画的综合材料的使用,要强调不同材料的质地和特性的应用,对于不同材料的特性与画面表现的张力和宽度进行研究。要强调材料在绘画作品中的作用,以及情感与视觉的传递。要理解和感知各种材料的物质特性和精神魅力,使很普通的物质焕发出无限的生命力量。教学中各种材料的组合和运用,再通过学生的智慧与创造力重新赋予其新的生命力,并使艺术感染力和审美价值得到新的提升。综合材料在水彩画中的应用,为学生提供给了无限的表现手段和发展空间,创造出了艺术领域的自由与多元化现象。作为在高校教学的教师,深刻地认识到在艺术语言与表现形式的教学中,开展综合材料课题研究与教学的重要性。从审美观念、表现形式、材料媒介以及表现语言等多方面进行教学,使他们互相利用,优势互补,创作出新的具有新当代精神的艺术表现方式和表现形式,表达出具有思想情感和个性化表现语言的艺术作品。

 传统水彩画被认为小画种,或是综合性不够强,这是由水彩画的基本语言和媒材所决定的,在反映生活的宽度和深度上不够高,艺术作品的表现形式和艺术品格不够宽。但是艺术创新不意味着要否定传统,既要重视对传统的承传,又不能固步自封。对于水彩的本体语言和外来语言做全方位、多角度、多层面、多元化的思考和实践。拓展水彩画的工具、材料、技法以及表现形式和方法,各种学术观点兼容并蓄,必然能促进水彩画艺术的前进与发展。从传统水彩技法的应用到现代综合材料的实践,无数水彩画家给我们做出了榜样,展现了一个多姿多彩的艺术世界,形成了丰富多彩艺术语言。水彩综合材料所带来的机理效果,各种技法的运用也带来了丰富多彩的艺术效果和审美语言,成为艺术家情感和思想表达新的载体。

 参考文献:

 [1]侯安智中国当代水彩艺术现状之分析[J]美术观察200610

 [2]易成功绘画综合材料中的形式美[J]湖北第二师范学院学 报 2009年6月第26卷第6期

 [3]郭志刚综合材料绘画教学的当代研究[J]西北美术2006 4

 [4]张萍综合材料与绘画艺术表现探析[J]中国校外教育2009 8

 [5]海泽尔哈里森水彩技法百科全书[M]黑龙江人民出版 社,1999 1

 学前教育专业水彩画的教学反思论文

 水彩画教学是五年制学前教育专业美术课教学的重要内容之一,也是学生学习色彩的主要科目;水彩画工具简便,利于普及,适合作为美术学科的色彩基础课,是一门技法技巧性较强的学科,有助于提高学生认识色彩、感受色彩、表现色彩的能力;然而,近几年受“高中热”的影响,我校生源素质急剧下降,大多数学生对学习重要性认识不足,厌学情绪十分严重。美术在学生心里是可有可无的学科,加之学生在小学和初中阶段没有正规上过水彩画课,导致学生对水彩画缺乏认识,美术基本功很差;还有相当一部分学生认为学习水彩画很难很刻苦,不愿上水彩画课;再加上教师教学方法不妥,不能使学生对学习美术产生兴趣,内容过难,要求过高,不易理解,甚至受到教师过分的指责、批评、挖苦,导致学生对水彩画学习失去信心,逐渐产生逆反心理,使水彩画教学无法进行,甚至搁浅。针对学生这种现状,如何做好水彩画教学呢?经过实践探索,我将自己的教学方法总结如下:

 一、结合实际,给学生创造“学来容易”之感

 从学生实际接受能力出发,科学合理地安排水彩课教学内容。由浅入深,控制难度,调整节奏;先从了解色彩基础知识,掌握水彩颜料的特性入手。通过练习把颜色涂平、加水逐渐变淡、重叠产生混合色,颜料多加水会自然渗化等内容,学生在轻松状态下了解水彩颜料的透明特性和加水渗化的特性,同时初步掌握水彩画的关键是时间和水分的把握;然后练习素描淡彩,就是利用铅笔或钢笔在画好素描稿的基础上根据色彩变化规律略施淡彩;最后过渡到水彩画单个物体、多个物体练习,先临摹再写生,先易后难,循序渐进,这样学生不会感到水彩画不好学,那么难,不会画了,学生能在自觉不自觉中独立完成较好的作业,没有想象中那么难,增强了自信心,感觉到学画容易了。

