8级考级曲浪漫曲表达的是哪种情感

（武汉音乐学院 音乐教育学院,湖北 武汉 430000）

法国艺术歌曲“Mélodie”起源于18 世纪末19 世纪初的欧洲，和更早的“浪漫曲”有所区别。19 世纪中叶至20 世纪初期是法国艺术歌曲的繁荣发展时期，在这一时期著名的代表人物有福雷、德彪西等人。19 世纪末正值大变革时期，此背景催生了象征主义文学，使得法国象征主义成为当时火热的一种艺术思潮，成为连接浪漫主义和现代主义音乐之间的桥梁。德彪西是这一特殊时期的代表人物，被誉为“法国印象主义之父”。象征主义诗歌强调感知，在象征主义诗歌中感受到的是模糊、缥缈。它以隐喻的形式，使艺术得到升华，让人们去探究更深层次的含义。德彪西采用象征主义诗歌《浪漫曲》完成了这首艺术歌曲，本论文基于相关研究理论，通过对该歌曲的深入研究并结合自身的演唱实践，帮助歌者在了解《浪漫曲》的艺术特点的基础上更好地歌唱。

一、《浪漫曲》作曲家和词作者简介

克劳德·德彪西（Achille Claude Debussy）（1862年8 月22 日-1918 年3 月25 日）是法国19 世纪末、20 世纪初作曲家，近代“印象主义”音乐的鼻祖。他在音乐学院学习期间就展现出了打破常规、探索未知的创新精神，受到作曲家穆索尔斯基、瓦格纳以及象征主义文学、印象主义绘画的影响，形成自己独特的印象主义风格。他的代表作有歌剧《佩列阿斯和梅丽桑德》、管弦乐曲《牧神午后》、交响素描《大海》等。除此之外，他的艺术歌曲也非常有代表性，如《曼陀林》《阳台》《浪漫曲》等，都采用著名诗人的诗歌。他的作品充满奇异的幻想因素、朦胧的感觉和神奇莫测的色彩。他的和声细腻、繁复，配器新奇而富有色彩，旋律略带冷漠飘忽的感觉。他的创作可分为三个阶段：第一阶段是在1890 年之前，作品带有浪漫主义色彩，有瓦格纳等作曲家的影子；第二阶段1890-1904 年是他的创作高峰期 ；第三阶段1905-1918 年是他对二十世纪音乐的展望以及对古典浪漫时期音乐的回归 。《浪漫曲》于德彪西创作初期1880-1884 年完成的。他继承了福雷所确定的浪漫主义时期法国艺术歌曲的风格，同时又独具个性，将自身对音乐和调性的独特色彩感，融入自己的声乐线条和钢琴伴奏织体中。

保尔·布尔热（Pual Boueget)（1852 年-1935 年）是法国小说家、文学评论家、诗人，曾在巴黎大学攻读古典文学，对诗词有较深的研究，受象征派文学的影响颇深，作品带有印象主义特点，在1872-1882 十年间刻苦钻研诗歌，发表了《在海滨》《希望》等几部诗集。在德彪西创作的艺术歌曲中，有八首艺术歌曲采用了保尔·布尔热的诗歌。其中一首就是《浪漫曲》，德彪西于1880-1884 年完成《浪漫曲》的创作。

二、《浪漫曲》的音乐分析

（一）《浪漫曲》的音乐结构和创作技法

该歌曲为二段曲式，主调性为D 大调，节拍为4/4 拍，一共28 小节。第一段一共转了三次调（D-A-D-G),都为近关系转调；第二段转入了远关系E 大调，最后回至主调D 大调。

