十九世纪意大利歌剧的创作与发展

19世纪下半叶的歌剧——法国喜歌剧

在梅耶贝尔以后的一个时期里，在意、德歌剧的冲击下，法国大歌剧出现颓势。可幸的是一直受法国人喜爱的喜歌剧仍保持着发展的势头，并从19世纪中叶开始，逐渐出现两个分支，即以流行曲调为主的讽刺性轻歌剧和以日常生活中的普通人为题材的抒情歌剧。喜歌剧成为19世纪下半叶法国歌剧的主流，这一时期的法国歌剧作曲家，大多是喜歌剧的作曲家。奥芬巴赫和托玛便是这一时期的主要代表。

奥芬巴赫

雅克·奥芬巴赫(1819-1880年)，德裔法国作曲家。奥芬巴赫出生在德国，原姓埃伯斯特，后以原居住地奥芬巴赫为姓。他父亲是科隆大教堂的合唱指挥，并成为奥芬巴赫的音乐启蒙老师。1833年，父亲送24岁的奥芬巴赫进入巴黎音乐学院学习，此后他便定居于此。奥芬巴赫曾从阿莱维学习过作曲。他担任过巴黎喜歌剧院的演奏员、法兰西歌剧院指挥，创办了巴黎人的轻歌剧院。1870年普法战争爆发，他移居到意大利和西班牙。1876年到美国参加世界博览会，并作访问演出。 1880年，奥芬巴赫在《霍夫曼的故事》排练期间去世。

奥芬巴赫最主要的成就是轻歌剧，直19世纪中叶，他在20多年里创作了近100部轻歌剧，这些作品在巴黎盛极一时。奥芬巴赫于1853年写成了第一部喜歌剧《佩皮托》。1858年10月21日，他创作的《奥菲欧在地狱》在巴黎喜歌剧院动上演，该剧取材于古希腊神话，奥芬巴赫将其改编得面目全非，当局指责这部作品亵渎了古代文学，影射政府。但观众却很买帐，票房直线上升，这使作为剧院经理的奥芬巴赫喜大于忧。

奥芬巴赫最著名的喜歌剧是《霍夫曼的故事》，1881年2月10日在巴黎喜歌剧院动上演后很受观众欢迎。这部喜歌剧有三个独立的故事组合而成，讲述了霍夫曼与三位女子的爱情遭遇，情节滑稽、怪诞。剧中的《木偶之歌》、船歌《美丽的夜》《啊，上帝，多幺迷人》等，都很优美动听。

奥芬巴赫其它的喜歌剧还有《美丽的海伦》(1864年)、《巴黎人的生活》(1866年)、《盖罗尔施泰因公爵夫人》(1867年)、《拉·佩丽肖尔》(1868年)等。

奥芬巴赫是法国轻歌剧的奠基人和杰出的代表。他面向大众,把舞台剧的传统，喜歌剧的形式，巴黎林荫略的活报演出与城市民谣相结合。他的曲调贯穿着大众喜闻乐见的民间情调，广泛采用生活舞蹈，如华尔兹，加洛普舞 、康康舞的节奏。他的轻歌剧充满嘲笑与讽刺的内容：帝国的当权者在政治和道德上的腐败。但也有迎合权贵口味的一面，娱乐性强，甚至有色情性的表现二重性也正是他的艺术所以能在第二帝国存在的原因。奥芬巴赫的音乐对奥地利的苏佩、施特劳斯、沙利文匈牙利的、莱哈尔以及现代的美国音乐剧都有影响。

托玛和他的喜歌剧

夏尔·路易·昂布鲁瓦茨·托玛(l811-1896年)，托玛出生于音乐家庭，托马幼年随其父学习小提琴和钢琴，17岁进巴黎音乐学院，1832年21岁的托玛获罗马大奖。从1837年开始创作了歌剧第一部喜歌剧《双层梯》，曾获柏辽兹的赞赏，很快获得成功。1849年即以《总督》占上当时喜歌剧作曲家的榜首。但是此后连续出现一些败笔之作，最后新创作的时期才来到。毫无疑问地，那是受古诺《浮土德》的刺激。从这样的体验而于1866年孕育出的，就是使托玛之名留传青史的《迷娘》，《迷娘》1866年11月17日在巴黎喜歌剧院首演，此剧则获得空前的成功。随后的半年间居然上演一百次之多。此剧的法语剧本，是由巴毕耶和卡雷共同执笔。这两位当时颇负盛名的作家，《迷娘》一剧中最著名的《君知否南国》是直接从原作的诗翻译的。它是根据歌德的小说(威廉·迈斯特的学习年代)改编，剧情梗概是：到处卖艺的吉普赛女艺人迷娘，与富有的大学生威廉相爱。而剧团的老演员洛塔里奥对迷娘也怀有好感，他为了阻挠这对年轻人的爱情，竟企图烧死迷娘。威廉计划把迷娘带回自己的故乡意大利，并为她卖一座豪华城堡。而这座城堡唤醒了洛塔里奥的回忆，他便是城堡原来的主人，而迷娘则是他的女儿。最后，父女相认，迷娘和威廉终成眷属。它的音乐体现了托玛旋律优美动听，感情缠绵的风格。这部喜歌剧中有不少精彩的唱段，如迷娘的《你可知道那个地方》、菲利雅的《我是蒂塔妮娅》、迷娘和洛塔里奥的二重唱《轻盈的燕子》等。《迷娘》是一部深受观众欢迎的喜歌剧，在19世纪的后30年里，它上演了1000多场，并始终保持了很好的上座率。

