梵高在《向日葵》这幅画中要表现的内心思想是什么?

梵高在《向日葵》这幅画中要表现的内心思想是要怀着感激之心对待家人，怀着善良之心对待他人，怀着坦诚之心对待朋友，怀着赤诚之心对待工作，怀着感恩之心对待生活，怀着一颗欣赏之心享受艺术，宛若眼前那灿若花开的向日葵。

《向日葵》是1888年8月—1889年1月期间荷兰画家文森特·梵高所绘制的以插在瓶中的向日葵为主要内容的一系列油画作品，作品分别绘制了插在花瓶中的3朵，5朵，12朵，以及15朵向日葵。并分别收藏于德国慕尼黑新美术馆、英国伦敦国家画廊、日本东京兴亜美术馆、荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆、美国费城美术馆。

扩展资料

1、创作背景

1888年夏天，孤独的梵高试图在阿尔组织一个名叫“南方画室”的画家沙龙，向一些画家发了邀请，结果只有保罗·高更答应前往。高更是梵高在巴黎蒙马特认识的朋友，他们彼此欣赏。收到高更准备前往阿尔的消息，梵高很高兴。

1888同年8月，他画了第一幅《向日葵》。他原本想画12幅向日葵来装点他在阿尔租住的小屋，以迎接高更的到来，但刚画完4幅高更就来了，并给梵高带来了新颜料和一种黄麻质材的画布。高更对梵高的这种金**的组合十分喜爱，对已挂在小屋的《向日葵》给予了高度评价。

2、艺术鉴赏

梵高笔下的向日葵像是跳动的火焰，颜色鲜艳夺目，明亮的**饱和度极高，可以被称为“**的交响曲”。梵高喜欢用纯色点画的绘画技术。它去掉了轮廓线，把每个形状都分解成彩色小点构成的区域，不仅使色彩化整为零，而且传达了他追求光线和色彩的情绪。

-向日葵

或许梵高就是艺术最适当的代表，无穷的创造力、恣意的想象、难言的脆弱与传奇的气韵。他把最为深刻和热切的艺术体验带给每一位画前的观者，随画面一起旋转、升腾，被画中一切所吞噬、淹没。今日不谈梵高，只看他最后的那幅《麦田群鸦》。

毫无疑问，梵高是来自底层的艺术家，不属于巴黎花团锦簇的冰冷，不属于意大利雍容华贵的空虚，他来自田间、来自土地、来自自然与人最内心的呼唤。《麦田群鸦》毫无保留地将梵高的所有想法与特点表现得淋漓尽致。我不是专业的美术学生，所以不能对它在专业技法上有太多的分析，我只是想把自己多少次反复欣赏这幅画时的所思所想和它带给我的热烈与激动记录下来。

当死亡降临，暗蓝天幕下飞舞着黑色的群鸦，金色的麦浪在风中滚动，把天地卷入其中。这是《麦田群鸦》的主要内容，当年的梵高在奥维尔乡下看到这一幕时，他的内心一定是充满着喜乐与激动的，在饱受病痛折磨不久于人世的时候，看到感受到来自自然的旋转飞舞着的生命力量，痛苦与狂喜交织在他的内心，他想把这无法名状的感受与印象记录下来，用颜料、用笔、用铲子、用刮刀，用他所熟悉的一切来记录下这生命的伟大，就成了我们看到的《麦田群鸦》。

画面的背景是暗蓝的天幕，堆叠着的短线条给这片天幕以充足的质感，其中青色的旋转团好像镶嵌于其中，或许是狂风。麦田在天幕之下随处倾倒没有固定方向。画面中央一条绿红相见的彩色将麦田分成两半，或许是小路，或许是树，或许是别的什么；一行黑色的乌鸦横亘在画面的中间，像是飞向天边，也像从天边飞来。整个画面充满着不稳定感与扭曲感，仿佛所有景象都在颤动。