《浪漫曲》是德彪西早期创作的艺术歌曲，受象征主义诗歌和印象主义绘画的影响，德彪西创作音乐往往将音乐和绘画联想构思，将音色和音响作为音乐的表现手段，把音乐的强弱变比作成绘画中光线强弱的变化，利用音乐的强弱变化和色彩性和弦营造歌曲要表达的朦胧的、飘渺的意境。在《浪漫曲》中德彪西多次使用带有浓厚个人风格的音乐创作手法，如该歌曲的16-20 小节一共包括三句话，皆使用了全音音阶，一定程度上回避了大调音阶中的半音音程，避免了导音倾向性，造成调性模糊的感觉，歌曲的功能性和声减弱。不仅如此，德彪西因为不满足调性的稳定，歌曲多次使用离调的手法，带给听众新鲜感，添加了一些色彩感和音响上的特殊意境。歌曲还多次使用减五、七度等不协和音程，如歌曲开头伴奏下方两个声部音程构成减五度，造成一定扩张感和色彩感。并且作者在创作该歌曲的时有着链环衍展的思维方式，着眼于音乐材料的连锁式发展，使音乐进行及发展的关联性始终得以保持，采用了顶真的作曲技法，在歌曲的第1-2、第4-5、第5-6 等句中均能体现出来，保持了作品内在的统一。

（二）钢琴伴奏织体特点

《浪漫曲》钢琴伴奏是随歌曲的发展而改变的，具有一定的规律，该歌曲最低声部皆为长音，通过二度、三度进行连接全曲，呈现宣叙性质的音调,突出了一种虚无缥缈的、朦胧的音响效果。该歌曲的钢琴伴奏中有一句旋律（第1、2 小节），作为贯穿全曲的纽带，一共出现了三次，而全曲的织体改变一共有五次，下面一一论述。

歌曲引子（1-2 小节）为三个单音声部加上伴奏旋律声部，伴奏旋律辅助音式级进下行，结合四分、八分音符的节奏型，其余三声部皆为长音，而后又反复一次该旋律，这是该旋律声部的第一次出现。

歌曲在第6-8 小节，变换了钢琴伴奏织体，原先的三个长音声部变为了一个，原先伴奏旋律声部变为了以两拍切分为主要节奏型的柱式和弦，给全曲带来了一种紧张感，但很快这种紧张感消失了，两拍切分的柱式和弦隐藏声部二度级进上行，使歌曲听起来仍然带有一种朦胧感，仿佛刚刚的紧张感只是插曲。

歌曲在9-13 小节处，第二次出现了钢琴伴奏旋律声部，这一次将1-5 小节使用过的旋律和6-8 小节使用过的二拍切分节奏型相融合，相比1-5 小节，切分节奏使音乐听起来更加流动，在听觉上造成了一种意外的强弱交错，推动了歌曲情绪的发展。

歌曲第二部分14-21 小节由原先四声部变为了三声部，左手是以四分音符为基础节奏型的单音分解和弦，右手则为柱式分解和弦，伴奏整体听起来舒缓、悠远，和使用全音阶的旋律声部相配合，营造飘渺、梦幻的意境。

歌曲22-28 小节处第三次出现钢琴伴奏旋律声部，力度达到了mf，回到了原速，在9-13 小节的基础上增加了两个声部，增强了歌曲结尾的稳定感。

（三）旋律线条和歌词的巧妙结合

1旋律节奏和歌词节奏的配合

该歌曲中的每一个音节对应旋律部分的一个单音，每一个音节皆对应一个元音。

2诗歌旋律中的韵律

《浪漫曲》的歌词含有独特韵律，歌曲共分为两个乐段，一共十二个乐句，歌词的第1-3 句L'âme évaporée et souffrante，L'âme douce，L'âme odorante 以及歌词的7-8、11-12句N'est il plus un parfum qui reste，De la suaviré céleste，D'une vapeur surnaturelle，Faite déspoir d'amour fidèle 皆押韵。

3旋律的走向和歌词含义、语调的配合

德彪西的《浪漫曲》具有典型的印象主义风格，歌曲多次使用同音反复的创作手法和宣叙般的声调渲染出一种缥缈的神秘感，从某种意义上说保留了诗词朗读的韵味。全曲的大部分以级进和三度进行为主，声乐旋律音程起伏很小，表现出诗词中的朦胧的气氛和对爱情充满美好的憧憬。

