钢琴颤音，如果在fa（4）上有颤音符号，怎么弹2024年_知识

这个要具体情况具体分析。详细地说的话内容还是挺多的。

颤音记号是tr。有一点是固定的——颤音记号标在什么音上，那么你弹的时候就要把那个音和那个音上方的音来回地颤。这里，上方的音指的是这首乐曲的调式音阶中那个音上方的音级。例如，tr标在fa上，如果乐曲是C大调，那就是fa和sol来回颤，如果乐曲是a小调，那就是fa和升sol来回颤，如果乐曲是降D大调，那就是fa和降sol来回颤，以此类推。

下面说说颤动次数的问题。以下就始终假设曲子是C大调吧。其他的调式都是类似的。

1、如果fa的上方只标有单独的一个tr的话，那么既可以颤一次又可以颤多次，也就是弹成fa sol fa也行，弹成fa sol fa sol fa sol……（若干次）也行。看这个fa的时值是多少，如果时值很短或者乐曲速度很快，那么一般选择只颤一下，当然你要是有能力颤多次的话可完全可以。如果fa的时值较长或者乐曲速度很慢的话，往往会选择颤多次。不过，有些时候也要考虑到音乐性格和音乐形象的问题，所以曲子慢的时候只颤一下的也是不少见的。

2、如果fa的上方标的tr记号之后还接了一段波浪线的话，那么这时只能颤多次，不能只颤一次。

下面说说起始音的问题。

任何颤音的起始音都有两种，一种是从本音开始颤，一种是从上方音开始颤。也就是说，既可以弹成fa sol fa sol fa sol……，也可以弹成sol fa sol fa sol fa sol……。那么什么时候从哪个音开始颤呢？一方面要看从哪个音开始颤更好听，另一方面是看音乐所处的时期。关于时期，大致情况是这样的，巴洛克时期和古典主义时期的音乐中颤音多倾向于从上方音开始颤，而浪漫主义时期及更靠后的时期中颤音多倾向于从本音开始颤。但一定要注意这只是大致情况，有时从其中的一个音开始颤你要是实在是听起来不喜欢的话，完全可以不考虑历史时期的。有时，有的人弹浪漫主义时期的曲子颤音也总是从上方音开始颤，这其实都没什么不好的，只是或许有的人听了会说他弹得“好古典”而已。所以，这个问题没有任何硬性的规定，可以根据自己的喜好来。

下面再说说颤音的收尾。

颤音的收尾也是有两种，一种是以本音收尾，另一种是以上方音收尾。颤音收尾时，要看后面的音是什么。例如，fa上标有颤音，fa之后的那个音是la，那么颤音当然应该以上方音sol收尾，如果你弹成fa sol fa sol……fa sol fa la，会听起来很别扭的。再例如，如果fa后面的音是mi，那么显然应该以fa收尾，道理是相同的——因为fa和mi是挨着的，听起来自然。然而，当以本音收尾时，还有一种很常见的弹奏法就是带一下下方音再回到本音收尾，也就是弹成fa sol fa……sol fa sol fa mi fa，这种收尾何时用也是看你自己的感觉，你觉得带一下下方音好听就带，你要是不想带就不带。但是，如果tr记号后面以倚音的形式写上了mi和fa的话，这种情况就是要求你必须带一下下方音mi再回到本音；如果那个mi和fa的倚音是带括号的的话，那么还是带不带下方音均可的。这些记谱法你以后都会陆陆续续经常遇到的。

最后说说弹颤音时要注意的事情。

这个要注意的不多，就是两点：一是放松，二是均匀。放松包括手腕、手臂等多处的放松，也就是说只有手指在动，其他地方严禁乱用力。放松要是做不到的话，弹颤音就会很累。均匀包括速度均匀与力度均匀，前者是指速度不要变，后者是指力度不变或者力度均匀地变化。

其他还有一些更细的经验性的东西就需要你弹多了自己去体会了，比如颤音速度极快时最好贴键弹奏，省距离，利于高速。再比如手腕的高度也要自己去体会什么高度弹颤音最合适——手腕不能太高也不能太低。