 二、选择练习,给学生创造“画来顺手”之感

 课堂练习中,设计几套不同难度、不同层次的作业练习,学生根据自身实际接受能力,选择适合自己的习题进行练习,这样画起来就会得心应手,之后再适当增加习题难度,使不同基础、不同层次学生都能感到画起来顺手,都有不同程度的提高。课后练习是课堂教学的延伸,是加强美术基本功训练的重要途径,安排学生利用课余时间,自己选材,参考幼儿读物或儿童连环画等材料,进行色彩临摹,经过大量临摹练习,学生收获很大,不但提高了水彩画表现技法,还提高了色彩感受能力和色彩造型能力,为学生将来从事幼儿教学工作和幼儿园环境设计布置打下了扎实的美术基础。

 三、激发兴趣,给学生创造“学来愉快”之感

 根据教学内容,千方百计地营造和谐的课堂氛围,激发学生对美术的兴趣,培养学生良好的心境,启发学生的创新思维,鼓励学生积极动手实践,把作画当成一种快乐的追求和精神上的享受。如色彩渗化这一节课中,由于不同颜色在纸面上在水的作用下会自然融合在一起,产生绝妙的变化,色彩鲜艳,趣味无穷;教师只演示基本的绘制方法和步骤及绘制要点,通过语言和画面效果,激发学生兴趣,当学生兴趣非常浓厚时并能积极投入到练习中,在练中学生会有成功感,同时遇到一些问题,这时,教师鼓励学生大胆实践,敢于突破,敢于创新,可以尝试用不同方法和手段实验、练习,每个学生都不厌其烦地画了好多张、好多遍,最后选取几张自己满意的并裁好粘贴在画面上,在剪贴中,学生又进行画面形式美术探究,有的剪成圆形、有的剪成花朵形、有的剪成棱形的等,形式多样,千变万化;能体现出学生在作业练习中的愉悦心情。学生的能力在这种愉悦环境下得到锻炼和提高。

 四、增强信心,让学生有“喜获成功”之感

 学生的学习活动是一个艰苦的过程,即使是基础较好的学生也难免在学习中出现挫折,特别是后进生,总认为自己没有美术方面的天赋,怎么学也不会画,画不好就产生自卑感,所以,教学过程中经常鼓励学生,增强信心,经常以“再画一张试试”、“下一张一定能成功”、“你一定行”、“一定能成功”等鼓励性语言激励学生,使学生产生自信心,从而获得成功的喜悦。在水彩画技法“撒盐法”一课中,崔凯同学美术基础较差,做了两张均没有撒盐的特殊效果,这时他有些灰心,于是我鼓励他“再画一张试试”,结果第三张画果然成功了,并得了95分,他心里非常高兴,获得了成功感;其他同学发现自己的作业不够理想,也纷纷重画,直到满意为止。这样学生有了成功感,对学习美术增加了动力,增强了信心。“画无定法”,教学也无固定方法,只要不违反教学原则,教师要结合学生实际和教学实际情况,灵活运用教学方法、教育机智,把美育渗透、能力培养融入每一个教学环节中,让学生在潜移默化中逐渐学到知识、练就技能、提高素质。为学生将来从事幼儿教育教学工作打下扎实的美术基础,把学生培养成为合格的幼儿教师。

 参考文献:

 [1]李天祥,赵友萍,著写生色彩学浅谈[M]天津人民美术出版社

 [2]罗猛省中韩师范美术教育比较谈[J]中国美术教育,19995

 [3]青柳三郎,著白晓彦,申彦奎,译儿童绘画指导[M]北方妇女儿童出版社

 小学水彩画班教学设计

 水彩画定义:

