巴罗克、古典、浪漫主义时期的钢琴演奏风格研究

一、把握音乐风格应该作为理解钢琴音乐作品的重要方面

周广仁在讲座中指出： “为了更好地理解音乐作品，就必须对作品的音乐风格有深入、正确的把握，” 他还说： “音乐风格把握得错误，在某种程度上比弹错音还要严重。” 对于任何一个作品的把握，如果不能对其音乐风格特点作出准确的判断，就谈不上对音乐作品有深刻的理解。一个演奏者是否真正理解音乐作品，我们也只能根据他在演奏中对音乐作品风格把握得正确与否来作出判断。把握音乐风格、研究音乐风格，作为理解钢琴音乐作品的重要意义是显而易见的。

当然，风格研究是一个十分复杂的课题。对风格的研究包含以下三个方面：

首先 ， 从历史发展的角度来看，钢琴艺术发展经历了四个主要风格形态时期：巴罗克风格时期；维也纳古典风格时期；浪漫主义风格时期；印象主义风格及20世纪现代音乐风格时期。

其次， 从民族的角度来看，不同民族、不同国家都有富于民族特色的钢琴音乐风格，比如，德奥的钢琴风格、俄罗斯的钢琴音乐风格等。

再次， 从个体研究的角度来看，应对有代表性的钢琴音乐作曲家进行专门研究，例如：对巴赫、莫扎特、贝多芬等人的创作特征的研究。

从钢琴音乐发展的四个主要风格流派来看，由于各个时期作曲家的美学观念、追求目标、作曲技法等有很大不同，因此也就使各个流派形成各自的风格特点。 不同时期、不同风格的作品在速度、力度、声音、和声、奏法、装饰音、踏板、弹奏方法等方面均有很大的区别。 用不恰当的速度、声音、触键来演奏某种特定风格时期的乐曲。被视为比弹错音更严重的错误。因此，风格问题的研究应该多在这些方面下工夫，在教学或实际演奏中把握作品的风格，更好地阐释音乐作品。

二、钢琴演奏风格的训练应该成为钢琴教学的重要内容之一

风格问题不是一个纯粹的理论问题，而是一个实践问题，一个必须与教学和演奏密切结合起来的实践问题。我们必须在学生学琴的第一天起，在对他们进行严格技术训练的同时，逐步引导他们掌握正确的风格概念－ 即严格地限定每一首乐曲所应当具有的声音、奏法、速度、力度、装饰音以及由此而来的触键、用力、踏板等技术问题。 只有把风格概念引入钢琴教学中，使它获得与技术训练同等重要的地位，才能使学生在实践中日积月累逐步确立正确的风格概念，最终达到准确地理解、再现作品。当然，风格概念的树立需要一个长期的过程，它要求学习者在弹奏中逐步积累： 通过聆听各种不同风格的作品获得感性体验，通过对作品音乐风格各要素的把握获得理性判断。

三、演奏风格的比较研究

周广仁在讲座中对巴罗克、古典、浪漫主义时期的钢琴演奏风格作了深入地探讨和研究 。从各个时期的代表人物及音乐特点入手对每个时期作了总结，从速度、力度、声音、和声、奏法、装饰音、踏板、弹奏方法八个方面对巴罗克、古典、浪漫主义时期的钢琴演奏风格作了详细地比较研究：

1、速度

巴罗克风格时期 演奏速度比较适度，既不太快，也不太慢，快、慢是相对的概念，不是绝对的概念。

古典风格时期 的演奏速度比巴罗克时期有很大提高。速度往两头扩张，贝多芬的快板乐章比海顿、莫扎特又快的多，而表现力深刻的慢板乐章往往更慢。

浪漫主义时期 的速度幅度比古典时期又有较大的扩张。

2、力度

巴罗克时期 古钢琴时期古钢琴采用细弦、木结构及钢片拨弦，它的构造及发声原理决定了乐器的音量很小，在演奏中采用“阶梯式”的力度处理，即一层一层地渐强渐弱。

古典时期 由于“槌子琴”的出现，音量增大了，可以用不同的触键来做渐强、渐弱的变化，因而音乐表现力比巴罗克时期更为丰富了。如果说在海顿、莫扎特时代还比较局限于发明的“槌子琴”，那么到了贝多芬时期又有更大的发展，力度幅度明显增大。

浪漫主义时期 的力度又有很大的扩张。例如：莫扎特用p、f。ff出现在莫扎特的一个作品中（A小调奏鸣曲KNr310）。贝多芬用ppp、ff。李斯 特甚至用ffff。浪漫派音乐强调表现人的感情：热情、激动、悲伤等，因此力度的起伏很大，音乐的表现力也就更丰富了。

3、声音

巴罗克时期 的复调音乐作品应重视每个音的触键，不但每个音符要有良好的音质，而且注意每个线条的歌唱性，同时注意使各个声部之间组织成良好的声部关系，从而在横纵两方面把音乐组织成完美的整体。

古典主义时期 钢琴的声音与古钢琴完全不一样，莫扎特、海顿的声音更清晰，他们更强调手指的颗粒性、清晰度和透明度。而贝多芬声音结实、雄厚，因为他的音乐内容常常是富于戏剧性的，他要求声音的音量和厚度大大地超过莫扎特和海顿。

浪漫主义时期 的音乐主要是抒发个人情感，所以旋律很重要，声音的美非常重要。声音的多层次是浪漫派音乐的最大特点，旋律本身的歌唱性、旋律与伴奏的层次非常重要。

4、和声

巴罗克时期 音乐主要以复调音乐为主，即由几个并行的线条构成，一般不分主次，即使有所突出，也仍应保持几个声部的独立进行。复调音乐是多层面、多线条、多重性的复杂思维。一般有一种错觉，认为巴罗克音乐比其后的音乐来得协和，实际上，巴罗克音乐包含着极尖锐的不协和。一些在20世纪音乐中经常出现的 不协和音响，尤其是小二度、大七度等音程，在巴罗克音乐内大量存在，甚至大大超过维也纳古典主义时期。而这些不协和音响通常以延留音、倚音、经过音等和声 外音或装饰音的方式出现。

古典主义时期 主调音乐代替复调音乐，以“旋律与和声背景”为主体的主调音乐占据首要地位。由“主－－下属－－属－－主”建立起来的功能和声及其调性关系体 系成为音乐结构的骨架。和声成为非常重要的因素，钢琴的织体完全变了，有主旋律、有伴奏、而不是像复调音乐时期是几个旋律并行。

浪漫主义时期 和声丰富多彩，通过运用和弦外音，以及远关系转调等手法来获得新鲜的和声效果。钢琴织体的写法也有很大不同。

5、奏法

巴罗克时期 古钢琴力度变化很小，因此，通常靠奏法和装饰音来来丰富作品的表现力。从奏法上看，主要采用断奏和连奏进行对比。由于巴罗克时期的作曲家在乐谱上并没有标上明确的奏法，因此，对于奏法大致有两种基本的、但并不是绝对的原则可作为参考：1、音阶性（级进的音）的进行采用连奏。 2、三度以上音程的跳进用断奏。

古典主义时期 的由于钢琴的变革，因此在钢琴上可以弹出比较好的连奏，特别是贝多芬的某些作品中，强调非常连的声音，连奏成为重要的、新的因素。

浪漫主义时期 有非常富于歌唱性的连奏和非常短促的跳音。

6、装饰音

装饰音一直是很复杂的问题：其一，记号不统一。其二，对同一个装饰音有几种不同的弹奏法。其三，由于后人编写的乐谱版本日益增多，给装饰音的研究又增加了难度。例如车尼尔，这位巴赫之后一百年的钢琴老师，很容易带上他那个时代的审美情趣来解释巴赫作品的装饰音，因此现在非常强调要考证巴赫作品的原稿，即Urtext版。

巴罗克 音乐作品中装饰音的种类包括：波音、倚音、双波音、顺滑音、颤音、回音、带各种不同“前缀”和“后缀”的颤音等。巴罗克和古典时期弹奏装饰音的基本 原则是：第一，装饰音必须在拍子上开始。第二，颤音从上方二度音开始，（这适用于巴罗克时期、海顿、莫扎特和贝多芬的早期作品）。但也有例外：为避免重复，颤音应从本音开始。

古典主义时期 海顿、莫扎特的装饰音基本继承了巴赫的传统，但贝多芬的装饰音则略为复杂。第一，颤音从原音开始。第二，颤音的数量较自由，不像巴罗克时期那么严谨，而是采用尽可能快的自由节奏颤音，显示出越来越快的趋势。当然，以上谈及的只是一些一般规律，要弹好装饰音首先应透彻地研究作品的原稿，其次参考其他各种版本，然后在聆听大师录音的基础上从音乐的需要出发来掌握装饰音的正确弹法。

7、踏板

由于巴罗克时代的古钢琴没有踏板，因此在训练中应该首先强调手指严格的连奏。但如果是在现代钢琴上演奏巴罗克时期的作品，那么也可以尝试用一点踏板， 但必须考虑以下几个因素：

1、不要将踏板踩太深，以免造成泛音。

2、不要将踏板踩太长，即使在属于同一和弦的乐句进行时，也应根据线条而不是根据和声运用踏板。多换踏板可保持各声部的清晰。

踏板是古典主义时期发展起来的。 弹奏海顿、莫扎特的作品时，踏板的用法应注意掌握以下的原则：

1、在长音上踩，起到润色的作用。

2、不要踩太深，要与不用 踏板的部分产生很好的衔接。贝多芬作品中踏板的运用比海顿、莫扎特要多得多、复杂得多，这是由他的音乐内容所需要的表现力决定的：

1、增强乐句的连贯。

2、为使音响更加丰富饱满。

3、为加强力度对比。

4、为获得色彩性效果。

浪漫派时期踏板的使用更复杂、更精细。 延音踏板包括长踏板、浅踏板和颤踏板的使用。还有弱音踏板，持续音踏板大量运用，增强了音乐的表现力。

8、弹奏方法

在漫长的钢琴艺术史中，钢琴的弹奏方法经历了一个逐步改进和科学化的过程。这与乐器的构造、作品的音乐内容、意境、技术类型等是紧密联系的。

巴罗克和古典主义时期 ，由于古钢琴的琴键较浅、较轻，没有太大的力度变化，因此不需要用很大的力量去演奏，弹奏时更多的运用手指部分来弹奏，用力部位基本局限于手掌以下，手指是发力的基本出发点。