还有什么不明白的地方欢迎追问。：）

音乐与作曲技术(团队)-Sphalerite

钢琴的练习到了业余高段以后，其实是很多元化的。每一首曲子都有其难点。一些看似比较简单的曲子，比如肖邦的一些夜曲，在音乐的处理和表达上的难度并不比那些貌似炫技的曲子简单。所以严格来说并不存在一个固定的套路，规定先弹什么后弹什么。

如果你不是要往专业方向发展的话，那么基本上以自己喜欢的曲子为主就行了。一般来说，部头越大的作品越难易掌握，练起来也越花时间。所以在时间和精力有限的情况下，可以多练一些小作品，尽量练得比较精致。

如果非要说练习的顺序的话，有几条粗线条可以供你参考：

1 巴洛克时期音乐：巴赫二部三步创意曲 -> 平均律 -> 各种大型套曲（法国组曲，英国组曲，Partitas，哥德堡变奏等等）。巴赫的音乐在国内业余音乐教育中很不受重视，但其实他作为西方音乐的根基，还是很值得好好练习的。有兴趣的话可以按这个顺序往上练练；

2 古典主义时期：海顿,莫扎特，贝多芬早期奏鸣曲->海顿其他奏鸣曲，莫扎特其他奏鸣曲，贝多芬中期奏鸣曲->贝多芬中晚期奏鸣曲。莫扎特和贝多芬中晚期奏鸣曲都有相当难度。即使对于钢琴演奏大师来说，这些曲子都不是轻易敢拿出来表演的。所以建议先从一些比较简单的入手。比较有代表性的比如莫扎特K330，贝多芬月光，悲怆，热情等。

3 浪漫主义时期：可以随时保留一首浪漫主义时期的练习曲，比如肖邦练习曲比较有名的那几首。每天练一练这些练习曲，既是对技巧的复习，也有很强的音乐享受。比每天靠《哈农》来复习技巧好（如果没太多时间就只有靠《哈农了》）。练习曲再往上如李斯特超级技巧练习曲就不是业余水平能随便弹下来的了；

肖邦夜曲，前奏曲，圆舞曲可以多练。曲子比较短小，音乐性很强。练一首不会花太多时间。另外舒伯特，舒曼，勃拉姆斯等等的一些小作品也属于这一类。比如舒曼《童年情景》选段，《狂欢节》选段，勃拉姆斯钢琴小品Op 106, 108等等。这些在你的《世界名曲》里面应该有很多。大部分中国作品也在这个范围内。

再往上比如肖邦钢琴奏鸣曲，叙事曲，李斯特的匈牙利狂想曲，其他主要作家的奏鸣曲等等，就是很大部头的作品了，练起来很花时间，就要看你自己的情况而定了。

4 如果对现代音乐也有兴趣，可以弹一些勋伯格，普罗科菲耶夫，肖斯塔科维奇的小作品，还有一些早期的爵士，比如盖希文等等。

浪漫主义时期音乐的特点在于表现个人的感情和幻想，十分强调个人主义的身心体验，以强烈、自由、奔放风格的音乐与当时严谨、典雅的古典主义音乐形成鲜明对比。

浪漫主义时期的音乐通常都是一些不满现状的忧郁者和孤独者创造的，这些人热衷于反映内心深处的爱情亲情主题，带有浓厚的强调主观色彩的印记，具有很明显的自传性。浪漫主义乐派证生于十九世纪初，是继维也纳古典乐派后出现的一个新的音乐流派，这个时期的艺术家在创造音乐时会带有强烈的主观感情，充满对自然的热爱和对未来世界的幻想，作品富有幻想性。

浪漫主义的介绍

浪漫主义是文艺的基本创作方法之一，其与现实主义被并称为文学艺术上的两大主要思潮。作为创作方法，浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象和夸张的手法来塑造形象。

浪漫主义的创作倾向由来已久，早在人类的文学艺术处于口头创作时期，一些作品就不同程度地带有浪漫主义的因素和特色，但这时的浪漫主义既未形成思潮，又不是自觉为人们掌握的创作方法。

许多知识分子和历史学家将浪漫主义视为是对于启蒙运动的反弹，是一种对启蒙时代的反思。启蒙时代的思想家强调演绎推理的绝对性，而浪漫主义者则强调直觉、想象力和感觉，甚至到了被一些人批评为“非理性主义”的程度。

学习钢琴要科学，学习钢琴的儿童数量不断增加，钢琴教学中的问题也越来越多。初学者学钢琴要分哪几个阶段，初学者要如何学钢琴下面是我为大家整理的关于初学者应该如何学钢琴，希望对你有所帮助，如果喜欢可以分享给身边的朋友喔!