 水彩画顾名思义,就是以水为媒介调和颜料完成的 绘画作品。

 水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法,简称水彩,由 于色彩透明,一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的效果,但调和颜色 过多或覆盖过多会使色彩肮脏,水干燥的快,所以水彩画不适宜制作 大幅作品,适合制作风景等清新明快的小幅画作。

 水彩画特征:

 就其本身而言具有两个基本特征:一是画面大多具有通透的视觉 感觉;二是绘画过程中水的流动性。由此造成了水彩画不同于其他画 种的外表风貌和创作技法的区别。

 颜料的透明性使水彩画产生一种明 澈的表面效果,而水的流动性会生成淋漓酣畅、自然洒脱的意趣。

 一、学生现状分析:

 1水彩画班的学员从未接受过专业的绘画训练,对水彩画几乎没 有概念。

 2目前水彩画班的学员处于启蒙阶段,学员对本科目的兴趣仅限 于稀奇的态度。

 3学生的构图、造型、色彩的理解与应用能力都很弱。

 4学员的年龄、学段、接受知识和技能的能力不同。

 因此教学工作中,针对学生的实际情况,因人而异,灵活对待。

 二、教学目标:

 1通过学习使学生了解和掌握与水彩画相关的知识和技能,培养 学生对水彩画艺术的兴趣和爱好, 能够赏析水彩画作品和运用水彩画 工具来表现、传达、交流自己的所见所闻、所思所感。

 2通过水彩画学习不断激发学生丰富的想象力和创造力,促进创 新精神和生没意识。

 三、教学重点:

 通过对水彩画的作画工具、材料、常用技巧、观察方法和作画程 序的学习实践,初步掌握水彩画的特性,激发学生对水彩画艺术的兴 趣和爱好,使之从中得到美的熏陶和教育。

 四、教学难点:

 学员了解和掌握水彩画作画的工具与材料、常用技巧、观察方法 和作画过程,并能将所学的知识与技能运用于水彩画写生实践当中。

 五、主要工作方法:

 1水彩画学习兴趣培养。

 2色彩理论知识学习。

 3实践训练

 (1)通过视频、、老师示范直观的展示。

 (2)色彩个性分析与示范。

 (3)根据教学进度的阶段划分结合学生的实际接受能力逐步进 行学习。

 (4)素描基础训练

 六:工作目标:

 第一周:兴趣提高、轮廓结构训练、造形能力训练。

 第二周:课题《兴趣提高》 重难点:以视频方式了解水彩画特点、作画方式和过程。

 第三周:课题《构图的方法与技巧》 重难点:构图因注重大小适中,你能太满、太小、太偏。

 第四周:课题《造形能力训练》 重难点:较为为准确的表现出静物的形态 第五周:课题《色彩知识学习》 重难点:不同色彩的视觉感受 第六周:课题《水彩工具的了解与应用》 重难点:了解和应用不同水彩工具的特性与使用方法。

 第七周:课题《三大面五大调子》 3 重难点:对三大面五大调子理解及画面表现 第八周:课题《水彩静物临摹一》 重难点:能较为准确的表现出静物的形态和色彩。

 第九周:课题《水彩静物临摹二》 重难点:能较为准确的表现出静物的形态和色彩、感受和把握颜 料与水在画面上的应用。

 第十周:课题《水彩静物写生一》 重难点:结合色彩理论对色彩的认识——理解——提炼——表 现。

 第十一周:课题:

 《水彩静物写生二》 重难点:结合色彩理论对色彩的认识——理解——提炼——表 现。

 第十二周:课题《水彩静物写生二》 重难点:构图恰当、色彩合理、画面完整、基本无脏、乱、灰的 现象。

;

欢迎分享,转载请注明来源:浪漫分享网

原文地址:https://hunlipic.com/qinggan/868147.html

(0)
打赏 微信扫一扫微信扫一扫 支付宝扫一扫支付宝扫一扫
上一篇 2023-07-10
下一篇2023-07-10

发表评论

登录后才能评论

评论列表(0条)

    保存