怎样理解“艺术即感情”

“艺术即感情”是著名书画家孙晓云老师在《书圣王羲之》一文中提出来的，他认为艺术是人的感情的表现，包括拟情、象征、想象、个性化等几个方面。

首先，拟情是指用形象来表达人的感情，以达到表达艺术家内心情感的目的。拟情的关键在于把握情感特征，以最准确的方式把情感表现出来。

其次，象征也是艺术表达情感的重要方式，艺术家可以用象征性的形象来表达复杂的情感，从而达到艺术的目的。

第三，想象也是表达情感的重要方式，艺术家可以用想象力创造出独特的形象，以表达自己的内心感受。

最后，个性化也是表达情感的重要方式，艺术家可以用个性化的语言和形式来表达自己的感受，以达到艺术的目的。

总之，“艺术即感情”，只有把握住人的感情，才能达到艺术的目的。

        艺术是人类情感符号的创造。艺术家通过艺术作品来传达个人的情感，那么艺术家怎样把个人情感通过外在的形式表现出来，艺术形式是艺术家情感的体现，情感需要艺术家通过艺术技术来实现。如何将个人情感和外在形式完美的结合起来是艺术家所追求的，通过传统技法、个人经验来完成。艺术的本质在于艺术家把释放的个性、情感通过一种属于自己的有意味的形式传达出来。作品创作的核心是个人情感的表达，艺术家情感意识的产生、发展、升华是艺术家艺术创作的生命线。那么个体情感转化为有意味的形式是艺术家需要思考的问题，也是艺术家艺术创作的根本问题。如何解决这个问题，就要从两个方面入手来处理好情感和形式的关系。首先，艺术源于生活，艺术家通过对生活的感受而产生有意味的形式，有意味形式产生的源泉来源于艺术家对生活的体验：其次，艺术家通过有意味的形式来传载个人情感。

        例如传通中国画与西方现代绘画传统的中国画和现代西方表现绘画在情感的表现形式上却大相径庭。中国绘画，在对主观情感的表达上，依然努力地接近自然，对自然不失其基本的相似性与可理解性。西方经由古典的再现绘画转入现代的表现绘画，情感的表达可以完全脱离客观具象，是在对物象的否定中形成的，强调艺术是一种创造，把情感表现置于主要的地位。

        艺术用符号形式表现普遍经验或对生命的情感，因此艺术的含义就在符号形式自身，而艺术也可以称为有意味的形式，一句话形式创造了艺术。除了外在形式以外，情感也是艺术创作中重要的决定因素。情感是艺术创作的源泉，没有情感就无法创作；情感是判断构思是否“合理”的标志；情感与其他因素结合起来可以丰富艺术的表现力。但都以形象与情感的结合为最重要基质，任何审美创造都离不开这两个方面，即使是再冷静的作品，艺术家的主观判断与相应的情感也是隐减在作品中可以仔细捕捉山来的。总之，个人认为现当代的艺术创作必须在艺术家的情感、形式两者统一协调的推进中得到形成，才能使艺术获得健康和好的发展。在人类的艺术世界的召唤下，艺术家需要不断激活审美情感，努力把这种情感转化成恰当的形式，从而创造出伟大得艺术作品。

        例如中国古典音乐与西方现代音乐。西方音乐往往主客对立，往往是通过音乐来表现一个客观的事物，一个故事，一个人物，或一个画面，然后通过这个事物的本身或悲怆或滑稽或优美的特点来给人以启发和触动，影响听众的主观情绪。然而中国音乐往往旷达悠远，情景交融，主客融合，有乐曲和演奏者精神上的和合，透过乐曲自身流露的情感去感染他人

情感是文艺活动中最积极、最活跃的因素情感有促动作用,是文艺创作最初的动力源泉;情感有选择作用,作家在创作中运用什么样的意象构成作品是受情感制约的;情感有变形作用,作品中的意象是经过作家情感熔铸变形了的物象;情感有编码作用,创作者是按着自己情感流动的轨迹来排列组合各种意象,实现传情达意的目的的;情感有感染作用,创作者的情感通过艺术形象作用于欣赏者的内心世界,引起欣赏者相似的情感体验和情感共鸣 艺术创作过程中,情感是艺术形象塑造的重要推动力,情感贯穿于艺术创作的全过程,真诚的情感是艺术的生命没有情感,就没有想象,也就没有艺术创造情感本质上是活动的情感,与人们丰富的想象力相结合所构成的运动结构,在社会因素和心理因素的交叉作用下,使艺术的表现形式更加丰富多彩