画中的笔法是粗粝的，所有景物的描绘均用短直的线条。来自底层的艺术家，他作画就像在劳动，他的线条不像是以浪漫的情怀精心描摹而出的，更像是在饱和的颜料上用勺子挖，用铲子铲出来的话，后来确实证明创作这幅画所用的器材是刮刀，正是刮刀的使用造成了这般的参差错落。这种短粗的线条给了所有景物一种不安与骚动之感，平静的天空因这般的线条变得有厚度，有差别，黑色的浓云在这样的描绘下开始滚动，整个天空好像一张包裹着难以阻挡的层层暗涌的幕布，其表面随之其后的暗流涌动也显得波涛汹涌。下方的麦子全部倾斜竖立着，而上方的麦浪却全部变为了横笔，使得整个没有边界的麦浪却因此成为了整体，但倾斜的麦子给人以极大的不稳定感，整个麦田好似一栋大楼摇摇欲坠。

这种粗粝的线条画法给了画面极大的不稳定感，但当我凝视画面所感到的微微不适好像不只是不稳定感可以概括的。它作为一幅风景画却给我一种极强的平面感，就像之前提到的，我难以看出画中的群鸦是朝哪个方向飞，因为整个画作完全没有一丝的远近之感，比如群鸦，凭视觉感受，很难将群鸦与天空分离开来；再比如刚刚提到的麦子，为何会给我一种摇摇欲坠之感，正是因为麦浪之中压根不像远近而更像上下；仿佛有一只看不见的手把整个画面死死地压缩在了一个平面上。

是什么造成了这样的平面感呢？风景画中远近之感最重要的就是透视画法的运用，于是我仔细审视了这幅画的透视画法。果然，这幅画完全没有一个视点中心，随着中间的色带延伸下去，感觉是由近处到天边的，目引点应在远方；但两侧的麦浪却是由远处延展到近处的，目引点在画外、在观者一侧，这种混乱的透视使得整个画面远近部分，有着强烈的平面感。而且由于这种违反日常认知的画法，使我们对于画面有着深深的不适应，加深了画面的不安与骚动。加之黑色的群鸦，与麦浪和天空完完全全地融入在了一起，难以剥离，随着画中隐秘的浪潮不断滚动，使得整个画面中没有具体细致的景象与场景，只有不断涌动的色彩和情绪。

这幅画充满着躁动与不安，扭曲与压抑，过度的色彩对比使画面显得夸张而怪诞；许多人会说。这是梵高的绝命之作，他的内心也是扭曲和压抑的，他处在崩溃的边缘，他放弃了自己一贯善于描摹的细节，他画中的地平线都已变得模糊不清，黑色的乌鸦就像死亡的使者宣告他命运的终结，他悲哀而无助、痛苦而绝望，于是他抛开了一切画法、忘却了一切细节，将自己的恐惧骚动无止境地在画布上宣泄，造就了这幅压抑扭曲的画作。

可我在一遍遍地欣赏这幅画后，越来越想对以上的说法说不。尽管这幅画是那样的不安与骚动，我却渐渐在其中看出了越来越多的、源源不断的生命力量，属于生命的最原始、最热烈的力量，对于生命的最诚挚的赞美。尽管这是梵高的遗作，但它并不悲伤，并不绝望，我也相信，在那天下午他看到此情此景的瞬间，他是幸福而快乐的。

为什么这么说呢？我们不妨再来看看这幅画。天空的颜色是暗蓝，其上有或多或少的卷曲旋转，但这种卷曲和旋转是温和而直接的，不同于《星空》中浅色而肆无忌惮地强烈旋转，也不同于《最后一幅自画像》中游丝般的好似外泄的偏头痛般的旋转，它是略带静谧与祥和的，近乎钴蓝的天空给我们一种宝石的质感，也给我们一种固态的平衡；这种强烈的涌动感不是轻浮的、不是炫目的，而是以一种深沉的温和感推动着的，而且由于远近的抹除，此间的天空失去了一贯的遥远，不再是与地面连在一起，而是与地面无缝地黏在一起，没有接口、也没有界限。天空湍流涌动，可却是阵阵暗涌，仔细凝视，它仿佛是一种有规律的旋转涌动，好像用手触摸心脏一般的持续有力的跳动，一种难以言说的生命感。