歌曲开头第一句“受苦的灵魂在飘荡”旋律多次同音反跳后，让歌唱如诗词朗读一般，同音反复后的大跳仿佛让人感觉真的在飘荡。歌曲第一段（1-13 小节）歌词的大意是受苦的灵魂在空中飘荡，圣洁的百合花用它的纯净和香气安抚了疲倦的灵魂，无论是花香还是灵魂都是在空中漂浮着，旋律的走向非常契合歌词，每一乐句皆未落到主音上，正好与歌词所表现的语气语意相契合。歌曲第二段(14-28小节）歌词的大意是两个人相爱了。两个人身旁笼罩着浪漫、唯美的氛围，相比第一段，第二段歌词将浪漫气息和爱意讲述得更加明白，而旋律的第八—第十句采用大连线，均为音阶级进上行/下行，大幅度的音阶流动推动了歌曲情绪的发展，旋律和歌词相契合得非常完美。

三、该作品的语言艺术和演唱艺术表现

（一）歌唱语言

法语被公认为是世界上最优美的语言之一，它优美动听、明亮悦耳、柔和抒情。演唱该歌曲需着重注意咬字，要遵循法语发音的语言特点，注重元音的发音，法语是世界上元音最多的语言，一共有16 个元音，其中a/e/i/u/y/o 六个元音字母需要单独练习，保持语言的连贯特点，使单词与单词之间通过元音连起来,歌唱时要注意歌词的“联诵”，两元音在一起只读后一元音，前一元音不发音，如《浪漫曲》第一句L'âme évaporée 两个词联诵的结尾音不发音。在这首法语歌曲中，要注意一些字母的发音，如字母j 发音与中文“日”相近；字母s 在字尾不发音；字母qu 发拼音k 的音；还需要特别注意一下鼻化元音，鼻化元音是法语的特有现象，法语有4 个鼻化元音，该歌曲中有两个鼻化元音，该歌曲中的单词dans、vent 发a 的鼻音ã，donc 发o 的鼻音õ。

（二）演唱的声乐技巧

1气息的控制

该歌曲的音域是d1-g2,大部分的音在中低音区，中低音区音色得到了充分的重视，中低音区要唱的浑厚、实在、沉稳，中低音区一定要把喉位放下来，保持喉部肌肉的松弛去进行演唱，这样出来的气息才是平稳的，中低音声部不能只用纯真声，仍需真假声混用，保持声音的饱满状态，高音的部分要唱得飘逸、朦胧，越高的音越需要气沉下去，不可扯着嗓子唱，这样的声音是尖锐、不圆润的。中低音区和高音区的过渡也要引起重视，要统一状态和音色。总体来说，整个歌唱是自由的，是通过气息的支持控制来完成的，气息要深、松、稳、有弹性。

2音量的控制

《浪漫曲》整首歌曲包括三个力度的标记，分别是pp、p、mf，这首歌曲带有强烈的印象主义色彩，歌曲音量的变化幅度不能太大，它展现的是一幅幅印象画，演唱时避免乐句与乐句之间音量差距过大破坏总的音乐的感觉。

（三）恰到好处的情感处理

歌曲的表达要建立在歌曲的深入了解之上，该歌曲具有浓厚的印象派特征，歌曲中有许多色彩性和弦并且在不停地转调、离调，这需要演唱者演唱之前要细心感受音乐的色彩感。《浪漫曲》展现的是一种朦胧的气氛，表达的是对爱情的憧憬之意，突出了一种虚无缥缈的朦胧的音响效果和旋律色彩感，旋律没有内在的紧张感，更像是脑海中回想的一帧帧画面，故演唱时避免加入过多的情感表达，或者夸张的抒情和喜悦。要注意声音细腻的把控，获得艺术之前的通感（和诗歌、绘画一样的情感），从而反映诗歌、绘画中的情感变化。歌唱者在歌唱之前可反复朗诵歌词，在脑海中构思出一帧帧画面，把握歌曲的整体意境和感觉，为歌唱时有恰到好处的情感处理做好准备。