初学者应该如何学钢琴

初学者学钢琴的方法之初级阶段：

初学钢琴，可用拜厄《钢琴基本教程》。汤普森的《现代钢琴教程》第一册等教材：这阶段主要是学习用手臂重量弹琴，学会手指支撑手臂的重量。运行基本的五音位置的手型训练以及初步学习音阶、琶音、与分解和弦的奏法：主要教材是小型乐曲、和练习一些基本功练习。接着就可以学习车尔尼的《钢琴初步教程》(599)《钢琴简易练习曲》(作品139)、《钢琴流畅练习曲》(作品849);巴赫的《初级钢琴曲集》《前奏曲与赋格曲》;《小奏鸣曲集》;布格缪勒的《钢琴进阶25曲》。(作品100)、汤晋森的《现代钢琴教程》第二册等也可选用。这阶段学习的内容，是演学生在上一阶段的基础上，进——步扩充技术范围在速度、力度、耐力等方面的要求都有所提高。巴赫作品中复凋的训练，对学生来说是一个新的课题，弹奏小奏鸣曲以及接触各种中外乐曲，可以丰富学生的音乐表现能力。

初学者学钢琴的方法之中级阶段:

常用的练习曲有车尔尼的《钢琴快速练习曲》，(作品299)、《钢琴练习曲50首》 (作品740)，克拉莫的《60首钢琴练习曲》。复调作品可用巴赫的二部、三部创意曲、《法国组曲》、《十二平均律钢琴曲集》中一些较容易的作品。大型作品可以从海顿、莫扎特、贝多芬、舒柏特等作曲家的奏鸣曲中挑选一些程度较浅的作品来学习。乐曲方面又可从格里格的《钢琴抒情小品选》、门德尔松的《无词歌》、柴科夫斯基的《四季》、肖邦的《圆舞曲》、《波罗涅兹舞曲》、《夜曲》等作品中挑选。

初学者学钢琴的方法之高级阶段:

选的教材面就可以更宽了，大部分实际上已经是音乐会曲目了。

练习曲方面，常用的有：克列曼蒂的《钢琴练习曲选29首》、莫什科夫斯基《钢琴巧技练习曲十五首》(72号)、肖邦、李斯特的《练习曲》。

复调作品方面主要学习巴赫的《十二平均律钢琴曲集》、《英国组曲》、《古组曲》等。奏鸣曲、协奏曲和乐曲等方面的范围就更广了，除了选用维也纳古典乐派作曲家的作品外，浪漫主义时期作曲如舒柏特、舒曼、勃拉姆斯、肖邦、李斯特、柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫以及印象派作曲家德彪西，拉威尔和近代作曲家的作品都可选用，这里就不一一列举了;还是一句话老师领进门修行看个人。

快速学钢琴的方法

速成学钢琴的特点

1、采用带有和弦标记的单行谱教学，可以减轻学生视谱负担，集中注意力，还可以把音乐基础理论与实践紧密联系在一起，从根本上认识音符时值和左右手对应关系。

2、教学过程淡化手型，从学习左手有规律、模式化的I—V7两个和弦的半分解和弦伴奏音型开始，到较复杂的和弦连接与伴奏音型;音符时值从4/4拍一小节一个音的全音符开始，延伸到二分音符、四分音符等学习内容，这种方法上手快，方便学生快速掌握钢琴弹奏的基本规律。

3、注重培养学生的旋律与伴奏意识，第一节课对右手弹奏旋律和左手担任伴奏有个基本定位，通过右手简单的旋律协助左手伴奏音型练习，让枯燥无谓的指法练习变得有趣味、有律动感，有利于培养学生的乐感，提高对音乐的流动性和完整性的认识。