除此之外，摇摇欲坠的麦浪确实显得危险而不安，但那根根树立的麦子却在短粗的笔触之下变得那样坚挺昂扬，它是向上的，是刚毅的，不是随风而动的，它将表面的层层麦浪冲得此起彼伏，竞生波澜。它们不像是扎根于土地，更像是被土地包围，仿佛有一种一种与天空呼应的力量使它们向上飘动，不断地向上飘动，而那条绿色的色带由两边盘旋而至中间，在两片麦子的周围制造一种包裹感与旋转感，尤其是左侧的旋转感，由左向右，同物理学中的右手螺旋一般，像一只大手在托起麦浪，一种强烈的升腾感跃然而出。这些麦子是躁动着的，也是升腾的、向上的，强烈的生命力使它们尽情跃动，土壤都不再是藩篱，而成为了将他们托至天空的强大力量，就像刚刚烧开的热水一般，它们翻滚着、沸腾着，展现着那不安的、强大的、滚烫的生命力量！

黑色的群鸦，它们哪里是死亡的使者，就算它们是死亡的使者，它们的翅膀深深地扎在天空里、卷在麦浪里，它们与天空麦浪无法分离，于是这些乌鸦仿佛拉拽着金色的麦浪不断上升飞向，向天边、向远方，而天空中的乌鸦又好像携着天空从远方飞来，一步一步飞向麦浪。它们所携带着的哪里是死亡，它们所携带着的恰恰是天地融为一体的生命，天空中暗流涌动，地面上麦浪翻滚，而这两者被一群乌鸦用翅膀捆绑在了一起，一次天鸣地动的盛大际会，一种万物和鸣的沸腾体验。青色的旋转色彩，也许是怪诞的狂风，但更像将落的太阳和早生的月亮；太阳未落、月光已起，画中那只飞进了月亮里的乌鸦，它的翅膀托起的不正是新生的月亮吗？像其他乌鸦一样，它也会托着月亮，与太阳一起存在在这涌动的蓝色天幕之下，甚至会带着月亮飞进太阳，就像天空怀抱麦浪，麦浪飞向天空一样。

仔细想想，为何一贯专注透视的梵高突然抹平了远近，为何画面中的每一处景物都在旋转颤动。因为万物都在一起颤动，麦浪的旋转与天空的涌动是一体的，日月的团曲和群鸦的飞舞是相合的，所有的景物处在相同的颤动相同的旋转里，而远近距离的抹平更是使得它们无差别的压在了同一平面里。天地的一切处于一种共同的不安躁动中，更处于同一种滚烫的生命中。

我明白，生命尽头的梵高是阴郁颓丧的，无人认可、经济窘迫，兄弟分离甚至失和，抑郁症的痛苦折磨，就像那天空压抑的躁动，像那群鸦的死亡讯息，想那麦浪不安的奔涌；但我也相信，当那天下午，他眼里扭曲躁动的一切汇聚在一起时，他所有的痛苦绝望交织在一起时，他感受到了那种天鸣地动的和谐生命，他体会到了所有痛苦中的极致欢乐，来自自然最本真的狂野失真而又强烈动人的生命里，那一刻冲破所有苦难的世界视角与生命体验。这幅画依旧不是快乐的，只是因为快乐不足以概括这其中的极致情感，但它无疑是向上的、不悲切的、看似压抑却又冲破压抑的，极致喜乐深刻体验的一幅杰作。