文学作品鉴赏是以审美活动为主导的综合活动，读者通过注意、期待、知觉、想象、领悟、情感、回味等心理活动，并使之互相关联、互相渗透的心理活动，实现文学作品的审美价值和其他价值。读者在鉴赏文学作品时须遵循以下要求。

一、 综合活动，审美主导

文学作品鉴赏活动是审美活动。读列夫·托尔斯泰的《战争与和平》、读歌德的《浮士德》、读莎士比亚的《哈姆莱特》，我们会情不自禁地为其中生动的人物形象而陶醉，获得沁人心脾的美感享受。

当然，文学作品鉴赏不是纯粹的审美活动，它是以实现审美价值为主、包括实现其他价值在内的综合活动。“艺术具有一种二重特征；它既是一个摆脱经验现实及其社会效果联系而超乎其上的独立物，然而它同时又落入经验的现实中，落入社会的种种效果联系中。于是显示出这种审美现象，它是双重的，既是审美的，又是社会现象的(faitssociaux)。”

文学作品鉴赏活动除实现审美价值外，还有许多价值成分，诸如认识价值，道德伦理教育价值，政治价值等等。

例如，在认识价值方面，恩格斯就曾称赞巴尔扎克的《人间喜剧》是一部法国社会、特别是巴黎上流社会的卓越的现实主义历史。还称赞读《人间喜剧》比从所有职业的历史学家、经济学家和统计学家那里学到的全部东西还要多。

例如《复活》中的男主人公聂赫留朵夫道德上的自我完善表现出的伦理道德教育价值，《最后一课》表现出反对外族侵略的政治价值等等。

文学作品鉴赏活动是以实现审美价值为核心而融汇了其他价值的有机活动，其中融汇的认识价值、政治价值、教育价值等等同审美价值紧紧地结合在一起，密不可分。而且，其他价值的实现，都是在审美价值的实现中实现的。

所以，“文学作品鉴赏是以审美活动为主导的综合活动”。

二、 关注局部，顾及整体

文学作品是一个有机的整体，文学作品中的各个部分都是整体中的一个有机单元。朱光潜先生把一篇作品的整体布局比作兵家所谓的“常山蛇阵”。它的特点是：击首则尾应，击尾则首应，击腹则首尾俱应。就是说，文学作品中的各个部分共同组成一个互相联系的有机整体，这就要求鉴赏者在鉴赏文学作品的时候，要整体把握作品，不能仅把作品中的某些场面、某些情节、某些细节孤立起来进行鉴赏，并以此去评判作品的优劣。

比如“我来迟了”，作为一句完整的话来看，无所谓优劣。日常生活中，它表述的是言说者的一种行为，没有什么更深的含义。但同样的话置于《红楼梦》中，让它由王熙凤的口中说出，其含义就不一样了：

一语未了，只听后院中有人笑声，说：“我来迟了，不曾迎接远客！”黛玉纳罕道：“这些人个个皆敛声屏气，恭肃严整如此，这来者系谁，这样放诞无礼？”心下想时，只见一群媳妇丫鬟围拥着一个人从后房门进来。

在这里，“我来迟了”就不仅是王熙凤的一个简单的行为动作。联系上下文，考虑王熙凤在整个贾府中的身份和地位，我们知道，这句普普通通的话语背后包含着十分丰富的内容。我们既可以从中感觉到王熙凤风风火火、泼泼辣辣的性格，也可以体会到王熙凤在贾府中非同一般的地位和身份，还可以领略到王熙凤放肆的语气中所包含的炫耀和盛气凌人的气势，认识到王熙凤“体格风骚、粉面含春威不露，丹唇未启笑先闻”的独特气质。在那种场合，这样的语言只能从王熙凤的口中说出。

再比如“绿”、“过”、“到”、“入”、“满”这些字，从语义的角度来比较，我们很难说哪一个字更好一些。但在作者感情的参与之下，经过作者的巧妙安排，毫无感情的文字就传达出了作者非同一般的审美感受。如王安石的《泊船瓜洲》：