古典主义时期 由于专职钢琴教师的出现，使钢琴技术有了很大的发展。当时出现了所谓的“手指派”，例如：莫扎特、克列门蒂就属于手指派，而贝多芬之后逐渐发 展为手指和手臂相结合的方法。用我们现在的观点来看，“手指派”的训练方法是比较片面的训练方法。手指派里还主张高抬指训练，大量机械的训练，不讲音色、不讲歌唱性，追求快、响，很有危害性。

浪漫主义时期 出现了一批炫耀高超演奏技巧的大师级钢琴嫁。经过李斯特、肖邦、舒曼、勃拉姆斯等人的不懈努力，钢琴的艺术表现力被淋漓尽致地发掘出来。浪漫主义时期被誉为钢琴技术发展的鼎盛时期，出现了大量的超级技术，例如，八度、和弦、双音、快速华彩经过句、震音与颤音、托卡塔式的两手交叉、远距离跳跃、刮键、重复音等等。由于技术类型的变化从而导致了用力部位的巨大变化，据有关记载：李斯特、肖邦当时的钢琴教学方法已非常科学，开始运用从指、腕、肘、臂、腰乃至全身的力量来演奏。这就是我们现在的重量与手指相结合的弹奏方法。

通过以上的比较，我们可以对不同时期的钢琴演奏风格有基本的了解。运用比较法进行学习可以使我们对钢琴音乐风格的历史发展有一个全方位的立体概念，从而更容易掌握不同时期作品演奏风格的尺度。当然，值得一提的是：由于以上提及的只是一些一般规律，而音乐是千变万化，因此，在学习音乐作品时，还应根据具体情况进行具体分析。

小结:

周广仁的讲座给我们的启示并不仅仅停留在让大家了解钢琴演奏风格知识这点上，更重要的是引发我们对钢琴教学及学习的思考。她在讲座中还指出： “300年的钢琴演奏艺术是一个逐步发展的过程，在这一过程中，不仅积累了大量杰出的作品，而且逐渐地找到了比较科学的弹奏方法。 但我们国内有些人仍然在走一百年前的老路子，他们对很多问题的认识还比较模糊，认为“我怎么学就怎么教”。然而， 为什么你要这样教？有没有道理？教得对不对？这些都是值得大家去思考的。对于一首作品，我们应如何解释、演奏、教学？ 这与作品的时代背景、民族风格、作曲家、作品的结构、速度、力度、声音、和声、奏法、装饰音、踏板、弹奏方法等问题都是息息相关的。因此，在教学中应该围绕这几个方面具体地分析作品，踏踏实实做一些研究。”

古典主义，新古典主义，浪漫主义，现代主义，后现代主义在文化艺术领域，它们各有各的奉行者，在不同历史阶段，这些思潮也反映着当时社会的集体意识，集体意识的流变在文学家、音乐家、诗人、画家的作品中得到了充分表现。

放眼西方，在科学启蒙时代之后，浪漫主义运动紧接着登上历史舞台。启蒙运动的科学革命、工业革命、宗教革命、法国大革命，带来了重视理性思考和外部世界客观规律的社会形态；浪漫主义运动则由文学、艺术、思想领域的先锋扛起旗帜，他们高呼回归人的内心，重视心灵表达，提倡以人为本。

浪漫主义的定义是什么？其实并没有清晰严格的词语界定它。浪漫主义也不是一种风格，它不像罗马风格、哥特风格、文艺复兴风格、巴洛克风格、洛可可风格有清晰的形式上的界定。所有风格都被尝试过，法国首位浪漫主义史学家托兰把他的领域定义为“那些正好定义不了的东西”。另一位浪漫主义学家则说“浪漫主义恰恰无关于话题的选择，也无涉于真实，而在于一种感受的方式。”

浪漫主义不是一种明确的风格，而是一场革命。德国哲学家恩斯特·特洛伊奇说：“浪漫主义同样是一场革命，一场真正的、彻底的革命，一场同时反对资产阶级情调和普遍平等主义伦理的革命；总而言之，这场革命反对在西欧盛行的算术化、机械化的科学精神，反对混淆功利与道德的自然法，反对将人性过度抽象为普世与平等。”黑格尔则把浪漫主义简洁的定义为“绝对的向内性”。如果按荣格对心理类型的分析，我们便可以把浪漫主义定义为内倾型，而启蒙运动属于外倾型。

对于浪漫主义运动具体的起点时间，大家各执一词，但基本是在18世纪中期。在这场运动中，思想家、音乐家、画家、作家和诗人起了重要作用，他们坚持倾听内心声音，反抗启蒙主义的理性精神。在这面“浪漫”旗帜下，汇集了思想家卢梭、赫尔德，诗人歌德、华兹华斯、拜伦，音乐家贝多芬、李斯特、瓦格纳，画家透纳、戈雅等。浪漫主义的浪漫，从这些巨匠胸中迸发出来，影响了整个社会的风貌。

浪漫主义的浪漫，是卢梭的《论科学与艺术的道德影响》，是他的《新爱洛漪丝》，是他的《忏悔录》，是他“人最终会彻底地疏离于现代世界，以至于他们将祈求上帝让他们回到从前无知、天真、贫瘠的状态，只给他们留下那些令人快乐、值得珍重的东西”的预言。卢梭是浪漫主义运动的开路先锋，他深刻的认知到，启蒙之光虽然温暖光明，但不能照彻人性。

浪漫主义的浪漫，是歌德的《少年维特之烦恼》，是他的《浮士德》，他认为美感是无法学习得到的，那些学校教授的课程和某些规范对于发现美来说无济于事。“对于一位天才来说，原则比榜样还要有害”，自然的元真就是一切。

浪漫主义的浪漫，是人们对音乐大师的推崇，是对贝多芬的顶礼膜拜，是对李斯特和帕格尼尼之魔鬼技巧的着迷，是被瓦格纳的史诗交响招了魂，是肖邦，是舒伯特，舒曼，是柏辽兹。音乐成了宗教，它直接和人的心灵对话，音乐家成了国王。

浪漫主义的浪漫，是诗人们的直抒胸臆，是雪莱的“诗意的产生与重现，同意识、意志没有关系”，是华兹华斯“自然之书在万事万物之上，不朽之下，生命生长”，是拜伦“我独自在那里冥想一刻钟，梦想希腊仍旧自由而欢乐”。

浪漫主义的浪漫，是对夜和梦的赞美，是对《静夜思》十多种不同的德语翻译，是英国教士爱德华·杨笔下的“到了晚上，灵魂去外物而得自由，去激情而得冷静，思绪不受牵绊，不受压抑，在无疆的世界里甄选自己的所爱”，是画家福塞利描述灵感时说的“梦是最少被探索的艺术领域”，是肖邦琴键上流动的那么多首夜曲。

浪漫主义的浪漫，是各民族语言和神话的回归，是歌德的文集《论德国艺术》，是赫尔德的《论语言的起源》，是费希特《致德意志民族》的演讲，是小说家司各特开始运用通俗语言进行写作，是用苏格兰语写成的《罗伯特·布鲁斯进军班诺克本》，是拜伦的《恰尔德·哈罗德游记》，是瓦格纳歌剧《尼伯龙根的指环》。

浪漫主义的浪漫，在那些文字、音乐、画作中，是对过于理性主义和教条主义的担忧。越关注外部世界，离自己的心越远。

卢梭曾说，文明开化通向的终点不是解放而是奴役，文明用花束掩盖了拖累我们的枷锁，科学进步了多少我们的心智就退化的多少。

很激进的言论，但，表达了他的担忧。不知看到当今世界的科学技术和人自身能力的发展，卢梭有什么看法。

“绝对的内向性”，浪漫主义将选择它的历史走向。

翻译：袁子奇

出版：中信出版社

天色已晚，爱人还没回家，又听着老柴的《悲怆》，心醉得都快碎了。最初听《悲怆》，是因为曲名让我产生崇高感，再听是因为音乐让我获得了莫名的认同，再后来我就把老柴当情人了，听他的音乐就象私底下分享情人的心事——忧郁并幸福着！

我是个纯粹的浪漫主义者，无论音乐、艺术、文学还是哲学，浪漫主义最能撩动我的心扉。我深爱着肖邦，老柴，还有李斯特，每次走进他们的音乐，心情都极为复杂，一方面迫不及待地想聆听，就象查泰莱夫人迫不及待想拥抱她的守林人一样；另一方面又害怕卷入音乐的莫名惆怅中，害怕那种惆怅会让我陷入纯净高贵掩埋的孤独深渊里！

听音乐需要合适的环境和心情，我很不情愿跟别人共享我最爱的音乐就如同我不能忍受跟别人共享爱情一样。我喜欢偷偷地在家里独自享受，四周万籁惧静，仿佛全世界只有我和音乐共存，我们可以肆无忌惮的私语交融，任凭她柔软的小手轻轻抚摸慰藉我的灵魂。

音乐确实过于抽象，当你感动得热泪盈眶时，是没有分析音乐结构的心情的，更不会管她用了何种作曲技法。我还清楚地记得大学时的作曲理论老师，给我们分发大堆没有音响的谱例，要求我们对无声音乐逐个进行分析。真难以想象一个把音乐当成科学来研究的人，心中能拥有多少音乐！现在我们那位勤奋的曲式老师大概还在重复着同样的音乐研究吧，但我敢肯定他难以创作出动人心弦的上乘音乐。

古今中外，没有哪位音乐评论家敢冒天下之大不违，批评莫扎特的音乐。的确，正如赵鑫珊先生在他的著作中所提到的，莫扎特音乐有一种高贵的单纯和静穆的伟大，这正是古希腊艺术最显著的特征，对西方艺术略知一二的人都知道文艺复兴是对古希腊艺术的伟大复兴，古典时期的音乐正是文艺复兴的伟大产物。莫扎特音乐单纯高贵典雅，有如他清明纯净的灵魂，所以我听他的音乐总是诚惶诚恐，怀有无限的崇敬和景仰，否则就是对他音乐的亵渎和不敬。

某些音乐评论家评议贝多芬音乐蕴涵着深刻的哲学意义，我个人却不怎么喜欢，倒不是因为他的音乐太形而上，而是因为他的形而上意识中有太多英雄主义、太霸气，男性气质过于浓郁，跟我心性不投。不象浪漫时期的音乐，尤其是肖邦，老柴的音乐，能使我矛盾焦躁的内心暂时回归沉静。音乐是一种不可思议的良药，当我心情极度沮丧或浮躁时，总渴望在音乐世界中获得认同而后解脱。沮丧时听《悲怆》，会为自己肤浅的小资惆怅而羞愧，浮躁时听《悲怆》，会为自己狭隘的世俗观念所不齿！