4、使用简谱和五线谱双向选择学习钢琴，学生根据自己的需要选择简谱或五线谱学习钢琴，五线谱教钢琴针对专业学生，简谱教钢琴针对业余学生，特别是中老年钢琴爱好者学习钢琴。

5、注重本土化教材编写，以歌学琴，增加了学习的趣味性。左手模式化的伴奏音型方便学生归纳和总结。

6、一曲多弹，一首乐曲或练习曲用不同的伴奏音型进行练习，学生可以感受用不同伴奏音型弹奏同一旋律的音响、情绪和色彩等变化。告诉学生音乐是可以变化的，对启发学造力是一种很好的教学方法。

学习钢琴曲的四种方法

1 在钢琴上看谱：

这是一种边视谱边弹琴的视奏能力的培养。视奏会发展眼睛的功能，即“一目数行”的能力。

2 离开钢琴看谱：

这是一种视唱能力的培养。这种练习“一举两得”，既提高了视唱识谱的能力，也加深了对乐曲的理解。指挥家都有这种读谱的能力(据说小泽征尔每天凌晨四点钟，就开始看总谱，几十年持之以恒)。

3 在钢琴上不看谱：

背奏对于一个演奏者是非常必要的。有些演奏家上台演奏时带了乐谱，然而他们还是凭着记忆弹奏的。他们带上乐谱仅仅是为了加强安全感。

4 离开钢琴不看谱：

这是一种心里默读乐谱的方法。试图在脑海中描绘乐思的进程，“此时无声胜有声”。

以上第二种与第四种是思想上最吃力、最劳累的方法，这是毫无疑问的。但是，它们却是最有利于发展我们所说的“见识”的，这是一种极为重要的才能。

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初级阶段：

初学钢琴，可用拜厄《钢琴基本教程》。汤普森的《现代钢琴教程》第一册等教材：这阶段主要是学习用手臂重量弹琴，学会手指支撑手臂的重量。运行基本的五音位置的手型训练以及初步学习音阶、琶音、与分解和弦的奏法：主要教材是小型乐曲、和练习一些基本功练习。接着就可以学习车尔尼的《钢琴初步教程》（599）《钢琴简易练习曲》（作品139)、《钢琴流畅练习曲》(作品849)；巴赫的《初级钢琴曲集》《前奏曲与赋格曲》；《小奏鸣曲集》；布格缪勒的《钢琴进阶25曲》。(作品100)、汤晋森的《现代钢琴教程》第二册等也可选用。这阶段学习的内容，是演学生在上一阶段的基础上，进——步扩充技术范围在速度、力度、耐力等方面的要求都有所提高。巴赫作品中复凋的训练，对学生来说是一个新的课题，弹奏小奏鸣曲以及接触各种中外乐曲，可以丰富学生的音乐表现能力。

中级阶段:

高级阶段:

选的教材面就可以更宽了，大部分实际上已经是音乐会曲目了。

练习曲方面，常用的有：克列曼蒂的《钢琴练习曲选29首》、莫什科夫斯基《钢琴巧技练习曲十五首》(72号)、肖邦、李斯特的《练习曲》。

弹钢琴最基本的要领比较重要

读谱背谱和寻键能力

这显然是最基础的技术，练琴的鲜有不识谱的，自学的也不例外。一般来说识谱速度快的水平都很高。识谱能力是靠练的，也是一生一直要练的。练音符多变调频繁的曲子能显著提高读谱能力——比方说李斯特的曲子。当然琴者未必非得会读谱背谱。

音阶

音阶难点在于换指和手掌的移动速度的控制，包括全音节半音阶不完全音阶等等。我的提速方法是先会弹，然后直接上最快的速度——一开始会乱的一塌糊涂，但是会进步很快的。

双音

同样，双音的难点在指法，弹双音就好比把手分成两半。练双音最重要的是解决4指5指力量问题；其次重要的是速度，要想提速，必然要让手指力量提高。不同于八度，双音的速度是靠手指的运动造就的，而不是手腕——力臂太长，加速度不够；最后，要注意双音不是两个音，由于手指力量长度不均衡会导致手指可能难以同时触键，要适当调整手掌的角度。