四、结语

德彪西艺术歌曲《浪漫曲》受印象主义绘画和象征主义文学的影响，带有浓烈的印象主义风格，更加追求自由，更加注重作品的意境，不同于传统音乐的风格，不局限于传统音乐中那种严密的结构。该篇通过研究钢琴伴奏、旋律和歌词的配合来加深读者和演唱者对艺术歌曲的感受和认识，主要通过语言艺术、声乐技巧和情感处理三个方面来帮助演唱者理解和欣赏印象派音乐创作的风格特点，进而更好地演唱《浪漫曲》这首歌。

注释：

①Mélodie：柏辽兹作为史上第一人用这个词来称呼他所作的歌曲，并以此来区分德国艺术歌曲和那种旋律就是一切的歌曲。

②受苦的灵魂在飘荡：受苦的灵魂在飘荡是浪漫曲的歌词，浪漫曲歌词是由玛利亚翻译的。

③联诵：在同一节奏组中，如果前一词以不发音的辅音字母结尾，后一词以元音字母开始时，前一词的词末辅音字母由不发音变为发音，与后面的元音组成一个音节，这种现象叫做联诵。

浪漫夏天歌表达了作者和恋人在夏夜相依的美好画面。浪漫夏天来自歌手zhip徐志鹏的作品，曲风是轻快，旋律优美，是一首非常好听的歌曲。浪漫夏天描述了歌手和恋人在夏日坐在湖边，看着漫天的星星倾诉着爱意的美丽画面。

　　人都有悲伤，无助，冷漠的时候，而听一些好听的歌曲是我们抒发自己心情的最好方式，下面是我整理的表达美好爱情的歌曲的内容，希望能够帮到您。

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表达美好爱情的歌曲(精选)

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　声乐艺术是演唱主体在一定艺术意识与心理的指导下，通过具体的歌唱行为，以追求自由性、审美性与创造性艺术为目标的人类特有精神文化实践活动之一。声乐演唱中该如何表达情感下面是我分享的相关内容，一起来看一下吧。

 

　一、歌唱是表达情感的因素

　1、歌唱的本质是人们情感的表达

　在歌唱艺术中，情感表达是非常重要的。只有充分理解其声乐作品，准确地运用各种表现手法和手段，才能深刻地反映作品的内容和情感。如《草原之夜》这首歌曲，我们演唱时要唱的圆润，自然不能在情感上无动于衷，那么对于音乐的欣赏也只是见其表未见其里，并不能完整的感受与领会音乐的美，音乐是一种善于抒情的艺术，音乐中有着丰富而深刻的感情内涵。只有当音乐演唱者的情感活动与音乐作品的内涵的情感体验。把歌曲中的内容，情感表现出来，不会令听者索然无味，才能感染，感动人。

　2、歌唱表达情感的特点

　歌唱是最清楚，最直接表达人们情感的艺术。感人的歌渲染气氛。能曲能打动人心，欢快的歌曲。每首歌曲的歌词都是来源于我们的现实生活，通过现实的感受来描绘它把它写成一首歌曲。在演唱的时，对于感情的表现一定要细腻，追求情感的表现要细腻而且真实的演唱，一定不能放松对歌曲一字一声的情感体验和处理，不仅不会影响整体的表现，而且还能发挥深化主题的作用。演唱《草原之夜》这首歌曲，歌唱者用深情倾诉性的音调，为我们描绘了一幅悠远深邃的浓淡相宜的水墨画，唱出了军垦战士热爱生活的情绪和对美好爱情的追求。

　二、分析声乐演唱中情感体现

　在声乐学习中，歌曲演唱是声乐课堂中最核心的部分。要演唱好一首歌曲，演唱者必须对歌曲有深刻的理解，通过对歌曲的分析并充分运用表现歌曲的各种音乐手段和歌唱技巧来完满地表达歌曲的内容一与情感。现在就歌曲处理过程应注意以下几个艺术环节。