尼采的日神酒神理论一直令我感激不已，每一位有着道德崇高感的人都期望自己象日神阿波罗那样典雅高贵，但这种人往往同时具有酒神浪漫痴狂的内心。怎样让日神和酒神在自己的灵魂里找到平衡法则呢？尼采用了一辈子时间，不惜以精神崩溃为代价，在哲学世界里不懈探寻，虽然最终也没有找到明确的标准法则，却给了我们一段很有名的启示录：就算人生是个梦，我们要有滋有味地做这个梦，不要失掉了梦的情致和乐趣；就算人生是幕悲剧，我们要有声有色地上演这幕悲剧，不要失掉了悲剧的壮丽和快慰。他认为“真理并非最高的价值标准，艺术比真理更有价值。为了生存，我们需要用艺术的‘谎言’去掩盖某些可怕的真理”。我不得不感叹，在物欲横流的实用主义占绝对优势的今天，有多少人能理解先哲的这种智慧？不管怎样，他是我心中一位真正的浪漫主义者！

《楚辞》浪漫主义源头

两千多年前，诗人屈原在浩瀚星空下发出《天问》，伟大的诗篇，“明明暗暗，惟时何为？圜则九重，孰营度之？”激励人们上下求索。

两千多年后，中国人走出地球，奔向太空，探索宇宙。天文学家南仁东铸造了中国人追问宇宙的“天眼”，探索百亿光年外的神秘太空。

中国“天眼之父”南仁东自儿时起就特别喜欢《楚辞》，并用一生践行“路曼曼（漫漫）其修远兮，吾将上下而求索”，为后人留下“天眼”这双继续寻找答案的眼睛。

广袤苍穹，斗转星移，中国人的求索从未间断，探索宇宙的热情也从未消退，中国人一直在自强不息、开拓创新精神的激励下奋力前行。

经典语录品读：

路曼曼其修远兮，吾将上下而求索。——《楚辞·离骚》

悲莫悲兮生别离，乐莫乐兮新相知。——《楚辞·九歌》

举世皆浊我独清，众人皆醉我独醒。——《楚辞渔父》

鸟飞反故乡兮，狐死必首丘。——《楚辞·九章》

吾不能变心而从俗兮，固将愁苦而终穷。——《楚辞·涉江》

尺有所短，寸有所长；物有所不足，智有所不明。——《卜居》

变白以为黑兮，倒上以为下；凤凰在笯兮，鸡鹜翔舞。——《九歌·少司命》

其曲弥高，其和弥寡。——《楚辞·宋玉对楚王问》

朝饮木兰之坠露兮，夕餐秋菊之落英。——《楚辞·离骚》

　屈原作品的艺术风格是什么诗经强调其现实主义,分风雅颂三部分,通过赋比兴手法的运用,反映劳动人民的生活、男女爱情和反抗压迫;

　楚辞在于其浪漫主义和反抗精神,屈原的《离骚》塑造了一个忧国忧民的抒情主人公形象。屈原是我国古代第一个有巨大成就的诗人。《楚辞》中收录了他的二十五篇作品，有《离骚》《九歌》《九章》《招魂》《天问》《卜居》《渔父》等。这些诗篇，揭露了统治集团的腐朽和罪恶，表现了作者进步的政治理想，热爱祖国的真挚感情和刚强不屈的斗争精神。屈原的诗歌采用了大量的神话传说，构思奇特，想象丰富，文采华丽，富有浪漫主义精神。屈原在学习民歌的基础上，创造、发展的“楚辞”这一诗歌形式，丰富了诗歌的表现手法，对古代诗歌的发展，有很大的推进作用。

　屈原对后世的影响有两方面：一是他深沉的爱国主义情怀和积极顽强的斗争精神给一切追求光明坚持正义的人士以精神上的鼓励;二是浪漫主义创作方法的自觉运用，“楚辞”的参差灵活的体裁以及“寄情于物”、“托物以讽”的表现方法都极大地影响了后来的散文和诗歌创作。从屈原之后，中国诗歌开始了从集体歌唱到个人独立创作的新时代。《楚辞》作为第一部个人创作的诗歌集，对后世文人心态的确定与赋的形式都有重要影响。它那恢宏瑰丽的锦绣文章，像一缕永恒的精神血脉，穿超千年时空，涌动在代代文人心中。怀才不遇的贾谊、“发愤著书”的司马迁、“不为五斗米折腰”的陶渊明、旷世独立的李白、描摹社会百态的曹雪芹，还有现代的郭沫若，无不受屈原的作品精神的浸润。李白曾吟诗道：“屈平词赋悬日月，楚王台榭空山丘。”

　作为第一个集浪漫主义大成的诗人,屈原一生共创作了二十七篇作品,其中《离骚》最能代表屈原的创作风格。它是我国古代最长的抒情长诗,表达出了作者的政治理想,同样也带有自序的性质。在作者叙述自己生平时,并不是枯燥得陈述一个个事件,而是将其象形化、实体化,例如作者在诗中说自己美好品质时写到“扈江离与薜芷兮,纫秋兰以为佩”,“朝搴毗之木兰兮,夕揽洲之宿莽”,以江蓠、辟芷、兰喻己之品德;在写奸佞时“杂申椒与菌桂兮,岂惟纫夫蕙苣!”以申椒、菌桂喻之;“惟草木之零落兮,恐美人之迟暮。”中以美人喻指君王;“余既滋兰之九畹兮,又树蕙之百亩。”说自己曾经为了实现政治理想,培养了大批人才,“虽萎绝其亦何伤兮,哀众芳之芜秽。”这种形象化的叙述手法比单一的叙述要生动形象得多,对生平的事件的描写也加上了一层浪漫主义色彩。

　抒发对理想世界的追求是浪漫主义最大的特点,作者强烈的感情和丰富的想象力就体现于其中。《离骚》中上下求索的精神是最使读者感动的。诗人在现实生活中遭到失败后,又开始了对重华的陈词,开始了新的上下求索,在诗中写道;“驷玉虬以乘鹭兮,溘埃风余上征。朝发轫于苍梧兮,夕余至乎县圈。欲少留此灵琐兮,日忽忽其将暮。吾令羲和弭节兮,望崦嵫而勿迫。路曼曼其修远兮,吾将上下而求索。

　饮余马于咸池兮,总余辔乎扶桑。折若木以拂日兮,聊逍遥以相羊。前望舒使先驱兮,后飞廉使奔属。鸾皇为余先戒兮,雷师告余以未具。吾令风鸟飞腾兮,继之以日夜。飘风屯其相离兮,帅云霓而来御。纷总总其离合兮,斑陆离其上下。吾令帝阍开关兮。倚阊阖而望予。时暖暖其将罢兮,结幽兰而延伫。世溷浊而不分兮,好蔽美而嫉妒。”下面又接着写“寻女”之失败。在这里,作者把神话中的人物运用于笔下,他饮马咸池,总管扶桑,望舒和飞廉为其座驾,鸾皇、雷师、凤鸟等都供之驱使,神游于天地之间。在这幅神奇的幻想图景中,作者“上下而求索”,这些都是作者为楚王奔走内外,忠贞于国政的体现。

　这就明确地表示了幻想境界正是现实的反映这一情况,也使诗人的追求更富于激烈的感情。浪漫主义的最大特点就是离开现实世界,描写幻想世界,幻想世界又是现实世界的折射。《离骚》里玉鸾为之戒,凤凰在翔,蛟龙在架桥,玉虬在驾车,若木可以拂日,鸩鸟作媒,望舒、飞廉在前后奔走,鸾凰、凤鸟在上下飞腾,一切都在作者的智慧下按照他的意愿活动着,构建成一个神奇变幻的境界,烘云托月般地突现抒情主人公的形象。

　浪漫主义的作品往往还要用夸张的手法来突出描写对象的特征。《离骚》里就事物的本身夸大或夸小手法不多,但是却很能表现事物的本质特点,他说:“亦余心之所善兮,虽九死其犹未悔。”人不能九死,但诗人为了极力表现自己向善之心的永不改变,用“九死其犹未悔”来夸张,突出诗人的坚定不移的信念。《离骚》里的夸张多用在对某些象征性事物的重复性描写上。如为了表示诗人的品行高洁,诗人用他佩带香花芳草来表现,但这些香花芳草的种类之多就是夸张,说他“揽木根以结兮,贯薛荔之落蕊。矫菌桂以纫蕙兮,索胡绳之{{”, “制芰荷以为衣兮,集芙蓉以为裳。……高余冠之岌岌兮,长余佩之陆离”,这种反复的夸张,突出地表现了诗人的高洁的道德品质。

　我们在指出《离骚》的浪漫主义手法的时候,还要再次澄清,屈原的浪漫主义是以现实生活为基础的。它揭露了现实的黑暗和污浊,揭示了真、善、美与假、恶、丑之间的斗争,并且不加粉饰地展示了光明战胜黑暗的前景,激起人们向往光明,向往美好,唤起人们对黑暗现实的反叛情绪。因此,屈原的浪漫主义精神是积极的,健康的,培养了我国人民高尚纯洁的品格和爱国主义的优良传统

　综上,我们可以看出屈原作品中的浪漫主义主要特色便是旖旎多变的幻想,这种幻想大量出现在其作品中,成为了屈原表达自己爱国情感、抒发愤懑等多种矛盾心理的主要工具,而在这些幻想中运用了比喻、暗示、夸张等艺术表现手法,让这个幻想的世界显得更加五彩缤纷、色彩绚丽,也使所表达的感情具象化,更能让作者的情感力量渲染读者。

　爱国名人屈原的故事及相关作品介绍

　屈原所在的时期正是中国即将实现大一统的前夕，“横则秦帝，纵则楚王。”屈原因出身贵族，又明于治乱，娴于辞令，故而早年深受楚怀王的宠信，位为左徒、三闾大夫。他为实现楚国的统一大业，对内积极辅佐怀王变法图强，对外坚决主张联齐抗秦，使楚国一度出现了一个国富兵强、威震诸侯的局面。但是由于在内政外交上屈原与楚国腐朽贵族集团发生了尖锐的矛盾，由于上官大夫等人的嫉妒，屈原后来遭到群小的诬陷和楚怀王的疏远，最终被逐出郢都，到了汉北。顷襄王二十一年，秦将白起攻破郢都，几起几落的屈原悲愤难捱，遂自沉汨罗江，以身殉了自己的政治理想。屈原在20多年的流放生活中，始终关心着楚国的命运，陆续地写出了《离骚》、《天问》、《招魂》、《哀郢》等诗篇，表白了自己不愿与黑暗腐朽的势力同流合污的立场和决心。