和弦

流行作品中的和弦通常不难，而古典和浪漫的和弦——尤其是浪漫主义音乐的和弦有时让人弹起来感觉别扭。如魔王里的接近两个度的超大和弦：这种要靠跳，或当作超高速琶音弹奏。还有让四指分开太厉害的：如右手do-re-mi-si和弦，可以适当调整指法，用大拇指直接压在do,re,mi三个键上就可以解决问题；或者换手让左手弹这个和弦。

琶音

琶音同音阶的区别是音与音距离比较大，需要掌握与音阶一样。有的琶音最上方有加强音，需要靠45指力量。

颤音

颤音就是快而准。能否达到这个要求仍然是力量使然。

大跳

大跳是比较难的技术，如《钟》的开头，《唐璜》中间三个八度大跳- -|||，要“大猩猩捶胸式”。我的观点是，用手臂带动手作大跳，注意手型。大跳要做抹桌子状；对于右手，手腕固定，234指上扬，15指伸展，整个手绷紧，用小指侧面“切”高音。更大的大跳考验手臂肌肉。通过简略计算我认为，臂力需要达到70N左右才可以原速完成《钟》的大跳，原速完成唐璜需要130N左右~~~设质点先加速后减速，在t时间完成，求作用力F~~~

八度

八度是很艰深的技术——比方说《魔王》，《钟》，《匈牙利狂想曲6》。八度在这里的要求主要是快准狠。说白了，《狂6》最后一小段八度就是一通狂砸。我弹奏的八度，以手腕后方10公分处为旋转中心，保持手腕手掌固定；手掌下砸手臂上抬，手掌上抬手臂下压。网上的教学都以手腕为旋点，只动手掌，这种方法机械效率很高，但输出功率不理想——我的方法是输出功率足够，机械效率低下~~

轮指

轮指这方面我自己做得也不怎么样，全靠熟练吧。

合奏

合奏是最为艰深的技术。单独操作时手指可以完美进行这些技术，但是双手合在一块儿就困难了，三对二，四对五，都是难以直接节拍完成的；一只手上，12，34手指都可以完美地颤音，但让12，34指同时颤音就非常困难；更不用说带旋律颤音，一个手弹两条旋律等等技术。

不过我们还是有方法的。对于不同速度，可以取最小公倍数，比方说三对二：左三右二，可以认为有6拍子，1拍子左右同时，3拍时左，4拍子右，5拍子左，如此循环。

但对于其他的手指独立性问题我也没什么好的办法，硬练吧

转自： http://blogsinacomcn/s/blog_4b3cf0a70101b50fhtml

(2013-05-24 16:46:53)

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钢琴是一种有300多年历史的键盘乐器。作为一个钢琴的演奏者，触键是必须解决的最重要的技术问题之一，因为它作为钢琴发声优劣的关键，直接影响了钢琴作品的表现力与感染力。因此，触键一直为许多钢琴演奏家最为关注的。同时，触键也是普通钢琴学习者到专业钢琴演奏者的一道门槛。本文希望通过作者本人对钢琴触键认识的叙述，为某些钢琴学习者提供一些信息与帮助。

简述钢琴触键的发展

钢琴触键的发展以古典时期为界可以分为两个大的阶段，前一个时期是钢琴触键技术的成型，后一个时期可说是钢琴触键发展到高峰的黄金时段。

1、前期

关于钢琴触键的前期，首先是古钢琴对钢琴触键的影响，在巴洛克时期羽管键琴的触键手法大多反对用沉重的力气去压迫手指，而提倡以巧劲带动手指的灵活运动。拉莫曾说过：“绝不要把手的力量压在手指上，相反，要用你的手支持住手指，从而使触键更轻巧。”而巴赫的儿子CPE巴赫的著作《试论正确的键盘乐器演奏艺术》不但对巴洛克时期的古钢琴演奏艺术进行了全面的总结，也为早期的钢琴演奏铺设了基础，提供了指南。