过了一年多后，也就是1868年3月9日首演于巴黎喜歌剧院的五幕歌剧《哈姆雷特》再获佳评。这部作品除了音乐创作相当成功外，还是第一部把萨克斯管引进乐队的歌剧。《迷娘》和《哈姆雷特》这两部作品显然都和古诺有关。也由于这两剧的成功，他才得以替代古诺担任巴黎音乐院长。托马一生作有20部歌剧，他的作品旋律优美，抒情性与戏剧性有机结合，富有传奇色彩，但在表现上缺乏应有的深度。

杰出抒情作曲家古诺

进入19世纪的后半期，法国歌剧的抒情性加强，大歌剧逐渐衰弱，而适合现实生活的喜歌剧形式--可以夹带对白的、主要人物不多的简洁的歌剧形式--与意大利风格结合，得到发展，它不仅用以表现喜剧性的内容，甚至可以表现悲剧性的内容。一批创作个性和美学观念并不相同的作曲家们以自己的作品形成了法国的抒情歌剧流派。古诺即是其中的杰出代表。

夏尔·弗朗索瓦·古诺(1818-1893年)，法国杰出的歌剧作曲家。古诺出生于巴黎，自幼随母亲学习音乐，向雷哈学习作曲。1836年进入巴黎音乐学院，他的老师有阿莱维、勒絮尔、齐默尔等当时最著名的作曲家。入学第二年，即获得该院的音乐大奖--罗马大奖的第二名，又过两年，他以压倒多数的选票荣膺罗马大奖的第一名。1839年，获奖后的古诺赴罗马学习进修，并访问了维也纳、柏林、莱比锡等地，接触到各国著名的音乐作品和音乐家。古诺于1852年出任巴黎最大的奥菲翁合唱协会的指挥。1858年任职于巴黎抒情剧院，在那里创作出了第一批歌剧。古诺最著名的歌剧是《浮士德》。这部典型的抒情歌剧作于 1859年，在巴黎抒情剧院上演，但演出效果并不理想。于是，古诺用10年时间对其做了修改。1869年3月，《浮士德》在巴黎歌剧院再度公演，从此成为最受人们欢迎的歌剧之一。成为抒情歌剧的第一部典范。在以后的8年里，仅巴黎歌剧院就上演了1000场，而在20世纪头10年中，它在德国共演出了3000多场。《浮士德》取材于歌德的同名戏剧，但故事情节与原作相去甚远，只是采用了其中浮士德和玛格丽特爱情故事的框架。《浮士德》的音乐较多地吸取了城市通俗歌曲的曲调，对玛格丽特内心情感的描绘十分成功。她的咏叹调《珠宝之歌》是一首旋律优美华丽，能够充分表现花腔女高音才华的优秀歌曲。在重演时，古诺将原来的对白改为宣叙调，增加了法国人最爱看的芭蕾舞场面，更使这部作品熠熠生辉。

古诺其它主要的歌剧作品还有《萨福》(1851年)、《萨巴女王》(1862年)、《米雷叶》 (1864年)、《鸽子》(1866年)、《罗密欧与朱丽叶》(1867年)等。

1870年普法战争爆发后，举家迁往伦敦避难，由于他成功地创作了歌剧《浮士德》而成为英国王室的贵宾。1874年，古诺回到法国，创作了一批优秀作品。例如《波里厄特》(1878年)、《萨莫拉的贡品》(1881年)等。

古诺是杰出抒情作曲家，他共写过12部歌剧，除《浮士德》获得过辉煌成功之外，《罗密欧与朱丽叶》(1867)也十分出色。古诺缺乏剧场感觉和经验，尽管旋律优美，由于缺乏发展的动力和新鲜感，因而影响了歌剧应有的魅力。

19世纪下半叶的歌剧

浪漫主义歌剧在19世纪下半叶发展到了顶峰，在欧洲三个音乐大国中，都出现了世界级的杰出作曲家。

在意大利，威尔第使歌剧达到了登峰造极的地步，并因此成为最伟大的歌剧作曲家。最重要和最伟大的作曲家是德国的瓦格纳。如果说他以前的浪漫主义作曲家只是在某一方面或某些领域取得了辉煌成就的话，那么瓦格纳是他们的集大成者。他对19世纪歌剧事业做出的贡献，无论怎样评价也不会过分。法国的古诺和比才虽然与瓦格纳、威尔第不能相提并论，但他们的作品对世界产生的影响绝不能低估。特别是比才，由于在创作中表现出了自然主义的倾向，实际上成为浪漫主义终结和真实主义兴起的接力者。