　其中，高中课文《屈原列传》、《离骚》、《湘夫人》等，都说到屈原。

　一、原文再现

　屈平疾王听之不聪也，谗谄之蔽明也，邪曲之害公也，方正之不容也，故忧愁幽思而作《离骚》。“离骚”者，犹离忧也。夫天者，人之始也；父母者，人之本也。人穷则反本，故劳苦倦极，未尝不呼天也；疾痛惨怛，未尝不呼父母也。屈平正道直行，竭忠尽智，以事其君，谗人间之，可谓穷矣。信而见疑，忠而被谤，能无怨乎？屈平之作《离骚》，盖自怨生也。上称帝喾，下道齐桓，中述汤、武，以刺世事。明道德之广崇，治乱之条贯，靡不毕见。其文约，其辞微，其志洁，其行廉。其称文小而其指极大，举类迩而见义远。其志洁，故其称物芳；其行廉，故死而不容。自疏濯淖污泥之中，蝉蜕于浊秽，以浮游尘埃之外，不获世之滋垢，皭然泥而不滓者也。推此志也，虽与日月争光可也。——《屈原列传》

　二、素材评析

　在屈原的作品《涉江》一诗中他自己写到：“吾与重华游兮瑶之圃，登昆仑兮食玉英。与天地兮同寿，与日月兮齐光。”这是屈原受到奸臣谗陷，被楚王流放时，在愤激之下而写的'。正如司马迁所说：“信而见疑，忠而被谤，能无怨乎？”所以作诗《离骚》泄愤。但是，屈原的高洁之处，在于他无论遭受什么样的打击与谄害，但他总是执著地坚持自己的操守，所以司马迁赞美到：“推此志也，虽与日月争光可也。”

　三、适用话题

　适用“肩膀”、“位置与价值”、“我想握住你的手”、“感情亲疏与对事物的认知”、“责任”、“理想”、“执著”等等。

　屈原《离骚》作品鉴赏

　内容思想

　《离骚》可分为前后两部分，即自“帝高阳之苗裔兮”，至“岂余心之可惩”，为前一部分；从“女嬃之婵嫒兮”，至“吾将从彭咸之所居”，为后一部分。

　前一部分描写屈原对以往生活经历的回顾。叙述屈原出身于与楚王同姓的贵族家庭及其生辰名字；描写他自幼就努力自修美德、锻炼才能，并决心报效楚国的愿望；描写他激励引导楚王“及前王之踵武”，使楚国富强的理想，和辅助楚王进行政治改革的斗争；然而由于屈原的政治理想和改革的实践触犯了腐朽的贵族集团的既得利益，因而招致了他们的重重迫害和打击，X谤和诬蔑漫天而来，而楚王也听信谗言，疏远和放逐了屈原；就在此时，屈原为实现理想而精心培植的人才也纷纷变质，使屈原的处境极为孤立；在此情况下，屈原看到自己的理想无法实现，“民生之多艰”，而祖国陷入“路幽昧以险隘”的岌岌可危的境地，使爱国爱民的屈原陷入极度的痛苦之中；屈原满怀愤怒地揭露了楚王反复无常，不辨忠奸，昏庸无能的作为；同时揭露腐朽的贵族集团贪婪嫉妒，苟且偷安，背法妄行，结党营私，把祖国引向危亡的罪恶；描写了屈原不向反动势力屈服的斗争精神。

　后一部分主要描写屈原对未来道路和真理的探索与追求。首先，女嬃劝他接受历史的教训，不要“博謇好修”，而要明哲保身；但是屈原通过向重华陈辞，分析了古往今来的史实，否定了女嬃建议；于是屈原开始了“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”的追求理想的历程。首先，他上叩“天阍”，却遭到冷遇；接着，诗人下求佚女宓妃、有娀氏女和有虞之二姚，以便上通天帝，然而均都落空，这象征性地说明了争取楚王已经毫无希望了；于是屈原去找神巫灵氛占卜，灵氛劝他去国远游；诗人犹豫不决，又去找巫咸问策，巫咸则劝其暂留楚国待明君而行；在矛盾的建议中，诗人分析了国内政情，觉得不能久留于黑暗无望的楚国，决定离楚远行；但是，远行的想法又与屈原爱国的衷情发生矛盾，所以在他升天远行时，忽然看到了楚国大地，“仆夫悲余马怀兮，蜷局顾而不行”，形象地否定了离楚的道路，最后诗人决心“从彭咸之所居”，用死来殉其“美政”的理想。

　全诗的主题思想，即通过诗人为崇高理想而奋斗终生的描写，强烈地抒发了他遭谗被害的苦闷和矛盾的心情，表现了他为国献身的精神，和与国家同休戚、共存亡的深挚的爱国主义和同情人民的感情，表现了诗人勇于追求真理和光明，坚持正义和理想的不屈不挠的斗争精神。同时也深刻地揭露了以楚君为首的楚国贵族集团腐朽黑暗的本质，抨击他们颠倒是非，结党营私，谗害贤能，邪恶误国的罪行。

　人物形象

　屈原在《离骚》中，成功地塑造了中国文学史上第一个形象丰满、个性鲜明的抒情主人公的形象，体现了屈原的伟大思想和崇高的人格。

　首先，这是一位杰出政治家的形象。他有明确的“美政”思想，这与屈原改革弊政，联齐抗秦的政治主张是一致的。其最终目的是要“及前王之踵武”，使历史上曾兴旺发达的“三王”政绩发扬光大。亦即由楚国统一天下，使百姓安居乐业。“美政”思想的实质是要巩固楚王的统治，它充满了儒家美好政治的色彩，体现了儒家“民本思想”的要求，屈原不但有美政理想，也有实现它的具体办法。其中最主要的就是，“君明臣贤”。要有好的国君，还要有忠于国君并且有才干的大臣加以辅佐，君臣和谐才能成功。因而他歌颂“汤禹严而求合兮，挚咎繇而能调。”他极力主张选贤任能，赞美古代贤君“举贤而授能”，称颂“说操筑于傅岩兮，武丁用而不疑。吕望之鼓刀今，遭周文而得举。宁戚之讴歌兮，齐桓闻以该辅。”同时他还主张废斥群小，这也是实现“美政”的重要保证。他在诗中极力揭露群小的罪恶，正是出于这种想法。他还主张“循绳墨而不颇”，强调以法度治国。他为此奋斗终生，充分显示了这一形象的政治家风度。

　这一形象还体现了诗人勇于同黑暗腐朽势力作斗争的精神。诗人清楚地知道，楚国的不幸命运，以及诗人自己的不幸遭遇正是楚廷群小造成的。诗人对之极为愤恨，因而不遗余力地反复加以揭露和抨击，斥责他们“好蔽美而称恶”，竞进贪婪，嫉妒成性，朋比为奸，随波逐流，黑白颠倒。诗人还揭露了楚君的过失，说他反复无常，荒唐糊涂，宠信奸臣，疏远忠良，善恶不辨，致使诗人的“美政”理想落了空。显示了诗人同黑暗势力的勇敢斗争精神。

　这一形象也是追求光明和真理的美好形象，体现了诗人坚持正义的刚毅不屈的伟大精神。他坚信真理和正义的存在，虽然“路漫漫其修远兮”，但他始终是“上下而求索”。他非常清楚地知道，他的高洁的品格，他的超群拔俗的崇高理想，都“不同于今之人”，因而招致“谣诼”X谤，遭受种种迫害打击。在这种情况下，连他亲近的人都劝其随俗浮沉，不要“博謇好修”。可是，诗人却在诗中反复申明他决不能随波逐流的态度。在打击和迫害面前决不动摇，岿然如山，坚强不屈。诗中描写屈原三次求女嬃虽然失败了，但他仍然不懈地探索真理，寻求志同道合者，这种对光明和真理的追求与热爱的精神，正是他终生奋斗的力量源泉。这种精神对后世的影响也是极深远的。

　诗人还通过这一形象，描绘了诗人自己思想感情的波澜，诗人把自己描绘成浑身披覆着香花和美玉的洁身好修，幽美芳香，妩媚奇特的超人，用来象征其纯洁高尚的内在美质。屈原内在美质的表现，最感人的就是他那强烈而真挚的爱国主义精神。诗人自幼就立下为国尽忠的理想，他为此自修美德和才能，祖国被“党人之偷乐”搞得“路幽昧以险隘”，他为之而伤心，他一再表白“岂余身之惮殃兮，恐皇舆之败绩”，他为祖国的前途而忧心忡忡。他被群小打击迫害而离开了政治舞台，但他始终关心国家的前途和命运，他虽然为自己不幸的命运而痛苦忧伤，但他更关心的是国家和君王，他始终系心怀王，不忘楚国。在当时的历史条件下，凭着屈原的杰出才能，他投奔别国也许会成为将相高官，但它否定了一切离楚远游的想法，非常形象，非常真挚地表现了屈原那强烈的爱国主义精神。

　参差不齐的句子形式

　《离骚》吸取楚地民歌的语言特点，打破了《诗经》的四言句式，把句式加长，扩大了诗歌的容量。屈原不仅采用灵活变化的民歌句法，又在此基础上吸收了战国时散文的句法，在作品中使用了“路漫漫”、“长太息”等，从而创造了一种节奏分明而参差错落的杂言句式。《离骚》中出现了不少“言对”，即工巧的对偶：“朝饮木兰之坠露兮，夕餐秋菊之落英”、“制芰荷以为衣兮，集芙蓉以为裳”；还出现了一些“事对”，就是上下句所用的典故相对：“吕望之鼓刀兮，遭周文而得举。宁戚之讴歌兮，齐桓闻以该辅。”但是这类句子在屈原作品中仅占少数，参差错落的句子占着绝对的优势。从节奏效果看，《诗经》倾向于整齐匀称，屈原的作品倾向于参差错落。一般来说，《诗经》中的诗以四字句为典型句式，句中是二二节奏；《离骚》的典型句是五、六字句，句中常常是三三或三二节奏。“四言简质，句短而调未舒；七言浮靡，文繁而调易杂”。《离骚》既非四言，也非七言，而是句式灵活多变的自由体，“折繁简之衷，居文质之要”，语言节奏自有独到的妙处。交叉使用五字句、六字句、七字句、九字句，通过字数的增加与减少，有意造成跌宕起伏的语言节奏，形成《离骚》特殊的语言节奏美。