接下来真正奠定钢琴触键基础的是莫扎特与克莱门蒂。莫扎特早年曾学习古钢琴，因此，他的钢琴触键技术，留有古钢琴触键的影子。他的触键要求轻巧、纯净而清晰，在旋律的处理上要求音质优雅如歌，反对不必要的肢体动作。可以说莫扎特的钢琴触键实现了古钢琴触键到钢琴触键转变的过渡。而莫扎特所反对的克莱门蒂对钢琴的触键的发展也有重要的影响。克莱门蒂触键的特点之一是抬高手指去击键，这与当时莫扎特等人所提倡的、接近古钢琴的触键所违背。在处理连奏与非连奏上克莱门蒂也有不同于当时的新想法，他在其所写的《钢琴演奏艺术入门》一书中提到：“如果作曲家在乐谱中不标明是连奏或断奏,而任由演奏者的喜爱去处理时,首先应该考虑的,就是用连奏弹出来。断奏主要只使用在要把音群弹得活泼的时候,或是跟连奏形成对比,使前者醒目的时候。”克莱门蒂还写道:“最好的规则是按住琴键保持每一个音符的全部时值。”在“全部时值”上他用了大写。虽然莫扎特不赞同他的演奏方法，但不可否认，克莱门蒂的触键方法突出了钢琴的个性，对以后浪漫派的钢琴演奏影响深远。

2、后期

这一段时期跨度很长，从古典主义后期一直到近现代。许多演奏家与作曲家依照音乐作品的需要，沿着莫扎特与克莱门蒂的道路，发展了许多富有个性的演奏方法。在莫扎特、克莱门蒂之后，古典主义的钢琴演奏风格逐渐发展成了以胡梅尔与贝多芬为代表的两派。胡梅尔的触键较为传统，清晰而准确。贝多芬的触键则更在于突显音乐的力度与演奏家的个性，因此他的演奏常伴随着较大的肢体动作，并且经常弹断琴弦。此时的贝多芬在钢琴演奏上已经开始注意用钢琴弹出交响化的音色，这对以后的许多浪漫主义的作曲家与演奏家具有深刻的影响。

到了浪漫主义时期，钢琴得到了大量的普及，各种表现手法被运用到各种不同风格的乐曲上，钢琴音乐空前繁荣。这时钢琴的演奏大体上可以分为以肖邦为代表的歌唱性风格与以李斯特为代表的交响性风格。肖邦注重如歌的连奏，强调触键的柔和，并且注意到了触键时，手指之外其他身体部分的协调动作，他曾指出应该讲究运用手掌的各个部位以及手腕、肩的前部和肩膀。李斯特的钢琴演奏风格则在一定程度上承袭并发展了贝多芬的交响化风格，在他眼中，钢琴俨然已成为了一个乐队。他本身的演奏技术相当惊人，在他演奏时，他的手指、手腕、肩膀乃至整个上半身都投入到那中极富激情的演奏中。李斯特很注重手指触键的部位，他曾告诉学生从指腹处发力要比从指尖靠近指甲处发力所获得的声音更醇厚更富有弹性。

浪漫主义时期的音乐家们不断的发展与运用各种个性的触键方法为音乐的表现服务。浪漫主义之后到近现代，这种变化与革新变得更加明显与突出。这一时期触键风格的改变，在音响上的体现尤为明显。具有代表性的有德彪西、拉威尔的印象主义与巴托克与普罗科菲耶夫等人为代表的一种具有打击乐特点的风格。前者的演奏与触键注重的是体现出缥缈的色彩感与演奏者对音乐作品的感觉。如德彪西的《前奏曲》，拉威尔的《水的嬉戏》。后者的演奏伴有大量的不谐和音，并注重强劲的节奏、狂野的力度、不规则的重音等。如巴托克的《野蛮的快板》，普罗科菲耶夫的《第六钢琴奏鸣曲》。