京口瓜洲一水间，钟山只隔数重山。

春风又绿江南岸，明月何时照我还？

《容斋随笔》卷八云：“吴中士人家藏其草，初云‘又到江南岸’。圈去‘到’字，注曰‘不好’，改为‘过’。复圈去而改为‘入’，旋改为‘满’。凡如是十许字，始定为‘绿’”。为什么“绿”好呢？从科学的角度讲，风一般只能以听觉、触觉来感知，但春天却是惠风和畅、吹面不寒、过耳无声的。现在诗人用“绿”去描写它，化不易传达的听觉、触觉而为触目成色的视觉，既见春风的到来，又惊异于春风到来后江南水乡的变化，形象生动，一举两得，这就是诗歌创作中通感的妙用。就整首诗而言，“绿”字与其它几个字相比，更能强化诗意：青山绿水，碧野春风、明月孤舟，多么富有诗意的画图啊！

孤立地来看，下面的这段语言是非常罗唆的：

┅┅于是看小旦唱，看花旦唱，看老生唱，看不知什么角色唱，看一大班人乱打，看两三个互打，从九点多到十点，从十点到十一点，从十一点到十一点半，从十一点半到十二点—然而叫天竟还没有来。

当鲁迅把它放在《社戏》中，用来表现“我”盼望小叫天出场的急切心情的时候，它却是传“情”妙笔。

在文学作品中，某些场面、情节、细节孤立地来看可能是丑陋的、恶俗的、不健康的，但从整体来看，它们有时却是作品的必需。鲁迅先生早就批评过那种不顾整体，单纯寻章摘句的鉴赏方式，“还有一样最能引读者入于迷途的，是‘摘句’。它往往是衣裳上撕下来的一块绣花,经摘取者一吹嘘或附合,说是怎样超然物外，与尘浊无干，读者没有见过全体，便也被他弄得迷离惝恍。” 所以鲁迅说：“我总以为倘要论文,最好是顾及全篇,并且顾及作者的全人,以及他所处的社会状态,这才较为确凿。” 只有顾及全篇，把部分放在整体中去品味、去鉴赏，才是正确的鉴赏方法。

三、 联想想象，虚实相间

接受美学认为，文学文本留有许多空白。接受美学把没有经过读者阅读的作品称为“文本”，只有经过读者阅读，把文本中的符号、概念变成具体的形象的时候，文本才成为作品。那么如何填补文本留下的空白？如何使一般的语言符号变为生动的形象呢？接受美学认为：必须用联想和想象。接受美学的这种观点对我们谈论文学鉴赏的要求很有启发。文学作品对艺术形象的描述都是虚实相间、留有很多空白的，这些虚的空白的地方就需要读者在阅读的过程中通过想象去填补，否则，文学鉴赏就无法进行。我们看两段描写：

三仙姑却和大家不同，虽然已经四十五岁，却偏爱当个老来俏，小鞋上仍要绣花，裤腿上仍要镶边，顶门上的头发脱光了，用黑手帕盖起来，只可惜官粉涂不平脸上的皱纹，看起来好像驴粪蛋上下上了霜。

┅┅寡妇出现了，网纱做的便帽下面，露出一圈歪歪斜斜的假头发，懒洋洋的趿着愁眉苦脸的软鞋。她的憔悴而多肉的脸，中央耸起一个鹦鹉般的鼻子，滚圆的小手，像教堂的耗子一般胖胖的身材，膨脝饱满而颠颠耸耸的乳房，一切都跟这寒酸十足而暗里蹲着冒险家的饭厅调和。她闻着室内暖烘烘的臭味，一点不觉得难受。她的面貌像秋季初霜一样新鲜，眼睛四周布满皱纹，表情可以从舞女那样的满面笑容，一变而为债主那样的竖起眉毛，板起脸孔。总之她整个的人品足以说明公寓的内容，正如公寓可以暗无示她的人品。┅┅罩裙底下露出毛线编成的衬裙，罩裙又是用旧衣衫改的，棉絮从开裂的布缝中钻出来；这些衣衫就是客室，饭厅，和小园的缩影，同时也泄露了厨房的内客与房客的流品。她一出场，舞台面就完全了。50岁左右的伏盖太太跟一切经过忧患的女人一样。无精打采的眼睛，假惺惺的神气像一个会假装恼怒，以便敲竹杠的媒婆，而且她也存心不择手段的讨便宜┅┅。