　错落变化的句子结构

　《离骚》与《诗经》的区别在于，当上下两句有可能形成对偶的时候，《离骚》有意识地变换词语的结构形式，使之具有错落之美，如“驾八龙之蜿蜿兮，载云旗之委蛇”、“揽茹蕙以掩涕兮，沾余襟之浪浪”。“蜿蜿”与“委蛇”是叠音词与连绵词相对，“掩涕”与“浪浪”是词组与叠音词相对，对应的词语或词组结构发生变化，是为了使语言形式发生变化，从而形成诗歌语言的节奏变化。《离骚》“乎”和“于”的用法，很能说明屈原有意追求错落的特点。“《离骚》语法，凡二句中连用介词‘于’‘乎’时，必上句用‘于’，下句用‘乎’，‘朝发轫于苍梧兮，夕余至乎县圃’、‘饮余马于咸池兮，总余辔乎扶桑’、‘夕归次于穷石兮，朝濯发乎洧盘’……胥其例也。”

　《离骚》大量使用双音实义二字结构，大量使用连绵词：耿介、謇謇、冉冉、郁邑、岌岌、菲菲、歔欷、逍遥、相羊、周流、啾啾，等等。双声、叠韵、重言，错杂相间，极大地丰富了诗歌的节奏感和音调美。

　“兮”字的普遍使用

　“兮”字在屈原的作品中具有极为重要的作用，《离骚》中即普遍使用。“兮”字并非《楚辞》所独有，在北方文学中也较早地、大量地使用，“十五国风”中除《秦风》外，十四国风中都有“兮”字出现，而且多达236次。《诗经》中的“兮”字一般是用在句末，如“巧笑倩兮”、“美目盼兮”，是“兮”字的典型句式；还有用在句中的句子，如“宽兮绰兮”、“伯兮朅兮”，但是这样的用法相对来说只占少数。到屈原的作品，“兮”字用得更为广泛，而且有比较严格的规律性，用“兮”虽然不是屈原作品的特长，但是用得奇特、富有创造性并因此成为屈原作品语言形式的一个突出特点，是屈原划时代的创造。从《离骚》来看，两句用一“兮”字，用在奇句末尾，这种用法对调整诗歌节奏起着很大作用。“兮”本来是个语助词，许慎说：“兮，语所稽也”，段玉裁说：“语于此而少驻也，此与‘哉，言之间也’相似”。从屈原作品使用的情况看，“兮”都是语气助词，如果译成现代汉语，相当于语气词“呵”。郭沫若、闻一多认为“呵”是“兮”字的本音。1973年长沙马王堆汉墓出土的帛书《老子》，凡今本《老子》的“兮”都写作“呵”，证明郭、闻二位先生的推断是有根据的。如此“兮”字的作用主要是强化情感、延长音节、调整节奏，增强诗歌语言的音乐美。

　艺术特色

　深深植根于现实盼积极浪漫主义

　中国文学观实主义和浪漫主义这两种创作方法源远流长，现实主义导源于《诗经》，浪漫主义导源于《楚辞》。《离骚》的浪漫主义表现在两个方面。第一是强烈的浪漫主义精神。《离骚》展现了作者爱国主义的崇高理想和为实现这种理想而百折不挠的斗争精神。他殷切希望楚国能实行修明法度、举贤授能的“美政”，再现尧舜禹汤文武和三后那样的自己心目中的盛世，所以他极力赞颂道：“彼尧舜之耿介兮，既遵道而得路”，“汤禹俨而祗敬兮，周论道而莫差”，“昔三后之纯粹兮，固众芳之所在”。他为了理想，坚持不懈，上下求索，九死未悔。第二是大量的浪漫主义手法。作者插上幻想的翅膀，尽情驰骋，这在诗的第二、三两大段里有充分的表现。如上款帝阍一节，诗人幻想在太空中翱翔，早晨从南方的苍梧山出发，傍晚便到了西北昆仑山上的悬圃。他在太阳洗澡的咸池给马喂水，在太阳升起的扶桑树下总辔启行。月神、风神、雷师、凤鸟、飘风、云霓一大群神物前呼后拥。神游西天一节，写他驾飞龙、鸣玉鸾，从天津启程，取道昆仑，渡赤水，过流沙，经不周，到西海。想象丰富奇特，境界恍惚迷离，场面宏伟壮丽。

　比兴手法的运用

　《离骚》继承并发展了《诗经》的比兴传统。其具体表现为：在广度上，它较多地应用比喻，构成庞大的比兴系统；在深度上，较之《诗经》更为注意比兴中“此物”与“彼物”的内在联系，用作比喻的事物与全篇所表达的内容统一，富有象征性。如诗中用“美人”喻指楚怀王，用“众芳”喻指群贤，用“椒、桂、蕙、茝”四种植物喻群贤，用香草“荃”喻楚怀王等等，把比兴与表现的内容合而为一，使诗中的意名胜具有了象征意义。

　对比手法的运用

　屈原在其诗篇中，以远古的尧、舜贤君的“耿介”、“既遵道而得路”与桀、纣暴君的“猖披”、“夫唯捷径以窘步”相对照，用以劝谏楚王要走正确的治国之路。又以“恐年岁之不吾与”和“惟夫党人之偷乐兮”相对照，使自己的热心为国与小人的苟且偷安形成鲜明对比。

　抒情中有故事情节的叙述

　抒情诗一般没有故事情节。《离骚》是一首长篇政治抒情诗，抒发其忠而被疏的愤懑之情。但是诗中的前一部分里叙述了自己的家世、出生和被疏的事实，后两部分里更虚构了女嬃詈原、陈辞于舜，上款帝阍、历访神妃，灵氛占卜、巫咸降神、神游西天等一系列幻境，使这首抒情诗具有了故事情节的成分。看来似乎山穷水尽，眨眼又是一番新的景象，波澜起伏，百转千回，从而把叙事诗和抒情诗融为一炉。

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　　浪漫主义时期的钢琴音乐创作与演奏

　　摘要：虽然浪漫主义时期的舒伯特、舒曼、肖邦、李斯特、门德尔松等作曲家的创作侧重点不尽相同，但他们作品中所体现的浪漫主义精神、典型的创作手法却具有某种共同性，充分地体现了浪漫主义音乐的总体风格。这一时期钢琴演奏技巧发展与作曲技术改进之间相辅相成、互为要求，形成了钢琴音乐艺术发展的最大动力。充斥在浪漫主义时期的技术为上的风尚也产生过很大的负面影响，但从钢琴艺术历史演进看，技术因素的强化，却促使钢琴制造者对近代钢琴从多方面不断地改进，为后来钢琴音乐表现的飞跃奠定了基础