　1、内涵的理解

　所谓内涵，主要指作品的内在含义即思想，理解作品的内涵，是演唱的基础，拿到一首歌曲，先不要急着唱谱，而应该把歌词反复朗诵几遍，以便从中了解主人公所处的时代背景，特定的环境和思想感情。《草原之夜》是一首60年代流行的二段体创作歌曲，田歌作曲，创作于1955年。这首流传广泛，被誉为“中国的小夜曲”的抒情歌曲。作曲家在音乐融汇了维吾尔族素材，用深情倾诉性的语调，唱出了军垦战士热爱生活的情愫和对美好爱情的追求。除了要了解作品背景之后，还要理解作品的思想，这样才能体会到浓郁的草原气息，感受到了这种浓厚的情感才可能仔细读谱，合理科学地运用声音表现上述的情愫和追求。因为只有在理解作品的基础上，才可能做到真情的表达。

　2、意境的想象

　意境的想象，就是要尽量去启发音乐的想象力。演唱者应根据歌曲的内容和音乐形象，在自己的头脑中化为一幅幅的活动画面，把自己化为作家，诗人，也变成作品的主人公。话句话说，就是要像戏剧 进入角色一样去身临其境。如果你把一首歌曲的基本情绪和意境设想得很具体，那么你在表达时就会很真实和生动。在演唱《草原之夜》时，在你的眼前又会出现一幅悠远深邃的浓淡相宜的水墨画，军垦战士热爱生活，赞美家乡美好生活和对美好爱情的憧憬与向往。总之呢，用这样的想象和意境会很快帮助你确立起正确的音乐形象或者说歌曲主人公的形象来，歌曲的主人公形象完整统一了，歌曲的主题思想也就明确了，这样就会到情真意切。因此，作为歌者,应随时用眼睛和耳朵去搜集和倾诉各种生活的画面和声乐，去感受生活，从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象能力，从而更深刻地理解作品的内涵。

　3、把握作品的情感变化

　歌曲情感就是歌曲的基本情绪，演唱者必须通过对作品的内容进行深入研究，从而决定用什么样的方式来表达歌曲中的“喜、怒、哀、乐”之情。歌曲是要表达歌曲内容和情感，想要打动听众，必须以情带声。如果演唱者只片面追求声音，虽然声音有一定的力量和亮度，但缺乏情感因素，声音也就苍白无力的，一定要理解歌曲所要表达的内容和情感，如果演唱者只是按照音符办事一板一眼地完成任务，又如何能够感染人、打动人呢《草原之夜》

　在尾声以富有新疆民歌特色的衬词“唻”，一字一音，速度渐快，推向再现的第四乐句，表达了边疆战士对美好未来的憧憬。演唱时应注意音色柔美、语感细腻，体现歌曲的抒情性。

　4、韵味的体现

　演唱的二度创作是一个复杂的劳动过程，它对演唱者的要求也是多方位的。演唱者在演唱的时候不仅要准确地领会和传达歌曲的情感，同时还需要自己的在一步创造，挖掘歌曲中潜在的甚至别人没有想到的东西。我们常常会听到这样的评价：“这首歌被你们唱白了。”意思是指演唱者只是按照音符办事，一板一眼地完成任务，没有激情没有热情，更没有味道在里面。这个“味道”就是我们音乐中所指的韵味。韵味就是我们吃得菜肴里面的各种辅助调味料，同样一首歌，有的人唱得声情并茂，有的人唱的味如嚼蜡呢其基本的区别还在于韵味上。优秀的歌唱者并不会局限于歌曲谱子中上所记录的音符而是会在谱子之外下功夫。当我们唱熟一首歌曲作品时，我们需要根据歌词内涵，语言情感的需要，就会在原有音调的旋律音上增添一些个别元素，使之成为装饰音、滑音、倚音等。在演唱的时候就会更加生动形象和自然，就会更加有韵味和美感，这样就会给作品赋给新的生命力。