这就是我眼中的《麦田群鸦》，那不安却热烈的生命。

梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。在他完成了他举世瞩目的七幅向日葵后，他选择了自杀。梵高自杀年仅三十七岁，作为一位艺术家，直到死前不久他才以其震撼人心而富于想象力的绘画赢得评论界的赞扬。梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术家的典型，但要设想他们的个人特点有多在不同则是很难的。高更是个攻击传统观念的人，语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家，则充满了一种天真的热情的深沉的爱。在他有了一段生活经历之后，这种爱使他成为一个美术商人，并产生了进行理论研究的愿望，进而成为比利时煤矿区的一名传教士。1880年他开始学画，后来他在布鲁塞尔、海牙和安特卫普进修。于1886年来到巴黎，他在这里见到了劳特累克、修拉、西涅克和高更以及原先的印象主义小组的成员。梵高在巴黎结识了印象主义画家之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非梵的个性。这从来都是如此的。而这种色调与向日葵永远朝向太阳的精神又如此吻合。“无论多高多大，永远不会忘记自己的来处”这就是向日葵的精神。

分类: 文化/艺术 >> 书画美术

解析:

许多人都很熟悉凡高的这幅《向日葵》，在法语里面，向日葵的意思是“落在地上的太阳”,人们往往把它看作是光明和希望的象征。那么，凡高的向日葵了又代表了什么呢

应该说是(梵高的)向日葵，应该把它理解成为一种疯狂，也就是疯狂的向日葵，而不是一种亮丽明快，充满着希望和幻想的，应该是比较疯狂的。就是说他在他的精神世界里面，他看到的一切对象都充满着一种生命，而这种生命是一种压制和反压制的这种关系。

梵高绘画当中的颜色非常具有个性化，他对于自己偏爱的颜色如绿色、**等用得非常极端，其中，**是梵高画作中用得最多的一种颜色。

应该是个人的性格原因

他在精神错乱中开枪自杀，谁要是了解他的一生，谁就不会不为他的勇敢、热情和用生命燃烧自己的精神所感动!。凡高是天才，也是悲剧的主角。他曾经在与高更的一次激烈争吵之后，割下自己一只耳朵，并用手帕包着送给一个情妓。他一生穷困潦倒，还活着的时候，一共只卖出过1幅画。但他在短暂一生中却留下了大量震撼人心的艺术杰作，他将其“能吞没一切的热情”传达给了人类!正是这种性格和人生，才留下这么伤感忧郁的作品

是什么精神令梵高在艰难的岁月中一如长青藤傲立于艺术世界，在这梦幻般的世界不倦地追求无瑕的心灵？是心中永不败谢的向日葵。梵高一生画了七幅向日葵，每幅都有独特的韵味。这几幅向日葵鲜明的红色、**、绿色可见作者心境永不老，对生活、对未来的憧憬与希望，如春天的青青小草，似向日葵拥有不变的信念。向日葵红红的火焰象征着作者心中不尽的热情。多么青春，多么美好。

文森特•梵高

Vincent Van Gogh，1853年3月30日－1890年7月29日

荷兰人，后期印象画派代表人物

梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。

梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。

梵高几乎没有受过什么正规的绘画训练。为弄到画布、油彩和画具而日复一日地奔波劳碌，精神上也不断处于矛盾的状态，为追求艺术的完美而承受着压力，这些即使不是他后来罹病的直接原因，也给他的生活悲剧埋下了种子。

梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。

梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。

梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”

梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。

在他完成了他举世瞩目的七幅向日葵后，他选择了自杀。

梵高自杀年仅三十七岁，作为一位艺术家，直到死前不久他才以其震憾人心而富于想象力的绘画赢得评论界的赞扬。

梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。

尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术家的典型，但要设想他们的个人特点有多在不同则是很难的。高更是个攻击传统观念的人，语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家，则充满了一种天真的热情的深沉的爱。在他有了一段生活经历之后，这种爱使他成为一个美术商人，并产生了进行理论研究的愿望，进而成为比利时煤矿区的一名传教士。1880年他开始学画，后来他在布鲁塞尔、海牙和安特卫普进修。于1886年来到巴黎，他在这里见到了劳特累克、修拉、西涅克和高更以及原先的印象主义小组的成员。

梵高在巴黎结识了印象主义画家之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非梵的个性。这从来都是如此的。而这种色调与向日葵永远朝向太阳的精神又如此吻合。“无论多高多大，永远不会忘记自己的来处”这就是向日葵的精神。