　　随着西方音乐史上浪漫乐派的形成，钢琴音乐也

　　进入了其鼎盛的发展时期。影响钢琴艺术发展的因素

　　来自不同的方面，首先是乐器制作工艺获得了较大改

　　进，制作技术越来越规范，并逐渐趋于完善。从"# 世

　　纪初开始，各国钢琴制造家对近代槌击钢琴进行了重

　　要改进，如以铸铁张弦支架替换了原来的木质支架，

　　机件变为复式杠杆装置，槌头上包裹的凫皮由绒毡所

　　取代，琴弦加长并交叉排列，音域也扩大到七个半八

　　度等等，致使钢琴音乐的表现力大大提高和加强。并

　　且涌现出了大批专门制造音乐会演奏用琴的钢琴制

　　造商，如格拉夫、施特顿希尔、布罗德伍德、伯森多幅、

　　普莱耶尔、埃拉尔、斯坦威等，致使欧洲人的音乐生活

　　中，钢琴的地位日益见长，独奏音乐会频繁举行，社会

　　文化生活中，对钢琴人才的需求也与日俱增，因而，涌

　　现出了大量的以钢琴演奏为生的艺术家，成为浪漫主

　　义音乐发展的一大亮点。除此之外，这一时期的钢琴

　　演奏技术也得到迅速提高和发展，并逐渐形成了以炫

　　技为导向的多种演奏风格派别，预示着$% 世纪以此

　　为特性的演奏流派纷呈局面的到来。

　　从文化思想发展史来看，浪漫主义风潮形成于法

　　国大革命后，复辟与反复辟长期较量的这一动荡变乱

　　的紧张岁月中，它所力求表达的是躁动不安的个人主

　　观感情，所创造的艺术形象是感情热烈、桀骜不驯的，

　　其中心精神理念是情感至上。虽然这一时期，每一位

　　作曲家的创作侧重点不尽相同，但他们作品中所能体

　　现出的浪漫主义情怀、典型的创作手法却有其共同

　　性，充分体现了浪漫主义音乐艺术的总体风格。

　　崇尚浪漫主义理念的音乐家们，非常注重塑造具

　　有个性的音乐形象，张扬个性成为一种时尚。就浪漫

　　主义音乐作品中的诸多音乐技术环节而言，虽说抒情

　　性是其钢琴音乐创作的一个重要特征，但最明显的创

　　作建树却是在和声变化与音响色彩布局的追求上。譬

　　如，变化音和声、近关系转调、复杂化和弦运用等等，

　　其目的是力图模糊大小调体系的调性轮廓，是和声进

　　行变成了一种表现的工具，而不仅仅是音乐结构的组

　　成部份。在作品体裁上，最突出的现象是钢琴小品成

　　为浪漫派作曲家抒发情感、捕捉瞬间情绪体验最拿手

　　的表现形式，是"# 世纪最富有特性的音乐体裁之

　　一。

　　浪漫主义作曲家把大量的精力都投放到了对钢

　　琴音乐潜力的挖掘上，极大地提高了钢琴音乐的表现

　　力。这一时期钢琴音乐的真正奠基人是奥地利作曲家

　　舒伯特，他的作品深受其艺术歌曲的影响，不仅表现

　　在旋律的纯声乐性上，而且在钢琴音乐的情感内容

　　及主题形象上都与其艺术歌曲相关联。如同人们所

　　说：“舒伯特的艺术歌曲使诗变成音乐，他的钢琴曲

　　又使音乐变成诗。而他用以表现钢琴音乐诗性的一

　　个重要手法就是运用大小调交替的调式和频繁变换

　　的调性。”# $ %整体来看，舒伯特的钢琴作品可分为两大

　　类：奏鸣曲和小品。其钢琴奏鸣曲虽继承了维也纳古

　　典乐派的传统，但更具有抒情性，充满着幻想与诗意

　　的浪漫主义气息。其钢琴小品，即八首即兴曲和瞬间

　　音乐，则充分展现了舒伯特旋律、和声色彩变化方面

　　的才华，并成为后世浪漫派音乐家创作钢琴小品的

　　楷模，开创了钢琴音乐创作的新领域。

　　受舒伯特影响最深，并直接从其作品精神中得

　　益的是门德尔松。门德尔松的&’ 首《无词歌》在世界

　　钢琴文献中都占有重要地位。从这些作品中，反映出

　　的是门德尔松钢琴音乐的室内性风格特点，旋律优

　　雅流畅，和声质朴纯真，从不追求浮华的炫技效果，

　　也少有深刻的戏剧性和激动人心的内心表白，整体

　　上以音乐语言的谐和均衡、清新淡雅见长，其中那些

　　富于歌唱性旋律的作品给人的印象最深。

　　真正让钢琴音乐燃烧着浪漫主义热情，洋溢着

　　兴奋激昂情绪的是德国作曲家舒曼。由于早年与其

　　师之女克拉拉之间恋爱的失败，加之对当时音乐界

　　陈腐、保守、庸俗的市侩风气的不满，使他形成了易

　　于沉思幻想和激动热情的双重性格，切几乎贯穿在

　　他所有的钢琴音乐中。可以说，舒曼大多数的钢琴作

　　品都是他前半生内心生活的写照，带有某种自传的

　　性质。舒曼在标题性的套曲形式上有较大创造，他是

　　第一个将独立的钢琴小品贯穿成不可分割的艺术整

　　体———套曲的作曲家，代表作有《狂欢节》、《蝴蝶》

　　等。他的钢琴音乐作品中的“标题性”提示，往往是通

　　过内容的进行，用来更深刻地表现细致入微的情感

　　体验的重要手段。折射出的是音乐中的诗意和文学

　　意味，而不是简单地运用情节性的标题进行提示，

　　《童年情景》中的“标题性”提示几乎就具有这样的意

　　义。

　　被誉为“钢琴诗人”的波兰作曲家、钢琴家肖邦，

　　把他的全部生涯都奉献给了钢琴创作，这在钢琴音

　　乐史上是独一无二的。他创造了典型的浪漫主义的

　　钢琴音乐语言，他对新的音响色彩的探索开辟了新

　　的音乐表现天地，创作中大量半音的运用动摇了由

　　维也纳古典乐派确立的自然音调性体系，而拿波里

　　六和弦、属七、减七、属九和弦的层出不穷使用，则大

　　大地强化了和声色彩的功能。不仅如此，他还对旋

　　律、织体、装饰音等各方面进行革新，以利于音乐表现

　　的需要。肖邦的钢琴作品所涉猎的体裁范围无人能

　　及，玛祖卡、叙事曲、谐谑曲、奏鸣曲、夜曲、圆舞曲、练

　　习曲、回旋曲、协奏曲、前奏曲等，从不同的侧边真实

　　地记载了作曲家由祖国命运危机、社会环境变迁和个

　　人经历的波折，所引发的一系列复杂的情感体验。除

　　了浪漫主义激情外，他的创作和演奏风格中还保留着

　　一种含蓄内在、均衡典雅的古典精神气质。

　　如果说肖邦发掘了钢琴内在的表现潜力，那么与

　　其同时代的匈牙利作曲家、钢琴家李斯特则弘扬了钢

　　琴艺术的外在表现力。其钢琴演奏风格直接继承和

　　发展了克列门蒂、贝多芬的动力性风格，技术辉煌，激

　　情四溢，在钢琴上追求宏伟的交响性音响。他的钢琴

　　作品大都是外向性的，音乐感情炽热，旋律带有朗诵

　　调性质，不少作品冠以与文学、绘画、雕塑有关的标

　　题。而他对于大量半音、增减和弦，甚至是全音音阶

　　的运用，更是成为了印象主义风格的先声。除此之

　　外，李斯特还在《( 小调奏鸣曲》中成功地运用了“主

　　题变奏”的手法，使音乐本身的展开更富有逻辑性。

　　正当李斯特在浪漫主义的潮流中推波助澜时，出

　　现了一位要恢复古典主义精神和传统的反潮流人物

　　———勃拉姆斯。秉承德奥文化气质的勃拉姆斯，其音

　　乐创造较之同时代人的要深刻严肃、富于理性。在他

　　的某些作品中，特别是最后几年的创作，有一种个人

　　精神倾诉的趋向，可看作马勒音乐创作的先行。某些

　　地方如同肖邦一样，他把自己的感情深深地隐藏在抽

　　象的标题背后，与同时代音乐风尚相比，勃拉姆斯对

　　于赋格曲、奏鸣曲、变奏曲等古典形式所具有的兴趣

　　要强烈得多。他的演奏风格是厚实的，他是继贝多芬

　　之后$) 世纪最重要的键盘作曲家。他的音乐有着德

　　国北部的严肃性，充满了技巧上的困难。

　　上述我们所介绍的作曲家基本上也都是本时期

　　优秀的钢琴演奏家，这是这一时期音乐发展的一大特

　　点。钢琴演奏技巧发展与作曲技术改进之间相辅相

　　成、互为要求，形成了钢琴音乐艺术发展的最大动

　　力。其实，早在$) 世纪头+ 年就已表现出钢琴家对

　　于演奏技巧训练的重视，如克拉莫、胡梅尔、费尔德、

　　车尔尼、莫舍列斯等，他们仿效,·-··巴赫建立

　　键盘演奏理论体系的做法，纷纷编写各种类型的练习

　　曲，试图建立各自演奏技术训练的体系，致使钢琴演

　　奏技术训练开始走向规范化的道路。

　　应该说李斯特是钢琴演奏史上的重量级人物，过

　　去，除了贝多芬，所有的钢琴家都是双手紧贴键盘进

　　行弹奏，而李斯特一反常规，把手臂高高举起，头发往

　　后一甩，使钢琴发出了巨大的轰鸣，迸发出兴奋的感

　　情色彩。而他早年受小提琴演奏家帕格尼尼启发，推

　　出的大量的双音、八度音阶、大跳八度和弦、快速轮

　　指、滑奏等高难度技术，使得钢琴获得了前所未有的

　　风驰电掣般的音响效果。但李斯特对演奏时力量的控

　　制也是很有讲究的，如同哈莱写到的一样：“他在演奏

　　时显示出的力量是我从来未听见过的，但既不显得粗

　　糙，又不是过度响亮。”# $ %他的这一做法，极大地影响

　　了当时整个欧洲钢琴界的演奏风格，涌现出了诸如

　　“琶音大师”泰尔伯格、“八度大王”德雷肖克等炫技演

　　奏家，他们的炫技作品也如雨后春笋般地层出不穷。

　　另外，李斯特根据交响曲、管风琴曲、歌剧片断和流行

　　歌曲所作的集大成般的“释意演奏”# " %，一方面显示了

　　钢琴这件万能乐器的神奇魔力，另一方面则体现了李

　　斯特对原作品和钢琴音响极强的领悟力。就像门德尔

　　松所描述的那样：“我从来未见过任何一个像他那样

　　连指尖都流露出音乐感悟力的演奏者。”# & %

　　’(")—’() 年间，占主流的是炫技大师和沙龙

　　钢琴家，但其中也存在着一小群与之相抗衡的钢琴

　　家。他们反对哗众取宠的炫技，认为这只会使钢琴演

　　奏艺术走上死胡同，其中就有肖邦、门德尔松、克拉

　　拉+舒曼等。

　　肖邦是继莫扎特之后又一位追求典雅风格和高

　　尚趣味的钢琴演奏家。他的手指触键技术极其精湛，

　　对于音乐的细腻变化、踏板的色彩性运用、弱音区声

　　音的探索和钢琴内在表现力的发掘都达到了前所未

　　有的高度。他的演奏方法中最有特征性的是散板节

　　奏，那里面含有精妙的韵律摆动，洋溢着绝对的情感

　　表现，其创作、演奏中的诗意追求由此而体现。而门德

　　尔松则是伟大艺术作品的宣传者，他从不演奏五花八

　　门的炫技乐曲，只是演奏先辈和同辈大师的杰作。作

　　曲家舒曼的妻子克拉拉·舒曼也为钢琴演奏艺术做

　　出了杰出的贡献，她不仅演奏她丈夫的大量作品，而

　　且广泛宣传巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、勃拉姆斯等

　　大师的杰作，其演奏风格一反当时流行的炫技、做作

　　和夸张，在音乐表现追求上显示出理性的节制和高雅

　　的趣味。

　　随着浪漫主义音乐的发展，以炫技大师为代表的

　　钢琴家与以伟大艺术品的宣传者为代表的钢琴家之

　　间逐渐出现分野。曾经辉煌一时的炫技大师们，落得

　　了一个演奏艺术价值不高的尴尬境地，但如果站在历

　　史的角度上辩证地来看，他们并非是无所作为的，最

　　起码对于提高钢琴艺术地位，促进钢琴技术进步，其

　　贡献仍可说是巨大的。

　　不过，充斥在浪漫主义时期的技术为上的风尚也

　　产生过很大的负面影响，由于过份强调发展演奏技

　　术，并急于求成，也贻误了许多年少的学琴者。譬如，

　　当时曾风行过一套用于辅助手指训练的方法，狂热的

　　舒曼就因此而练废了手指头。不可否认，这个时代由

　　于过多地着眼于钢琴演奏技巧，在演奏观念上显露出

　　了对于炫耀技巧的广泛兴趣，从而挤兑和降低了对于

　　音乐作品的内在艺术质量的追求，使得钢琴艺术的发

　　展充满着浮燥的气息。艺术评价急功近利，过分强调

　　钢琴演奏技术进步，的确是这个时代的不足，我们应

　　该清晰地看到这一点。但是，从钢琴艺术历史演进来

　　看，这种对技术因素的强化，却酝酿了钢琴演奏史上

　　的一个转折性变化，促使钢琴制造者对近代钢琴从多

　　方面不断地改进，为后来钢琴音乐表现的飞跃奠定了

　　基础。

　　艺术和技术之间从来都是相辅相成的，好的艺术

　　需要良好的技术作支撑，反之，好的技术又会对艺术

　　表现提出新的要求。浪漫主义作为人类音乐历史的一

　　个断面，作为钢琴艺术发展的一个阶段，自有其辉煌

　　的一面，也有其不足的地方，只有从整体上对其进行

　　全面观察，才可能对浪漫主义钢琴艺术发展有一个较

　　为客观的认识和评价，也才可能更准确地看到浪漫主

　　义钢琴音乐的历史性贡献之所在。

　　参考文献：

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　　贝多芬、肖邦、李斯特、舒曼:人们可能说本专辑收录的这四位作曲家作品，正是阿劳音乐里的四大基石。可是立即又马上会有许多其它作曲家的名字浮上来，例如舒伯特和莫扎特……等。总之，阿劳确实是个兴趣广博和感悟力强的钢琴家。这样广的音乐涉猎，多少让乐评家分析起来觉得头痛，可是一个客观判断的耳朵还是可以区分出不同作曲家在阿劳艺术中的不同份量。