威尔第的浪漫主义歌剧

罗西尼跨越两个时代，即古典主义和浪漫主义时代。威尔第则是完全属于19世纪的艺术家。他出生于1813年，卒于1901年。19世纪是一个在人类文明和文化方面都充满决定性的世纪。威尔第从1839年至1893年为舞台而创作，在这期间，他走过了19世纪浪漫主义的全部领域。

威尔第的歌剧作品洋溢着炽热的情感旋律，其成就代表了意大利浪漫主义歌剧的高峰。他的歌剧中的合唱被改编成爱国歌曲，在意大利国家统一运动中表达着自由与独立精神。威尔第非常注重题材的选择和舞台效果的处理，但有时也因其太过标新立异，导致不能通过当时的检查。

朱塞佩·威尔第(1813-1901年)，1813年10月10日出生于意大利北部帕尔玛公国布塞托市的小镇隆科莱。父母经营着一家兼做杂货铺的小饭馆。他们沉默寡言、忧郁孤僻的性格，遗传给了威尔第，并成为他一生中的“种子”性格。威尔第出生时，帕尔马正遭到奥地利人的大肆侵犯，他们想赶走拿破仑的军队(19世纪早期欧洲大陆的大部分时间不是遭受拿破仑的侵略，就是遭受那些想赶走拿破仑的人的侵略，总归是脱不了拿破仑的干系)。由于当地条件和家庭经济状况所限，威尔第没有学习音乐的良好环境。但这并没有妨碍他对音乐的爱好。 1925年, 12岁的威尔第开始做管风琴师。威尔第的父母希望扩大孩子的音乐视野，于是把他送到附近的布塞托城，他在那里住在另一个名叫安东尼奥·巴雷奇的食品杂货商家中，安东尼奥·巴雷奇掌管着当地的音乐会社。年轻的威尔第很快就为该城的乐队写起进行曲和其它音乐，不过更多是写为他自己和巴雷奇招人喜欢的女儿玛格丽塔弹奏用的钢琴二重奏。

1828年的威尔第从布塞托音乐学校毕业。他选择音乐作为其终身职业，并尝试创作了几部协奏曲，他为在布塞托剧院上演的《塞维利亚的理发师》写了一首序曲，引起了小城的轰动。此间，巴雷奇为威尔第的成名立业，甚至生活起居，都提供了难能可贵的支持和资助。这种支持和父爱般的关怀，一直持续到他逝世。

到1832年威尔第19岁

1597年，歌剧在佛罗伦萨诞生，亚各布•佩里（Peri,1561-1633）创作了音乐历史上第一部歌剧《达夫妮》，但遗憾的是这部歌剧现已佚失，这样，佩里创作于1600年的《尤丽狄茜》，便成为流传下来的最早的歌剧。在古希腊神话中，尤丽狄茜是太阳神与艺术女神之子奥菲欧的新娘，她被毒蛇咬伤后死去，奥菲欧闯进地狱去寻找自己的爱妻，冥王和冥后被他的真情所感动，遂复活了尤丽狄茜。这部歌剧由一个序幕和三个场景组成，序幕的标题为“悲剧”，它是以铜管乐器伴奏的一首歌曲《Io，che d’alti sospir》，有些版本在这首歌的前后还增加了马伦齐奥《五声部古序曲》和马尔维兹（CMalvezzi,1547-1599）的《六声部古序曲》；歌剧中的唱段已经形成了独唱、重唱和合唱的模式，但是还没有咏叹调，全部是富于歌唱性的宣叙调，听起来有很浓的牧歌味道。

在歌剧诞生之初，还有两部同这一新生艺术形式的发展有着密切关联的重要作品：朱利奥•卡契尼（Caccini,约1548-1618）发表于1602年的牧歌与小坎佐纳作品集《新艺术》，和马可•达•加利亚诺（Gagliano,1575-1642）创作于1607年的歌剧《达夫妮》。卡契尼在《新艺术》中发展了一种与复调风格相对立的单旋律音乐风格（又称单声部），曲集中收入的牧歌均为以乐器伴奏的独唱形式，确切地说是以数字低音伴奏的宣叙调，这也正是单旋律音乐的主要特征，而那时的歌剧实际上就是类似于单旋律音乐式的作品。加利亚诺的《达夫妮》是一部小型歌剧，曾得到佩里的高度赞扬；达夫妮是古希腊神话中河神的女儿，太阳神阿波罗初恋的美丽少女，在古罗马诗人奥维德(公元前43-17)的《变形记》中，她为逃避追求者而变成了一棵月桂树；歌剧以一段芭蕾开始，有序幕和六个场景。加利亚诺的创作思想相当超前，他极力主张戏剧的真实性要比歌手炫耀演唱技巧更为重要，这一认识与后来的格鲁克（Gluck,1714-1787）非常接近。