第一段见于赵树理的《小二黑结婚》，第二段见于巴尔扎克的《高老头》。第一段的空白是作家采用白描的缘故，第二段描写，作家采用的是细描，两段都有诸多空白。通过描写我们知道了伏盖太太有一幅憔悴而多肉的脸，但脸的形状呢？脸的黑白呢？通过描写我们知道了伏盖太太有着一个像耗子一般胖胖的身材，但到底有多胖呢？通过描写我们知道了伏盖太太有一双四周布满皱纹、无精打采的眼睛，但眼睛的大小呢？是豹子眼还是丹凤眼呢？眉毛呢？是浓浓的八字眉还是细细的柳叶眉？……总之，仅靠这些实的描写，不能够构成一个可以用视觉感知的完整图像，这就需要读者根据自己的生活经验对形象进行补充和想象。只有这样，作品中的人物、景物、场面才可能生动地展现在我们的脑海中，从而使我们得到艺术的享受。因此，鉴赏者在鉴赏文学作品的时候，不去调动自己的联想和想象力，根本无法鉴赏文学作品。夏丏尊、叶圣陶说：“文章是无形的东西，只是白纸上的黑字，我们读了这白纸上的黑字，所以会感到悲欢觉得人物如画者，全是想象的结果。作者把经验或想象所得的具体的事物翻译成白纸上的黑字，我们读者都要倒翻过去，把白纸上的黑字再依旧翻译为具体的事物。这工作完全要靠想象来帮助。譬如说吧，‘山高月小，水落石出’是好句子，但这八个字的所以好，并非白纸上写着的这八个字特有好处，乃是它所表托的景色好的缘故。我们读这八个字的时候，如果同时不在头脑里描出它所表托的景色，就根本不会感到它的好处了。”

四、 入乎其内，出乎其外

文学创作需要感情的投入，文学鉴赏一样需要感情的入乎其内，进入角色，与作品描绘的对象融为一体。文学鉴赏者不是无动于衷的旁观者, 而应当把自己化入作品中，想人物之所想,急人物之所急,爱人物之所爱，怒人物之所怒，只有这样才会真正地理解作品，获得审美愉悦。否则就无法感受到其中的魅力。《红楼梦》第二十三回“《西厢记》妙词通戏语，《牡丹亭》艳曲警芳心”里有这样一段描写：

这里黛玉见宝玉去了，听见众姐妹也不在房中，自己闷闷的。正欲回房，刚走到梨香院墙角外，只听见墙内笛韵悠扬，歌声婉转，黛玉便知是那十二个女孩子演习戏文。虽未留心去听，偶然两句吹到耳朵的，明明白白一字不落道：“原来是姹紫嫣红开遍，似这般，都付与断井颓垣┅┅”黛玉听了，倒也十分感慨缠绵，便止步侧耳细听，又唱道是：“良辰美景奈何天，赏心乐事谁家院┅┅”听了这两句，不觉点头自叹,心下自思：“原来戏上也有好文章,可惜世人只知看戏，未必能领略其中的趣味。”想毕，又后悔不该胡想，耽误了听曲子。再听时，恰唱到：“只为你如花美眷，似水流年┅┅”黛玉听了这两句，不觉心动神摇。又听到：“你在幽闰自怜┅┅”等句，越发如醉如痴站立不住，便一蹲身坐在一块山子石上，细嚼“如花美眷，似水流年”八个字的滋味。忽又想起前日见古人诗中，有“水流花谢两无情”之句；再词中又有“流水落花春去也，天上人间”之句；又兼方才所见《西厢记》中“花落水流红，闲愁万种”之句；都一时想起来，凑聚在一处，仔细忖度，不觉心痛神驰，眼中落泪。

这段描写说明，在文学鉴赏中感情专注与浮光掠影所获得的审美效果是不一样的。林黛玉开始由于“未留心去听”,所以偶尔听到一句两句,她只感到“倒也十分感慨缠绵”。当她被戏里的妙词所吸引而侧耳细听的时候，她的感觉就不一样了：先是“不觉点头自叹”，继而“不觉心动神摇”，后来“越发如醉如痴，站立不住，便一蹲身坐在一块山子石上”“不觉心痛神驰，眼中落泪”。随着她感情投入程度的加深，她所受到的感染也越来越强，获得的审美愉悦也越来越强烈。