　三、技术与艺术的完美融合

　技与艺，即声与情，一向是歌唱中血肉相连的两部分。发声、咬字、吐字和情感的表达构成了歌唱的整体，两者不可分割。歌唱的人声的整体化为乐器从事歌唱的，绝不是靠嗓子、气息或共鸣就能能完成的，歌唱是全身心都参与的一种表演艺术，不仅全部身体器都要参加,而且包括你的灵魂。歌唱应成为各种因素融汇于一个整体中的艺术，要达到“唱情”，必须借助于“唱声”，以“声”表“情”，寓“情”与“声”，没有“唱声”之功，也就是无法达到“唱情”的目的。在平时的训练中，要加强整体歌唱的意识，使歌唱发声与情感表达同时进行，使声、字、情、融为一体，养成用心灵歌唱的习惯。《草原之夜》这首歌，声音一定要控制在轻柔的半音上来演唱，既体现了夜色安静的美，又表现了草原青年男女纯洁爱情的美。我们在演唱任何一部声乐作品，都要方方面面小细节处理好，才能达到万无一失，才能用心诠释和演绎。

　声乐艺术是一种善于表现和激发感情的艺术，有了优美的歌喉与清晰地咬字吐字的完美结合以及声音语调造型的艺术处理技巧，而缺乏情感的准确依据与生动表达，是不可能完成声乐艺术的创造任务的。声乐的艺术魅力与美感效果，取决于演唱者的情感表现，但需要到达声情并茂，以声传情却很不容易。所以连诗人白居易也不得不感叹：古人唱歌兼唱情，今人唱歌唯唱声!”

　总得来说情感是声乐演唱中不可缺少的部分，少了情感的表现就如同少了歌曲的灵魂。“以情动人”才是最能打动观众最能诠释作品的。理论是需要经过反复实践才能论证的。关于怎样才能融入更好地情感应进一步的研究解决，需要从实践出发，发掘其中的含义。情感表现的挖掘是无止境的，它来源于现实生活和社会实践，与我们生活密切相关，因此它的发展前景有很好的价值。“感人心者，莫先于情。”歌曲是从产生、演唱到欣赏都是因情而发，是曲作者动心，听众感心的艺术加工过程。成功的演唱必须唱心、唱情，在动声之前先动情，才能以己之心去感人之心。

十九世纪初,欧洲文学艺术普遍形成了一种新的潮流、新的风格，就是的“浪漫主义”。它是一种“势如破竹的、反对权威、传统和古典式的运动，在18世纪后期到19世纪中期横扫西方文明。”（见《简明不列颠百科全书》中译本）

在文学史上，浪漫主义一般指1830—1850年代的创作，而音乐的浪漫主义稍晚于文学，并且延续的时间较长，可以说浪漫主义在音乐的领域里，基本上贯穿整个19世纪。我们说：浪漫主义不仅是一个创作方法和作品风格的问题，而更是一个内容复杂的世界观和艺术观的问题。

在音乐方面，浪漫主义的形成是在十九世纪二十年代。它的奠基者是奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家韦伯。前者的创作是抒情歌曲、交响乐、室内乐等，后者则主要是一个浪漫主义的歌剧作曲家。

1830年的欧洲资产阶级革命，促使各国任命革命意志的奋发和民族意识的觉醒，形成了进步的浪漫主义思潮的高涨，出现了法国的柏辽兹、意大利的罗西尼、德国的舒曼、门德尔松和波兰的肖邦等作曲家。

浪漫主义音乐具有自己的一些风格特征。浪漫主义的艺术侧重感情，理性属于次要地位，对整个世界和现实生活的各种现象，都通过个人的主观感觉来表现。因此，抒情性、自传性和个人心理刻画就成为浪漫主义音乐的主要特征之一。它反映了纯主观的个人感情，但也有一定的社会典型性。