蒙特威尔第是音乐历史上第一位伟大的意大利歌剧作曲家，他是跨越文艺复兴和巴洛克两个时代的人物，集杰苏阿尔多的牧歌风格与威尼斯乐派的音乐风格于一身，他以这些传统为出发点，运用丰富的想象力，将自己用以创作的每一种体裁都进行了革新，发展出完全属于他自己的、个性鲜明的新风格。而且，由于长期从事牧歌的创作，使他掌握了以音乐手段来表现歌词内容特点的高超技巧，这成为他歌剧创作不可或缺的坚实基础。在创作思想中，蒙特威尔第特别强调音乐应该以真实为基础，去表现整个人，去描写人的心灵世界，抒发植根于人类天性中的强烈情感。他完成于1607年的《奥菲欧》是实践自己创作思想的杰作，也是历史上第一部成熟的歌剧，尽管它在形式上还是歌剧诞生时的样子，但是音乐更加丰富了，戏剧效果得到进一步加强，使用了较大编制的乐队，还大胆运用了不和谐音和弦乐器震音，来增强音乐的表现力，并以不同乐器来表现人物性格，使用一些简短的乐句来预示或表现歌剧中的某些重要场景和戏剧气氛。——这些特点在他后来的歌剧中都得到了更加充分的发展。蒙特威尔第的《奥菲欧》也是以奥菲欧与尤丽狄茜的故事为题材的，不过有一个与佩里的《尤丽狄茜》完全不一样的悲剧性结局。在蒙特威尔第的《奥菲欧》中，冥王要求奥菲欧在渡过冥河前不能看尤丽狄茜，但奥菲欧受感情的驱使回头看了自己的新娘，因此永远失去了尤丽狄茜，他唱起一支悲伤之歌：“山也悲伤，石也悲伤”，歌声的回声四处回荡。太阳神阿波罗将他接入天堂，奥菲欧痛苦地问他的父亲：“难道我永远无法再见到我所爱的尤丽狄茜那甜美的双眼了吗？”阿波罗抚慰地答道：“在阳光与星光之中，你将感受到她美丽的存在。”歌剧以一首托卡塔开始，序幕是缪斯女神讲述奥菲欧的故事，全剧共五个场景，最后以牧羊人的节日合唱与舞蹈作为结束。

就这样，诞生于佛罗伦萨的歌剧在威尼斯兴盛了起来。蒙特威尔第一生共创作了十几部歌剧，最著名的还有《阿里安娜》、《尤利西斯还乡》和《波佩阿的加冕》等。《阿里安娜》现在只流传下来一首《阿里安娜的哀歌》，阿里亚娜即古希腊神话中的阿里阿德涅，是克里特国的公主，她帮助忒修斯杀死牛头怪兽米诺陶洛斯，然后两人逃往纳克索斯岛，度过了一段幸福的时光，后来命运女神告诉忒修斯，按照命运安排，阿里阿德涅应该成为酒神狄俄尼索斯的妻子，劝他放弃了对阿里阿德涅的爱，于是忒修斯不辞而别，令阿里阿德涅伤心万分（注3）。《阿里安娜的哀歌》中唱道：

让我死去，

哦，让我死去吧！

面对如此残酷的命运，

在如此巨大的痛苦中，

有谁来抚慰我？

让我死去吧。

……

当蒙特威尔第创作这部歌剧时，正是他的妻子离世之即，这首哀歌恰好是他此时心境的写照。据传说，这部歌剧当年在一个王子的婚礼上演出，这首哀歌竟使在场的六千多人潸然落泪。1608年，蒙特威尔第将《阿里安娜的哀歌》改编为五声部牧歌，后来，又将它改编并收入《精神与道德之林》，足见作者本人对它的珍视程度。1641年完成的《尤利西斯还乡》取材于《荷马史诗》，尤利西斯即奥德修斯，歌剧讲述的是尤利西斯浪迹天涯二十载，他的妻子珀涅罗珀仍然忠贞地等他回来，面对众多的追求者，她举行了一场射箭比赛，应允如果谁能张开尤利西斯的硬弓，自己就嫁给他，但无一人成功。已经悄悄归来的尤利西斯化装成乞丐偷偷潜入宫中，拉开硬弓射死了所有追求者，珀涅罗珀迟疑良久，当尤利西斯向她说出只有他们两人才知道的秘密之后，她终于认出站在面前的正是自己朝思暮想的丈夫。这是一部规模很大的歌剧，以古序曲和序幕开始，总共五幕35个场景，在结构上比《奥菲欧》要更为丰满，而且宣叙调已经逐渐远离牧歌风格。《波佩阿的加冕》是蒙特威尔第最后一部歌剧，创作于1642年，也是历史上第一部依据真实的历史事件创作的歌剧，讲述残暴*乱的罗马皇帝尼禄爱上了手下将领奥图的妖冶美丽的妻子波佩阿，试图反对他的大臣塞内卡被赐死，尼禄之妻奥塔维娅与奥图合谋欲刺杀波佩阿，但不幸败露均被放逐，尼禄终于如愿以偿，将波佩阿加冕为罗马皇后。这部歌剧由加古序曲的序幕和三幕34个场景构成，演出长度超过三个半小时，成功地塑造了尼禄和波佩阿等历史人物，当我们触及这样一部鸿篇巨制时，一定会惊异于它是三百五十多年前的伟大创造，所以有人说，蒙特威尔第在音乐史上的地位完全可与莎士比亚（1564-1616）在文学史上的地位相媲美，这真是再精确不过的评价了。