需要说明的是，文学鉴赏既需要鉴赏者入乎其内，也要鉴赏者能出乎其外。如果鉴赏者一直沉浸在作品所描写的世界里出不来，就不可能对作品作出客观的深刻的分析和评介。应当说，这种看法是很有道理的。不能说读了李后主的词就闲愁万种，读了琼瑶的小说就想入非非，把自己想象成其中的某一人物。读了《少年维特之烦恼》就要自杀，看了《少林寺》就想出家……我们看一下吴俊忠先生对崔颢《黄鹤楼》诗的鉴赏和分析。

昔人已乘黄鹤去，此地空余黄鹤楼。

黄鹤已去不复返，白云千载空悠悠。

晴川历历汉阳树，芳草萋萋鹦鹉洲。

日暮乡关何处是？烟波江上使人愁。

“鉴赏者初读这首被誉为‘绝唱’的七言律诗，很自然地会被诗中所表现的那种旅思乡愁，以及感叹宇宙永恒、人生短暂的情绪所感染，甚至会驱动自身的人生和情感体验，或遗憾‘空有大志，人生无成’，或感叹‘江山依旧，人事全非’，渐入诗中之境而流连忘返。但鉴赏者不能沉湎于此‘诗境’，必须反复吟诵，调整视点，跳出境外，并上升到一个新的高度来认识、理解诗的意蕴和内涵。读着、读着，鉴赏者把此诗放到当下的文化视野中来‘解读’，若有所悟，忽生新感：自然万物均在变与不变之中，有其自身规律，不以人的意志为转移。触景生情，见物思事，乃人之常情，然而生何种情，思哪些事，乃取决于人的精神境界和情绪心境，与其感叹山河不变人事非，倒不如睹物思人，更上层楼。黄鹤楼巍然屹立，白云悠悠缭绕，并不因黄鹤已去而失色，阳光下树木葱郁，青草碧绿，江上烟波迷茫，好一派自然风光，即使因天晚而望不到故乡，有此自然美景，足以慰思乡之情，又何必触景生愁。山河不变人事变，有志者当珍惜时光，努力奋发，不应在无为的忧愁中虚掷时光。”

这样分析，就跳出了诗外，而不至于使自己沉迷在诗歌的愁绪中。空灵的艺术需要空灵的心境去领会其中的美好，优秀的文学作品也需要鉴赏者的慧眼。

五、 逐层深入，体味深意

优秀的作品一般都有言外之意，题外之旨，弦外之音。文字传达给读者的字面意义几乎没有差别，为什么不同的鉴赏者对同一作品会有着不同的理解呢，原因是不同的鉴赏者面对文字叙述有着不同的心理体验。林兴宅先生把文艺作品的审美层次分为三层：①各种形式因素唤起的意象；②意象所指示的历史内容；③象证意蕴。 其意思就是说，文学作品的意义是相当复杂的，对文学作品的理解不能仅停留在表面的意义上。比如《蝇子透窗偈》这首诗：

为爱寻光纸上钻，不能透处几多般。

忽然撞着来时路，始觉平生被眼瞒。

表面上看，它是写蝇子从来路钻出窗外的事，没有什么意思。而实事上并非如此，这首诗的象征意义在于：通过蝇子钻窗的过程，告诉人们，在追求自己的理想的过程中若用眼而不用心，就会被假象所误导，也就是说，眼看不如心悟。很多读者在阅读叙事性作品的时候，总是追求情节的生动性、趣味性，对作品所表现的时代色彩、社会意义、作家意图、文化意蕴……视而不见，岂不知这些才是作家的真正用心和作品的真正价值所在。因此，对文学作品的鉴赏不仅要用眼，而且更要用心，只有这样深入体会，才会领悟到作品的题外之旨、弦外之音。

在学习这门课之前，我眼中艺术家好像都是不食人间烟火、孤独地行走于世间，我时常自嘲“自己就是一个俗人，不懂艺术”，在学习这门课之后我才渐渐明白艺术家的情感要远比我们丰富、热烈，他们也是把这种情感表达的最淋漓尽致的人，他们的作品会让我们产生一些情感上的共鸣。

艺术家是一个少数人组成的群体，能够欣赏艺术作品的人也是少数。艺术是情感的依托，每一副画作、一个曲子、一段舞蹈等等都是创作人的情感，而那些传世的大作往往是情感最真实的表达。对于不懂艺术的人来说，他们看到的是作品所带来的最直接感受，令人激动、让人陶醉、令人振奋，比如一副画作，普通的作品人们会说“画得很像，就像活了一样”，对于更高深的作品，人们不会评价它的技艺有多高超，而是会说“这幅画有灵魂”，是来自创作者的灵魂。