钢琴触键的基本方法与问题

一般来说，传统的钢琴触键方法大致可以归纳为两种，一种是以掌关节为依靠高高抬起手指，指尖垂直击键，另一种是把手平平放在键上，以指腹发力按键。在格拉西亚所著的《钢琴演奏法》中它们被称为“高位置”与“近位置”。“近位置”的特点是力量虽然不大，但是能够快速流畅的弹奏音群，在巴洛克时期所提倡的那种清晰、柔顺的早期钢琴与古钢琴触键，就可以归入这一类。后来随着钢琴结构的改变，音乐对于手指力度的要求增加，从克莱门蒂开始，“高位置”被逐渐运用到演奏中。根据钢琴的击弦原理，“高位置”的触键力量较大，音色辉煌华丽、铿锵有力，如运用高抬指的话，音色则清晰明亮、颗粒性强。所以说这种触键的方法比较适合于一些强劲有力但速度不快的音乐，如表现博大宽广的意境时，就比较适合用“高位置”的触键。“近位置”的触键讲究尽可能小的关节运动，这是一种很节约力气的触键方法，音色柔和优美。它的优点可归纳为三点：1按键容易，最易找到放松的感觉，2力量最容易做到平均，3避免了手指其他多余的运动，使手指在弹快速的音群时能尽可能的安稳。因此这种触键方法一般用于一些圆滑快速的弹奏。但是在初学钢琴的阶段，如果接触“近位置”触键较多的话，比较容易形成一种消极与散漫的弹琴状态。相反“高位置”的触键方法有利于培养初学者手指的力度与手指的独立性。“高位置”与“近位置”在理论上虽然有所区分，但是在实际演奏中却总是相互联系，一切的方法都取决于音色的需要与乐曲的要求，甚至钢琴的不同性能。触键是灵活的，需要用自己的心去选择最合适的方法。

关于钢琴触键我觉得首先是要注意手臂的放松。当然在弹琴时，手的肌肉不可能都是完全的放松，要出力的话必然会有肌肉紧缩。因此如何放松该放松的肌肉，控制该运动的肌肉才是我们该探求与学习的关键。钢琴的触键，其实也是演奏者不同个性的表现，不论是演奏家还是普通的钢琴学习者，对于作品不同的理解往往体现在触键等方面，特别是对于钢琴家而言，触键甚至可以成为他们个人的名片。一个乐曲经常有着十分丰富的情感，因此，在钢琴的触键的运用上，应按照不同的音乐需要与自己的体会，结合多种方法，对作品进行最为全面的表达。只有恰到好处的结合，才能创造出色彩斑斓，千变万化的音色与音质。而对于初学者来说，最开始要在老师的指导下进行科学的训练，避免触键时姿势的畸形，形成用最合适、最方便的姿势弹琴的习惯。比如说在早期训练手指力量与独立性的高抬指，就比较适合早期手指还分不开的一些人。在训练做其他练习时，力量要源于肩膀，切忌手指孤立的运动。作者认为听觉的训练对于练习者来说，也同样重要。在这所指的听觉分为两种，首先是多听大师们的演奏，这样能够培养我们音乐的感觉与表演的热情，并且能够帮助自己树立音乐的审美标准。其次是把听觉运用到自己的学习与演奏中，通过自己的耳朵来辨别哪些音符应该用怎样的方法来演奏，或者是自己在演奏上，触键还应该作哪些方面的改进。

掌握正确触键是我们理解与表现音乐的重要手段。触键问题的关键就是不同音乐要求的不同音色，然后运用不同的触键方法。不论是巴罗克时期，还是近现代的触键。音乐的本体始终处于触键方法的中心位置。

参考文献：

《论钢琴触键技术的发展》丁好　《黄钟》2005年第一期

《“高位置”与“近位置”》高颜仙　《星海音乐学院学报》2005年第二期

《钢琴触键的基本问题》奥席卜．加布里罗维奇　著　叶俊松，张晓蕾　编译

《云南艺术学院学报》2005年第一期

《钢琴触键技术对钢琴音色的影响》陈放

《河南大学学报（社会科学版）》2004年第四期

《谈钢琴的触键和发音》江肖慧

《乐府新声》1995年第一期

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钢琴颤音，如果在fa（4）上有颤音符号，怎么弹

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