在歌剧之外，蒙特威尔第的牧歌和圣乐作品也都颇具歌剧的特点，戏剧性牧歌《坦克雷迪与克洛琳达的战争》就如同一部小型歌剧，有男女主人公和讲述者三个角色，牧歌的故事出自文艺复兴晚期意大利诗人塔索（1544-1594）的长诗《被解放的耶路撒冷》，坦克雷迪是十字军骑士，他与敌对的回教军队中的女武士克洛琳达一见倾心，并曾在一次战斗中将她从十字军的重围中解救了出来，但是在耶路撒冷城墙下的一次夜战中，坦克雷迪不幸误伤了克洛琳达，克洛琳达在临终的时刻向坦克雷迪吐露了自己的爱情。《贞福童真女的晚祷》是蒙特威尔第最著名的宗教作品，全部总共13曲，其规模之宏大前所未有，它是对威尼斯乐派经文歌的进一步发展，并且非常歌剧化。——在这一点上，威尔第的《安魂曲》可与之相类比。这部晚祷包含独唱、重唱、各种类型的合唱等多种演唱形式，而且这些形式有时会先后出现在同一首乐曲中，在一些曲目中还使用了回声效果，比如第九首《天国，听我倾诉》，一首以男声演唱的教堂协奏曲，回声的效果如同天国与尘世之间的对话；再如第十三首《圣母颂歌》中的“荣耀归于圣父、圣子、圣灵”一段，在圣洁的童声合唱与管风琴的背景上，随着男高音的歌唱，传来这歌声的阵阵回声，仿佛来自天国，真是美妙之极；这首《圣母颂歌》中的“他散播力量自他们的宝座上”一段，独奏小提琴以回声的方式为男声独唱做伴奏，会令人想到维瓦尔第（Vivaldi,1678-1741）那首《A大调“回声”协奏曲》。

蒙特威尔第之后，意大利歌剧在威尼斯和罗马继续发展，但在大约半个世纪的时间里，始终没能突破蒙特威尔第所确立的风格。彼得罗•弗朗切斯科•卡瓦利（Cavalli,1602-1676）是这一时期最有名的作曲家，他是蒙特威尔第的弟子，其历史作用在于扩大了戏剧的潜力，并自如地运用喜剧因素，是衔接蒙特威尔第与那不勒斯乐派的桥梁。他一生创作了四十多部歌剧，最著名的是《卡利斯托》，歌剧结构继承了其老师的特点，由序幕和三幕34个场景构成，以一首恰空舞曲作为结束。剧本根据奥维德的《变形记》中的故事编写，卡利斯托是狩猎女神狄安娜手下的仙女，有一天当她在树林里休息的时候，朱庇特趁机占有了她，朱诺——朱庇特的妻子醋意大发，将卡利斯托变为一头大熊，朱庇特怕卡利斯托受到猎人的伤害，便将她升到天上变为星座。