　　贝多芬在阿劳的演奏曲目中占有特别的一席之地。我从一九五零年代中期就开始听阿劳的演奏会，我不认为他有任何一场音乐会让这位作曲巨匠缺席。我用「巨匠」一词是别有深意的，因为这正是阿劳用来形容贝多芬的用语，他认为没有任何其它音乐家能与贝多芬等量齐观。贝多芬象征看人类的抗争与超脱，代表不断「重生」与「新生」。阿劳在他的《华德斯坦》奏鸣曲中所想表达的正是这些涵意。拉丁国家人们称呼这部奏鸣曲为「破晓」(L’Aurore)，但这个「破晓」并非代表一日之晨，而是一整年的起始。阿劳曾一再重复说明老克莱巴如何找到这部作曲的正确涵意:根据1967年12月号《钢琴》(Clavier)杂志上艾尔德(Dean Elder)的记载，阿劳说:「E克莱巴告诉我，这部作品所描写就像春日开始之际，大自然苏醒之时。演奏时必须宛如不经意地踏下踏辫，弹奏得愈轻愈好。第一乐章起首部份也得弹奏得像春草嫩芽钻出大地…老实说，我们平常听到的演奏基本上都是错误的。」

　　在阿劳眼中，「平常人演奏的第一乐章比正确速度快了三倍」。说实在，阿劳演奏的这个乐章确实是个大惊奇，他的速度比一般人沉稳(比贝多芬学生彻尔尼所建议的速度还慢)，在乐曲开始处也显得极富神秘感。另一个特色是速度充满弹性，但并不是说采取夸大的对比，而E大调段落强烈呈现出演奏者个人的意念倾向。不管什么情况下，阿劳都力主钢琴家应该自行安排贝多芬作品中的脉动感，所持证据得自贝多芬同时期人物所留下的蛛丝马迹。另一方面他以钢琴家的角度来看，认为每个乐章确实都有戏剧性的成份在。

　　从序奏到终乐章轮旋曲，阿劳认为这是贝多芬作品中最深刻的一部，并用演奏来证明自己的论点。贝多芬对此曲动态对比的标注极其大幅度，阿劳不回避用言语解说他的认知:「就像太空漫游一样」。阿劳深信，诠释音乐的依据得自对乐谱细节的深度理解，这是诠释音乐的出发点，但很多钢琴家都只停留在观察乐曲表面的层次，这就是为什么我们时常听到人们抱怨青年音乐家的演奏总是听来一个样儿。

　　如果要我挑这段轮回曲最值得赞许的一段，我会选出一大段「找回家路」(Donald Tovey所说)的乐段(第221-312小节)，这个段落由五个八度音引导出来，双手一起弹奏，暗示一种沮丧绝望的感情。前三个和声是响亮而坚定的，但按着却渐弱下来，最后柔和的结束，这段介于第二大段和轮回曲主题间的音乐，通常并不吸引一般钢琴家兴趣，而阿劳却在此表现出孤独被弃的沧桑感，而只消强调了三个音符。阿劳演奏本曲比布兰德尔足足长了两分钟，看来，阿劳对贝多芬标注的速度似不是那么忠实。

　　阿劳在《皇帝》钢琴协奏曲里也放了很多个人倾向，他没有像皇帝一样威风堂堂，而是和乐团作出融合一气的整体感。值得注意的是，他用了较多的极弱音，表情极其优美而色彩丰富。这并不是录音效果所致。因为即使在现场演奏，阿劳也同样作出这种大幅度感情和韵味。再一次，阿劳带给人们一种熟悉作品的特异诠释。

　　有趣的是，一般人也许没注意，许多优秀的贝多芬演奏者也同时是优秀的李斯特演奏者。您会想到布兰德尔、肯普夫和李希特……没错，这些钢琴家，当然也包括阿劳，他们在李斯特的大量作品上都做出顶尖的表现。阿劳把李斯特的角色与舒曼、萧邦、白辽土、华格纳和拉威尔归在一起，阿劳认为李斯特B小调钢琴奏鸣曲是「史上最伟大的钢琴作品之一」。这是一部「高度集中，没有一个多余音符，没有任何地方是为钢琴技巧表现，一切都是为了戏剧性」(节自 Robert J Silverman所作访谈，The Piano Quarterly冬季号1982-83)。所谓的「戏剧性」是指《浮士德》传奇，这是阿劳对乐谱内涵洞悉后的体认，更有趣的是，其实所有李斯特的弟子都接受李斯特与《浮士德》传奇确有特殊关联的观念。标题音乐被大多数现代乐迷当成是落伍过时的东西，真是令人遗憾!其实这种内部精神联系所带来的逻辑性和特殊情境，对演奏者诠释来说，是非常有用的泉源。在阿劳的诠释观点中，他并非描述葛丽卿(Gretchen，《浮士德》中的女主角)，而是描述「葛丽卿心中的感情世界」。阿劳说:「我不会只描述角色的外表形象」。无庸赘言，阿劳这部作品的诠释可说出类拔粹，快板部份充满动感和震撼性的低音，慢板部份也不显松散，而是贯串着出色节奏韵律和色调。

　　好的贝多芬演奏者可以专长李斯特，但优秀的李斯特演奏者却未必长于肖邦。布兰德尔尽量避免弹肖邦，肯普夫开始弹肖邦作品时显然犯了大忌。李希特则小心处理两位极不同典型钢琴家音乐间的桥梁-音色以及他们对键盘的处理概念。我想，阿劳也是采取这种做法。不过尽管如此，欣赏阿劳的肖邦并不是件简单。Decca本来想在五零年代为阿劳录肖邦作品全集，结果反应恶劣，以致他们不得不取消计划。阿劳早期的肖邦演奏说实在有时真的不算是第一流，1960年阿劳录的F小调幻想曲并没有1977年的飞利浦版(本片收录者)那么出色。1960年版太拐弯抹角，后来的新版本则显得直接得多。

　　在李斯特的作品中，阿劳投以无拘无束的激情，在贝多芬里，无论在乐句中寄以多深的感情，速度方面阿劳仍是保有一定的节制。舒曼则相当不同，他的思想有部份得自霍洛维兹的说法:「舒曼的音乐永远不曾是安静的，就算在最抒情的段落，底下仍是暗潮汹涌。」这里所说的「暗潮汹涌」无疑表现在舒曼《幻想曲》Op17的前两个乐段里，同时也有证据显示出现在最后一段，如果我们仔细审视原谱当可辨识这点。阿劳的演奏颇重视这个暗潮及低音声部，并忠实清晰地表现其内在精神。

　　本片收录的四位作曲家，首先是非常有利于藉彼此差异来观察阿劳的不同风貌。第二个特殊点是，我确信您一定可以发现和其它钢琴家比起来，阿劳的诠释永远独树一格，即便是那些人们最熟悉的曲目。

　　浪漫主义时期的钢琴音乐创作与演奏

众所周知，肖邦的直系前辈不多，他的艺术非常独立，富于自由创新，这在音乐史上也是不多见的，只有有限的几个音乐家具备这样的才能。对他有些影响的是我们现在不太熟悉的胡迈尔、费尔德、杜塞克等人，以及他所推崇的巴赫与莫扎特，尽管他和李斯特过从甚密，但是我们在作品风格中不太容易发现他受李斯特的很大影响，而李斯特却是贝多芬嫡传的一脉。

“平均律钢琴曲集是全音乐的全部和终结”

肖邦如是评价巴赫的这套作品。肖邦在书信集以及同时代人的一些回忆中有散论巴赫的一些言语，我们不妨抄在下面。

伦茨回忆录：

我问大师：“公演之前，您还要不要练琴呢？”肖邦回答：“我所做的准备就是整整两个礼拜闭门不出，只弹巴赫的作品，从来不练自己的曲子。”

缪勒夫人日记 ：

一天上午，肖邦一口气弹了14首巴赫的前奏曲和赋格，我对大师这种非凡的记忆力赞叹不已，他却说：“巴赫的作品怎么能忘呢！”

杜布阿夫人回忆录 ：

肖邦常说：巴赫的作品既是圣经又是哲学，也是取得进步的最好方法，研究

巴赫是职业音乐家发展事业并取得成功的捷径。

马蒂亚斯回忆录 ：

肖邦的每个学生（无论程度如何）都必须练习克莱门蒂的《名手之道》和巴赫的《平均律钢琴曲集》，大师说过：“要想有长进，这是最好的方法。”

德拉克洛瓦日记：

肖邦认为：巴赫的思想使贝多芬受折磨，这种见解使我感到惊奇。

我们试看这封比较重要的回忆：

我们谈起了音乐，这似乎使他感到很高兴。我请他说明，是什么东西使音乐给人以一种逻辑的感觉？他于是给我解释和声与对位，说明在音乐里面，赋格又如何与纯逻辑相适应，并让我了解，精通了“赋格”曲式就能理解音乐里的一切道理与旋律展开的因素。我想，要是我能懂得这些为那班肤浅的音乐家所断 然不懂的东西，我将会多么高兴啊。它使我领会到了一些真正的哲学家在科学中 发现的那种快乐，事情原来是这样的，真正的科学，并不象我们从它字面上所理 解的那样，好象是和艺术相当无关的一部分学问似的。不，它决不是那样的科学 ，根据象肖邦这样的人的看法和见解，它本身就是艺术，但从另一方面来说，艺术也并不象一班普通人所理解的那样，只是一种没来历的空洞的灵感，自己盲目地活动，或者只是表现了一种花花绿绿的东西，事物的外表而已。不，艺术是具有严密哲理，由天才人物所丰富、具有一整套章法，受着高级法则约束的东西。 这里，我再回过头来看看莫扎特与贝多芬之间的区别。正如肖邦对我所说的那样 ，“贝多芬之比较隐晦，看去缺乏统一性之处，倒也并不是如人们所想的那样， 系出于一种粗犷的特性（这原也是人们所羡慕于他一点长处），而是由于他不屑于理会那些永恒性的法则之故”。莫扎特却从来不这样。他的作品每一部分都有它自己的节奏，各部之间虽也很和谐，但却能独自成章，恰到好处。这也就是对位，就是“一点对住一点”的意思所在。他又说，一般都是在对位之前，先学和声，这就是说，先从音符的承续学起，逐渐再学和声。在柏辽兹的音乐里，则是先弄好和声，然后他再去尽可能完美地填充乐程。