下面我将具体谈一下浪漫主义时期的主要特点：

对音响、音色的追求是浪漫主义音乐的一个突出特点。浪漫主义时期讲求音响的丰满、和谐、充实、舒适；而且要求色彩性强，无论乐器还是人声，都追求新的音色。到浪漫主义末期，管弦乐队的人数一般达到一百人；铜管、木管、打击乐得到了更充分的使用，铜管增加了长号、大号、圆号和小号的数量也有增加；木管增加了低音巴松、低音单簧管、英国管，而短笛成了固定的成员。乐队的中音区乐器得到扩充。此外，有时还使用三角铁、竖琴等色彩性乐器。这是的乐队音响辉煌、宏伟。声乐方面，丰富的歌剧创作提供了多样的音色，男高音得到了空前的发展。这时游乐各种不同的风格，如活泼轻快、热情洋溢、充满感情的法国风格，强有力的戏剧性的歌剧男高音风格，歌剧中英雄性的男高音风格，呜咽凄凉的意大利风格，圆润伤感的俄罗斯男高音风格等等。

旋律的重要地位在古典全盛时期就已经显示出来了，到浪漫主义时期更加突出。

旋律的歌唱性、抒情性成了十九世纪浪漫风格的重要特点。在贝多芬时期，器乐音乐的主题与艺术歌曲之间，有着明显的区别。但浪漫时期，情况不同了。舒伯特及其歌曲有着很大的影响力。他的歌曲作品通过一些流浪者、失恋者、梦幻者及孤独的、无依无靠的可怜人，以自我感受的方式，生客地反映了他对黑暗社会的感受和痛苦。其中以声乐套曲《美丽的磨房姑娘》和《冬之旅》最为典型。这些作品说明了当时在浪漫主义时期音乐歌曲创作的抒情性的典型特点。舒伯特的歌曲中旋律最有个性，也是他的作品最突出的地方，当然也是此时期的创作特点的一个体现。在风格上，他的歌曲旋律有浪漫主义的甜美和忧郁风格，如《流浪者》、〈你是安宁〉。这一点领导并体现了烂漫主义时期音乐作品在旋律上的一个特点。这种歌唱性的旋律贯穿了整个十九世纪，在大型交响乐和抒情钢琴小品，弦乐四重奏以及协奏曲等等各类体裁之中得以体现。

浪漫时期的旋律结构与古典时期有所不同。古典时期较多为平均、平衡、闭合，以进为主，若有隔音跳进或大跳，均要与其反向的级进进行相平衡，形成“拱型”结构，而浪漫风格的旋律则为了表情的需要。喜欢使用大跳音程，常常是六七度，甚至四个八度的大跳和许多增减音程的跳进。为了在乐曲中进行充分的展开，浪漫风格的主题旋律本身包含多种变化的可能性。后期浪漫主义音乐的动机继承了贝多芬的传统，具有动力性和对比性。其器乐作品的旋律带有交响性的紧张度。甚至在歌剧中也得以运用。另外，采用它的旋律经常采用或模仿民族舞蹈的曲调和民间音乐的特点，构成不规则的句法或大小调音节交替等。

在节奏方面较古典时期自由了一些。最常见的是交叉节奏的使用。快速不规则的音响与稳定节拍的结合，以及两个或更多节奏型的同时使用等，都是这个时期节奏的特点。

和声调性方面。浪漫主义时期音乐中，和声的发展和变化十分突出。许多浪漫作曲家恰是以其和声的独特而显示出个性的。这是为边县丰富多样的情感所决定的，也体现欧洲文化及思维的特点。

通过调性上、音区上、和声上、的色彩性变化来刻画音乐形象，刻画个人心理状态的发展，这种力求多方面地刻画一个音乐形象的表现手法，正是浪漫主义音乐的富有特征的表现手法之一。

古典时期不大使用不协和和弦，假使使用，也大多以功能的方式出现，如增强属主的紧张度，或在转调中使用。但浪漫主义作曲家却经常使用变化音及色彩和声。他们把不协和和弦提高到了协和的地位。浪漫主义时期还开始在三和弦的基础上，用三度叠置构成九和弦、十一和弦、十三和弦等。后期则采用多种方式写出持续和弦，造成乐曲更强渴望的、寻求解决的效果。

在调性上，浪漫主义广泛使用十二个调，同时小调的地位得到了显著的提高，提供了自由运用变化音的可能性，也使音乐具有了戏剧性。当时这个时期，仍然以主调为主，但复调也占重要位置，音乐有了和谐丰满、戏剧性强等特点