到了十七世纪末，一个新的歌剧流派——那不勒斯乐派形成，意大利歌剧从此发生了根本性的转变。那不勒斯的作曲家们将宣叙调与咏叹调清晰地区分开来，并更加倾重于咏叹调，尤其强调美声演唱技巧，使用有伴奏的宣叙调，发展管弦乐以服务于歌唱，还固定了歌剧序曲的三个组成部分，从而确立了后世意大利歌剧风格的主要特点，可以认为，是那不勒斯乐派确立了未来的十九世纪意大利歌剧的民族性。在十八世纪初，那不勒斯乐派独具个性的歌剧风格达到成熟阶段，随后，喜歌剧也开始由正歌剧的“幕间剧”发展出来。——“幕间剧”又叫“插剧”，是当时大型正歌剧中间休息时上演的短剧。那不勒斯乐派著名的作曲家主要有亚历山大•斯卡拉蒂（AScarlatti,1660-1725）、乔万尼•巴蒂斯塔•佩尔戈莱西（Pergolesi,1710-1736）、多美尼科•奇马罗萨(Cimarosa,1749-1801)和尼古拉•皮钦尼（Piccinni,1728-1800）等，其中A斯卡拉蒂是那不勒斯乐派的开创者之一，后三者则代表了那不勒斯乐派的鼎盛。佩尔戈莱西23岁时创作的《女仆作夫人》是早期意大利喜歌剧的杰出之作，也是那不勒斯乐派最具代表性的作品，它是1733年上演的正歌剧《高傲的囚徒》的“插剧”，但这部正歌剧并没有引起什么反响，它的“插剧”反而大受欢迎。这部短剧长度不足五十分钟，共两幕13曲，讲述一个叫塞尔皮娜的女仆与她的主人乌贝托之间发生的喜剧故事：塞尔皮娜经常把主人气得发疯，她为了获得乌贝托的爱情，让男佣韦斯波内化装成一个上尉，假扮自己的未婚夫，引起乌贝托的嫉妒，最终塞尔皮娜的诡计得逞，作了自己主人的夫人。佩尔戈莱西一生十分短暂，只活了26岁，需特别提到的是，他去世前不久完成的《圣母悼歌》是同类作品的典范。在《女仆作夫人》之后，奇马罗萨创作于1766年的《秘婚记》和皮钦尼创作于1760年的《好姑娘采基娜》两部喜歌剧，不论规模还是结构，都已经非常成熟了；那不勒斯乐派歌剧风格的影响此时已经遍及欧洲，并一直持续到十八世纪中叶以后的二十多年间。

到十九世纪上半叶，意大利歌剧传统经由罗西尼（Rossini,1792-1868）、多尼采蒂（Donizetti,1797-1848）和贝利尼（Bellini,1810-1835）等作曲家，传承到了威尔第的手中，威尔第成为浪漫主义时代乃至整个音乐历史上最伟大的意大利歌剧作曲家，普契尼和真实主义歌剧随后又将这一传统延续到了二十世纪之初。从1597年到今天的四百多年中，意大利歌剧始终都显示着强大的生命力，它那与生俱来的率真性格，和洋溢的激情，使它博得了一代又一代人的喜爱。

注1：赫利孔是希腊一山峰的名字，阿波罗和缪斯所居之地

注2：《雅歌》的歌词全部转自《圣经》译文，括号中的字是为语句连贯而加上的，如“希实本 巴特拉并”即“希实本的巴特拉并”

注3：之后的故事是这样的：阿里阿德涅遇到了酒神狄俄尼索斯，见他善良又英俊，于是破涕为笑，两人便幸福地结合了，在婚礼上，狄俄尼索斯献给新婚妻子一顶镶嵌着七颗晶莹剔透宝石的华冠。但阿里阿德涅是个凡人，终于有一天永远离开了狄俄尼索斯，酒神伤心非凡，这时华冠忽然慢慢升起，越来越高，转眼就飞到了天上，化作一群璀灿的星星，这就是冬季星空中的北冕座。）

歌剧诞生于16世纪末到17世纪初的意大利，这种体裁把舞台戏剧与布景、情节和持续的音乐相结合，音乐中包括各种独唱、对白、合唱和器乐演奏。早期巴罗克歌剧的一个直接的灵感来源是古希腊的戏剧。

由意大利籍作曲家创作的意大利歌剧，推荐14部。巴洛克时期：C蒙特威尔第（1567-1642）的《奥菲欧》（L'Orfeo），A斯卡拉蒂（1660-1725）的《葛莉赛达》（La Griselda），AL维瓦尔第（1678-1741）的《蒂托·曼利奥》（Tito Manlio, RV738），GB佩尔戈莱西（1710-1736）的喜歌剧《女仆做夫人》（La Serva Padrona）。古典主义时期：G帕伊谢洛（1740-1816）的《磨坊女》（La Molinara），D奇马罗萨（1749-1801）的喜歌剧《秘婚记》（Il Matrimonio Segreto），A萨列里（1750-1825）的《塔拉勒》（Tarare），L凯鲁比尼（1760-1842）的《美狄亚》（Medea）。浪漫主义时期：G罗西尼（1792-1868）的《塞维利亚的理发师》（Le Barbier de Séville），G唐尼采蒂（1797-1848）的《爱的甘醇》（L'elisir d'amore），G威尔第（1813-1901）的《茶花女》（La Traviata）。真实主义：R莱翁卡瓦洛（1857-1919）的《丑角》（Pagliacci），G普契尼（1858-1924）的《图兰朵》（Turandot），M马斯卡尼（1863-1945）的《乡村骑士》（Cavalleria rusticana）。

详细内容：　　威尔第一生共创作了26部歌剧，这是前所未有的。那么他有哪些较为知名的歌剧作品呢？能否简单介绍下？参考答案：《弄臣》参考答案：歌剧大合唱精华集

1纳布果——希伯莱奴录大合唱“飞吧！思想”