肖邦对于巴赫的重视可见一斑，巴赫的平均律曲集是他经常研究的，它在里面吸收了很多结构的技巧，肖邦的大量音乐语汇富于浪漫气息，可是精巧的结构安排几近于古典，这与巴赫不无关联。巴赫非常重视赋格的技巧，写了大量的赋格曲，平均律钢琴曲是几乎所有音乐家的必修，包括贝多芬，贝多芬年幼时便由老师传授巴赫的平均律键盘钢琴曲，这套曲集哺育了很多音乐家。赋格曲式，凡是听古典音乐的应该都比较熟悉。我自己的体会是，赋格简单来说就是在对位的基础上主题的一种发展曲式，但不同与奏鸣曲式，比奏鸣曲式更复杂一些，虽然二者有传承的关系，但赋格很大程度上节奏比较平稳单一，有时候听觉上给人一种枯燥乏味的感觉，也难怪有人说赋格是八股文，奏鸣曲是小说。先不说赋格所表现的内容，赋格曲式却是音乐思维必不可少的，在那个时代，一个音乐家要是没有写出几首像样的赋格，那么会被视为缺乏音乐思维的表现，贝多芬因此年轻的时候被某些论敌借此讥讽过。赋格曲让人着迷的地方就是结构，主题不断地显现，不断地隐去，不断地发展变形，最后回归，形成以比较均衡的调性布局，给人一种非常立体的美感，相比奏鸣曲式确有非常大的优势。因此很多人极其耐心地品尝巴赫这些作品中的结构美，获得比听觉上更深入的享受。肖邦说只有赋格才是音乐中纯粹的逻辑，这话说得并不过分。

肖邦的很多作品肢体脉络都是很精致，即使是一些即兴曲也是这样。他在研究巴赫德音乐中很大程度上获得的是肢体脉络的组织形式，并且把这些形式放在浪漫化的外表上了。肖邦作品的内蕴非常强，恐怕也得益于此，精雕细琢的让人每次品味都有新东西。听肖邦的音乐，五光十色的音色和旋律中有某种东西在控制着，想象力并不是漫无目的地游荡，那些很浪漫的夜曲也是如此，这些和声、色彩、旋律以及那些精灵般的装饰音都在比较平衡的调性上展开，并且很少越过界限。肖邦的音乐思维与巴赫确实很像，但是肖邦却又是独创的。深入肖邦的音乐，会感觉到一种比较高贵的情感，这种情感不具备鼓动性的感官特性，但是却深刻的让人心弦颤动，这是平衡匀称的结构加上特殊的音乐素材带来的独特美感，他的很多作品需要一种宁静的心情去体验，他写的似乎是情感的自白书，每一首作品都似乎是一种终结和遗言，诉说着心底最诚挚的感情，没有情感的嘈杂和不安，只有一种几乎安详的生命体验，这种内容不是贝多芬式的结构能表现出来的。

音乐的逻辑，这一点对于肖邦来说很重要，他探索的途径和贝多芬不一样。对于浪漫派作曲家来说，能否给大量的不断涌现的灵感一种合适的表达方式始终是个问题。古典音乐家一贯构造比较庞大的作品，浪漫派音乐家灵感都非常丰富，想象力非常自由，尤其擅长小规模的音乐表现模式，而钢琴无疑是首选。贝多芬选择了管弦乐，钢琴也是他的试验田，肖邦选择了钢琴，管弦乐只是烘托钢琴，不起到主要作用。这种选择是很正常的，也不值得奇怪。从哲学上讲，情感的肆意妄为会导致价值的紊乱和丧失，反映在艺术上就是漫无目的的遨游，这一点困扰着很多浪漫派文学家和音乐家，肖邦寻求音乐的逻辑，也是在最大程度上解决这一点，以使自己的音乐作品真正具备内涵和生命力，给人一种启发，美感是重要的，但是仅仅是美感还不够，美感只是一种形式上的触发，内在的价值才具备持久性，规范了的情感才具备值得回味的价值。贝多芬解决的方式很简单，力求使主题简短明确，越是干巴巴的主题越好，以便在结构的安排上和调性的布局上自由一些，这样造成作品的骨架非常结实，一触摸就让人感觉到力量的涌动，但这也却符合贝多芬的情感表达。肖邦的情感绝对不同于贝多芬，他比贝多芬更敏感、更为柔弱，他没有贝多芬的那种明确的指向性，即便是在肖邦最炽热的作品中，听众依然可以发觉那不是在呐喊发泄，实在是一种发自心底的对美好的寄托，只是形式变化了一点而已，从这一点说，巴赫与莫扎特应该是肖邦的榜样，莫扎特是肖邦的神，巴赫是肖邦的形，经过肖邦的萃取，终于身形具备。 我之所以这样说，是因为肖邦没有巴赫的那种热情的情感，巴赫有神的寄托，其虔诚的信仰是非常热烈的，肖邦却是孤独的，解救他的永远是那种对美好事物的依恋，肖邦临终的时候，画家克维亚特科夫斯基为他花了几张画，留下了这样的话：肖邦像泪珠一样的纯洁。我认为极其形象深刻地表达了肖邦。肖邦如果研究巴赫的B小调弥撒，我不知道他会作何结论，至少我认为，这部作品中的赋格尽管出神入化，但不符合肖邦的情感，而赋格的艺术和音乐的奉献，他肯定会非常垂青的。我们看到肖邦与贝多芬对待巴赫有着不太相同的态度，尽管两个人都非常崇拜巴赫。肖邦说巴赫的思想使贝多芬受折磨，这话也不是空穴来风。但我认为也不是很恰当，这取决于力图表现的内容。贝多芬力求突破赋格这种古老的曲式平衡的一面，融入奏鸣曲这种比较富于戏剧化的曲式中，但保留了赋格发展的逻辑和紧凑，使得作品更富于动力性，给人一种不同于一般赋格的奔腾活跃感，这也是结构变化必然带来的感官特点。我们知道贝多芬晚年作品中运用了大量的赋格，但是不同于肖邦所推崇的巴赫，是在奏鸣曲基础上的某种融合，但是贝多芬的音乐有着指向性，结构的安排始终不会像巴赫那么匀称。贝多芬有两首赋格非常值得注意，均出于他的弦乐四重奏中，一首是拉祖莫夫斯基四重奏第三号的末乐章，一首是原定晚期四重奏第13号的末乐章，前者统称成小赋格，后者被习惯于称为大赋格，比较这两首作品与巴赫的赋格，很明显贝多芬动力性强，巴赫匀称性占优，巴赫的更精美，贝多芬的更粗犷。以肖邦的情感和理念，他不会赞成贝多芬的赋格吧。

我们看肖邦自己说的：艺术是具有严密哲理，由天才人物所丰富、具有一整套章法，受着高级法则约束的东西。

我们再看他对贝多芬的评论：贝多芬之比较隐晦，看去缺乏统一性之处，倒也并不是如人们所想的那样， 系出于一种粗犷的特性（这原也是人们所羡慕于他一点长处），而是由于他不屑于理会那些永恒性的法则之故。

我们一听音乐，就反反复复会遇到法则这个名词。从广义上说，一切事物都有自己的法则，包括音乐，否则就是混乱。我们的情感凝结起来，以音乐的形式表达出来，就要符合音乐本身的法则，我想这一点是肖邦所力图贯彻的，因此巴赫和莫扎特始终是他的榜样，他们的音乐中存在着某种永恒的法则，规范着情感的表达。而贝多芬的音乐在更大的程度上是一种法则的破坏，尽管他的音乐有一种巨大的结构美感，并且在剧烈的冲突中保持着平衡，但是却近乎一种音乐法则破坏后产生出来的怪物，这个怪物以专断的意志统一着整部作品，让人惊骇，在某种意义上说，这让人难以忍受。肖邦说贝多芬不屑于理会那些永恒性的法则，这话说得尽管有些过分，但还是比较客观一点的。贝多芬的晚年，一切发生悄然的变化，“专制的暴君开始大赦天下”，奏鸣曲式几近瓦解，自由平衡逐渐复归，很多人说贝多芬的很多晚期作品富于自由浪漫性，但这些作品中精巧的结构安排，更富于肖邦所推崇的美感和趣味，那里面恢复了秩序和法则，音乐的气氛呈现出一片安然恬静，认真聆听贝多芬的钢琴曲，贝多芬的这一转变令人深深地感动。也许贝多芬的性格和经历，影响了他的情感表达，使得他经历了这个令人激动的过程。肖邦，自始至终谨守着自己的音乐理念，没有太多的冲突，一贯探索着符合永恒法则的情感表达方式，创造出了自己独特的音乐语汇。这也是音乐的不同走向而已。

浪漫派大量的音乐家对贝多芬推崇备至，他们把贝多芬中期的作品那种自由奔放的情感表达作为自己的先驱和榜样，寻求动力性的和声与结构，力求使得作品激动人心，肖邦守着自己的那片天地，寻求养育情感的最适宜的土壤，这些土壤无疑在巴赫与莫扎特那里最容易找到并且获得精心改良。肖邦的音乐似乎是良好的土壤和适宜的气候生长出来的鲜花和树木，但是我们能借此否定那些在沙漠中生长出来的仙人掌和胡杨么？贝多芬的作品结构很明显和巴赫、莫扎特、肖邦的不一样

在调性的布局上面，也非常明显地可以看出来

肖邦的作品赋予独立性，和贝多芬的传承关系并不是很多

但是不能否认贝多芬对肖邦没有影响

肖邦非常喜欢贝多芬的第12奏鸣曲，并且照搬了这首奏鸣曲的结构

写成了知名的第2奏鸣曲，而贝多芬这首奏鸣曲却经常遭到忽视，很少有人注意，要弹肖邦与贝多芬，从这两首奏鸣曲入手最合适不过了

月光奏鸣曲也是肖邦非常喜欢的，总之吧，肖邦不侧重于作品的动力性，所以结构安排的比较适中宽和，作品的听觉便不会像贝多芬那样充满力量和气魄，楼主最后总结出来的一段话我认为非常好，音乐家都有自己的风格，我还是比较侧重于沙漠里面的仙人掌和胡杨，原因只是品味不同。