艺术源于兴趣，是最初对于图像、声音、语言的兴趣。技艺的磨炼是艺术作品的保障，这时艺术家与工匠很像，通过不断的重复提高技艺，对自己的作品倾注心血，用一生做一件事。艺术家与工匠的不同在于，艺术家的作品是用来表达情感，工匠的作品是用于生活。不能说谁的作品更好，也无法用金钱衡量，艺术家的作品传递的是跨越时间和空间的情感。

《戴珍珠耳环的少女》展现了一个戴着蓝色和金色头巾的年轻女孩那令人难以忘怀的凝视。

这幅画会让人想象它背后的故事，**讲述了画中女孩葛丽叶和维米尔似有若无的爱情。达芬奇曾说“最崇高的乐趣在于理解的喜悦”。我想对于艺术家而言最开心的事就是理解。《戴珍珠耳环的少女》**中有这样一个片段。葛丽叶挪开了维米尔布景中的椅子，第二天，揭开外面画布，看到了他的画，她笑了。因为看到画面左边是空的，画面里的椅子，他抹掉了。后来他问她，为什么挪开了椅子，她说，像被围在中间。椅子的存在令她有不舒服的感觉，我猜。一个挪开椅子的举动默默去提示他。而他，看懂了。

弗里达的画作给人一种震撼的感觉，仿佛是来自生命最深处呐喊，无法用言语表达。弗里达对自己的画是这样解释的——“他们认为我是超现实主义画家，但我不是。我从不画梦，我画我自己的现实。”弗里达的一生可以这样概括

我们透过弗里达的作品体会到了她的痛苦，也感受到了弗里达传奇而瑰丽的一生。人生本就是路漫漫苦难相伴，但我们应该像一朵花姿态傲娇地过完一生。

绘画也是一种记录的方式。《戈雅之魂》中的戈雅像一个历史的见证者，一个面容光洁、阳光可爱、周身散发着淡淡的花香的如同天使一样的少女变成了一个面容枯槁、身体佝偻、浑身散发着恶臭的巫婆一样的妇人，一个少女的悲惨经历反映了整个国家和社会的颠沛流离。戈雅的这种旁观者记录者的姿态让我想起委拉斯凯兹的《宫娥》，好像我们才是画中的人，而画中的画师、公主、宫女、仆人都看着我们，也许在画师看来，他的画就是一个世界，而画师自己则是记录者。

尼采将艺术家定义为“患病的动物。”诚如他所言，历史上患有精神疾病的艺术家可谓如天上繁星恒河沙数。许多伟大的作品往往正是在其作者们陷入心理失常的状态下创作的——梵高自囚于疯人院时，时常痛苦自责。某天画家透过铁栅栏看见了院外的一丛蝴蝶花，生命的曼妙美感触动了他，画家迅速取出画具，在绝望与希望、痛苦与释缓间找到了微妙平衡，完成了《蓝蝴蝶花》。偏执患者封闭于自我的世界中，但这些敏感有疯狂的人们，对这种混乱的心理状态无所适从，只渴望早日逃离得到解脱，在逃避的过程中，往往抓住某种象征物作为精神寄托，如艺术、如无休止的进行强迫式研究，终有一日，谱写了绝世之作。

艺术作为人类精神的调剂品，可以慰藉人们的灵魂，平衡人们的心理，从而起到调剂精神的作用。它可以帮助人们认识自身的孤独和处境的可悲，帮助人们在痛苦中丰富自己的怜悯心，从而与其他的孤独的心灵“心心相印”。还可以启迪人类发现并享受孤寂灵魂中的诗意和诗情，把人类从过于现实功利的境界中提高出来，趋向美，并达到一种艺术境界，使得整个人的精神得到充分的调解。有多少人受过路遥的《平凡的世界》的鼓舞，在生活道路上自强不息。又有多少烦闷不安的人会听着贝多芬的《第九交响曲》，从中受到一次次灵魂的净化，一次次情操的升华，进而焕发出热爱人民、热爱生活、热爱他人、建设大同世界的无穷力量。创作这些艺术品的艺术家们就是司理人类精神调剂的精神工程师。