2唐·卡洛——“欢迎胜利之日到来”

3茶花女——吉普赛人合唱“我们是来自远方的吉普赛人”

4纳布果——进场大合唱“节庆华服搁置已久”

5黎甘诺之役——预言大合唱

6游吟诗人——铁砧大合唱“看吧，夜幕已启”

7艾纳尼——阴谋大合唱“愿狮王卡斯提尔奋起”

8奥赛罗——“欢愉的火焰”

9黎甘诺之役——誓言大合唱

10马克白——苏格兰难民大合唱“苦难的国度”

11游吟诗人——士兵大合唱“行赌与说长论短”

12命运之力——“拉塔普兰”

13茶花女——“早晨已近”

14阿伊达——凯旋进行大合唱“光辉的埃及”

1813年威尔第出生意大利北部帕尔玛的一个小乡村。父母均为不识字的小店主（而不是像威尔第喜欢说的那样是农民, 他们是小地主兼商人。）但从小威尔第就显露出了音乐天才，并获得了一台当时的方形小钢琴，和当地管风琴师的指导。管风琴师去世后，威尔第接替了他的位置，他当时9岁。

之后巴雷兹资助他的音乐教育，他是威尔第家小店的酒供应商。18岁时，威尔第投考米兰音乐学院未被录取，而巴雷兹又一次救了他，为他支付在米兰的学习费用。威尔第于1835年与巴雷兹的女儿玛格丽塔结婚，可是他的两个儿子均死于襁褓之中。他的第一部歌剧《波尼法西奥伯爵奥贝托》于1893年在斯卡拉剧院上演获得成功。可是第二年，他的妻子过世了，而他的第二部歌剧《王国的一天》又一败涂地。经历许多了精神上的痛苦后，他的第三部歌剧《纳布科》以圣经中尼布甲的故事为基础，这部歌剧大获成功并成为他音乐和经济好运的起点。

后来10年间，他创作了14部歌剧，其中有些非常出色，有些则稍逊一筹，所有这些都磨练了他的技巧。1851-53年，威尔第达到了鼎盛时期，写出了《弄臣》、《游吟诗人》和《茶花女》。另外，从1849年起他公开与斯特蕾波妮同居，并于1859年与她结婚。1860年起，威尔第推却所有委约，只写他自己想写的作品。正是从这个时候起，威尔第写出了他最伟大的作品《唐卡洛斯》（1867）以及应埃及肯迪夫之邀为庆祝苏伊士运河开通而作的《阿依达》（1871），还有《安魂曲》（1874），《奥塞罗》（1887）。他的代表作《法尔斯塔夫》写于1893年，当时的威尔第已年近八十。威尔第于1901年在米兰逝世。

这张专辑选录了他的五部歌剧的节选。

《阿依达》是一个关于战争的故事，背叛、爱情的背景都设在了古埃及。埃塞俄比亚的公主阿依达爱上了打败她父亲入侵军队的埃及士兵拉达梅斯，而拉达梅斯已被许配给法老之女阿姆内里斯。他不得不在名誉、命运和无爱的婚姻或死亡、耻辱与所爱的女人中选择。他选择了后者。

《圣洁的阿依达》唱出了拉达梅斯对阿依达的爱；《荣耀归于埃及》和随后的《胜利进行曲》可以算是写得最华美、辉煌的音乐之一。而合唱曲《埃及英雄拉达梅斯》 将拉达梅斯誉为埃及的英雄，在这两位命运多蹇的恋人临死前，对唱《告别大地》响起了。

上演《阿依达》时，剧院之间相互竞争，比赛谁有最恢弘的演出场景，其中当然有马、笼中的动物，经常也有大象。不过当剧院经理们发现要让大象发出自然的吼声不是很有保证时，这种惯例有渐渐不那么流行了。而合唱团在台边来来去去，给舞台增加了本不该有的喜剧色彩。

悲剧故事《弄臣》发生在曼图亚公爵的朝廷，充斥着腐败、不合常理的性和混乱。吉尔达是公爵驼背丑角利哥莱托的女儿。利哥莱托犀利的口舌使他树敌颇多，而当公爵诱拐了他的女儿时，他发誓要报复这个人。但在复仇的过程中，他却杀死了自己的女儿。

专辑中歌剧选段覆盖了整部歌剧，其中有吉尔达与轻浮的公爵唱的情歌 《俊美青年内心不安》，以及《亲爱的名字刻在我的心上》、美妙的四重奏《爱之骄子》，另外还有引起轰动的《善变的女人》，整场歌剧的高潮。

《茶花女》初次上演时引起震惊，因为它讲述了一个妓女—维奥莱塔和和年轻人阿尔弗雷多的故事。首演简直就是个悲剧，因为女主角如此强壮，所以当她最终由于肺结核而死去时，底下却哄笑不已。

《祝酒歌》是阿尔弗雷多在歌剧开场时所唱，美妙无比。后来他父亲试图用家来安抚他儿子，唱起了《省外的海与地》。维奥莱塔临死前唱的《告别旧梦》动人无比，而阿尔弗雷多则以一曲华尔兹风格的《巴黎，可爱的，我们将离去》作答。但它已于事无济，维奥莱塔在他怀里死去。

《游吟诗人》是又一部与偷盗婴儿、失散的兄弟、背叛的爱情有关的精彩故事。《吉普赛合唱曲》是这部歌剧的高潮，同样动人的是《让战争的号角响起》，堪称威尔第热闹音乐的最佳代表。它与曼里科朴素的《啊，是的，我的爱》形成了很好的对比。

《唐卡洛斯》是另一部光彩照人的爱情故事，发生在西班牙的贵族家庭。国王的儿子爱上了他的继母。《面纱之歌》显示了威尔第如何运用西班牙节奏来创作一首充满力量的歌曲。

答案：一、意大利早期歌剧的发展及特征

1、佛罗伦萨歌剧：

1）第一部歌剧：是1600年上演，保留完整的，由佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》。

2）特征：以希腊神话为基础，音乐部分采用通奏低音形式，歌唱部分主要为吟唱的宣叙调形式，，音域不宽，节奏自由，有少量乐器伴奏，也使用合唱。

2、威尼斯歌剧：

1）第一个歌剧院的建立：1637年在威尼斯建立的第一个歌剧院----圣卡西亚诺，使歌剧从贵族、宫廷走向市民阶层。

2）代表人物及作品：1607年，威尼斯歌剧作曲家蒙特威尔第完成的《奥菲欧》。

3）特点：大量采用咏叹调和二重唱，注重感情抒发，弦乐器占有重要地位。

3、那不勒斯歌剧：

1） 朝正歌剧方向：那不勒斯是意大利歌剧发展的最后一个城市，始于17世纪末，至18世纪定型为正歌剧。

2）代表人物：那不勒斯乐派代表人物A·斯卡拉蒂，在声乐抒情调的基础上创作自由发展的咏叹调，给予美声演唱以广阔施展的天地。代表作品为《泰奥朵拉》。

3） 特点：

内容上：多取材于古代神话和历史传说，内容严肃，与喜剧相对。

结构形式上：由五幕歌剧变为紧凑的三幕结构，由极具个性的序曲（快-慢-快的三段形式）开场，宣叙调和返始咏叹调交替进行，极少使用重唱和合唱，也不用舞蹈。

解析：

意大利歌剧产生于16、17世纪之交，它的出现标志着一个新的音乐风格时代的开始。歌剧是音乐与戏剧结合的综合艺术形式，最早起源于古希腊时期的悲喜剧，最终产生在意大利的佛罗伦萨。所以说意大利歌剧诞生于佛罗伦萨，成长于威尼斯，成熟于那不勒斯。随后意大利歌剧在发展中经历了三个重要时期：古典主义时期、浪漫主义时期和真实主义时期。其中后两个时期最为关键。

很遗憾只能帮你找点资料

初期浪漫主义音乐与其它姊妹艺术一样，发自欧洲“启蒙时代”的思想与同法国大革命有关的自由民主思想，比文学中的浪漫主义约晚数十年

浪漫主义的音乐富于色彩和感情，含有许多主观、空想的因素。然而，这只是原则上的区别，实际上在古典主义音乐中，已含有浪漫主义的因素，而浪漫派的作品中，也多有古典式的内容。

浪漫主义音乐在歌剧中也取得了辉煌成就。意大利罗西尼的作品旋律优美、技艺精巧。他还是美声唱法的开创者。威尔第的音乐作品具有崇高的爱国主义思想、富有民族特色，对当时意大利民族意识的觉醒起了巨大作用，人们尊称他为“意大利革命的音乐大师”。其代表作品《茶花女》是名扬世界的巨作。普契尼的音乐除直接采用各国民歌外，还善于使用新手法。如《图兰朵》中就采用了中国民歌《茉莉花》。代表作品还有《蝴蝶夫人》等。

十九世纪的意大利歌剧受到浪漫主义时期现实主义的影响，音乐的戏剧性和戏剧的真实性不断得到重视，剧本的选择也从神秘主义走向现实主义，在音乐创作上，虽然十分注重发挥歌唱家的演唱技巧，但更加注意与角色个性的结合，宣叙调的表现形式受到重视，管弦乐的使用更加重要，有时甚至于咏叹调合用以衬托歌唱，同十八世纪末的歌剧相比，意大利歌剧不仅保持着喜歌剧与正歌剧的分野，更重要的是随着浪漫主义革新精神的深入人心意大利歌剧的表现更加理性化，符合逻辑。

请参见《十九世纪意大利歌剧浅析》一文

http://hibaiducom/人间词123/blog/item/33685498754cc9056e068ccehtml